Drone

Excavation

Matthias Stepancich — Fri, 27 Dec 2013 16:40:25 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Industrial

Drone

Ambient

Etichetta:

Tri Angle

Anno:

2013

Link correlati:

Official Tumblr

Line-Up:

Design – DR.ME
Mastered By – Matt Colton
Music By [All Songs] – Bobby Krlic
Photography By – Cody Cobb

Tracklist:

1. Consumed - 1:40
2. Excavation (Part 1) - 8:09
3. Excavation (Part 2) - 4:13
4. Mara - 3:14
5. Miste - 5:38
6. The Mirror Reflecting (Part 1) - 3:10
7. The Mirror Reflecting (Part 2) - 7:07
8. Dieu - 5:12
9. The Drop - 12:56

Haxan Cloak, The

Excavation

Bobby Krlic, britannico dello Yorkshire trasferitosi a Londra, compone e registra musica sotto il moniker The Haxan Cloak.

Dopo un primo EP senza titolo/omonimo nel 2009, ancora acerbo, e il più interessante EP/singolo (a seconda delle catalogazioni) Observatory nel 2011, lavori che mostravano influenze dal minimalismo classico di Arvo Pärt e Terry Riley così come dall'industrial di scuola Throbbing Gristle e dal dark ambient della label Miasmah Records (in particolare i dischi usciti a nome Elegi, moniker del norvegese Tommy Jansen), si è fatto notare a livello internazionale con l'omonimo debutto full-length The Haxan Cloak (Aurora Borealis, 2011), un risultato che, sebbene non perfetto, resta impressionante per essere stato realizzato interamente da un giovane poco più che ventenne (Krlic è del 1988), e con il poco successivo EP "...The Men Parted the Sea to Devour the Water" (Latitudes, 2012), un'unica, e interessante, composizione lunga 27 minuti.

Il secondo full-length di Krlic, Excavation (Tri Angle, 2013), segna non solo l'approdo all'interessante label Tri Angle (che poco più tardi pubblica anche un altro dei migliori dischi dell'anno, Engravings, il debutto di Forest Swords, moniker di Matthew Barnes), ma anche un grandioso passo in avanti in maturità e stile.

Krlic gode evidentemente di un più alto budget, e lo usa non solo per pulire e perfezionare il proprio sound, ma anche per attuare un cambio di strumentazione (dando più spazio alla pura elettronica), e soprattutto per staccarsi dallo stile esplorato nei precedenti lavori. In una piuttosto rara ma azzeccatissima mossa, decide di allontanarsi dalla "vera" avanguardia in senso comunemente inteso, e dunque di trovare una maniera differente di sintetizzare le sue influenze finora più evidenti, ovvero il minimalismo classico di Part e Riley, la musique concrète, le tensioni più "modern classical" di Tommy Jansen (Elegi). Assimilando invece anche influenze più contemporanee, virando verso un utilizzo più moderno, mainstream e massiccio della strumentazione elettronica, decidendo di non dare ruoli da protagonista agli archi come in vari pezzi del passato, e anche di evitare gli sbalzi verso il noise, Krlic arriva così ad uno stile molto più personale e originale, che nel suo procedere per sottrazione invece che accumulo, e nel suo sound moderno, controllato e perfezionato, finisce per essere il suo lavoro in realtà più d'avanguardia nella sostanza.

Diversamente dal suo omonimo full-length di due anni prima, Excavation è anche un'opera molto più omogenea, unitaria e coesa, in cui i pezzi fluiscono l'uno nell'altro in maniera assolutamente riuscita e naturale.

Uno dei principali elementi del disco è la virata atmosferica, in modo più massiccio che in passato, verso territori spettrali e incogniti: Excavation è davvero uno dei pochi album ad essere effettivamente "spaventoso", nella sua capacità di suggestionare e richiamare atmosfere spettrali e oscure, da cinema e letteratura dell'orrore. Chiede quindi a gran voce di essere assimilato in condizioni che ne valorizzino tale aspetto: cuffie, solitudine completa, notte, buio o luci basse.

Altra novità per Krlic è l'affidarsi ad influenze da tendenze moderne come il dubstep, che probabilmente mutua dai connazionali, colleghi in quanto a genere e pari in abilità artistiche, Demdike Stare: si sente già dal "drop" abrasivo dell'intro Consumed, ma diventa evidente nel memorabile pattern ritmico aggressivo di Excavation (Part 2), e nei colpi di snare della spettrale Excavation (Part 1), evidentemente influenzata dal miglior Burial.
I droni industriali di Mara, e ancor di più la notturna The Mirror Reflecting (Part 1), riescono finalmente a portare ad un livello perfezionato e penetrante l'idea di ambient "fantasma" e impalpabile che Krlic aveva tentato agli esordi in pezzi meno riusciti (come The Splintered Mind).
Il campionamento vocale di Miste, e il suo sviluppo gorgogliante, sono il momento in cui Krlic guarda maggiormente alla musique concrète e all'industrial vecchia scuola, ma confermando stavolta la sua scelta di non eccedere mai, e non sforare nei territori del noise: il rumore è controllato, spinge continuamente per bucare la superficie, ma viene ricacciato nelle viscere.
Lo spirito fantascientifico, anche se in versione plumbea, è l'anima dell'album, e la fa da padrone nelle tensioni elettriche e nei colpi percussivi elettronici di Dieu.
L'eccellente The Mirror Reflecting (Part 2), uno dei vertici, richiama anche per qualche momento le parti di "...The Men Parted the Sea to Devour the Water" influenzate da Terry Riley, ma poi evolve in paesaggi ancora più minacciosi, dai quali riesce però ad emergere una melodia di tastiere elettroniche e lontani archi, quasi un richiamo all'umanità nel buio di una distopia industriale (in questo senso paragonabile nella sua funzione alla A Warm Place in The Downward Spiral).

Fino a questo punto, Excavation è "solo" un ottimo disco che porta avanti in modo brillante i discorsi dark ambient e drone, rinvigorendo in freschezza e modernità i loro canoni. Ma è la conclusiva traccia The Drop, nei suoi maestosi 13 minuti, a fargli oltrepassare la barriera, e renderlo un capolavoro.
Nella prima parte sfociano tutte le tensioni melodiche che venivano a galla in alcune delle migliori precedenti tracce, ovvero The Mirror Reflecting (Part 2) e, in modo sfumato, Excavation (Part 1), con un ipnotico e profondamente malinconico contrappunto di droni e note elettroniche che ricorda da vicino gli intrecci melodici tipici dei The Cure di Disintegration, ma riflessi in uno specchio deformante, raffreddati, e spinti verso il futurismo elettronico; con il passare del tempo, le melodie si sconnettono tra loro e prendono un'altra piega, mentre riverberi ed effetti digitali le spingono verso una dimensione "spaziale" e rarefatta, da 2001: A Space Odyssey; una pulsazione in sordina e l'arrivo di un tenue loop d'archi la porta in territori dark ambient alla Elegi, finché non cade in terreni ancora più oscuri quando arriva in primo piano un viscerale pattern ritmico di tre colpi di grancassa, che da qui in poi, sviluppandosi con alcune variazioni, e crescendo e diminuendo d'intensità, domina tutto il pezzo fino a chiuderlo, mentre i droni assumono sonorità post-industriali (senza mai diventare noise) e diventano sempre più angosciati ed ermetici, in una chiusura da "apocalisse minimalista" che richiama atmosfere come quelle di Sátántangó.

Se non siamo di fronte al miglior album mai prodotto nel genere dark ambient, poco ci manca. Excavation riesce a prendere spunti da una cronologia musicale vasta, che prende slancio dal minimalismo classico e dall'industrial vecchia scuola, dalla musique concrète a Lustmord, dalle evoluzioni autoriali del Trent Reznor di The Fragile alle malinconie del gothic rock, dal dubstep di Burial all'ambient sofisticato di Elegi e Demdike Stare, tenendone conto senza mai rivelarle del tutto, e sviluppando una formula stilistica personale in cui vengono completamente sciolte, restando presenti solo come eco, e fungendo da palco per un grande spettacolo di sonorità suggestive ed evocative.

First Chapter

Emanuele Pavia — Thu, 26 Dec 2013 22:39:41 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Drone

Ambient

Avantgarde

Etichetta:

Aagoo Records

Anno:

2013

Line-Up:

- Fernando Corona - Manipolazione dei suoni, synth, mix
- Philippe Petit - Voci, cimbalom, salterio elettrico, piano, turntables, vibrafono, synth, elettronica

Guests:
- Sarah Jouffroy - Voce mezzo-soprano (traccia 1)
- Gabriel Grosbard - Viola da gamba (traccia 2)

Tracklist:

1. The Call of Circè
2. Pegasus
3. The Summoning of the Kraken

Murcof & Philippe Petit

First Chapter

First Chapter segna la prima collaborazione su full-length tra Fernando Corona (aka Murcof, compositore messicano alle prese fin dai primi Noughties con le più disparate frange della musica techno, ambient e glitch) e Philippe Petit (polistrumentista francese, impegnato invece da qualche anno nell'ala più sperimentale della musica elettronica, tra dark ambient e drone), nonché uno dei più brillanti esempi di avanguardia del 2013.

In linea con lo stile esibito da Murcof in questi anni in lavori come Cosmos (2007), tra tenui acquerelli ambient contaminati da una sensibilità classica - seppur affrancandosi dagli elementi techno e glitch, qui trattati marginalmente -, First Chapter è un saggio di musica da camera per manipolazioni elettroniche e droni (a cura di Corona), che si dipana in tre composizioni che si pongono al crocevia tra dark ambient, kosmische Musik e musica contemporanea, tratteggiando una solenne colonna sonora per la mitologia greca e nordica. L'operazione attuata dai due compositori porta avanti un discorso che trova i propri precedenti tanto negli esperimenti di Elegi e Kreng editi dalla Miasmah, a cavallo tra le atmosfere notturne e soffuse della musica ambient, le forme della musica classica e l'austerità delle avanguardie del Novecento, quanto nei momenti più sperimentali dell'opera di The Haxan Cloak.

I tetri sibili con cui si apre la prima The Call of Circè (senza dubbio il capolavoro di tutto First Chapter) indulgono in un'atmosfera algida e rarefatta, squarciata lentamente dagli interventi gotici dell'organo e degli archi che conducono dapprima a un exploit di tragicità cameristica à la Nico, per poi dirigersi ai confini dello spazio siderale da cui la voce celestiale del mezzo soprano Sarah Jouffroy sembra provenire. Il suo canto viene continuamente spezzato, sommerso e filtrato dalle manipolazioni elettroniche di Corona, che monta diverse linee vocali contemporaneamente in arditi esperimenti polifonici dal sapore vagamente sacrale, mentre le tastiere e l'incessante tessuto di droni elettronici sottostante mantengono l'aria spettrale dell'overture. Petit e Murcof mostrano qui tutta la loro capacità come polistrumentista e architetto sonoro rispettivamente, allestendo un'orchestra che, in uno smembramento di dissonanze atonali, deflagrazioni ritmiche sempre più ossessive e figure minimaliste del piano e del vibrafono, accompagna il canto della Jouffroy e la conduce, tramite un crescendo mistico degno dell'Hosianna Mantra dei Popol Vuh, alla conclusione del pezzo in un amalgama asfissiante di voce (ormai ridotta a echi lontani persi nel cosmo), piano e droni elettronici, che si spegne infine nel vuoto.

Meno visionaria di The Call of Circè, la più breve (sette minuti) Pegasus è invece una composizione dissonante dai toni vagamente orientaleggianti per elettronica, viola da gamba (suonata da Gabriel Grosbard) e voci manipolate (questa volta ad opera di Philippe Petit), in cui Murcof e Petit tracciano un ponte ideale tra primitivismo esotico e fumosa dark ambient noir. La conclusiva The Summoning of the Kraken, infine, riporta il discorso di First Chapter sui livelli di The Call of Circè, con un altro, fulgido esempio di avanguardia post-classica (forse qui leggermente meno comunicativa e più arroccata nel versante più astratto e cerebrale della musica del duo) che questa volta assimila anche i battiti ritmici techno e i glitch di Murcof nel solito tessuto cameristico di droni, synth, salteri, cimbalom e manipolazioni elettroniche.

Nonostante i due pezzi conclusivi (comunque estremamente riusciti, in particolar modo The Summoning of the Kraken) appaiano quasi ridondanti dopo la magnifica esperienza di The Call of Circè, tutto First Chapter rappresenta un intelligentissimo esempio di capacità di declinare gli idiomi delle avanguardie della musica contemporanea tramite la sensibilità delle tendenze più disparate della musica elettronica. In particolar modo, è encomiabile l'abilità con cui Murcof e Petit intraprendono un'operazione tanto intellettuale riuscendo a rendere accessibile l'album tanto ai fan della prima, quanto della seconda: risultato tutt'altro che banale, visti i molteplici casi di "sperimentazione" analoghi che naufragano nell'anonimato ogni anno.

Occult Rock

Emanuele Pavia — Sat, 15 Dec 2012 23:06:56 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Psychedelic Rock

Noise

Drone

Etichetta:

Norma Evangelium Diaboli

Anno:

2012

Line-Up:

- Shantidas Riedacker - Chitarra
- Matthieu Canaguier - Basso
- Antoine Hadjioannou - Batteria

Tracklist:

1. I
2. II
3. III
4. IV
5. V
6. VI
7. VII
8. VIII

Aluk Todolo

Occult Rock

Il terzo full-length del trio francese Aluk Todolo rappresenta probabilmente la definitiva consacrazione di un sound che nei primi due album (vale a dire l'interessante Descension del 2007 e il ben meno notevole Finsternis del 2009) aveva solo rivelato le proprie potenzialità esplosive e distruttive, dispiegando apertamente un numeroso stuolo di riferimenti musicali (dal post-punk al krautrock, dalla psichedelia al noise rock, fino alla drone music e alla musica industriale) ancora non conciliati a dovere in una formula totalmente convincente.
Pubblicato come doppio LP il 21 settembre 2012 dalla Norma Evangelium Diaboli, Occult Rock rilegge la religious psychedelic trance (questa la locuzione - piuttosto pretenziosa - con cui gli Aluk Todolo hanno descritto la propria musica fin dai tempi del primo 7" eponimo) sotto un'ottica ben più oscura e con un dispiego di mezzi ben più distruttivo. Pur senza rifiutare l'impianto ipnotico e asfissiante della loro musica (come ben dimostrato da una sezione ritmica che, tra battiti motorik e pattern ripetitivi degni di Jaki Liebezeit, fa della reiterazione il proprio punto cruciale), gli Aluk Todolo propongono ora un sound estremamente più curato e variegato, che lungo le otto tracce senza titolo dell'album sfoggia ora riff black metal ora cadenze da cingolato sludge e doom, ora torrenziali distorsioni cosmico/psichedeliche ora cacofonie abrasive nella vena del post-punk industriale dei Chrome. Le numerose trame musicali che costituiscono la base per il sound degli Aluk Todulo vengono eseguite impeccabilmente, riuscendo finalmente nell'obiettivo di creare un rituale evocativo e trascendentale.

Il primo movimento si apre fin da subito con il fragore di un blast-beat su cui si ergono riff metal in tremolo picking (i riferimenti sono visibilmente le correnti più atmosferiche del black metal, dal Burzum di Hvis Lyset Tar Oss fino alle propaggini sperimentali americane del nuovo millennio), ma quel che potrebbe essere l'introduzione a un disco di metal estremo diventa, con il passare dei minuti, un mantra cosmico che, senza mai rifiutare le tecniche metal, si tinge sempre più di sonorità space-rock e psichedeliche, tra giochi di dissonanze e feedback, fischi e rumori, fino a impennate chitarristiche che cannibalizzano Hawkwind, Pink Floyd e Chrome.
La metamorfosi del pezzo giunge con II, che tronca definitivamente le ingerenze black metal per approfondire quelle astrali. Sostituito il blast beat con un pattern ritmico (non meno martellante) rubato a Can e a This Heat, la chitarra improvvisa ora su un ossessivo riff di basso, cimentandosi in spastici arpeggi post-rock dal sapore spaziale, fino a deflagrazioni metal che conducono il brano in un sentiero psichedelico dai toni vagamente desertici, per poi confluire infine in un'impennata mistica che si disperde nel vuoto siderale interrotto solo dal colpo di piatti che inaugura III. Ormai lontani dalle jam rock dei primi due movimenti, gli Aluk Todulo giocano con distorsioni claustrofobiche, inflessioni stoner e derive drone che lasciano la musica a languire in un limbo oscuro e magmatico su cui la batteria, implacabile, continua a battere il tempo senza quasi alcuna variazione. Solo una breve parentesi di post-punk rumorista e ronzante interrompe i dieci, insistenti minuti di marcia del brano, prima che gli Aluk Todolo procedano con il quarto atto del disco, che bombarda con stridii, distorsioni e detonazioni di chitarra un geometrico schema ritmico slintiano.
Il secondo LP dell'album si mostra invece più improntato all'atmosfera e alla dilatazione del brano post-punk, sfoderando dapprima visioni deviate della musica cosmica (V) e quindi mostrando la personale interpretazione del noise rock degli Aluk Todolo (VI), fino a giungere al settimo movimento di Occult Rock che accelera il passo dei Neu! di Für Immer aggiornandolo alle rivoluzioni delle correnti del post-hardcore con muri sonori celestiali shoegaze e scariche chitarristiche adrenaliniche, fino a improbabili manipolazioni chitarristiche che sposano la musique concrète dei Faust con la tecnica atonale di Robert Fripp e le sperimentazioni della scena di Canterbury (Gong e Soft Machine in particolare). Infine, VIII conclude il viaggio spirituale degli Aluk Todulo con un sound monolitico e agonizzante, che raggiunge vertici di pesantezza sludge metal per poi rallentare sempre di più la pulsione ritmica e lanciando gli ultimi urli agonizzanti della chitarra al cielo, mentre l'album si appresta a concludersi con un feedback interrotto bruscamente dallo spegnimento dell'amplificatore.
Forse non tutti i quasi ottantacinque minuti di questo mastodontico doppio sono necessari alla riuscita finale dell'album, ma i problemi di prolissità di Occult Rock non sono così importanti viste la qualità delle composizioni, la maturità del crossover stilistico e la portata emotiva di questo viaggio nell'occulto.

The Colonial Script

Emanuele Pavia — Thu, 15 Nov 2012 21:45:02 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Industrial

Drone

Ambient

Etichetta:

Distraction

Anno:

2012

Line-Up:

- AJ Cookson
- Matthew Rozeik

Tracklist:

1. Imperial
2. Led to the Water
3. Endless Vertex
4. Wretched Hag
5. Arrows
6. Shadows of Reflections of Ghosts Past
7. Theme From Escape
8. Starbeast
9. Insecto!

Necro Deathmort

The Colonial Script

Il duo londinese Necro Deathmort (AJ Cookson e Matthew Rozeik) è riuscito ultimamente a farsi un nome tra i circuiti critici (in particolar modo quelli metal, ricevendo importanti riconoscimenti da magazine quali Terrorizer e Decibel) grazie alla pubblicazione di due tra i dischi più distruttivi di questi anni, vale a dire This Beat Is Necrotronic e, in maniera minore, Music of Bleak Origins, entrambi pubblicati per la Distraction rispettivamente nel 2009 e nel 2011: nonostante il moniker estremamente poco fantasioso, i Necro Deathmort propongono infatti un sorprendente connubio di drum & bass, dark ambient, drone music, industrial e EBM, memori tanto delle atrocità della musica di Foetus e degli Skinny Puppy quanto degli esperimenti che Kevin Martin intraprese con i suoi numerosi progetti sulla musica industriale negli anni Novanta.

Ed è sempre all'insegna di questa innovativa visione della musica industrial che viene pubblicato The Colonial Script (ancora una volta per la Distraction), il terzo capitolo della saga orrorifica firmata Necro Deathmort che non solo conferma le capacità finora dimostrate dal duo, ma che probabilmente ne rappresenta anche l'apice creativo per via di un raggio d'azione ben più ampio rispetto a quanto il gruppo abbia mai mostrato nei capitoli precedenti: per quanto i numeri drum & bass rimangano ancora un elemento fondamentale della loro musica, così come le atmosfere gelide e cupe continuino a dominarne le composizioni, i Necro Deathmort ora adottano maggiormente soluzioni elettroniche che tolgono l'egemonia alla sezioni ritmiche, decomponendole in astratti paesaggi sonori degni dei Dälek e in desolanti distese dark ambient sulla scia di Kreng ed Elegi, contemporaneamente portando in primo piano il ruolo delle chitarre che ora lambiscono territori industrial e drone doom metal (riportando alla mente alternativamente i Neurosis, i Sunn O))) e i Godflesh).
La musica di The Colonial Script si rivela così parente prossima delle sperimentazioni dei Techno Animal, di cui di fatto rappresenta un agghiacciante aggiornamento ai tempi dell'elettronica techno, dell'hip-hop e della dubstep.

L'album è aperto immediatamente da uno dei vertici del viaggio descritto dai Necro Deathmort, l'apocalittica Imperial, che si evolve da desolazioni drone/psichedeliche a ritmiche drum & bass prorompenti sormontate prima da droni cosmici e mesmerizzanti e infine da implosioni al limite del post-metal, in un improbabile ma riuscito incrocio tra i Pink Floyd più austeri di A Saucerful of Secrets, l'Amon Tobin di Out From Out Where e i Godflesh di Pure.
Sono questi ultimi (insieme a Neurosis e Sunn O)))) i numi tutelari del secondo pezzo Led to the Water, un pezzo drone-doom con impennate dissonanti e tessuti tra l'atmosferico e l'alienante che si intrecciano tra loro, celati dagli implacabili accordi di chitarra e dalle esplosioni vocali che bombardano il lento intercedere del brano, arenandosi infine in una lunga coda di giochi di distorsioni e di feedback. E mentre in Endless Vertex vengono recuperate le strutture EBM degli esordi, Wretched Hag raggiunge vertici di devastazione inediti con i suoi drone ambientali che sembrano riprendere al rallentatore una deflagrazione nel vuoto cosmico, prima di cimentarsi nel possente (ma sempre vagamente dissonante) industrial metal in stile Ministry di Arrows.
La successiva Shadows of Reflections of Ghosts Past è invece una elegia cosmica-ambientale che poco ha a che vedere con gli episodi alienanti della prima metà del disco, e pare invece un momento di quiete prima della tempesta decadente di Theme From Escape, che riparte dove Led to the Water si era conclusa, con un'introduzione elettronica in crescendo che spiana il terreno al fragore post-drone metal della seconda parte del brano.
L'esercizio più sperimentale del disco giunge però verso la conclusione dell'album con i sette minuti di Starbeast, che macina e ingloba per tutta la sua durata dissonanze spaziali, subdoli rumorismi galattici, minimalismo e droni opprimenti, in una delle versioni più glaciali e disturbanti della kosmische Musik, prima che l'opera si chiuda con il funereo sludge metal di Insecto!.
In assoluto il disco più ambizioso fra i tre finora pubblicati dai Necro Deathmort, The Colonial Script non solo ne rappresenta il culmine di efferatezza e mostruosità degli arrangiamenti, ma è anche uno degli album più importanti nel panorama industriale attuale, tra i pochissimi che si riveli effettivamente claustrofobico e catastrofico come i lavori cui visibilmente si ispira, senza però perdere di vista la sensibilità musicale odierna. Senza dubbio, tra le migliori uscite dell'anno.

The Haxan Cloak

Paolo Bellipanni — Thu, 07 Jul 2011 17:32:59 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Drone

Ambient

Avantgarde

Etichetta:

Aurora Borealis

Anno:

2011

Line-Up:

- Bobby Krlic - musiche, violino, programming, percussioni, pianoforte

Tracklist:

1. Raven's Lament
2. An Archaic Device
3. Burning Torches of Despair
4. Disorder
5. The Fall
6. The Growing
7. In Memoriam
8. Parting Chant

Haxan Cloak, The

The Haxan Cloak

I sentieri, infiniti, della perdizione interiore. A nome The Haxan Cloak, prende vita una delle profezie musicali più inquietanti degli ultimi anni. A farla riemergere dal sottosuolo sono violini trasfigurati, ritmi ancestrali, rumorismi elettronici e drone provenienti da un mondo in cui è difficile separare il valore della vita da quello della morte. Bobby Krlic, giovane deus ex-machina del progetto, fino a poco tempo fa sconosciuto home made musician residente a Londra, appare ormai come uno dei profeti più visionari dell'underground europeo. La sua prima fatica, quasi ad enfatizzarne il valore, porta il nome del suo neonato progetto solista. Una danza macabra tra il mondo dei vivi e quello dei morti, tra la superficie terrestre e le catacombe, traduce in musica delle visioni musicali maledette in cui il confine tra realtà e incubi notturni si assottiglia fino a scomparire del tutto. Il viaggio sperimentale di Krlic, per quanto farà la solita eccessiva fatica per emergere, è destinato a rimanere immortalato nella memoria dell'avanguardia musicale moderna come una stele piovuta dal cielo, indecifrabile e misteriosa.

Nei suoi otto frammenti strumentali, The Haxan Cloak stravolge splendidamente i canoni dell'avanguardia contemporanea, costruendo passo dopo passo un altare monumentale all'inquietudine e al lamento universale. E' proprio un lamento, infatti, ad aprire le fauci del disco e a farne disperdere nell'aria il malessere di cui è impregnato: è Raven's Lament, pacata ma alienante, sorretta da una marcia di violoncelli, xilofoni e musique concrete che, con fare enigmatico, apre i cancelli di The Haxan Cloak. Sentori e premonizioni strumentali che An Archaic Device prima irriggidisce e che Burning Torches of Despair (tra i momenti più visionari dell'album) fa infine letteralmente esplodere, aprendosi in un enigmatico drone violoncellistico-elettronico.

Gli archi, sfigurati e sradicati dal loro contesto strumentale originario, assumono le sembianze di una fitta coltre di nebbia e tenebre che oscilla, si sposta lentamente, oscurando il cielo nella sua infinità . Quando poi è il turno della suite Disorder, The Haxan Cloak sprofonda nel suo nero più denso e mistico: undici minuti di violini laceranti, drone e atmosfere opprimenti che paralizzano, graffiano, scuotono. Poi, come un richiamo evangelico, appare il gioiello The Fall, commovente litania di voci angeliche e violoncello che pare prendere The Haxan Cloak ed elevarlo verso uno stato di preghiera assoluto e finora sconosciuto. Ma nell'immaginario dell'album, di redenzione e salvezza per le anime umane non c'è la minima traccia. Dopo un'improvvisa sospensione spirituale, si sprofonda nuovamente nel vuoto: è The Growing, agghiacciante esperimento ambient-elettronico in cui Krlic continua a dimostrare la propria maturità compositiva e la validità delle proprie intuizioni. Quasi ulveriana per il taglio gelido e metropolitano, The Growing è la Perdition City del musicista londinese, il suo sussulto più freddo e disincantato. Quando poi Parting Chant viene chiamata a chiudere la litania di Krlic, The Haxan Cloak si trasforma in una cerimonia decadente totale: voci fantasmagoriche, rintocchi metallici, sottofondi rumoristici da cui emergono lentamente violini danzanti. Se la morte avesse un tema che la rendesse riconoscibile, allora si tratterebbe proprio della perla conclusiva di questo disco irreale.

The Haxan Cloak è un abisso visionario che viaggia dritto e a fari spenti tra i drones "neoclassici" degli ultimi Sunn O))), decostruzioni cameristiche krengiane, ambientazioni gotiche e cornici elettroniche antartiche, rielaborando il tutto con impressionante maturità compositiva. Freddo e maledetto, scritto con l'inchiostro più nero e denso che esista, The Haxan Cloak è un viaggio nei cunicoli più bui e nascosti dell'anima umana, proprio lì dove si annida il terrore più ancestrale, lì dove esplodono silenziosamente la tensione interiore più primitiva e lo smarrimento emotivo più profondo.

Alchemic Heart

Paolo Bellipanni — Tue, 05 Jul 2011 12:35:46 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Drone

Ambient

Etichetta:

Important Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Vampillia - voci, archi, pianoforte
- Jarboe - voce
- Merzbow - programming, noise

Tracklist:

1. Sea (24:43)
2. Land (24:36)

Vampillia

Alchemic Heart

Un’orchestra di musicisti insani, vestiti come manichini al di là di qualunque immaginazione estetica. Sono tanti, brutti, geniali. E, guarda un pò, giapponesi. I Vampillia, denominati The Brutal Orchestra, hanno recentemente sperimentato un delirante mix di noise, pop, metal, sonorità orchestrali e distensioni elettroniche, diventando immediatamente uno dei gruppi maggiormente in risalto del panorama sperimentale del Sol Levante. Al contrario di molti altri progetti connazionali, però, l’approdo dei Vampillia nel mercato e nell’underground europeo e americano stenta ancora a decollare. Di sicuro, Alchemic Heart non è un disco semplice e diretto ma – anche se saranno in pochi a seguire il consiglio – è destinato a rimanere come una delle creazioni musicali più affascinanti e coinvolgenti degli ultimi anni. A testimoniarlo, quasi come una sorta di garanzia sulla qualità del prodotto, ecco la simultanea presenza di Jarboe e Merzbow, due mostri sacri chiamati a far valere la propria auta sotterranea e malata in un disegno musicale votato ad un ideale globale, in perenne divenire.

Suddiviso in due sole, lunghissime tracce, Alchemic Heart è un album come non se ne sentivano da veramente molto, troppo tempo. Provvisoriamente messe da parte le schizofrenie (avant-) orchestrali, il progetto nipponico si concentra nella folle rappresentazione di un mondo sonoro scomparso e remoto. Il microcosmo delle più tragiche emozioni umane nel macrocosmo dell’anelito cosmico: in Alchemic Heart grande e piccolo si uniscono così come il sublime e l’intimo, il rumoroso e il soave, l’epico e lo straziante.

Sea, il primo capitolo del disco, si apre come un vero e proprio incantesimo atmosferico. Jarboe, non chiamata nel progetto per le sue sconvolgenti litanie vocali, stende la propria voce narrante lungo un sottile tappeto di archi. Le sue parole si affacciano sulla solitudine, la perdita e l’abbandono mentre, dietro di essa, il magma dei Vampillia comincia lentamente a muoversi. Gli archi crescono, i respiri di Jarboe anche, eppure tutto è ancora avvolto in una dolcezza atmosferico-melodica inaspettata. Quando i violini cessano il loro moto, è un pianoforte isolato a condurre silenziosamente le trame della suite. Dopodichè, l'improvvisa risalita del sublime. Lente e pesanti come macigni, le chitarre distorte dei Vampillia fanno il loro ingresso, dipanandosi in un divenire melodico straziante, che nei restanti dieci minuti di Sea raccoglie al proprio interno nuove ascese violinistiche e sconvolgenti intrecci di voci operistiche. Poi, di nuovo il silenzio, con un timido pianoforte e la voce di Jarboe, rotta e vibrante.

Se Sea era un progredire musicale dettato da una crescita sinuosa e (quasi) naturalistica, Land è la sua traduzione in un ambiente diverso, più caotico e contratto. L’apertura atmosferica del mare scompare per far posto alla catarsi psichedelico-rumoristica della terraferma e della città contemporanea. I violini ritornano ma sembrano danzare come api inquiete in un cielo trafficato di noise e pubblicità elettroniche. Eppure, ancora una volta, tutto sembra così illusorio e dolce. I sottofondi rumoristici di Merzbow crescono man mano d’intensità, inglobando al proprio interno tutto ciò che trovano davanti. Stridii e lamenti informatici che solo la dolcezza del pianoforte e degli archi sono in grado di mettere a tacere per qualche secondo. Una pausa ambientale di qualche minuto, suoni pacati e la testa che vaga senza meta in un limbo improvvisato tra il caos dell’uomo moderno. La città della tragedia tecnologica - com’era da aspettarsi - viene però rievocata, e le sue sembianze sono ancora più epiche e travolgenti. Supportati dalle lacerazioni elettroniche di Merzbow, i drone chitarristici dei Vampillia si caricano di tenebre e di un’atmosfericità avvolgente: una cavalcata di distorsioni, noise, voci liriche, archi e pianoforti che si stende in tredici minuti di pura catarsi emotiva.

Alchemic Heart è un’opera di una forza drammatica semplicemente sconvolgente, come un melodramma seicentesco intervallato da momenti di teatro dell’assurdo, di cinema espressionista e di pittura astratta. Quella dei Vampillia è un’ascesa trascendentale e disperata verso un Dio che non c’è, ed è per questo che il senso di elevazione evocato dalle musiche del disco è perennemente accompagnato da un senso di vertigine assoluta, come se ci fossero gli artigli dell’abisso a conficcarsi in questo costante, commovente movimento verso l’alto.

Does It Look Like I'm Here

Giulio Magliulo — Sat, 20 Jun 2015 15:12:38 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Drone

Ambient

Elettronica

Etichetta:

Mego

Anno:

2010

Line-Up:

John Elliott – tastiere, synth
Steve Hauschildt – tastiere, synth
Mark McGuire - chitarre

Tracklist:

Candy Shoppe 4:45
The Cycle Of Abuse 4:59
Double Helix 3:03
Science Center 4:39
Genetic 12:08
Goes By 4:11
Does It Look Like I'm Here? 7:29
Summerdata 4:49
Shade 4:27
It Doesn't Arrive 3:35
Now You See Me 3:40
Access Granted 4:04

Emeralds

Does It Look Like I'm Here

Se c'è un gruppo che ha destabilizzato - attirando per questo anche qualche critica – chi ama racchiudere la musica negli angusti steccati dei generi, esso risponde al nome di Emeralds.
E proprio un percorso galattico di smeraldi luccicanti e meravigliosi è quello in cui ci accompagna il trio di Cleveland, John Elliott e Steve Hauschildt a synth e tastiere e Mark McGuire alle chitarre.

Già un indizio dunque, ben chiaro: questa musica ha una qualità che non è sbagliato definire 'cosmica'.

Certamente questa attitudine profondamente visionaria non ha influenzato e quindi determinato la genesi di un album passatista facilmente etichettabile sotto la voce kosmische, neo-kraut o cose simili, ma d'altro canto neanche si può negare una comunanza con quella scena storica che non è di suono, né tantomeno ideologica, bensì di 'effetto', di resa finale.
D'altronde perché mai il trio avrebbe dovuto prodursi in operazioni del genere quando fino a quel momento i suoi componenti hanno alacremente lavorato in produzioni ulltraundergrond e sperimentali contese tra drone music, synth-culture ed elettronica a bassa intensità?

Does It Look Like I'm Here agisce quindi - senza porsi il problema di volerlo - come un ponte temporale in cui gli spazi ignoti e sconfinati dell'universo vengono ridimensionati nei circuiti analogici di un sound-system non necessariamente pregiato e poi ripresi in chiave minimalista, moderna ed in un certo senso anche intima e lo-fi.
Saranno didascalici gli Emeralds in Candy Shoppe, ma non è proprio una colonna sonora a base di bolle gassose e colorate quella che ci aspetteremmo di sentire in un negozio di caramelle? E non è un territorio immaginifico tra la IDM più eterea dei Boards Of Canada e le distese partiture chitarristiche alla Mike Oldfield quello attraversato in The Cycle Of Abuse? Non c'è qualcosa dei Tortoise (anche loro spesso chiamati in causa, soprattutto all'inizio della loro carriera quando si parlava di neo-kraut) in Double Helix, oscura visione retrofuturista?
Da queste direttrici si può imbastire la trama dell'intero album, ritornando alle idee del già citato chitarrista di Reading preso tra i flutti in Genetic o a quella di un connubio felice tra computer music vintage oriented, drones e synth-culture della titletrack.
Un disco del 2010 questo che ha indicato una nuova via non ancora del tutto esplorata, agitata da uno spirito freak, sedata da pulsioni ambient e new age ma rigorosa nell'organizzare il suono nel suo spazio sospeso, impossibile, immaginario.

Through a Pre-Memory

Emanuele Pavia — Sun, 16 Feb 2014 23:16:08 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Industrial

Drone

Etichetta:

Mego

Anno:

2013

Line-Up:

- Mika Vainio - Elettronica
- Stephen O’Malley - Chitarra

Guests:
- Alan Dubin - Voce
- Eyvind Kang - Viola,
- Moriah Neils - Contrabbasso
- Maria Scherer Wilson - Violoncello
- Randall Dunn - Manipolazione di nastri

Tracklist:

1. Muse
2. Toward All Thresholds
3. Mirror of Mirror Dreams
4. Watch Over Stillness / Matters Principle

ÄÄNIPÄÄ

Through a Pre-Memory

ÄÄNIPÄÄ altro non è che il moniker adottato dal duo Mika Vainio e Stephen O'Malley, entrambi da anni alle prese - da prospettive opposte - con lo studio delle possibilità del minimalismo applicato alla composizione di una musica estremamente drammatica, imponente ed alienante, il primo con i progetti Ø e soprattutto Pan Sonic, il secondo con il lavoro svolto con Sunn O))) e KTL.

Registrato nell'andereBaustelle Tonstudio di Berlino e pubbicato nel novembre 2013 dalla Mego, Through a Pre-Memory segna l'esordio su full-length degli ÄÄNIPÄÄ e la seconda collaborazione dei due musicisti (Pan Sonic e Sunn O))) avevano infatti già lavorato insieme nel 2009 per la cover della storica Che dei Suicide), ponendosi come naturale punto di incontro tra i percorsi di esplorazione musicale che Vainio e O'Malley hanno intrapreso in tutti questi anni.
Dipanandosi in quattro lunghe tracce (per una durata complessiva di quasi ottanta minuti), la musica di Through a Pre-Memory esplora i punti di contatto tra drone e industrial metal (influenze portate nel progetto da O'Malley) ed elettronica glitch e ambientale (in linea con quanto sperimentato da Vainio a partire dalla fine degli anni Novanta), dando vita a un suono imponente e spettrale, su cui aleggiano i fantasmi dei Suicide e dei Throbbing Gristle come degli Earth e dei Khanate. Al duo si aggiungono quindi Maria Scherer Wilson (violoncello), Moriah Neils (contrabbasso) e Eyvind Kang (viola) - quest'ultimo occupandosi anche degli arrangiamenti di archi -, che contribuiscono a conferire un'aura ancora più inquietante e aliena alla musica di Through a Pre-Memory, e la voce di Alan Dubin (alle prese con la poesia di Anna Akhmatova), che enfatizza la componente più tormentata ed estrema del sound degli ÄÄNIPÄÄ; il tutto viene infine editato e modificato dalla manipolazione dei nastri di Randall Dunn, che si è occupato anche del missaggio dell'album.

Dei quattro brani di Through a Pre-Memory, tre possono considerarsi tra i più interessanti dell'anno.
La prima Muse è il tour de force più asfissiante dell'album, e probabilmente il vero apice del disco. Fin dall'inizio, l'atmosfera è opprimente: tutti gli elementi del pezzo, dai dissonanti accordi di chitarra elettrica di tipica scuola O'Malley, all'algida base ritmica costituita solo di kick pulsanti e glitch in una versione tecnologica dei Suicide, fino agli spettrali interventi di viola e violoncello dal sapore contemporaneo (a loro volta, straziati dalla manipolazione sonora di Dunn), sembrano finalizzati unicamente a rendere l'esperienza di ascolto il più terrificante possibile. Il climax giunge poco dopo la metà, quando tutto tace e si ergono, nel silenzio, le urla lacerate di Dubin: a quel punto il brano si tinge delle sonorità più cupe tipiche del progetto Khanate, se non fosse per l'elettronica soggiacente (e, successivamente, per i fraseggi sempre più intricati e contorti degli archi) a rendere la marcia funebre delle chitarre ulteriormente soffocante.
Su binari molto simili si muove la conclusiva Watch Over Stillness / Matters Principle, che vede nuovamente l'intervento vocale di Alan Dubin. Questa volta però l'ineffabilità di questo sound viene mitigata (almeno inizialmente) da una percussività maggiormente pronunciata (grazie al beat sintetico di sapore tipicamente industriale) e un lavoro elettronico ben più "fisico" (in contrapposizione a quello etereo dell'opener), che rende paradossalmente il pezzo meno claustrofobico; solo nel finale, di chiara ascendenza Earth, si ritorna alle vertigini di angoscia della opener.

Toward All Thresholds, d'altro canto, abbandona le ingerenze metal più destabilizzanti approfondendo invece la componente digitale del sound degli ÄÄNIPÄÄ, senza comunque privare la musica di un elemento psicologico fortemente destabilizzante. Gli archi e la chitarra sono ancora presenti, ma il loro intervento è più subliminale, mentre è l'elettronica la vera protagonista del brano: è questa infatti che definisce gli umori di Toward All Thresholds, partendo da sinistre pulsioni sotterranee fino a giungere, in un lento crescendo, alla percussività della techno industriale e quindi alle cacofonie del noise. Infine, implodendo su se stesse, le distorsioni sfumano in un anticlimatico epilogo dalle tinte cosmiche.
Dove Muse e Watch Over Stillness / Matters Principle rappresentavano i brani più muscolari di Through a Pre-Memory, Toward All Thresholds rappresenta la punta di diamante del lato astratto dell'operazione ÄÄNIPÄÄ, e il momento più concettuale di tutto il disco.

È Mirror of Mirror Dreams a rappresentare invece l'anello debole della tracklist, muovendosi, come Toward All Thresholds, prevalentemente su binari elettronici, ma (pur presentando un esotico finale che vede protagonisti viola, violoncello, contrabbasso in un gioco di echi e silenzi sul tappeto digitale) non raggiungendone la stessa profondità. Questo brano, insieme alla sfortunata scelta di collocare il pezzo indubbiamente più riuscito ad apertura del disco e al minutaggio estremamente corposo, è l'elemento che più di tutti rende difficile l'ascolto integrale dell'album; ciononostante, è difficile negare che quella di Through a Pre-Memory sia una delle esperienze più evocative e ammalianti del 2013.

The Invisible Mountain

Giulio Magliulo — Mon, 27 Jan 2014 14:34:41 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Drone

Ambient

Etichetta:

(Utech/Relapse)

Anno:

2009

Line-Up:

Jenks Miller

Tracklist:

Invokation

Tyrant Symmetry

The Invisible Mountain

Hatecloud Dissolving Into Nothing

Horseback

The Invisible Mountain

Nella scena sperimentale compresa tra drone, psichedelia e metal degli ultimi anni, uno dei nomi più interessanti è senza dubbio Horseback, progetto solista di Jenks Miller.

La sua prima emissione, The Invisible Mountain, è del 2009 ed esce per Utech Records ma già l'anno seguente il titolo entrerà nel catalogo Relapse (per i completisti ne esiste anche una versione in vinile - sempre 2010 – in edizione limitata per Aurora Borealis).

Sebbene le realizzazioni successive sotto questo monicker siano considerate dalla critica discontinue, il parere su The Invisible Mountain appare innegabilmente favorevole. Successivamente Jenks collaborerà anche con altri nomi di spicco quali Pyramids e Locrian.

Invokation che apre l'album si struttura intorno all'idea di un riff molto slow che in modo generico si potrebbe anche definire stoner; uno stoner dall'accordatura molto ribassata però, a cui non interessa l'accelerazione adrenalinica e che riverbera tutt'intorno psichedelia desertica e trascendentale e che troverebbe largo consenso tra i fans degli Earth.

La voce è un rantolo funzionale alle bestemmie del black metal, ma anch'essa appare depotenziata del naturale corredo di malvagità cui esso naturalmente si associa; un black metal sotto sedativi dunque, sgranato e depresso come potrebbero esserlo alcuni fotogrammi estratti dal film Gummo. Forse l'America che circonda Jenks Miller non è molto dissimile.

Più doom l'incipit di Tyrant Symmetry, anche se il calore analogico dei suoni che la avvolgono fanno ben comprendere che la musica di Horseback ha un intento più descrittivo, vuole narrare anzichè punire (nell'utilizzo di un certo tipo di strumentazione i Bohren Und Der Club Of Gore anche virando più verso il noir esplicito, jazzy e metropolitano, sono maestri).

E' un racconto questo che sembra voler esprimere una desolazione grande quanto i grandi spazi in cui si esprime.

The invisible Mountain, terza traccia di quattro, si carica del solito finto canovaccio metal per poi inseguire le ormai acquisite coordinate lisergiche memori perfino dei Grails, ma laddove la psichedelia rituale del combo di Portland tende in qualche modo ad una gamma cromatica più ampia dovuta al fattore sperimentazione, qui c'è il solo tramonto color ruggine ad occupare l'orizzonte e la solitudine della bestia umana consapevole dell'indifferenza della natura di fronte al suo dolore.

Chiude questo lancinante affresco Hatecloud Dissolving Into Nothing, sedici minuti e mezzo di cullante e malinconica psichedelia ambientale che unisce alle carezze della chitarra le sospensioni aeree di certi corrieri della Kosmische Musik '70 .

Se l'apocalisse di cui vuol 'cantare' Jenks fosse così, non è affatto detto che sarebbe una brutta cosa: sembra qualcosa di simile ad una dolce eutanasia.

Mithridate

Giulio Magliulo — Mon, 04 Feb 2013 16:51:26 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Drone

Etichetta:

Nostril Records

Anno:

2013

Tracklist:

1. Mithridate

2. They Didn't Seem Miserable

3. As If I Had My Tongue Into The Gutter

4. Nebula In Sagittarius

5. A Legion Following A Sheperd With No Eyes

6. The Crown Of Solomon John

7. Nails

8. Spiral Of Destruction

9. Hämara

Locust of the Dead Earth

Mithridate

Dopo il debutto acustico dello scorso anno con il monicker Mandrax Icon ritorna il portoghese Márcio da Cunha con il progetto Locust Of The Dead Earth.

Completamente diverso dal precedente, essendo composto da tracce che risalgono ai suoi antichi amori per una sperimentazione decisamente più radicale rispetto all’alt-folk con cui ci ha deliziato lo scorso anno, Mithridate rappresenta una possibile soundtrack per amanti delle atmosfere oscure e siderali ma psichedeliche.

La traccia omonima che apre l’opera con un arpeggio è contrappuntata da lenti accordi doom distesi su un tappeto di bave cosmiche di natura analogica ma l’assolo di elettrica che squarcia l’atmosfera immobile poi svela le intenzioni del nostro: costruire una ambient music con materiali di risulta.

La seconda traccia They Didn't Seem Miserable procede fiera secondo i canoni del post-core positivo alla Pelican, ma a differenza di quella scuola di pensiero, comunque tendente alla saturazione, qui si vuole mantenere uno scenario scarno, lo-fi in un certo senso, e al di là delle voci celestiali o dell’assolo acido alla Ben Chasny, è la reiterazione minimalista degli Earth a prendere il sopravvento.

Con As If I Had Thrown My Tongue Into The Gutter ci si trova ancora in uno spazio vuoto, riempito solo dalla chitarra elettrica solista riverberata e tremolante, come se i Calexico o i Sacri Cuori si ritrovassero di colpo senza i loro abituali punti di riferimento e perfino il beat che detta il tempo viene completamente sovrastato fino a scomparire, per poi ritornare in evidenza sul finale in glitch mode.

Le onde analogiche di Nebula In Sagittarius sono riconducibiliad un kraut/psych spaziale tanto Tangerine Dream nei suoni quanto Pink Floyd – quelli più cosmici - per isolazionismo e drammaticità; il peccato è che per mantenere il suo asset minimalista a tutti i costi il brano sembra incompiuto lasciando così a metà delle buone intuizioni che se sviluppate avrebbero potuto raggiungere livelli di epicità ben più interessanti.

L’ oscuro drone presente in A Legion Following a Shepherd With No Eyes viene mitigato da screziature di chitarra e disturbi di elettronica vintage che non aggiungono nulla di avventuroso all’album che ormai sembra assestarsi su coordinate ben stabilite e la chitarra lamentosa e slideggiante di The Crown Of Solomon John, nonostante confermi la bontà armonica di Márcio da Cunha come chitarrista, sembra darci ragione: questo soliloquio elettrico, se immaginato in acustico, potrebbe essere parte del suo repertorio sotto nome Mandrax Icon.

Poiché il materiale che compone quest’album risale a diversi periodi e non è stato rimaneggiato più di tanto, si può notare forse una mancanza di omogeneità che se da un lato può dar l’idea di un assemblaggio raffazzonato dei materiali, dall’altro rivela una spontaneità fuori dal comune ed in più evita momenti di vera noia. Questa considerazione è legata ad episodi quali Nails in cui l’eccessivo minimalismo della traccia è più agevolmente ricollocabile in un’estetica glitch che comunque non sembra essere per il nostro una priorità rispetto all’economia dell’intero album.

Spiral Of Self Destruction è cosmic jazz nell’era del drone, ma questo è ammettere di non avere una vera direzione da seguire e l’idea di forzatura sembra purtroppo irrobustirsi sul finale che è affidato ad Hämara, ultima rifrazione di indecisioni tra il vuoto cosmico ed il pieno elettrico di un artista decisamente complesso che ha forse bisogno di qualcuno dall’esterno – un produttore, una band? - che lo aiuti a dare un senso compiuto al suo lavoro. Non si può insomma fare un album bello come Mary Climbed the Ladder for the Sune poi giocare a fare il Robert Fripp degli anni ’10.

Più che occasione mancata quindi, vogliamo vedere quest’album come una possibile esperienza che potrebbe dare in seguito frutti ben più succosi a condizione di ‘lavorarci sopra’ a questi bozzetti d’artista.

Alight in Ashes

Gioele Nasi — Sat, 13 Oct 2012 11:15:44 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Drone

Etichetta:

Profound Lore

Anno:

2012

Link correlati:

Menace Ruine @ Tumblr

Line-Up:

S. de La Moth - Strumenti
Geneviève - Voce, testi, strumenti

Tracklist:

1.    Set Water to Flames
2.    Salamandra
3.    Burnt Offerings
4.    Arsenikon (Faded in Discord)
5.    Disease of Fear
6.    Cup of Oblivion

Menace Ruine

Alight in Ashes

Il nuovo disco “Alight in Ashes” segna il debutto dei Menace Ruine sotto la bandiera della Profound Lore, dopo i trascorsi con Alien8 Recordings e Aurora Borealis. E', questa, una delle poche novità portate dal quarto full del duo canadese, che si propone più come una sintesi dei lavori precedenti, piuttosto che come un nuovo passo in avanti - anche se si tratta di un disco con un'identità ben precisa.

La sterzata evidente su territori più Drone e Noise compiuta da “Union of Irreconcilables” (2010) viene sostanzialmente confermata, smussandone però gli spigoli più dissonanti, spossanti e apocalittici e recuperando i toni più melodiosi del loro capolavoro, “The Die is Cast” (2008). Ne esce probabilmente il disco più accessibile della loro carriera, in cui sono fondamentali le nenie medievaleggianti della chanteuse Geneviève, reduce quest'anno da un'ospitata nell'ultimo (bel) disco di James Blackshaw (“Love is the Plan, The Plan is Death”, uscito per Important Records).

E se le distorsioni e i droni mantengono inalterato il loro ruolo di protagonisti, il più evidente dei cambiamenti nel suono dei Menace Ruine è l'indiscutibile riduzione dello spazio concesso a batteria e tamburi, praticamente assenti per tutta la parte centrale dell'album (fa eccezione un piccolo cameo a metà di “Arsenikon”). Il disco rimane quindi molto più scarno, crudo e asciutto rispetto a quanto fatto in passato: l'esempio migliore di questa svolta minimale è la penultima “Disease of Fear”, solenne inno in cui ad essere bandita non è solo la batteria ma anche, sorprendentemente, la "chitarra" (tra virgolette, visto che è tutto sintetizzato), e la voce di Geneviève volteggia sontuosa accompagnata semplicemente dalle evoluzioni un "violoncello" ultra-distorto.

Tra brani che richiamano più esplicitamente “Die is Cast” (la seconda “Salamandra”, impreziosita dalle migliori melodie del disco) o “Union of Irreconcilables” (l'opener “Set Water to Flames”, i momenti più dissonanti di “Arsenikon”), “Alight in Ashes” trova quindi la propria identità nella sobrietà e nella severità della sua fase centrale, con la strumentale “Burnt Offerings” un degno simbolo dell'attuale evoluzione del sound Menace Ruine.

Un'evoluzione che, a mio parere, potrebbe anche avere preso qualche spunto dal bellissimo side-project di Genevieve, i Preterite, che l'anno scorso hanno debuttato con un disco (“Pillar of Winds”, pubblicato da Handmade Birds) in cui si tentava, almeno parzialmente, una de-metallizzazione del suono dei Menace Ruine, con due brani iniziali votati all'acustico di assoluto interesse per i fans dei Menace Ruine – un disco da recuperare per chi se lo fosse perso (se ne é parlato davvero poco in giro), magari anche per capire meglio questo nuovo “Alight in Ashes” ed inquadrarlo adeguatamente nel percorso di maturazione del magistrale duo québécois.

Ravedeath, 1972

Paolo Bellipanni — Mon, 01 Aug 2011 16:42:49 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Drone

Ambient

Etichetta:

Kranky

Anno:

2011

Line-Up:

- Tim Hecker - programming, musiche

Tracklist:

1. The Piano Drop
2. In The Fog I
3. InTthe Fog II
4. In The Fog III
5. No Drums
6. Hatred Of Music I
7. Hatred Of Music II
8. Analog Paralysis, 1978
9. Studio Suicide
10. In The Air I
11. In The Air II
12. In The Air III

Tim Hecker

Ravedeath, 1972

Una foto in bianco e nero, risalente al 1972, ritraente gli studenti del MIT (Massachusetts Institute of Technology) gettare un pianoforte dal tetto di un dormitorio universitario, l'ormai celeberrima Baker House. Un'immagine estremamente suggestiva che in sè raccoglie lo spirito di un'epoca a stelle e strisce e quello di un'intera opera musicale. Tim Hecker segue il viaggio di quel pianoforte e ne studia il movimento e la caduta, sondando il suo corpo fendere l'aria, gridare un ultimo, disperato lamento e impattare infine col suolo. Ravedeath, 1972 parte da quell'azione pseudo-riottosa e iconica e finisce per allargarsi all'intero pensiero umano: atto di liberazione e volontà distruttrice insieme, coadiuvati nella stessa immagine nel suo significato. Elementi che nell'album di Hecker si trasformano in un oscillare disperato tra la volontà di annullarsi e quella di resistere, tra il desiderio di liberarsi e quello di decomporre la realtà.

Ravedeath, 1972 è probabilmente la confessione più profonda, vibrante e di rottura dell'artista canadese, tornato a due anni dal (sicuramente meno ispirato) An Imaginary Country e riemerso in superficie con un bagaglio espressivo assolutamente devastante. Un disco che tocca corde in passato solo sfiorate, che dipinge atmosfere irreali eppure così maledettamente vicine al cuore. In poche parole, Tim Hecker sputa fuori dagli antri più nascosti del proprio essere tutto ciò che non era riuscito ad esprimere nell'ultimo lustro, raggiungendo un'alchimia musicale e atmosferica ai limiti della perfezione e della catarsi emotiva.

Tutto parte dall'ormai storica cerimonia studentesca del MIT, per l'appunto chiamata The Piano Drop: issato sul cornicione del tetto, il pianoforte è pronto a cadere e ad iniziare la propria discesa silenziosa verso il suolo. L'aria è tesa e scossa dal respiro dello strumento, qui tradotto da Hecker in una distesa di sintetizzatori pulsanti e onirici. Poi, appena il contatto con la materia si perde, la nebbia comincia ad avvolgere ogni angolo della realtà. La visione è commovente ed esplorata in tutta la sua intima drammaticità: suddivisa in tre spezzoni separati, In The Fog apre Ravendeath, 1972 verso i suoi frangenti più sottili ed eterei, all'interno dei quali il rumore (splendidamente orchestrato da Hecker nel proprio percorso drammatico-atmosferico) si fa pian piano avanti, finendo per avvolgere quasi del tutto la fluttuante massa sintetica. E se No Drums riporta l'album nel suo nido più intimo e liquido, Hatred Of Music è la risalita dal sottosuolo di uno spleen finora sconosciuto e maestosamente tragico. Suddivisa in due parti singole, la seconda suite si innalza come testamento spirituale di Hecker, raccogliendo in sè tutto ciò che il musicista canadese ha sperimentato negli anni: cupi, angoscianti ma dannatamente intensi, i due frammenti di Hatred Of Music appesantiscono le leggiadre costruzioni elettroniche precedenti di distorsioni, effetti ultraterreni e di un'inquietudine a dir poco ipnotica (evocata nella sua forma più totale dal drone chitarristico della prima sezione).

Tra lacerazione e apparente pace atmosferica (Analog Paralysis e Studio Suicide, episodi decisamente più sottotono), l'alchimia ambientale di Tim Hecker si raccoglie nuovamente in un'altra suite, questa volta posta a conclusione del percorso discendente (ovviamente in senso metaforico) di Ravendeath, 1972. In The Air - anch'essa spezzata in tre parti singole - è il rinnovarsi finale del lento oscillare heckeriano tra liberazione e distruzione: anche in questo caso, i flussi elettronici vengono regolarmente arricchiti da tessuti di distorsioni alienanti e timbricamente densissime, iniettate nel tappeto ambientale di fondo con impeccabile tempismo e gusto evocativo. Il pianoforte, divorato dall'aria e della nebbia e svuotato di tutte le sue naturali caratteristiche timbriche, si appresta a terminare il proprio ultimo canto sul terreno. La sua discesa e il suo impatto sono silenziosi ed emettono un lamento appena percettibile.

Un'unica parola rimane da pronunciare, una parola che l'Hecker di Ravendeath, 1972 ha tradotto in cinquanta, commoventi minuti di musica altra. Quella parola è poesia, e non poteva essere altrimenti.

Demiurge

Paolo Bellipanni — Thu, 16 Jun 2011 18:45:30 +0000

Voto:

7.1 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Drone

Elettronica

Etichetta:

Subtext

Anno:

2011

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- James Ginzburg - programming
- Paul Purgas - programming

Tracklist:

1. Departure
2. Function
3. Monad
4. Periphery
5. Plane
6. Point
7. Return
8. Sphere
9. Structure
10. Tangent
11. Void

Emptyset

Demiurge

Nel 2009 l’omonimo esordio fece scalpore nella sua rombante miscela di minimal techno e frammentazioni dub. Due anni dopo, maturato e incurante dei trend, il progetto Emptyset si riaffaccia sulla folla elettronico-dipendente, la guarda negli occhi e continua ad urlare il proprio disprezzo verso il prodottino confezionato semplice e ballabile. Lo fa amplificando fino all’inverosimile la ricerca su cui si basava il precedente full-lenght e tracciando un nuovo e personalissimo sentiero nello scenario sotterraneo elettronico europeo.

Emptyset fa capo a James Ginzburg e Paul Purgas, esponenti della Bristol più underground, sporca e sperimentale. Un progetto che in appena due anni (tra album, ep e vinili) ha sondato e rivoluzionato la techno più sotterranea e oscura, frammentando la dubstep e violentandone i cardini compositivi attraverso massicce iniezioni di drone e di bassi ultraterreni. Demiurge, secondo e ultimo full-lenght rilasciato dall’act britannico-statunitense (James Ginzburg è bristoliano per sola adozione artistica), sono gli Emptyset che sputano in faccia a qualunque volontà discorsiva, ad ogni minima sembianza di linearità, di facilità d’ascolto; in qualche modo finiscono per sputare in faccia anche al loro stesso (recente) passato, ma questo non importa, è un altro discorso.

Un sound corrosivo, spezzato e rombante costituisce l’alfabeto tramite cui Ginzburg e Purgas decidono di comunicare la propria idiosincrasia elettronica. Demiurge si distende lungo tappeti sintetici glaciali e neri, portati avanti da un minimalismo esasperato e a tratti esasperante. L’influenza delle frammentazioni Pan Sonic-style sono forti ma traslate in un massacrante scenario sonoro. Il tempo di introdurre in maniera “ambientale” questo paradigma (il white noise di Departure) ed ecco che a crollare violentemente dal cielo sono fulmini drone carichi di elettricità, impregnati di una violenza ancestrale (Function). Tutti gli episodi del disco vanno avanti per singoli frammenti sintetici oscuri e tuonanti, costantemente intervallati da brevi silenzi dopo i quali il sound di Demiurge riprende il proprio corso in maniera più violenta. I beat, nelle loro apparizioni, sono sempre frammentanti e discontinui, tranne in qualche rara eccezione in cui il duo di Bristol quasi riabbraccia il minimalismo techno-dub delle origini (ma filtrandolo - come accade in Monad e soprattutto in Point - all’interno di un devastante campo magnetico). Un nucleo elettronico che pare riposare nelle viscere della terra e che ha bisogno di riemergere in superficie in tutta la sua solenne violenza, fatta di sporcizia sonora (Structure e Tangent), di drones stridenti e viscerali (Return) e di una lacerante potenza sintetica (Void, oscura cerimonia conclusiva del disco).

Demiurge è un qualcosa che scava nella psiche e ne graffia le superfici, un rituale mitologico/futurista che mette seriamente a repentaglio l’incolumità mentale di chi osa scoprirne il linguaggio. Musica ostica ma devastante, ripetitiva ma cruentemente ipnotica. La nuova religione Emptyset è ciò che di più violento e insano ci si poteva aspettare dalla Bristol underground: prendere o morire.

Ruins of Morning

admin — Tue, 18 May 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Drone

Etichetta:

Essence Music

Anno:

2010

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- Aidan Baker - chitarra, programming, voce
- Leah Buckareff - basso, chitarra

Tracklist:

1. Part I (20:48)
2. Part II (19:30)

Nadja

Ruins of Morning

Un monolite dopo l'altro. Un'apnea che non conosce termine.
Aidam Baker e la sua creatura Nadja fanno per l'ennesima volta ritorno, senza squilli di tromba, senza esagerati preamboli, venendo lentamente fuori dalla propria tana sotterranea pronti ancora a stupire, commuovere, ipnotizzare.
Dal precedente Autopergamene è passato così poco tempo che un'altra release firmata dal progetto canadese sembrava irreale, umanamente impossibile; e invece riecco qui l'inquietudine più radicata, lo spleen agghiacciante e le atmosfere mistiche di Baker e Buckareff, sempre così mutanti, sempre così alieni e fuori dal mondo.
Il volto più assurdo e affascinante del drone sono ancora una volta loro e Ruins of Morning sta qui a testimoniarlo, ridando linfa vitale al progetto Nadja e riempendolo nuovamente con l'assurdo misticismo e la sperimentazione metafisica di sempre. Apparentemente pacato, quasi 'costretto' in un'incorruttibile gabbia acustica, il nuovo full-lenght di Aidam Baker conserva al suo interno una solennità, un tratto ieratico ed una forza suggestiva mostruosa. Articolato semplicemente in due lunghissime suite, Ruins of Morning ci presenta i Nadja sotto una veste (quasi) del tutto nuova ma come sempre contraddistinta da uno spleen e da una potenza atmosferica senza paragoni.

Gradualmente e sempre seguendo una linea evolutiva costante pur nella sua irrazionalità di fondo, i Nadja rimodellano il proprio stile in maniera netta, allontanandosi man mano dalle vigorose stratificazioni drone/shoegaze originarie e asciugando l'intero impianto strumentale in modo tale da evocare un mondo psichedelico-noir di assoluto straniamento percettivo. Part I, prima metà dell'album, si dilunga così per ben venti minuti senza mai nemmeno sfiorare una distorsione, una chitarra lancinante, un'atmosfera esplosiva: le melodie sono gelide e sotterranee, i ritmi scarnificati e ridotti all'osso, le chitarre sembrano rimanere immobili in una stasi espressiva inquietante e oscura. Mai così ipnotici e stranamente 'pacati', i Nadja di Part I aprono un nuovo emisfero compositivo nella propria arte maligna, trascinando gli Earth di Hex: Or Printing In The Infernal Method in un sottomondo ben più inquieto e desolante. Niente mostri, niente visioni forzatamente spettrali: le fantasie di Baker non sono abitate da nessuno, nemmeno dai fantasmi.
Ma il ritualismo distorto dei Nadja è in agguato e non appena Part II prende il via, ecco riapparire i feedback strazianti e le grevi masse chitarristiche, trascinanti e vastissime seppur concentrate solo nei primi 8 minuti del brano: dopo la cavalcata drone iniziale, il secondo colosso di Ruins of Morning si abbandona ad un graduale diminuendo atmosferico che, secondo dopo secondo, toglie uno ad uno i pezzi dell'armatura dei Nadja, scarnificando i pattern strumentali fino a spegnersi in un quasi impercettibile finale ambientale.

Il tempo dei capolavori sarà pure lontano, strazianti gioielli come Touched (che entra di diritto tra le più affascinanti pietre miliari del nuovo drone) faranno pur parte di un periodo superato, fatto sta che Aidam Baker e la fedele seguace Leah Buckareff il loro infinito poema oscuro non l'hanno ancora finito di scrivere e anche questo capitolo, come tutti i precedenti (visto che non c'è un passo falso nella loro discografia), rappresenta un'esperienza emotiva allucinante, seppur non eccelsa.

Autopergamene

admin — Tue, 13 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Drone

Etichetta:

Essence Music

Anno:

2010

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- Aidan Baker - chitarra, programming, voce
- Leah Buckareff - basso, voce

Tracklist:

1. You Write Your Name In My Skin (25:39)
2. You Write My Name In Your Head (7:11)
3. You Write Your Name In My Blood (26:13)

Nadja

Autopergamene

Ancora più oscuri, mai così malati e inquieti eppure come sempre instancabili e iper-produttivi, i Nadja di Aidam Baker tornano ad infestare il panorama drone-ambient internazionale con una nuova, colossale epopea nei meandri del terrore e dell'inquietudine umana. Non tradendo l'ormai nota facilità tramite cui il progetto canadese sforna lavori su lavori ad una velocità a dir poco pazzesca, Autopergamene rilancia - a meno di un anno dal precedente doppio cd Under the Jaguar Sun e dallo struggente split con gli americani Pyramids - il mondo sotterraneo di uno dei monicker più all'avanguardia dell'ultimo decennio. Assieme al tanto rimpianto (e defunto) progetto statunitense The Angelic Process, sono stati infatti i Nadja per primi a dilatare ed arricchire l'atmosfera del drone con l'onirismo e la profondità effettistica dello shoegaze, allontanandosi quindi dalle sponde più tradizionali del genere (rendendo d'altronde palese il distacco dai Sunn O))), per anni suo unico vero paradigma) e dando di fatto vita ad un nuovo modo di intendere e comporre il drone.

Quattordicesimo studio full-lenght in sette anni (senza contare gli altri sette Ep e gli altri undici lavori rilasciati sotto forma di split o collaborazioni), Autopergamene si riaffaccia prepotentemente sulle commistioni timbrico-atmosferiche dei primi album - Bliss Torn from Emptiness (2005) su tutti - rievocando il devastante connubio di feedback stridenti, discese ambientali e vastissime aperture melodiche che fece la fortuna dei primi full-lenght firmati Nadja.
In Autopergamene Baker e Buckareff immettono tutto il loro essere: trasmettono il terrore più lancinante, si immergono in un avvolgente onirismo dal sapore misticheggiante, si inabissano nell'oscurità più atroce, evocando un caleidoscopio di suoni dalla travolgente carica atmosferica.

Pur senza presentare nulla di effettivamente nuovo, l'ultimo lavoro dei Nadja colpisce profondamente e trascina per tutta la sua durata grazie alla solita, instancabile capacità di Aidam Baker di suggestionare l'ascoltatore attraverso una ricchezza timbrica di un altro mondo. Così accade con l'opener dell'album, ovvero quella You Write Your Name In My Skin che ci svela l'essenza più profonda e toccante dell'intero Autopergamene: introdotta da un lentissimo (e forse eccessivamente prolisso) crescendo ambientale, il brano si dispiega man mano e si apre ad una straziante cavalcata strumentale di ritmi cadenzati, distorsioni sognanti e di un vero e proprio flusso effettistico (tra synth e fiati Baiker crea infatti un universo timbrico che definire suggestivo sarebbe riduttivo) che arricchisce in maniera spaventosa la portata espressiva del brano, prima che lo stesso si chiuda mediante un'altra discesa ambientale pacata e silenziosa.
Il secondo episodio, You Write My Name In Your Head, si apre invece in maniera del tutto opposta all'ipnotismo mistico della splendida opener: laddove il primo componimento si distendeva lungo fraseggi lenti e per certi versi ariosi, la traccia centrale dell'album (che è anche la più breve, visti i suoi soli sette minuti di durata) si immerge immediatamente in un demoniaco rituale drone/doom metal, chiudendo la porta a qualsiasi evoluzione effettistico-atmosferica e riproducendo per tutto il proprio corso uno straziante tappeto di chitarre pesantissime su cui si impone, in tutta la sua terrificante forza espressiva, il growl filtrato di un Aidam Baker semplicemente d'oltretomba. Ultimo, lacerante frammento di Autopergamene, You Write Your Name In My Blood riprende quasi letteralmente l'assetto strumentale e melodico dell'opener, immergendola però in un'atmosfera ancora più viva e straziante: l'apertura ambientale è questa volta affidata ad una chitarra pulita su cui man mano si stendono i synth di Baker, prima che faccia ingresso lo spossante crescendo drone della fase centrale, compendio ultimo della malattia visionaria dei Nadja con le sue possenti stratificazioni timrbiche e i suoi feedback come non mai strazianti.

Discutibilissima, comunque, la scelta di riproporre nello stesso album (che, ricordiamo, conta solo tre tracce) una rielaborazione - peraltro con pochissime variazioni su tema - dello stesso brano, ed è in effetti questa la zavorra che blocca maggiormente Autopergamene visto che, ancora una volta, i Nadja erano riusciti a tirare fuori un disco dannatamente visionario e suggestivo.