Blues

Algiers

Giulio Magliulo — Wed, 19 Aug 2015 08:41:50 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Blues

Alternative Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2015

Line-Up:

Franklin James Fisher - lead vocals, backing vocals, guitar, piano, rhodes, cello, drums, percussion, sampling
Ryan Mahan - bass, synthesisers, piano, backing vocals, percussion, drum programming
Lee Tesche - guitar, prepared instruments, percussion, loops, backing vocals
Matt Tong - drums, backing vocals

Tracklist:

1.	"Remains"	3:05
2.	"Claudette"	3:31
3.	"And When You Fall"	3:41
4.	"Blood"	5:38
5.	"Old Girl"	4:24
6.	"Irony. Utility. Pretext."	4:30
7.	"But She Was Not Flying"	3:58
8.	"Black Eunuch"	3:39
9.	"Games"	3:49
10.	"In Parallax"	8:20

Algiers

Il soul apocalittico degli Algiers è l'ultima new thing foriera di entusiasmo collettivo nella comunità internazionale della musica indipendente.
Questo unanime giudizio positivo non può che essere condivisibile data l'oggettiva forza espressiva che promana da quest'album.

Se nuovi non sono i riferimenti musicali, facilmente intuibili in Algiers, rinnovato è lo spirito con cui il trio americano originario del sud degli States (Atlanta) ma operativo tra New York e Londra li gestisce.
Innanzitutto la musica afroamericana al di là della sua spettacolarizzazione, intesa come strumento di protesta, come verbo che incarna tutto il dolore eterno di una razza che parte dai campi di lavoro e arriva all'ultimo morto ammazzato di colore per mano di un poliziotto bianco.

Tematiche non nuove se si pensa a tutta la storia del soul di rivolta (dal gospel all'avant-hop è solo la direzione stilistica a mutare, quasi mai i contenuti).

Eppure gli Algiers non sono una band 'politica' in senso stretto, nei loro testi non ci sono proclami e non si sbandierano messaggi ma le ideologie più o meno sottese di cui si sente forte più di un alito sono tutte quelle che in qualche modo contrastano (o hanno cercato di contrastare nel corso della storia) questa immutata condizione, questo status di minoranza con le sue odiose conseguenze.

E' l'energia, anche oscura, cupa e negativa dunque la grande novità che Franklin James Fisher, Lee Tesche e Ryan Mahan (dal vivo è Matt Tong di Bloc Party ad accompagnarli alla batteria) veicolano nel mondo moderno e urbanizzato da un profondo sud magico, rituale, già metabolizzato in post-punk era da chi ha voluto codificare anche in musica certe pieghe del gotico americano.

Di quel periodo gli Algiers prendono però in prestito anche le nevrosi wave-industriali, i lampi intermittenti e le affilate chitarre per fendere l'indifferenza mediatica.
Se gli Algiers rappresentino il possibile mattone di nuovo edificio musicale/ideologico non si sa, ma la spallata che danno all'utopia post-colonialista è davvero potente.

Winter Whales War

Giulio Magliulo — Fri, 22 Feb 2013 17:49:06 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Blues

Indie Rock

Etichetta:

Bomba Dischi

Anno:

2013

Line-Up:

Domenico Migliaccio - Batteria,varie

Gianluca Danaro - Voce, chitarra, varie

Tracklist:

The same old story

My favorite color

1959

This is halloween

Edward Teach also known as Blackbeard

Nothing to lose blues

Hold fast

Molly

Sloop John B

Winter Whales War

Sadside Project

Winter Whales War

Istinto, passione ed energia le leve su cui si muove il duo romano dei Sadside Project formato da Gianluca Danaro e Domenico Migliaccio qui al secondo album in compagnia di tanti amici che han dato loro man forte nella realizzazione di questo prodotto che potremmo definire perfetto per chi è in perenne ricerca delle radici del rock and roll; tra gli amici: Roberta Sammarelli, bassista dei Verdena, Adriano Viterbini dei Bud Spencer Blues Explosion, Alberto Mariotti e Wassilij Kropotkin dei King of the Opera più altri musicisti del giro romano di Boxerin Club, Indie Boys Are For Hot Girls ed Ancien Régime.

Voglia di ‘roots’ quindi, in tutte le accezioni possibili del termine. I Sadside Project suonano ‘garage’ e questa può essere una chiave di lettura per comprenderne l’approccio sonoro. Lo suonano poi in un modo molto onesto e genuino, caratteristica forse più mutuata dal folk. E lo suonano anche molto denso e pesante, come se fosse blues. In certi casi talmente tanto da apparire febbrili come il rockabilly.

Tanto etilici nella capacità di trascinare quanto etici nei confronti del riff e delle sue leggi. E su tutto, quel pizzico di freakettaggine che non solo ne addolcisce i lineamenti ma li colloca in un non-luogo dove è possibile far convivere i Kings Of Leon con John Spencer, Woodstock con il soul e l’errebì, i Grand Funk con gli Akron Family, i Led Zeppelin con i White Stripes ed i Black Keys. E nella prima traccia, The Same Old Story, fanno capolino perfino i Police più pop, crepi l’avarizia!

Eppure in questo bailamme di suggestioni non c’è confusione ma tanta leggerezza che permette all’ascolto di scorrere via piacevole e senza momenti di noia, rischio che a bazzicare certi ambienti si corre eccome (qualcuno ha detto Mojomatics?).

Quando non si ha un passaporto americano ma si vuole fare ad esempio un rock and roll anni ’50 senza cadere (e scadere) nella retorica, bisogna essere attenti e molto motivati: sembra che i Sadside Project facciano la differenza.

Merde, il pleut

Giulio Magliulo — Wed, 29 Feb 2012 20:15:05 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Blues

Avantgarde

Etichetta:

Petits Machins

Anno:

2012

Line-Up:

Matteo Fiorini - chitarre, lapsteel, ukulele

Laura Lalla Domeneghini - voce (track 8)

Tracklist:

01. Little Frog

02. La classe operaia brucia all'inferno

03. Ma Maison

04. Le train

05. J'avais deja écrite tout

06. Cantagallo

07. God bless you, bankrobber

08. Mamma mia, dammi cento lire

09. No windows blues

10. Santa Maria del ribelle

McGuffin Electric

Merde, il pleut

Sembra l’intro di ‘15 Seconds or Five days’ degli Anastasia Screamed quella di ‘Little Frog’, ma per il resto del disco non si parla di rock.

Il disco è ‘Merde, il pleut’ del giovanissimo chitarrista bresciano Matteo Fiorini che oltre alle chitarre elettriche ed acustiche suona qui anche lapsteel ed ukulele e lascia ben sperare chi dal mondo dell’elettroacustica si aspetta tante belle rifrazioni folk, blues, certamente alternative ma non esasperatamente avanguardistiche da rasentare l’ermetismo musicale o l’inascoltabile.

L’origine del nome è da cercare nel romanzo ‘54’ del collettivo Wu-Ming e l’etichetta Petits Machins è una giovane label italo-francese dedita a questi suoni di frontiera.

In Merde, il pleut sembra di assistere alla descrizione in ‘slide mode’ di un paesaggio rurale familiare, ma forse questo non è nelle intenzioni dell’artista: c’è più Cabeki che Ry Cooder, diremmo, in certi salti geografici incondizionati e in certi sapori un po’ old-America (benedetta lapsteel!).

E da Bill Frisell il nostro sembra quasi mutuare il senso di religioso rispetto per l’attesa, per il vuoto, per il silenzio che si avverte in certe tracce riflessive come ‘ J'avais deja écrite tout’ o ‘God Bless You, Bankrobber’.

La capacità di racconto, il passo della narrazione comunque è già tutto Mc Guffin Electric a dispetto della giovane età e la sua poetica è già molto personale come lo è la rilettura di alcune pagine strumentali, propriamente chitarristiche, mutuate da diversi mondi sonori (basti pensare all’inusuale e – per il piglio con cui è trattata- quasi filologica ‘Mamma Mia Dammi Cento Lire’, pezzo importante del canzoniere storico dell’Italia settentrionale alle prese con il suo dramma dell’emigrazione in Sud America negli ultimi decenni dell’800).

In conclusione, per chi è avvezzo a certi ascolti, solo piacere potrà derivarne dallo scoprire che piccoli Mazzacane Connors crescono anche qui da noi, mentre invece se proprio si vuole trovare dei difetti, forse essi consistono nella troppa uniformità dell’intero lavoro, nella relativa mancanza di differenze di cromatismi in grado di far cogliere tutte le sfumature presenti nella musica di McGuffin Electric, in quella veste ostentatamente scarna fatta di pochi suoni che si ripetono lungo tutto il lavoro e che potrebbe tenere lontano quella parte di pubblico che al sol sentire parole come impro o contemporanea si spaventa. L’impressione che se ne riceve è quella di un suono ‘sottoesposto’, che risente di una eccessiva legnosità e che riverbera di una polvere lo-fi che eliminata avrebbe conferito maggior scintillìo alle tracce.

L’auspicio è quindi quello di usare tutta la tavolozza dei colori, perché se non a venti anni, quando?

El Camino

Gabriele Bartolini — Mon, 05 Dec 2011 19:18:58 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Blues

Indie Rock

Etichetta:

Nonesuch

Anno:

2011

Line-Up:

- Dan Auerbach
- Patrick Carney

Tracklist:

01. Lonely Boy
02. Dead and Gone
03. Gold on the Ceiling
04. Little Black Submarines
05. Money Maker
06. Run Right Back
07. Sister
08. Hell of a Season
09. Stop Stop
10. Nova Baby
11. Mind Eraser

Black Keys, The

El Camino

Ai Black Keys è sempre piaciuto molto comportarsi da veri americani. Ricorderete a proposito il party spazzatura in cui si autocoinvolsero in occasione del (recente) tributo a Buddy Holly, ma forse basterebbe solamente ricordare le origini del loro nome, sorto dopo l' incontro con uno stralunato soggetto dell' Ohio, dal cui sobborgo di Akron provengono loro stessi. Ma se c'è una cosa in cui gli americani eccellono, si tratta senza dubbio della passione per le auto, e per la sua relativa manutenzione. Incredibile ma vero Dan Auerbach e Patrick Carney hanno deciso di comporre un disco, intitolato El Camino e rilasciato come di consueto da tre anni a questa parte dalla Nonesuch, totalmente perseguitore della malsana idea di rappresentare in tutto e per tutto la soundtrack per viaggiare in perfetta sintonia sul furgone omonimo, datato millenovecentonovantaquattro, con tanto di spot e sito (wannabuyavan) annesso. Posto che il sottoscritto non possiede tale veicolo, non è difficile capire che tale ilare lavoro - che segue a ruota di un anno il loro masterpiece, quel Brothers eletto da critica e pubblico uno dei dischi migliori del duemiladieci - è volto a rivelare il lato più scherzoso della band (a detta loro ispirata senza mezzi termini dai Devo per questo aspetto) e magari a calmare le acque dopo la rivoluzionaria produzione di Danger Mouse del succitato precedente disco o l' attesa spasmodica per la seconda imminente release del side-project Blackroc, un nome che ci deve ancora molte spiegazioni.

Non stupirà quindi la decisa sferzata sulla musica degli esordi che i nostri compiono se l' obiettivo è quello di comporre un sapiente juke-box carico di undici nuovi brani sapienti nell' esaltare la loro capacità di produrre singoli di successo. Abilità che costituisce la colonna vertebrale per quaranta minuti di puro frizzante blues-rock fatto friggere con una produzione (di nuovo a carico di Patrick e del roditore Brian) capace di far emergere le tradizionali armonie indie-rock in cui molto spesso il gruppo indulge, e che esorta i Black Keys ad identificare la famosa formula pop molto spesso vincente di Brothers come il vero asso nella manica. Tutto molto bello quindi, soprattutto nei momenti in cui il tutto si stabilizza su di un rock diretto, senza fronzoli ideale per raccogliere attorno ai nuovi motivetti gli album che più vantano tali doti, ovvero i vincenti Rubber Factory e Magic Potion. A ciò aggiungiamo una scarnezza a metà fra The Big Come Up e Thickfreakness, ed ecco che il successo di El Camino è già imminente.

Concettualmente non c'è molto altro da aggiungere, se non uno stile caratteristico per il fatto di non limitarsi mai, nemmeno quando, da buoni americani, bisogna tirare fuori il villoso petto hard-rock alla maniera dei fulminanti Queens of the Stone Age di Rated R, limpidi e con solo un desiderio in testa: spaccare tutto. La partenza è subito scottante, con il fritto misto ammaliante di surf accennato e riff granitici del primo singolo estratto Lonely Boy, ma non che il resto si faccia attendere. Perfetto esempio di ciò sono l' ipnotica Run Right Black o le possenti citazioniste Mind Eraser e Sister - quest' ultima con un ritorno elettrico formidabile - per non parlare di Little Black Submarines, la ballatona country del disco. Ma tra i Cramps ed i White Stripes il passo è breve: da non sottovalutare infatti sono anche le più moderne Stop Stop e Nova Baby, che tra coretti ed handclapping strizzano l' occhio anche al pubblico indie.

El Camino è la perfetta contraddizione di cui solo gli americani sono capaci. Nessuno infatti dopo la scorpacciata di premi del duemiladieci si sarebbe aspettato dei Black Keys ancora assiduamente sul pezzo, volti sì verso una inedita veste da giullari del blues-rock ma nonostante ciò sempre carismatici ed incisivi, pronti a metter la propria personalissima impronta ovunque se ne senta il bisogno. El Camino, sotto questo aspetto, andrà ad identificarsi nella loro discografia come l' uscita più trascurabile, complice una produzione che rende il prodotto finale per la prima volta fruibile a tutti. Ma diffidate dagli aggettivi, perché le qualità e la capacità di coinvolgimento del duo si dimostrano ancora una volta impareggiabili. A questo punto, non mi resta che augurarvi un buon viaggio.

Safe as Milk

admin — Thu, 06 Jan 2011 23:00:00 +0000

Voto:

9.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Blues

Etichetta:

Buddah

Anno:

1967

Line-Up:

Don Van Vliet – voce, armonica, bass marimba, arrangiamenti
Alex St. Clair Snouffer – chitarra, basso, cori
Jerry Handley – basso, cori
John French – batteria, cori
Ry Cooder – chitarra, chitarra slide, basso, arrangiamenti (Sure 'Nuff 'N Yes I Do, Grown So Ugly)

Guests
Samuel Hoffman - theremin (Electricity, Autumn's Child)
Milt Holland – log drum, tamburello
Taj Mahal – tamburello

Production
Richard Perry – clavicembalo, produzione
Bob Krasnow – produzione
Hank Cicalo, Gary Marker - engineering

Tracklist:

1. Sure 'Nuff 'n Yes I Do – 2:15
2. Zig Zag Wanderer – 2:40
3. Call on Me – 2:37
4. Dropout Boogie – 2:32
5. I'm Glad – 3:31
6. Electricity – 3:07
7. Yellow Brick Road – 2:28
8. Abba Zaba – 2:44
9. Plastic Factory – 3:08
10. Where There's Woman – 2:09
11. Grown So Ugly – 2:27
12. Autumn's Child – 4:02

Captain Beefheart and His Magic Band

Safe as Milk

Captain Beefheart, nome d'arte di Don Van Vliet (all'anagrafe Donald Glen Vliet), nato nel 1941 in California, si è rivelato come uno dei cantanti, compositori e band-leader più fuori dagli schemi, unici, anticommerciali e avanguardisti della propria epoca.
Nella sua carriera è riuscito a creare una formula musicale assolutamente senza precedenti, capace di catturare ed unire assieme l'essenza del rhythm'n'blues di Howlin' Wolf, la sperimentazione senza barriere del free-jazz e dell'avant-garde più anticlassicista, ma anche l'estetica dadaista e la forma mentis "freak" figlie dell'ala più estrema della controcultura.

Di origini olandesi da parte di padre e inglesi da parte di madre (la nonna fu la seconda cugina di Wallis Simpson, moglie di Edward VIII), manifesta le proprie qualità artistiche già nella prima adolescenza, cimentandosi nella scultura e nella pittura, particolarmente influenzato dall'espressionismo astratto di Franz Kline e Jackson Pollock.

Vliet diventa amico dell'eclettico Frank Zappa alla Antelope Valley High School di Lancaster. Assieme allo stesso Zappa sceglie quello che diventerà poi il suo nome d'arte ufficiale, scrivendo i due la sceneggiatura di un film (poi mai girato) dal titolo Captain Beefheart vs. the Grunt People.
Dopo un anno Vliet lascia gli studi, scelta che poi commenterà con uno dei suoi aforismi più significativi, "If you want to be a different fish, you gotta jump out of the school", ovvero riflettendo la convinzione che il sistema scolastico costituisca il primo passo verso il conformismo coatto e la soppressione dell'individualità.

Si trasferisce poi a Cucamonga, per rivedere Zappa, e lì decide di cimentarsi nella composizione musicale.
Nel 1965 mette in piedi la prima line-up della The Magic Band, suo gruppo di supporto, assieme ai musicisti rhythm'n'blues Alex Snouffer (chitarra), Doug Moon (chitarra), Jerry Handley (basso), Vic Mortenson (batteria).
Nel 1966, dopo aver rimpiazzato Mortenson con Paul Blakely alla batteria, i così formati Captain Beefheart & His Magic Band firmano un contratto con la A&M Records, pubblicando i due singoli Diddy Wah Diddy (una cover del pezzo popolarizzato da Bo Diddley) e Moonchild (scritta dal produttore David Gates).
I vertici della A&M scaricano la band in fretta, subito dopo aver ascoltato la direzione musicale che i cinque intendono intraprendere, ma arriva un nuovo contratto con la Buddah Records.
Il batterista viene nuovamente sostituito, stavolta con John French, e per la lavorazione del primo album Vliet chiede la collaborazione del talentuoso chitarrista ventenne Ry Cooder, destinato in futuro a diventare uno dei chitarristi blues più celebri della sua generazione. Il reclutamento si rivela fondamentale non solo per l'apporto di Cooder al sound, ma anche per via della dipartita di Doug Moon (esasperato dal carattere del leader e incompatibile con le sue idee più sperimentali) durante le sessioni.

Esce così Safe as Milk (Buddha, 1967), fino ad allora uno dei dischi rock più bizzarri e originali mai composti, e fino ad allora il disco blues più fuori dagli schemi di sempre. Le composizioni di Beefheart sono strettamente legate alle sue influenze pittoriche: Vliet trasferisce il modus operandi del dadaismo e dell'espressionismo astratto alla musica di Robert Johnson, Howlin' Wolf, Muddy Waters e Robert Pete Williams.
Lo scheletro del Delta e Louisiana blues (ovvero quello più "sporco" e paludoso) viene smembrato e ricomposto in maniera squilibrata, nevrotica e per certi versi freak; ma il freak di Beefheart condivide con Zappa solamente la forte ironia surreale, evitandone la caustica dimensione satirica, e tramutando le pomposità orchestrali in eccentricità psicotiche negli arrangiamenti e nelle ritmiche. Si tratta di due tipologie differenti di mentalità freak, con radici culturali e artistiche sensibilmente distanti, e che possono anche essere identificate con la differenza tra il carattere fortemente introverso di Vliet e quello fortemente estroverso di Zappa.
Il manifesto dell'intera opera potrebbe essere già l'opener Sure 'Nuff 'N Yes I Do: lo standard blues Rollin' and Tumblin' viene affogato nelle slide-guitar di Ry Cooder, spezzato da passaggi epilettici al drumming, fatto esplodere con la voce cavernosa e penetrante di Vliet.
Beefheart non solo possiede un'estensione vocale di 4 ottave e mezza, ma si getta anche in continui cambi di registro e timbro: in ogni pezzo interpreta così una o più diverse personalità schizofreniche. Le sue melodie vocali si evolvono poi di pari passo agli sconnessi tappeti sonori, toccando la massima eccentricità e anti-radiofonicità. I suoi modelli restano comunque quelli dei bluesmen più graffianti, e soprattutto Howlin' Wolf, il cui timbro vocale spesso riproduce perfettamente.
L'estremo parodistico è rappresentato dal doo-wop radiofonico I'm Glad (dimostrazione di come Vliet e soci fossero capacissimi di scrivere anche pezzi assolutamente canonici e pop), che viene appositamente distrutto dalla traccia successiva, Electricity, il capolavoro di estremismo sonoro del disco, con spettacolari pattern ritmici, vocalizzi psicopatici e dal timbro balzante da una personalità all'altra, droni di theremin da cinema horror.
Il resto del disco non è comunque da meno, anzi: si fa fatica ad individuare un pezzo che non sia assolutamente travolgente.
Abba Zaba è il momento più influenzato da Zappa, disteso su di un tappeto di percussioni tribali e governato da una demenzialità surreale, mentre la filastrocca folk-country di Yellow Brick Road viene cantata nelle strofe con ingenua innocenza (anche se sempre avvolta dai disorientanti fraseggi slide di Cooder), contrastata poi dal latrato con cui viene declamato il chorus.
Zig Zag Wanderer e Plastic Factory, il primo travolto dai riff e dal canto, il secondo con un eccezionale intreccio tra chitarre elettriche e armonica a bocca, sono i due blues-rock più sporchi e trascinanti, degni di finire tra i massimi capolavori di sempre del genere (assieme anche all'opener Sure 'Nuff 'N Yes I Do).
In Dropout Boogie, un altro vertice, si sposano il riff chitarristico più rabbioso del disco e il growl più gutturale di Vliet, il tutto spezzato da parentesi in 3/4 guidate da un'esotica melodia alla bass marimba.
Tra i restanti pezzi, i più vicini alla tradizione afroamericana sono Call on Me, scoppiettante rhythm'n'blues/soul-rock che porta in una dimensione ancora più selvaggia il lascivo stile alla Wilson Pickett, e Grown So Ugly, impetuosa cover di uno dei pezzi più celebri del bluesman Robert Pete Williams.
Where There's Woman incorpora anche sonorità più ispaniche (influenza che tornerà più marcata ed evidente in futuri pezzi della band), con strofe malinconiche e tamburellate (uno dei sessionman al tamburello è Taj Mahal, altro giovane destinato ad una carriera di grande successo in campo blues) che sembrano uscite dal repertorio dei The Doors, e un'improvvisa accelerazione ritmica nel corale chorus.
Il disco si chiude con la più freak e zappiana Autumn's Child, dilatata e avvolta dalle polifonie vocali, in un vero e proprio rock psichedelico.

Introduzione perfetta alla carriera di Beefheart, questo incredibile ed esplosivo album blues-rock vive di un magico e raro equilibrio tra innovatività personale e radicale da una parte, e orecchiabilissimo talento melodico dall'altra.

Consigliata la ristampa del 1999, con una qualità di produzione nettamente migliorata e l'inserimento di 7 eccezionali inediti dello stesso periodo, tra i quali spiccano le epilettiche Safe as Milk (Take 5) e Big Black Baby Shoes, le esplosioni ritmiche di Flower Pot, i 7 minuti dissonanti e malati di Korn Ring Finger, i 7 minuti dell'impressionante baccanale mediorientaleggiante e quasi prog-rock Trust Us (Take 9).

Dopo l'uscita di Safe as Milk, Jeff Cotton prenderà il posto di Ry Cooder alla seconda chitarra.

Good

admin — Mon, 13 Oct 2008 22:00:00 +0000

Voto:

9.2 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Jazz Rock

Blues

Alternative Rock

Etichetta:

Rykodisc

Anno:

1992

Line-Up:

:
- Mark Sandman - 2-string slide bass, vocals, organ, tritar (3-string slide guitar), guitar, piano
- Dana Colley - baritone sax, tenor sax, double sax, triangle
- Jerome Deupree - drums, percussions

Tracklist:

:
1. Good
2. The Saddest Song
3. Claire
4. Have a Lucky Day
5. You Speak My Language
6. You Look Like Rain
7. Do Not Go Quietly Unto Your Grave
8. Lisa
9. The Only One
10. Test Tube Baby-Shoot 'em Down
11. The Other Side
12. I Know You, part I
13. I Know You, part II

Morphine

Good

Morphine, una delle realtà più sorprendenti dell'ultimo decennio del ventesimo secolo.
Nati in America in piena epoca grunge, andando controcorrente con una musica molto più soffusa, calda e avvolgente, che affonda le sue radici in un secolo di tradizione blues, jazz, cantautorato anglosassone e soft rock (riuscendo a combinare il tutto in uno stile innovativo e originalissimo), i Morphine vengono formati da Mark Sandman e Dana Colley nel 1989 a Cambridge nel Massachussets. Sandman iniziò la sua carriera nel gruppo blues rock Treat Her Right, mentre Colley proveniva dai Three Colors di Boston.
Dopo aver invitato il batterista Jerome Deupree ad unirsi a loro, gli americani iniziarono a maturare un'idea musicale davvero talmente unica e personale che certi aggettivi rasenterebbero l'eufemismo. Il primo album si intitola Good ed è il 1992.

Quando si chiedeva a Sandman di descriverla, lui rispondeva con un po' di ironia che la musica dei Morphine era un "low rock", riferendosi principalmente allo stile sommesso e dalle tonalità basse del gruppo, ma il termine che forse preferiva era "baritone experience" (termine che amava riproporre citando anche la Jimi Hendrix Experience). Infatti il loro stile era davvero unico e non inquadrabile nelle precedenti catalogazioni. Basti pensare all'assenza della chitarra elettrica, strumento simbolo del rock (e per taluni forse sarà sacrilegio), al cui posto troviamo invece inusualmente un denso, dolce e al tempo stesso intenso sassofono, quello di Colley, dal tocco unico nel costruire le atmosfere delle canzoni che passano con disinvoltura da momenti più soffusi ad altri più energici, passando per altri più sofferti. Ma è soprattutto Sandman che recita un ruolo essenziale, con la sua carismatica, calda e profonda voce baritonale (per l'appunto) e con il suo unico basso fretless a due corde (!), suonato prevalentemente con la tecnica dello slide o con lievi pizzichi, con le quali costruisce brani minimali ma diretti ed emozionanti.
Fu sotto ispirazione di determinati strumenti folkloristici africani (che avevano una sola una corda e si suonavano in maniera particolare) e raccogliendo l'eredità dei Treat Her Right che il buon Mark ebbe l'ispirazione principale per lo strumento con cui edificò l'apparato sonoro unico del gruppo. Assieme a Colley la sinergia diviene perfetta, e se da un lato si è più volte parlato dell'eredità di bluesmen e cantautori come Tom Waits nell'attitudine mesta e nel mood cupamente inquieto edificati dal binomio basso-voce di Sandman, è altresì vero che il contributo di Colley ha conferito un tocco ancora più speciale alla musica, fra ballate cupe e soffuse ed interventi che riportano linfa vitale al cool jazz. Colley si dimostra versatile e creativo, passando agevolmente fra sassofono baritono (di nuovo per l'appunto), soprano e tenore, occasionalmente prendendo in mano anche uno sporadico sassofono basso e a volte sovrapponendone due alla volta.
Non dimentichiamo comunque anche l'apporto dato da Deupree, batterista morbido, scorrevole, ma anche dall'ottimo senso del dinamismo, e intelligente come pochi - assolutamente inventivo .
Il tutto confluisce in un'opera dalle atmosfere notturne e fascinanti, a tratti vicina alla new wave nella sua elasticità, dalle tonalità pessimiste e in alcuni punti addolorate ma anche capaci di momenti più energici, mentre i testi riprendevano il tocco del periodo beat come del blues più desolato - rielaborati dalla poeticità di Sandman.

L'iniziale Good ci introduce nell'album con le sue morbide ma orecchiabili linee di basso, un riff semplice ma accattivante, mentre lo sfondo della canzone viene scandito dalle percussioni e dal timido sassofono. Il tutto è suadentemente notturno, oltre che breve, essenziale, minimale.
Viene poi The Saddest Song: forse in termini assoluti il superlativo è un po' esagerato, ma l'espressività di questa canzone, il sentimento che riesce a sprigionare è eccezionalmente più reale e sentito che nella stragrande maggioranza delle ballate "strappalacrime" in cui moltimila gruppi pop e rock puntualmente si cimentano come se fosse un obbligo a cui attenersi per mero formalismo. Sandman riesce in ciò semplicemente con la sua calda voce, il triste basso, l'intenso accompagnamento della batteria di Deupree e il forse anche troppo breve intervento evocativo del sassofono di Colley.
Nella successiva Claire si ritorna su binari più pacati, guidati dal canto vellutato e sfocianti poi in un assolo di sassofono commovente che presto acquista brio e vigore - ma sempre in maniera delicatissima. Gli arrangiamenti persistono con un pizzico di minimalismo che non fa che accentuare l'efficacia e la presenza delle note, mai ridondanti e sempre significative. Le sonorità sono un pregiato rimescolamento di stilemi del passato con uno spirito a cavallo fra più decenni difficilmente riscontrabile in altri gruppi, proseguendo ancora nell'accattivante e mordace Have a Lucky Day e nell'incalzante You Speak My Language (swing e rockabilly dall'ossatura energica e al tempo stesso ipnotica) non è facile rimanere impassibili di fronte ad un lavoro le cui sonorità suonano al tempo stesso tanto familiari e tanto uniche.
La dimensione sommessa in cui il disco immerge l'ascolto è il terreno di maggior gioco della flessibilità della musica; se il blues/jazz a tinte dark di You Look Like Rain, forse il pezzo più noir dell'album (con un Sandman sempre più retrò), è una desolata e dimessa perla notturna, Do Not Go Quietly Unto Your Grave (fra jazz e cenni di salsa) catapulta in uno scenario metropolitano incupito, vivo ed introspettivo, dove Sandman espone le proprie idee sorretto dalla strumentazione cadenzata, lasciando poi spazio al breve, sensuale assolo di sassofono di Lisa.
Lo stile di Sandman è libero e genuino, capace di essere deciso e al contempo di tingersi di malinconia e dolcezza poco dopo, ricco di una potenzialità espressiva enorme. La misurata The Only One invece ritorna sui passi di Have a Lucky Day, con un po' di schematicità, prima però dell'esplosione di vivacità della frenetica Test-Tube Baby.
Ogni singolo motivo cattura e immerge nella sua dimensione, rendendo partecipi all'ascolto della musica come se essa comunicasse direttamente come si sta sviluppando, con naturalezza e freschezza, ma lasciando sempre celati nuovi dettagli che non si erano notati e di cui ci si accorge sempre più ad ogni ascolto, impreziosendo il lavoro di un gruppo che non finisce mai di coinvolgere e stupire. La melodia di On the Other Side è melanconica ma catturante, a tratti anche inquietante, dipinta su atmosfere fumose costruite sulla sezione ritmica trascinante. Ne risulta forse il pezzo più espressivo e memorabile del disco.
La chiusura viene affidata alle due parti di I Know You, con bassi ipnotici e fiati fluidi, canto quasi sussurrato e atmosfera noir corposa, intrigante.

Si conclude così Good, un album in cui dietro ogni gioco di note, dietro la sua strabiliante personalità, si nasconde un cuore pulsante grazie a cui il disco scorre sempre perfettamente lineare nella sua efficacia melodica; a tratti sembra anche apparentemente un po' scarno, ma è in realtà diretto e genuino. Un piccolo cupo gioiello perduto, capolavoro di inizio anni '90, capace di trarre spunto dalla musica del passato e di riattualizzare il tutto con un estro ineguagliato ed uno stile unico ed innovativo.

Talk to Your Daughter

admin — Fri, 04 Apr 2008 22:00:00 +0000

Voto:

8.4 / 10

Autore:

Roberto Vitale

Genere:

Blues

Etichetta:

Warner Bros

Anno:

1988

Link correlati:

Robben Ford Official Site

Line-Up:

- Robben Ford - Voce e chitarra solista
- Roscoe Beck - Basso a quattro e sei corde
- Russell Ferrante - Testiere
- Vinnie Colaiuta - Batteria

Tracklist:

1. Talk to your daughter
2. Wild about you (Can't hold out much longer)
3. Help the poor
4. Ain't got nothin' but the blues
5. Born under a bad sign
6. I got over it
7. Revelation
8. Getaway
9. Can't let her go

Robben Ford

Talk to Your Daughter

Quando si cita il nome di Robben Ford, occorre necessariamente fare tanto di cappello, indipendentemente dal genere di musica preferito, poichè ci troviamo di fronte ad un vero signore delle sei corde, uno che è cresciuto a pane e jazz, ma che ha trovato nel blues la sua vera consacrazione internazionale. Chi lo ha visto in concerto sa che le sue performance riescono davvero ad essere trascinanti, il tutto grazie ad una tecnica cristallina e fortemente carica di feeling, non strabordante in un uso pazzesco di feedback ed effetti come l'ultimo Gary Moore, ma che più semplicemente punta all'anima di una musica che grazie a lui continua a scrivere pagine immortali.
Il chitarrista statunitense non è certamente un' artista di primo pelo, essendo nato nel 1951, e chiaramente ha dalla sua una serie innumerevoli di esperienze che lo hanno formato a livello musicale, prima fra tutti quella rappresentata dall'essere uno dei componenti della Charles Ford Band, la band del padre (guarda un pò che fortuna), anche se di ben altro spessore risultano le collaborazioni con mostri sacri del calibro di Miles Davis, Jimmy Whiterspoon e più recentemente con un altro chitarrista monstre, Larry Carlton.
Riuscendo a muoversi con disinvoltura in territori blues e jazz, nel 1988 grazie all'aiuto di Ted Templeman, noto per avere lavorato dietro la consolle per i Van Halen dell'era David Lee Roth e ancora prima per i Doobie Brothers, come produttore esecutivo e di Scott Ferguson, Ford realizzerà uno dei suoi album sicuramente più elettrici dove le coordinate blues, diventeranno intrecci irresistibili, capaci di conquistare un pubblico sempre più ampio che offrirà al chitarrista la possibilità di diventare una superstar anche in ambito discografico.

Ed in effetti Talk to your daughter ci presenta un gruppo di musicisti in forma smagliante, sicuramente capace di divertirsi durante la realizzazione del disco, dove tutto funziona alla perfezione, e di offrire una quarantina di minuti di musica con la M maiuscola, che sebbene ben inserita in un contesto rock blues, sa essere apprezzata anche da chi non è avvezzo a sonorità di questo tipo.
Il disco, come in ogni buon album blues che si rispetti, spazia tra composizioni originali dello stesso Ford e da classici intramontabili, basta citare la sempre splendida Ain't got nothin' but the blues, composta da Duke Ellington e qui riproposta in versione intimista con le corde della chitarra che vengono accarezzate e accompagnate da un timbro vocale sicuramente non eccellente (Ford infatti non possiede una voce negroide, e certamente non ha il carisma vocale ad esempio di Eric Clapton), ma che modula i toni in modo ragionato, come a volere chiedere scusa per questa propria "carenza", il tutto però con gentilezza, con garbo, come se il blues si fosse messo l'abito della festa.
Stesso concetto per Born under a bad sign praticamente incisa da tutti i bluesman, anche se la versione migliore resta indubbiamente quella di Albert King; vero grido di sofferenza e inno blues ultragenerazionale, qui trattata con i guanti gialli, ma pronta a graffiare sia a livello di arrangiamento che di solo chitarristico.
E che dire della saltellante Help the poor, che dal vivo trova una sua particolare dimensione venendo allungata a dismisura, trovando il conforto di un sassofono che instaura con la chitarra un dialogo quanto mai vivace, mentre nella versione da studio che troviamo nell'album , si bada più alla sostanza con un sound senza fronzoli che si avvicina notevolmente al rock, cosa che del resto troviamo nella title track, dove Ford fa letteralmente esplodere la sua sei corde. Un amore quindi per la musica che non conosce barriere se consideriamo i due opposti estremi del disco, la rockeggiante Wild about you, unita alla nera fino al midollo I got over it, dove special guest alla batteria troviamo il grande e sfortunato Jeff Porcaro dei Toto, e la dolce, intimista Getaway, uno dei due brani composti da Robben Ford presenti nel disco.

Inutile parlare della bravura dei musicisti che accompagnano Ford in questa sua avventura, ma una particolarità va sicuramente spesa per Vinnie Colaiuta, dotatissimo batterista che nel corso della sua carriera ha prestato le sue pelli ad artisti del calibro di Frank Zappa e Sting, oltre ad aver suonato anche con Vasco Rossi.
Colaiuta è colui che sostiene Ford nelle sue evoluzioni chitarristiche, grazia ad una macchina ritmica che non perde un colpo, incalzante quando serve, docile quando non bisogna spingere sull'acceleratore.

Si tratta di un disco consigliatissimo non solo agli amanti del blues, ma perchè no, anche agli amanti delle sonorità più ruvide; certo, qui non si troveranno distorsioni e velocità folli, solo un grande innamorato della propria musica, un innamorato di un genere, che grazie a lui continua a scaldare i cuori di tanta gente, e questo non è poco.

Hoodoo Man Blues

admin — Fri, 07 Dec 2007 23:00:00 +0000

Voto:

9.5 / 10

Autore:

Roberto Boasso

Genere:

Blues

Etichetta:

Delmark

Anno:

1965

Line-Up:

- Junior Wells - Voce, Armonica
- Buddy Guy - Chitarra
- Jack Myers - Basso
- Billy Warren - Batteria

Tracklist:

1. Snatch It Back and Hold It
2. Ships on the Ocean
3. Good Morning School Girl
4. Hound Dog
5. In the Wee Hours
6. Hey Lady Mama
7. Hoodoo Man Blues
8. Early in the Morning
9. We're Ready
10. You Don't Love Me Baby
11. Chitlin Con Carne
12. Yonder Wall
13. (Bonus) Hoodoo Man Blues, alternate
14. (Bonus) Chitlin Con Carne, alternate

Junior Wells

Hoodoo Man Blues

Tanto celebre per lo storico pluriennale duo con Buddy Guy quanto meraviglioso armonicista, Junior Wells si colloca tra gli illustri del blues moderno con base a Chicago. Un passato nella band di Muddy Waters (aveva sostituito Little Walter), la consacrazione arriva molto più tardi: siamo nel 1965, e viene inciso Hoodoo Man Blues. Acclamato tra i masterpieces della seconda generazione Blues post-bellica, in esso traspare quel magico fascino e quella direttezza tipica delle esibizioni live nei clubs. Nessuna mediazione tra artista e pubblico ascoltatore, un racconto intimistico e sincero di sé, dai toni ritmati e suadenti (Snatch It Back And Hold It o Hey Lawdy Mama), introversi e tristi (Ships On The Ocean, In The Wee Hours), e sempre sublimi.

Alla chitarra si trova proprio Buddy Guy - è addirittura il primo lp insieme -, già favoloso e dall’inconfondibile tocco, sebbene ancora relegato a un ruolo più secondario sotto la supremazia del leader Wells, cantante-armonicista e showman nato. La voce, spesso roca spesso dolcemente modulata, è il prezioso ritratto della personalità: arriva diretta dall’anima e ne testimonia il carattere e le vicende. Wells si trasmette finemente anche all’armonica, e coniuga nella migliore delle maniere la melodia alla sua funzione comunicativa ed emotiva. Del resto era nato a Memphis - quella che per BB King è la capitale del Blues -, poi trasferito a Chicago, e cantava e suonava fin da adolescente, complice la sua situazione di povertà, per le strade e per i tram. Ma non lo faceva tanto per racimolare monetine quanto per il sentirsi interprete, musicista, ancora privato della possibilità di suonare nei locali. La musica l’aveva dentro di sè, l’aveva fatta propria, e questo significa molto sul suo approccio così particolare e autentico.

Sintesi della più pura sincerità Blues, Hoodoo Man Blues è un’icona della “musica dell’anima”. Fondamentale e toccante, non c’è proprio niente di più che semplice Blues. Ma in casi come questo, in fondo, non c’è neanche altro da chiedere.

Feels Like Rain

admin — Sun, 04 Nov 2007 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Roberto Boasso

Genere:

Blues

Etichetta:

Silverstone Records

Anno:

1993

Link correlati:

Buddy Guy Official Site

Tracklist:

1. She's a Superstar (05:01)
2. I Go Crazy (02:29)
3. Feels Like Rain (04:35)
4. She's Nineteen Years Old (05:40)
5. Some Kind of Wonderful (03:27)
6. Sufferin' Mind (03:30)
7. Change in the Weather (04:35)
8. I Could Cry (05:09)
9. Mary Ann (03:10)
10. Trouble Man (04:04)
11. Country Man (06:15)

Buddy Guy

Feels Like Rain

Tra gli ultimi arrivati dei bluesmen per così dire classici, Buddy Guy è sicuramente uno dei maggiori complici dell’integrazione del Blues fino alle stelle del Rock. Sulle scene, perlomeno quelle che contano, dai ’60, possiamo trovare il suo tocco chitarristico in Jimi Hendrix, Jeff Beck ed Eric Clapton, che, non sarà un caso, lo definisce “senza il minimo dubbio il più grande chitarrista vivente”. La causa? Una inimitabile reinterpretazione dei classicismi in chiave elettrica dove il feeling emotivo si interseca alla pluralità di sapori musicali: a dispetto dell’origine tutta fondata sullo stile di Chicago (siamo ai tempi del classico A Man And The Blues), con il passare del tempo, tra le note di Guy non si disdegna qualche incursione tra Rock, R&B e Soul pieni di enfasi e piuttosto lontani dal minimalismo tipico di un certo Blues.

È il caso di Feels Like Rain, datato 1993. Buddy Guy è sulla cresta dell’onda: due anni prima il suo Damn Right, I’ve Got The Blues ha vinto un grammy (Best Contemporary Blues Album) e ha mostrato il suo nome accanto a quello di Eric Clapton, Jeff Beck, Mark Knopfler, collaboratori attivi per buona parte del disco. Per qualcuno Guy comincia a essere più che un bluesman un semplice diversivo per “turisti provenienti dal rock”, ma si tratta comunque di un disco di Blues moderno ben più che riuscito. Il suo successore, Feels Like Rain, si lascia sedurre dal feedback così positivo e insiste, smorzando i toni più classicamente Blues del precedente, su un sound che pare, come dire, più ottimistico. È un pò un disco da rockstar, per intenderci. Tanto è vero che gli ospiti sono ancora una volta di prima scelta: Bonnie Raitt e John Mayall su tutti. Eppure Guy è sempre Guy, anche su territori un pò diversi dal solito. Mary Ann, di Ray Charles, è coinvolgente e ben ritmata, così come Sufferin’ Mind, di Guitar Slim, è uno slow blues toccante e prezioso, dai raffinati fiati e dalla suadente voce. La voce: Guy segue la tradizione dei suoi grandi predecessori, da BB King a John Lee Hooker, e non si limita a cantare tramite corde d’una chitarra senza coinvolgere quelle vocali, in una suprema esaltazione della passionalità.
E non si fa in tempo ad abituarsi a un nuovo magico Buddy Guy brillare sulla deliziosa Feels Like Rain (di John Hiatt), tra le sognanti note slide di Bonnie Raitt, che pronta si ripresenta la tradizione di Chicago firmata Muddy Waters, per una grandiosa reinterpretazione del classico She's Nineteen Years Old.

Feels Like Rain di certo non sarà il miglior esempio della personalità Blues di Buddy Guy, ma è sicuramente un’interessante svago per ascoltatori alla ricerca di musica piacevole. Vincitore anch’esso del grammy (ancora Best Contemporary Blues Album), propone al pubblico un Buddy Guy brillante e vivace, e, come sempre, incantevole entertainer.

Last Minute

admin — Mon, 05 Feb 2007 23:00:00 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Jacopo Prada

Genere:

Blues

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2007

Link correlati:

Bolzano City Blues Official Site

Line-Up:

- Diego Andreasi - voce e chitarra
- Chris Kaufmann - chitarra
- Marco Comi - basso
- Stefano Speri -batteria

Tracklist:

1. Intro (00:47)
2. Last Minute (05:11)
3. Blues Alone (03:49)
4. All Along The Watchtower (05:27)
5. Everyday (I Have The Blues) (04:24)
6. Gotta Serve Somebody (05:35)
7. Like A Rolling Stone (08:32)
8. That's The Sign (04:41)
9. Help Me (06:39)
10. I Shall Be Released (05:24)
11. Lullaby (03:52)

Bolzano City Blues

Last Minute

La storia dei Bolzano City Blues comincia nel 1997, quando alcuni amici accomunati dalla passione per il Rock decidono di mettere su un complesso. Numerosi sono i cambi di formazione, perlomeno fino al 2003, quando la line up finalmente si stabilizza ed il progetto prende direzioni più chiare. Diego Andreasi (chitarra e voce), Chris Kaufmann (chitarra), Marco Comi (basso) e Stefano Speri (batteria) hanno nel sangue i Led Zeppelin di Robert Plant e Jimmy Page, i Dire Straits di Mark Knopfler, ma anche grandi artisti come Eric Clapton, Jimi Hendrix e Bob Dylan. Dall’influenza di questi maestri della musica e dalla passione per il Blues nasce Last Minute, primo full lenght del gruppo bolzanino, un disco sudato, partorito dopo mesi e mesi di arduo lavoro.

Dopo una breve introduzione tratta da Documentari Sonori Vol. 2 (una raccolta di suoni e rumori urbani creata da Tiziano Popoli), si inizia a fare sul serio con la titletrack dell’album. Il brano, cinque minuti di virtuosismo strumentale, potrà spaventare chi non mastica pane e Blues tutti i giorni, ma mette in chiaro fin da subito le capacità del combo altoatesino, in special modo quelle di Chris. Il chitarrista incanta l’ascoltatore grazie ai suoi assoli prolungati, ben supportati dalla seconda chitarra di Diego e da una sezione ritmica impeccabile. Purtroppo la produzione del disco non rende alla perfezione tutti i passaggi, in quanto abbastanza grezza. Di certo, però, è grazie ad essa che Last Minute acquisisce un sound particolarissimo, che lo caratterizza dalla prima all’ultima nota.

Nell’album non c’è spazio solo per il Blues, e la dimostrazione arriva con la cover di All Along The Watchtower, canzone suonata e risuonata da numerose band nel corso degli anni. Il pezzo, scritto originariamente da Bob Dylan, viene proposto in una chiave pacata e flemmatica, dove la calda voce di Diego si fonde alla perfezione con le parti strumentali eseguite dai suoi compagni di formazione. Altra ottima cover è Like A Rolling Stone, nella quale emerge tutto l’amore dei Bolzano City Blues per il Rock. Uno dei pregi di Last Minute è la varietà che lo contraddistingue: al Blues intriso di Funk di Everyday (I Have The Blues) si contrappone infatti una canzone soave e rilassata come That’s The Sign. A seconda dei gusti si apprezzerà maggiormente l’una o l’altra. Ciò che più sorprende è comunque la capacità, da parte del complesso altoatesino, di mescolare elementi diversi con estrema naturalezza e tanta creatività. Il compito di chiudere l’album spetta a Lullaby, una deliziosa perla semi-acustica dalle forti tinte romantiche.

Sarà forse per i dieci anni di attività, sarà per la preparazione tecnica, ma Last Minute appare come un lavoro maturo e completo, adatto non soltanto agli appassionati del genere. Nonostante le tante cover proposte, i Bolzano City Blues danno già l’idea di essere ottimi compositori, non possono che confermarlo i tanti concorsi vinti dal 2003 ad oggi. L’unica pecca del full lenght, a mio parere, è la produzione, che troppo spesso non rende giustizia ai suoni del disco, e finisce così per penalizzare, seppur minimamente, il gruppo di Bolzano. Un plauso finale va all’artwork di Last Minute, finemente realizzato e curato nei minimi particolari. Bravi, avanti così!

Blind Faith

admin — Sat, 27 Jan 2007 23:00:00 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Blues

Rock

Etichetta:

Polydor/ Atlantic

Anno:

1969

Link correlati:

Eric Clapton Official Site

Line-Up:

- Eric Clapton – Chitarra
- Steve Winwood – Voce, Tastiera, Organo, Piano, Chitarra, Basso
- Ginger Baker – Batteria, Percussioni
- Ric Grech – Basso

Tracklist:

1. Had to Cry Today
2. Can’t Find My Way Home
3. Well... All Right
4. Presence of the Lord
5. Sea of Joy
6. Do What You Like

Blind Faith

Blind Faith, 1969: la nascita di una delle più grandi opere del blues-rock moderno. La "slowhand" del leggendario Eric Clapton, i battiti furiosi di uno storico Ginger Baker (ex Cream), l'onnipresente basso di Ric Grech e infine lui, il maestro e la sua grazia perenne, lo Steve Winwood dei bei tempi andati.. Un ricordo che si è arenato nelle memorie di un periodo lontano ma ancora non del tutto scomparso; perchè quando il valore artistico di un'opera è abbastanza grande da rimanere inalterato nel tempo, allora, al di là dei contesti e degli scenari che freneticamente si susseguono, dimenticarlo è impossibile. I Blind Faith sono un pezzo di storia ormai, soprattutto se si pensa al fatto che diedero vita solamente a questo splendido, indimenticato disco omonimo, per poi lasciarsi alle spalle il progetto e procedere ognuno con le sue idee (basti pensare a Winwood coi Traffic e a Clapton con i suoi Derek And The Dominos).

Blind Faith, uscito sotto la Polydor e coordinato dal produttore Jimmy Miller, venne accolto con scroscianti applausi da una critica che si ritrovò di fronte una delle maggiori opere del tempo in ambito blues-rock, un disco che principalmente basò il suo successo e la sua grandezza sulla collaborazione - iniziata nel 1966 con i Powerhouse - di Clapton e Winwood, ovvero due tra le più importanti silhouette del rock e del blues degli anni '60-'70 (la storia di Clapton è tesoro di tutti, mentre quella di Winwood, che collaborò con personaggi di calibro di Hendrix, Chuck Berry, Jim Gordon e Al Di Meola, è sicuramente meno conosciuta)

Sono infatti nate dal magico incontro dei due musicisti americani i grandi capolavori di questo Blind Faith, come la stupenda e immortale Can’t Find My Way Home, uno dei pilastri di maggior importanza di tutto il rock-blues britannico, o ancora Had To Cry Today (entrambe scritte da Winwood), più semplice ed orecchiabile nel suo incedere; per non parlare poi di un’altra perla come Presence Of The Lord, partorita dalla mente di un Clapton ancora giovinotto che si lascia andare a ritmi lenti ed abbandonati ma estremamente intensi, grazie anche all’equilibrato uso di pianoforte e organo da parte di Winwood, prima che slowhand infiammi l’atmosfera del brano con la sua chitarra, trascinando con sè tutto lìimpeto strumentale della band. Impeto che si ripercuote nella successiva Sea Of Joy e, in maniera ancor più evidente, nella conclusiva e lunghissima Do What You Like, in cui (il creatore) Ginger Baker si sbizzarrisce in vortici di assoli e scarichi al vetriolo su cui si innalza un'atmosfera ipnotizzante, psichedelica, quasi progressive per la cura e la ricercatezza degli arrangiamenti, caratteristica in parte riscontrabile anche per Well… All Right, in cui comunque prevale il blues più classico e da repertorio, ovviamente reinterpretato e smussato da cori vocali e strumentali che denotano la freschezza e l’abilità compositiva di un gruppo che, sotto questo punto di vista, ha insegnato e dettato legge come pochi altri.

Peccato solamente - come già accennato ad inizio recensione - che Blind Faith sia stata l’unica perla di questa, allora così chiamata, superband; ma il tempo ci insegna che sono i singoli dischi e non le intere discografie a passare alla storia e naturalmente i Blind Faith ne sono un esempio. Il blues di questo gruppo è infatti risultato fondamentale per molti astri nascenti del panorama di allora, e possiamo dire che questo è un capolavoro anche tralasciando la sua importanza storica perché il groove, l’intensità, il gusto e lo stile dei Blind Faith hanno fissato il proprio stendardo nel cuore della musica mondiale moderna.

Songbird

admin — Tue, 19 Dec 2006 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matteo Mainardi

Genere:

Blues

Etichetta:

IMS/Mercury

Anno:

2006

Link correlati:

Willie Nelson Official Web Site

Tracklist:

1. Rainy day blues
2. Songbird
3. Blue hotel
4. Back to heart
5. Stella blue
6. Hallelujah
7. £1000 wedding
8. We don't run
9. Yours love
10. Sad songs and waltzes
11. Amazing grace

Willie Nelson

Songbird

Album nuovo, vita nuova: verrebbe da dire così dopo che si è ascoltato il nuovo disco di Willie Nelson, una delle leggende del Country americano. Questo Songbird è un disco che si fa apprezzare per la sua freschezza da una parte e per il forte attaccamento alle radici dall'altra; ciò non era accaduto con l'ultimo Countryman, dove si era cercato di unire insieme sonorità country con quelle più giamaicane del reggae, facendo storcere il naso a molte persone.

Che Songbird è differente, lo si capisce subito ascoltando la prima traccia Rainy Day Blues, un vero e proprio brano tributo al blues dei primi anni '20 (quello del blues sarà un alone che rimarrà per tutta la durata del disco e che donerà alle tracce un pizzico di fascino in più); l'atmosfera evocata è un mix tra il movimentato e il più prettamente country da "riflessione" su cui risalta un'armonica secca e modulata, riportandoci a quei vecchi film on the road tra praterie aride e deserte. Un buon pezzo che fa presagire un proseguimento più che interessante o, per lo meno, invoglia l'ascoltatore ad andare avanti nell'ascolto. Iniziamo così ad addentrarci in giri semplici ma efficaci di chitarra, salti paralleli in melodie appena accennate ma deliziosamente toccanti, riuscendo a percepire quasi un senso di stanchezza che è un po' l'aspetto distintivo dei tratti somatici del vecchio Willie. Quello che piace ed incuriosice di più di questo Songbird è il fragile percorso che viene intrapreso nel rimanere fedele alle proprie radici ma, allo stesso tempo, cercare di proporre qualcosa di diverso rispetto al solito sound. Come già detto, questo tentativo è piuttosto leggero e di conseguenza non è sempre ben chiaro e netto, mettendo così alla prova il pubblico e rendendo ancora più interessante il prodotto. Questo lo si può ad esempio percepire dall'inizio aperto e solare della title-track Songbird, che assume elementi simili a quelli delle ballad o delle canzone country-pop. Questo dilemma le dona un fascino particolare, lasciando l'ascoltatore nel dubbio fino alla fine. Ovviamente, però, non mancano pezzi prettamente country, capeggiati dalla presenza di armonica e organo d'accompagnamento con un coro pseudo gospel alle spalle. Abbiamo quindi un perno centrale caratterizzato da chitarre lente dai suoni vibranti, attorno alle quali si alternano influenze di vario genere, sempre però facenti parte del mondo blues e rock. Non bisogna però pensare a questo disco come un prodotto innovativo o al passo con i tempi; dobbiamo sempre tenere a mente che, nonostante ci sia un tentativo di aprirsi ad altri generi ed influenze, Willie Nelson non potrà mai mettere da parte il proprio timbro vocale e musicale, costituito da una voce flebile e vellutata da vecchio cantastorie e da melodie avvolgenti e calde. Proprio riguardo a quest'aspetto, bisogna dire che alla lunga ci si può stancare del piattume ritmico (soprattutto per chi è abituato al country da saloon fatto di ritmi sincopati ed incalzanti) ma, allo stesso tempo, ci viene trasmessa una vera e propria sensazione di relax, con il risultato che si viene catapultati mentalmente in quei tramonti rosso sangue che si stagliano su paesaggi immensi caratterizzati dalla sola presenza di praterie su praterie.

In definitiva possiamo solo essere che contenti del ritorno alle radici di Willie Nelson che, con lo scorso Countryman, ci aveva parecchio spaventati, portandoci quasi a pensare che ormai anche lui avesse deciso di intraprendere strade più commerciali che artistiche. Questo per fortuna viene completamente smentito con Songbird che, anche senza essere un capolavoro assoluto, ridà una forte dose di dignità ad uno dei capisaldi del cantautorato d'oltreoceano.

The Road to Escondido

admin — Thu, 23 Nov 2006 23:00:00 +0000

Voto:

8.9 / 10

Autore:

Salvo Sciumè

Genere:

Blues

Etichetta:

Reprise Records

Anno:

2006

Line-Up:

- Eric Clapton - voce, chitarra
- JJ Cale - voce, chitarra, tastiera

Guests:
- Nathan East - basso
- Pino Palladino - basso
- Steve Jordan - batteria
- Billy Preston - hammond, piano
- Taj Mahal - armonica
- Doyle Bramhall II - armonica
- Dereck Trucks - chitarra
- John Mayer - chitarra

Tracklist:

1. Danger
2. Heads In Georgia
3. Missing Person
4. When The War Is Over
5. Sporting Life Blues
6. Dead End Road
7. It's Easy
8. Hard To Thrill
9. Anyway The Wind Blows
10. Three Little Girls
11. Don't Cry Sister Cry
12. Last Will And Testament
13. Who Am I Telling You
14. Ride The River

JJ Cale and Eric Clapton

The Road to Escondido

Da sempre uniti da profonda amicizia e reciproca stima, le loro collaborazioni si erano finora limitate a casi sporadici riguardanti più che altro interscambi artistici, come le bellissime After Midnight e Cocaine, scritte entrambe da JJ Cale ma portate al successo principalmente da Eric Clapton, adesso i due grandi bluesman, nonché ottimi chitarristi, hanno deciso di comporre a quattro mani queste quattordici perle di Blues, senza rinunciare però a qualche piccola puntatina nel Rock e nel Country. Personaggi profondamente diversi, sempre riservato e lontano dai riflettori Cale e di contro una vita da Rockstar per l’ex Cream, ma accomunati dalla passione per il Blues, i due nell’affrontare questa nuova esperienza, che sembra voler celebrare la loro amicizia, si sono circondati da altri musicisti di ottima caratura, come Pino Palladino che suona il basso anche per i Who o Steve Jordan alla batteria, ma soprattutto all’hammond e al piano il compianto Billy Preston, al quale pare sia dedicato l’album.

In The Road To Escondido è ben visibile sia il calore del pastoso Blues di JJ Cale, sia il genio compositivo del più melodico e romantico Clapton, sempre capace di impastire eleganti composizioni e melodie a cavallo tra Rock e Blues, così che i vari brani presenti nel lotto sembrano perfettamente mostrare la sinergia e l’equilibrio scaturiti dalla collaborazione tra questi due geni. Si va dal delicato e melodico rock/blues dell’opener Danger al più torrido Blues di Heads In Georgia prima e del più solare Missing Person poi, mentre When The War Is Over sembra il perfetto manifesto del sound di Cale. Sporting The Blues è una nostalgica e dolce cover di un vecchio successo Blues, Dead End Road è una gioiosa canzone in pieno stile Country, ed anche It’s Easy si mantiene su sonorità Country/Blues, tutte composizioni queste che sembrano più appartenere al mondo di JJ Cale. Si cambia invece un po’ con la più rilassata e riflessiva Hard To Thrill, dove si possono udire chitarre knopfleriane ed un magnifico lavoro di Preston al piano. E’ ancora grande Blues con Anyway The Wind Blows, invece Three Little Girls è la tipica e stupenda ballata rock in stile Clapton, dolce e struggente come le varie e pur diverse Wonderful Tonight o Tears In Heaven, Don’t Cry Sister è un’altra pregevole song più riconducibile a successi come After Midnight e Cocaine, e non si tratta affatto di paragoni azzardati. Anche il finale dell’album non è da meno, con un trittico di blues-song eccezionali, da Last Will And Testament all’altra favolosa ballata, stavolta dalle sfumature blues, Who Am I Telling You, per finire con il sapore d’asfalto di Ride The River, altro pezzo imperdibile.

Certamente The Road To Escondido si presenta come una delle migliori uscite Blues degli ultimi anni, e non poteva essere altrimenti, per celebrare così nel migliore dei modi lo stretto legame professionale e la lunga amicizia tra due giganti del genere, capaci di dar vita a quasi un’ora di grande Blues da ascoltare e riascoltare con immenso piacere dall’inizio alla fine.

High and Mighty

admin — Mon, 13 Nov 2006 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Salvo Sciumè

Genere:

Blues

Etichetta:

Blue Rose

Anno:

2006

Link correlati:

The Official Gov't Mule Website

Line-Up:

- Warren Haynes – voce, chitarra
- Allen Woody - chitarra
- Matt Abts - batteria
- Danny Louis - tastiera
- Andy Hess - bassista

Tracklist:

1. Mr. High & Mighty
2. Brand New Angel
3. So Weak, So Strong
4. Streamline Woman
5. Child Of The Earth
6. Like Flies
7. Unring The Bell
8. Nothing Again
9. Million Miles From Yesterday
10. Brighter Days
11. Endless Parade
12. 3-String George

Gov't Mule

High and Mighty

I Gov't Mule, dove Gov’t sta per diminutivo di Government, sono un gruppo americano da tanto tempo presente sulle scene, esattamente dal 1995 con il loro debut omonimo, anzi troppo tempo per non essere ancora stati notati a dovere da pubblico e critica italiana ed europea, forse per il loro modo tipicamente retrò di far musica. Chiaramente ispirati da Allman Brothers Band, Grateful Dead e Black Crowes, essi mischiano sonorità Blues e Southern Rock con piccolissime dosi di Psychedelic, Folk e Country, non riuscendo però mai del tutto a fare il tanto agognato salto di qualità e conseguentemente di successo, nonostante buoni album come Life Before Insanity, i due capitoli di The Deep End, ed il più recente Dejà Voodoo.

Il risultato del loro lavoro è un corposo insieme di riff ed assoli di chitarra dall’inconfondibile retrogusto Southern/Blues, accompagnati da una sezione ritmica grintosa, da linee melodiche tipicamente da saloon con echi psichedelici e folk, e dalla voce calda del cantante Warren Haynes. Apertura affidata a Mr. High And Mighy, bellissimo pezzo dinamico e quasi Hard Rock con linee di chitarra che sembrano quasi prese da uno dei primi lavori degli AC/DC, invece la seguente Brand New Angel si avvale di un buon lavoro di basso e batteria pronto a sfociare in un lungo brano Blues dal sapore retrò che proietta l’ascoltatore a circa trent’anni addietro, mentre So Weak, So Strong mostra l’anima più nostalgica e romantica della loro musica. Chiari i richiami ad un Hard settantiano, con riff più sporchi e sonorità dai forti echi zeppeliani in Streamline Woman, molto bella Child Of The Earth, ballata Soul intensamente interpretata dal singer, seguita dalla ripetitiva Like Flies, uno dei brani meno riusciti del lotto, dove la ripetitività dell’incedere di basso e batteria diviene irritante. Lunga e particolare, con forti quanto piacevoli contaminazioni Reggae Unring The Bell, seguita da un’altra buona ballata Nothing Again, nostalgica e malinconica, come anche Million Miles From Yesterday, che mostra un'efficace coro gospel e bellissime parti di piano di Danny Louis, mentre Brighter Days fa da intervallo e punto di rottura con l’altra lunga ballata Endless Parade, bella e con assoli strepitosi ma forse un po’ troppo lunga, ed infine la strumentale 3-String George.

Un album dal sapore nostalgico e retrò, tanto noto e quasi risaputo, ma in possesso di una certa energia e vitalità, capace di suonare duro e catchy al tempo stesso, avvalendosi di un Blues sempre pronto a spalancare le porte agli innesti di sonorità Southern, psichedeliche o Folk.

Unplugged

admin — Thu, 12 Oct 2006 22:00:00 +0000

Voto:

8.8 / 10

Autore:

Paolo Cazzola

Genere:

Blues

Etichetta:

Warner

Anno:

1992

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Official Site

Tracklist:

1. Signe
2. Before You Accuse Me
3. Hey Hey
4. Tears In Heaven
5. Lonely Stranger
6. Nobody Knows You When You're Down & Out
7. Layla
8. Running on Faith
9. Walkin' Blues
10. Alberta
11. San Francisco Bay Blues
12. Malted Milk
13. Old Love
14. Rollin' & tumblin'

Eric Clapton

Unplugged

Era il 1992 e il mondo della musica era in grosso fermento. Era il periodo del Grunge, della rinascita delle sonorità rock più dure e sporche, della nascita di una cultura e di un movimento tanto breve quanto importante. Ma se da una parte il rock/grunge di alcuni importantissimi gruppi faceva la sua comparsa, nello stesso periodo Eric Clapton era già un chitarrista affermatissimo, con un ottima carriera solista alle spalle.

I Cream erano ormai sciolti e sepolti da un paio di decenni ormai, dopo aver rivoluzionato, insieme a pochi altri gruppi, la concezione di e il modo di comporre rock del periodo. Dopo una manciata di album incendiari e seminali come Wheels Of Fire o Disraeli Gears, il trio inglese si scioglie, e permette così l’inizio delle singole carriere soliste dei suoi componenti. Chi prima (Clapton e Bruce), chi dopo (Backer), tutti e tre i musicisti iniziano a produrre ottimi album blues di pregievole fattura. Un autentica perla nella discografia del suo membro più importante, ovvero Clapton, è sicuramente l’Unplugged, registrato nel 1992.
Il concerto, come tutti quelli della fortunata serie denominata Unplugged (che può vantare la partecipazione di nomi celebri come Nirvana o Alice In Chains), si distingue dagli altri show “canonici” e tipicamente Rock per via della strumentazione: totalmente acustica, con totale assenza di distorsioni, effetti o tastiere.

E’ strano come molti artisti o gruppi vogliano infondere alla propria musica e al loro stile un’elevatissima dose di tecnica, quando basta guardare al passato per trovare grandissimi interpreti, come Clapton, che riuscivano a ottenere risultati inimmaginabili puntando sull’armonia e sul sentimento, piuttosto che sul virtuosismo. Questa percorso sonoro, e sostanzialmente, questa scelta, è plateale in Unplugged, appunto. L’atmosfera creata dal disco è soffusa, quanto mai toccante e sognante.

Le soavi melodie di Clapton ci accompagnano in questo viaggio acustico, leggere e vellutate, rendendo l’ambiente denso di emozioni e di pace. Le canzoni sono riprodotte con estrema fedeltà, ma superando il concetto di riproduzione, rendendole più interessanti e tranquille…Una collana di perle musicali incastonate perfettamente le une con le altre. Tra le più significative non si possono non citare la bellissima opener strumentale Signe, Lonely Stranger e Walking Blues (che personalmente giudico un piccolo capolavoro).
Le due canzoni più famose del lotto rimangono comunque Tears In Heaven e Layla. La prima è una canzone a cui Clapton è molto legato, in quanto è dedicata suo figlio, morto lo stesso anno cadendo dal quarantanovesimo piano della sua abitazione di New York. La song in questione è una ballata dai toni malinconici e veramente toccante, sia per quanto riguarda il testo sia per la grandissima interpretazione del bluesman inglese. Layla non ha bisogno di ulteriori presentazioni: molto probabilmente si tratta del pezzo più famoso e amato di Clapton. Ma la dirompenza e l’energia delle distorsioni della versione originale in questo caso lasciano il campo a dei teneri arpeggi di acustica, ad una prestazione più rilassante e trasognata. Il lento incedere blues della canzone e la grande classe con la quale “slow-hand” e compagni la eseguono la rende un capolavoro assoluto anche in versione acustica.

Unplugged si può definire come uno degli album migliori che il nostro amato Eric Clapton abbia mai prodotto nella sua interminabile carriera. La chiave di re-interpretazione che il bluesman ha dato ai suoi stessi pezzi è strabiliante e assolutamente inaspettata. E’ proprio da qui che si evince la grande preparazione musicale di Clapton, pronto a mettersi sempre e comunque in discussione e a scommettere sul suo futuro, cercando sperimentazioni sempre nuove e gradite. Forse è proprio questa capacità di rischiare che divide i semplici comuni mortali dai migliori chitarristi del mondo…