Indie Pop

Believer

Giulio Magliulo — Sun, 22 May 2016 10:42:11 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2016

Line-Up:

Valentina "Varlet" Paggio: Voice / Piano / Percussion / Drums

Valeria "Varlet" Sturba: Violin / Theremin / Electronics / Voice

Tracklist:

Forgot Belgium

Oh love me

Sunday morning

Alejandro

Slight story

Believer

Please help me

Bobe

Technomg

Minnie

Only a man

Vale & The Varlet

Believer

Qualcuno una volta mi riferì della sensazione che provava a fronte di ogni nuova uscita discografica femminile in ambito indie: “con le dovute e conosciute eccezioni, troppo spesso si somigliano un pò tutte”. Istintivamente risposi che si sbagliava e che tale percezione era soltanto frutto della sua poca conoscenza nonché superficialità negli ascolti. Solo successivamente compresi cosa intendesse; egli non si riferiva a somiglianze timbriche o a limiti tecnici bensì all'adesione incondizionata a modelli estetici ampiamente diffusi; nell'ordine: la songwriter di stampo folk, voce e chitarra; la femme fatale da psicodrammi, voce e pianoforte; l' eclettica (leggesi fricchettona) ossessionata da cantilene infantili e strumenti giocattolo. Le classiche soul singers, le suicide girls electroclash e le rockettare le dimenticò o più probabilmente le escluse dai suoi insindacabili giudizi ritenendole se non più originali almeno più vere.
Io non cambiai la mia opinione, ma non potei negare che nella sua severa visione dell'universo musicale femminile c'era del vero.
Oggi con piacere invece gli proporrei l'ascolto di Believer, così potrei dimostrargli che anche all'interno delle sue categorizzazioni formali possono esserci dei livelli qualitativi differenti, ricchezza e varietà di atmosfere e di suoni, tanto colore e voglia di sperimentare e sorprendere con leggerezza, in una parola 'divertire' in un assetto - di contro - quasi 'da camera'.

Dalla distesa levità elettronica della titletrack al riassunto bjorkiano di Technomg, dal minimalismo fun e bolero di I Forgot Belgium all'austerità di Oh Love Me, dalla Sunday Morning che non vi farà affatto pensare ai Velvet Underground quanto a Warren Ellis dei Dirty Three per quel violino riottoso, dal calore ispanico del tango-cabaret Alejandro fino a concedersi il più classico dei bluesacci in Only A Man.
E bella anche la cover, molto femminile nei suoi tratti colorati e vintage.
Poi collabora Francobeat, che per gli amanti della scena off nostrana è una garanzia.

Nel Posto Giusto

Giulio Magliulo — Mon, 29 Sep 2014 17:39:52 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Rock

Indie Pop

Etichetta:

Black Candy Records

Anno:

2014

Line-Up:

Marco Manzella - voce, chitarre

 Alessandro Marchetti - basso

 Luca Schiuma - pianoforte, organo

 Vinicio Vinago - batteria

 Emanuele Sarri - chitarre

 Mattia Boschi - violoncello

Tracklist:

Non Basta Mai

Conseguenze

Hawaii

La Statua

A Costo Di Sbagliare

Fuori Piove

Just Woods

Il Giorno Più Normale

Un Ponte Sul Fiume

Sulla Schiena

Il Disordine Delle Cose

Nel Posto Giusto

Finire Nel Posto Giusto per registrare questo terzo album significa forse andare a registrarlo a Glasgow, dopo Torino e l'Islanda. Spiriti errabondi i piemontesi Il Disordine Delle Cose giunti al terzo album e ad una maturità qui rivelata frutto di esperienze accumulate e gioie condivise con i loro amici che sono la crema dell'adult indie italiano: Perturbazione, La Crus, Paolo Benvegnù, Marta Sui Tubi (con cui condividono Mattia Boschi) e molti altri.

Nel Posto Giusto è un disco bellissimo perché aggiunge cose, introduce elementi, azzarda contaminazioni inusitate senza rinnegare tutto ciò che li accomuna ai celebri e già citati nomi a cui aggiungerei anche i mai troppo osannati Non Voglio Che Clara per una certa affinità vocale. Purtroppo nell'indie rock italiano le voci spesso sono un problema poiché si pensa che per raggiungere determinati livelli di intensità espressiva occorra assumere accenti drammatici esasperati che non solo risultano ridicoli, specialmente quando declinano in dizioni anglofone, ma anche tristemente derivativi quando scimmiottano i soliti due o tre fini dicitori che abbiamo; ecco che nel caso del Disordine Delle Cose - come per Fabio De Min per i bellunesi – abbiamo degli ottimi esempi di cantato pulito, equilibrato, espressivo ed in taluni casi perfino commovente (ma a differenza dei NVCC Il Disordine Delle Cose è rock).

Questo appeal melodico e queste liriche funzionano alla grande quando incontrano meravigliose albe in technicolor alla Mercury Rev, sorta di shoegaze meets prog, con tutti quegli archi, giri simil-Pixies brevissimi e senza fronzoli, grandeur progressive nella code, altissimo senso del pop, inserti seventies mai così lontani dalla matrice indie nostrana eppure magicamente incastrati, depistaggi ottantiani, citazioni di XTC (provate a canticchiare Making Plans For Nigel nei primi secondi de La Statua) e c'è perfino un ospite speciale, Chris Geddes dei Belle And Sebastian, all'organo nella conclusiva Sulla Schiena, beccato per caso un giorno lì al bar.

Una band ed un disco che per tanti motivi san farsi notare, non ultimo il packaging che vi impedirà di riporre il cd negli spazi convenzionalmente utilizzati per i cd ma adattissimo a quello dei libri.

E soprattutto rock italiano che sa abbracciare la poesia, da valutare anche per le charts di fine anno.

Kaputt

Alfredo Capozzi — Tue, 25 Oct 2011 15:01:01 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Alfredo Capozzi

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

Merge

Anno:

2011

Tracklist:

1. Chinatown

2. Blue Eyes

3. Savage Night at the Opera

4. Suicide Demo for Kara Walker

5. Poor in Love

6. Kaputt

7. Downtown

8. Song for America

9. Bay of Pigs (Detail)

Destroyer

Kaputt

A molti il nome di Daniel Bejar, anima e mente dell’ensamble denominato Destroyer, continua a non dire molto. Ed è un vero peccato, perché chi conosce un po’ la storia del pop-rock dell’ultimo decennio, sa bene che la scena canadese è stata ed è una di quelle più prolifiche e qualitative. Egli rappresenta per il fertile movimento musicale di quel Paese, sorto tra la fine del passato millennio e l’inizio del nuovo, un punto di riferimento; e tante band ed artisti, da The New Pornographers, band di cui fa parte, a molti della premiata scuderia Arts & Crafts, guardano a lui come ad una sorta di guru.

L’ultimo suo lavoro, Kaputt, dopo gli imperdibili Trouble in Dreams (2008) e Destroyer’s Rubies (2006), conferma tutte le sue qualità di fantasioso, sensibile ed imprevedibile songwriter, risultando, nonostante la sua sia già una brillante e ricca discografia, forse il migliore della sua carriera. Il genere al quale il disco appartiene è sicuramente il pop, ma Bejar è uno dei musicisti più ricco d’influenze che io conosca e, soprattutto, capace di cambiare registro per ogni composizione, rimanendo sempre fedele al suo credo, al suo lussureggiante e un po’ barocco ideale musicale. Come unica concessione quella di aver posto il brano più lungo, gli undici e passa minuti di Bay of Pigs, alla fine e non all’inizio, al contrario di ciò che era capitato con Rubies (9:25 min.) nel precedente lavoro, posto a mo’ di sensuale rito d’iniziazione.

A darti il benvenuto qui c’è, invece, una perfetta pop song, Chinatown, arricchita da un ritmica un po’ anni 80’, un sax molto soul e da una voce femminile, quella di Sibel Thrasher, che doppia quella del nostro. Con cotanto viatico addentrarsi nell’album sarà più facile, ma le sorprese, le generose e ricche sonorità di Dan, sono pronte a stupirti. Ci sono due brani, che insieme contano una ventina di minuti, che sparigliano le carte: il citato Bay of Pigs, l’ambient che non ti aspetti, partenza minimale, in odore di elettronica, per poi virare in una specie di disco-music, e Suicide Demo for Kara Walker, forse il brano più ambizioso dell’album, che riesce a combinare magnificamente il pop alla Prefab Sprout, la disco anni ’70 e dei fiati spaziali. Ma tutti i brani, da Savage Night at the Opera, una vera delizia che cita con coraggio Enola Gay nel finale, alla sublime, ariosa, dolcemente malinconica, Downtown, con la voce di Sibel in evidenza, mostrano le rare doti di Dan, barbuto mago che produce nel suo calderone dorato incantesimi non da poco.

Un album, in definitiva, raffinato, fantasioso, con citazioni tanto numerose quanto calibrate, con testi mai banali, con un gusto per l’ibridazione intelligente, con tante (troppe?) qualità da farci temere di essere poco adatto per questi tempi vili. Speriamo di sbagliarci.

NewVillager

Vincenzo Ticli — Tue, 18 Oct 2011 10:30:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Pop

Indie Pop

Etichetta:

IAMSOUND

Anno:

2011

Tracklist:

1. Cocoon House
2. Black Rain
3. Rich Doors
4. Say the Code
5. Shot Big Horizon
6. Upholder
7. How To Get Back
8. Lighthouse
9. Bad Past Gone Away
10. Overpass

NewVillager

Immaginate di avere un pennello in mano e di intingerlo in una tavolozza in cui ad ogni colore corrisponde uno strumento musicale. Mettetevi di fronte ad una tela e date sfogo alla fantasia: se avrete le capacità di Ben Bromley e Ross Simonini, ovvero gli statunitensi NewVillager, uscirà fuori un sorprendente e originalissimo quadro naïf, ovvero l'omonimo debutto.

Per dipingere un pop scoppiettante e pieno di energia, i New Villager usano tutte le gamme cromatiche possibili: spigolose chitarre rock si affiancano a sinuose tastiere, sprazzi di orchestra si accoppiano a discontinui ritmi che vanno dall'r&b a quelli più convenzionalmente pop e che si compenetrano senza limiti. Lighthouse, scelta come singolo, è festosa nel suo ritmo deciso e nelle sue melodie elettroniche che si colorano di sfumature orchestrali, Black Rain si basa invece su suoni densi e dinamici che procedono in un sommesso singhiozzo, quasi un avveniristico salterello dominato da acuti falsetti che si alternano a grugniti ruvidi da rapper, per poi distendersi in una conclusione da ariosa e malinconica ballata elettronica. Cocoon House, tra voci distorte e luminosi trilli che giocherellano in un'atmosfera piuttosto cupa, si avvicina maggiormente all'indie con i suoi decisi riff di chitarra e i cori vagamente 60's, mentre Shot Big Horizon si installa subito in testa con il suo ritornello cantato a voce piena e i beats che si snocciolano uno dopo l'altro in un intarsio bizzarro e coinvolgente.
Alcuni brani sono marcatamente r&b, risultando quasi fuoriluogo in un album in cui la musica è tutt'altro che solita e classificabile: è questo il caso di Rich Doors e di Bad Past Gone Away, ma la prima sfoggia un alienante e quasi orientaleggiante intreccio di voci e tastiere e la seconda, grazie all'insolito arrangiamento vocale e ad un'accattivante stranezza, si salva appena dall'essere una delle solite canzonette con tanta commerciabilità e poca sostanza.
A chiudere l'opera sopraggiunge Overpass, un breve strumentale che si dipana tra rumori, strumenti in reverse e melodie di organo e cori gregoriani che creano un finale semplice e solenne.

I NewVIllager compaiono in un'era in cui alla moda di quanti si infarciscono le orecchie di musica di massa prodotta in maniera quasi industriale, si oppone un altro tipo di moda a cui appartengono, pur non ammettendolo, tutti coloro che sono votati alla musica cosiddetta alternativa, indipendente, ma di fatto di produzione ugualmente "seriale". Arrivano, quindi, al momento giusto per fare la gioia di tutti gli hipster dei nostri giorni, ma è assolutamente riduttivo limitarsi ad etichettare in questo modo la loro musica: in realtà, al nome NewVillager si fa sì corrispondere uno stile assolutamente alternativo, ma è proprio in un'originalità e in una bizzarria non esasperate ma, semmai, applicate ad una forma canzone del tutto tradizionali e senza eccessive pretese che risiede la vera qualità di questo stile, che fa presagire un buon futuro per i NewVIllager.

Believe Nothing

Giulio Magliulo — Sat, 16 May 2015 10:05:23 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Rock

Indie Pop

Etichetta:

Inner Animal Recordings

Anno:

2015

Line-Up:

Valerio Casini – Vocals, Guitars, Synthesizers, Percussions, Fender Rhodes, Piano

Emanuele Voliani – Bass, Vocals, Synthesizers, Piano

Gabriele Bogi – Drums, Percussions

Marco Capozzi – Lead Guitars, Vocals

Ivan Antonio Rossi – Analog Modular System, Programming

Tracklist:

	Inner Animal 03:29
	Below as Above 02:53
	Yoniso 03:23
	Dream of Love on Earth 03:42
	From Where Winds Hail 04:24
	Believe Nothing 05:46

Bad Love Experience

Believe Nothing

Prendiamo i Flaming Lips di At War With The Mystics per fare un esempio comprensibile più o meno a tutti.
Quell'album, al netto della folle genialità della band, rappresenta un possibile manifesto di come attingere completamente dalla musica di decadi passate (60', 70' .. fate un po' voi) evitando accuse di retromania e restando credibili anche agli occhi di chi esige sempre le nouveau tout court.

Con i Bad Love Experience forse siamo abbastanza lontani dai suoni della band di Oklahoma City ma in quanto ad attitudine esplosiva e inglobante è la prima che mi è venuta in mente quando è partito Believe Nothing.

L'attenzione quasi maniacale ai suoni sintetici, evidente in queste sei tracce, proietta la band in avanti rispetto ai nomi di più celebri gruppi italiani per i quali la dicitura 'indie-pop stilizzato' sarebbe sicuramente riduttiva – vedi Baustelle o Amor Fou – ma altrettando evidente è anche una comunanza con costoro nella volontà di voler interpretare – ognuno a modo suo – una nouvelle vague nostrana (cantata in inglese in questo caso e al netto di tentanzioni cantautorali per fortuna) che punta tutto su un candido, romantico cinismo piuttosto che sul solito fascino décadent.

Le esperienze degli ascolti stratificati (e dei lavori precedenti) della formazione livornese emerge pienamente da queste sei tracce dove si affaccia – soprattutto nelle pieghe della voce di Valerio Casini – il Lee Ranaldo solista ma anche vocalizzi tipo quelli di First Circle di Pat Metheny.

Stima dunque per i Bad Love Experience, band che se domani pubblicasse un album tutto rock o al contrario completamente elettronico, troveremmo sicuramente interessante.

Await Barbarians

Giulio Magliulo — Wed, 13 Aug 2014 09:49:30 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Pop

Indie Pop

Etichetta:

Domino

Anno:

2014

Tracklist:

Lazy Bones

From The Halfway Line

Without A Crutch (2)

Immune System

Dolly And Porter

Closer To The Elderly

Elvis Has Left The Building

Piano Ducks

New Hours

Where Would I Be?

Am I Not A Soldier?

Without A Crutch (1)

Alexis Taylor

Await Barbarians

Il premio nobel per la letteratura Coetzee con il suo romanzo Aspettando i Barbari ha suggerito il titolo di un album non solo ai Massimo Volume ma anche alla voce degli Hot Chip per il suo secondo lavoro solista.

E se quella voce confidenziale ci avvolge fin dalla seconda traccia From The Halfway Line (la prima è una strumentale), è soprattutto grazie al lavoro di colonizzazione degli Hot Chip che han fatto di quelle terre selvagge tra dance e indie-pop elettronico luoghi di memoria collettiva dell'indie anni dieci.

In Await Barbarians, come si può immaginare, è però tutto meno ostentato e più intimo.

Proprio From The Halfway Line ci viene ancora in aiuto per definire una delle possibili dimensioni dell'album, la stessa che ha permesso ai Girls brani come My Ma o Vomit, grandi furbate probabilmente, che affondano però le unghie in quel rock ed in quel soul dei settanta che ancora fan tanto gemere.

Del resto la classe dei grandi songwriters di quell'epoca spesso si basava su un grande presupposto: la semplicità. Essa era una delle chiavi del loro successo e come avviene in Without A Crutch, una linea di piano ed una voce pulita erano più che sufficienti a raccontare una storia e farla grande. Closer To The Elderly, forse esagerando un po', addirittura scarnifica questo teorema facendosi bastare solo una tastiera con tremolo.

D'accordo, non tutto è memorabile. Tracce come Immune System o Elvis Has Left The Building sembrano più utili a disegnare un'atmosfera che altro, ma una certa omogeneità in brani comunque superiori alla media per pari categoria, in questi tempi schizofrenici, non è necessariamente un difetto.

Episodi come Dolly And Porter e Am I Not A Soldier? potrebbero far ricordare degli Aluminum Group meno snob e questo è in ogni caso un complimento.

A parità di ispirazione con i brani migliori tra quelli citati ed una maggior concisione, il prossimo album di Alexis Taylor, se ci sarà, potrebbe essere un best-seller e lui diventare un personaggio sempre più interessante da seguire.

Aloha Krakatoa

Giulio Magliulo — Sat, 10 May 2014 17:20:58 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

Bomba Dischi

Anno:

2014

Line-Up:

Matteo Iacobis - Guitar/Vocals
Matteo Domenichelli - Bass/Backing Vocals
Gabriele Jacobini - Guitar
Francesco Aprili - Drums/Backing Vocals
Edoardo Impedovo - Trumpet/Percussions

Tracklist:

Bah Boh
Caribbean Town
It Takes Two To Tango
Clown
(Boys Are Too) Lazy
Northern Flow
Hedgehogs
Clouds’ll Roll Away
Try Hocket
Golden Nose
Black Cat Serenade

Boxerin Club

Aloha Krakatoa

Son passati due anni esatti dall' e.p. d'esordio dei Boxerin Club (esordio anche della label Bomba Dischi) e ricordo ancora l'entusiasmo con cui accompagnammo quel debutto.

Con il full length - sempre per la stessa label - la formazione romana riconferma tutti i numeri di cui è capace.

Coadiuvati stavolta da sua eminenza psichedelica Marco Fasolo dei Jennifer Gentle, l'indie pop in gonnellino di paglia e collane di fiori dei Boxerin Club, corroborante toccasana alla calura dell'estate incombente e alla noia di certe ovvietà 'indie' nostrane, dimostra come sia possibile andare ben oltre una vaga definizione – seppur calzante – di indie-pop esotico.

Del resto come chiamare diversamente questa formula irresisitibile ed originale che i nostri han trovato e che solo apparentemente sembra 'lontana' dalle consuete geografie musicali?

Dietro l'appeal sixties e 'beach oriented' si scorgono sagome di icone 'indie' trasposte per assurdo in paesaggi sonori languidi e rilassati. Immaginiamo Morrissey con gli Smiths al completo che decidono di abbandonare la grigia Albione degli ottanta per andare ad abbronzarsi e sorseggiare latte di cocco. O i primi Pixies - che già non lesinavano in suggestioni da isole lontane - limati di tutti i loro spigoli punk. Ed aggiungete dei fiati, che rendon meglio l'idea.

Avi Buffalo dicevamo la scorsa volta quale allusione spinta alla freschezza della gioventù. Ora e più convinti parliamo anche di Stornoway e all'energia positiva che promana da certe nicchie malviste dai più.

Si, certo, salta all'occhio dell'attento lettore/ascoltatore che tutti i paragoni sono con bands straniere ma il punto di forza del combo capitolino è non somigliare a niente di quel che gira qui ed avere un forte appeal e credibilità verso un mercato aperto. Come quello dell' “'intellighenzia indie” statunitense degli anni dieci del nuovo millennio che ha ben compreso che elementi mutuati dalle ritmiche degli 'altri' mondi (altri rispetto al pop o al rock, all'America o all'Europa) arricchiscono di colore e nuova linfa un discorso sul pop che non si vuole fermare alle chitarre twangy. E se l'han capito santoni come Panda Bear o altri nomi di quel rosario da pseudo-intellettuali che le intuizioni di David Byrne molti decenni prima potevano funzionare, ora qui da noi – felicissima eccezione – l'han capito anche i Boxerin Club.

xx

Carlo De Donno — Sun, 12 Jan 2014 17:23:40 +0000

Voto:

8.2 / 10

Autore:

Carlo De Donno

Genere:

Dream Pop

Indie Pop

Etichetta:

Young Turks

Anno:

2009

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Sito Ufficiale

Line-Up:

The xx – design, fotografia

Romy Madley Croft – voce, chitarra

Oliver Sim – voce, basso

Jamie Smith – beat, mixaggio, MPC, produzione

Baria Qureshi – chitarra, tastiere

Tracklist:

1. Intro

2. VCR

3. Crystalised

4. Islands

5. Heart Skipped a Beat

6. Fantasy

7. Shelter

8. Basic Space

9. Infinity

10. Night Time

11. Stars

The xx

xx

La nostalgia è una brutta cosa, rende malinconici e quando si cade nella sua trappola è difficile venirne fuori. E la nostalgia intacca anche i gusti musicali: molta gente volta le spalle al nuovo, cocciuti ad affermare che non ci potrà mai essere musica migliore di quella degli anni '60 e '70. Le stesse persone tendono a credere che tutto ciò che oggi la musica possa offrire sia ciò che si vede su MTV. Grazie al cielo, non è per niente così.

Band capaci di proporre qualcosa di nuovo esistono. Tra queste, i The xx sono diventati un fenomeno mondiale in pochissimo tempo. Nel 2009, l'etichetta indipendente Young Turks propone alla band di produrre il loro debutto, xx, il quale viene accolto con favore dalla critica e arriva in vetta alle classifiche di mezzo mondo, superando gli steccati del rock indipendente e facendosi ascoltare anche da un pubblico mainstream.

L'album si apre con Intro, composizione che solo in pochi non hanno mai ascoltato, dato l'uso spropositato che ne viene fatto da spot pubblicitari di ogni tipo. La traccia è breve, ma ci rivela già cosa ci aspetta: una musica semplice, studiata e minimal. Echeggianti note di chitarra su un beat elettronico e un lieve coro cantato. Detta così sembrerebbe una purga, invece Intro è un pezzo fantastico, nonché il brano più amato e conosciuto della band.

VCR si apre con una dolce melodia e continua con il duetto di Romy e Oliver che sarà una costante di quasi tutte le canzoni dei The xx. Segue Crystalised, il singolo di lancio dell'album è un brano abbastanza fuori dal comune che ad un primo ascolto potrebbe apparire pacchiano. La chitarra offre sonorità quasi country, ma dopo pochi secondi la canzone diventa davvero accattivante e il basso di Sim regge il tutto fino al ritornello molto orecchiabile. Le due voci si intrecciano intelligentemente durante tutto l'album, e questo è uno dei punti di forza della loro musica.

Islands è uno dei pezzi migliori dell'album, i beat di Jamie xx sono semplicemente perfetti, e il riff di chitarra coinvolge sin da subito. Le melodie di Romy e Oliver ancora una volta sono orecchiabili, nonostante non cadano mai nella banalità, e il brano si chiude con uno dei momenti migliori di xx.

Heart Skipped A Beat è un'altra canzone di qualità. Gli ingredienti sono sempre gli stessi: le due voci che si rispondono a vicenda, la delicata chitarra di Romy e gli intelligenti beat di Jamie xx. Si va avanti con Fantasy, il pezzo più particolare dell'album, in cui i The xx tradiscono influenze ambient e post-rock. La canzone si apre in un atmosfera eterea e dopo il cantato di Oliver Sim, il basso permea la canzone, formando un tappeto di onde a bassa frequenza per la chitarra echeggiante di Romy. Unica pecca del brano è quella di finire troppo presto.

Shelter è una ballata e forse il brano che meno colpisce dell'album, le melodie rasentano la banalità e anche qui si può percepire una certa influenza post-rock. La successiva Basic Space non brilla più di tanto, un brano nella media, gradevole e ben fatto ma niente di speciale. Tuttavia, Infinity si rivela migliore dei due brani che la precedono, le due voci continuano il loro botta e risposta per tre minuti e la canzone si chiude con un crescendo che si dissolve con un delicato assolo di chitarra.

Night Time riporta xx agli alti livelli che avevano caratterizzato la sua parte iniziale. Un brano malinconico e orecchiabile; tornano alla grande i beat e Romy si dimostra una chitarrista davvero creativa e capace. Infine Stars chiude l'album, un pezzo piacevole, ma che, purtroppo, non aggiunge nulla di nuovo.

I The xx sono la prova che gli inguaribili nostalgici non trovano buona musica contemporanea perché evidentemente non vogliono trovarla. xx è un album che porta qualcosa di nuovo nella scena musicale dei nostri giorni. Musica minimal e a tratti enigmatica come il loro nome. Un indie pop con tocchi di elettronica e garage music. Oliver Sim e Romy Madley Croft oltre ad essere due grandi musicisti, si rivelano anche due intelligenti e talentuosi cantanti. E il geniaccio di Jamie xx con i suoi beat pone quella che è la ciliegina sulla torta, una ciliegina che è fondamentale per il sound della band.

Oltre ad aver creato un sound unico, credo che i The xx saranno tra qualche anno una di quelle band cui la maggior parte degli artisti indie faranno riferimento, dato il loro immediato, enorme e giustificato successo. Si spera che continuino così, di modo che anche alla radio ogni tanto si possa ascoltare musica buona, e che non cadano nella spirale dell'autocompiacimento ripetendosi in loop. Cosa che sembra essere successa ai Muse.

Se questo è ciò che i nostri tempi offrono, non c'è che da esserne felici.

New History Warfare, Vol. 3: To See More Light

Emanuele Pavia — Thu, 12 Dec 2013 23:40:49 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Jazz Rock

Avantgarde

Indie Pop

Etichetta:

Constellation Records

Anno:

2013

Line-Up:

- Colin Stetson - Sassofono alto, sassofono tenore, sassofono basso

Guest:
- Justin Vernon - Voce

Tracklist:

1. And in Truth
2. Hunted
3. High Above a Gray Green Sea
4. In Mirrors
5. Brute
6. Among the Sef (Righteous II)
7. Who the Waves Are Roaring For (Hunted II)
8. To See More Light
9. What Are They Doing in Heaven Today?
10. This Bed of Shattered Bone
11. Part of Me Apart of You

Colin Stetson

New History Warfare, Vol. 3: To See More Light

Giunto al terzo e conclusivo capitolo della saga New History Warfare, Colin Stetson (sassofonista già famoso per le sue numerose collaborazioni con artisti indie del calibro di Arcade Fire, TV on the Radio e Bon Iver) si fa accompagnare sul suo New History Warfare Vol. 3: To See More Light (pubblicato dalla Constellation il 30 aprile 2013) dalla voce di Justin Vernon, aprendo ulteriormente l'opera di Stetson all'audience indie.
La musica di Stetson, spacciata come una sorta di jazz d'avanguardia filtrato da esperienze rock e minimaliste, ha infatti, sotto un'analisi più attenta, poco a che vedere con la musica jazz in senso stretto, con cui del resto aveva poco a che fare fin dal precedente New History Warfare Vol. 2: Judges.
Il ruolo del sassofono è certamente dominante, e le eccellenti doti tecniche di Stetson come polistrumentista (alternandosi a sax alto, tenore e basso) rimandano alla tradizione dei capolavori per solo sassofono del leggendario Anthony Braxton (sfruttando, per la resa del suo suono, un arsenale di silenzi, fraseggi singhiozzanti, motivi ripetuti freneticamente, respiri e parole mormorate nel bocchino, colpi ai microfoni e allo strumento stesso per dare un effetto percussivo alla musica) e riesumano vagamente il vitalismo di Albert Ayler e il misticismo di Pharoah Sanders. Ma il risultato finale sembra più provenire da un musicista minimalista alle prese con un sassofono piuttosto che da un musicista jazz, così come la struttura dei pezzi ricalca gli stilemi di crescendo celestiali del post-rock dei Godspeed You! Black Emperor e gli hook melodici (cui contribuiscono perlopiù i fastidiosissimi interventi vocali di Vernon, colpevole dei peggiori momenti del disco e capace di mettere a dura prova i nervi quando si intromette in quelli migliori) tradiscono la sensibilità leggera dell'indie pop piuttosto che quella del jazz sperimentale o colto.
Non sorprende assolutamente il responso critico e popolare che ha avuto un disco del genere tra gli appassionati di musica indie: questa è musica jazz per persone che non ascoltano né conoscono la musica jazz.

New History Warfare Vol. 3: To See More Light si distingue comunque per alcune scelte che lo rendono, in ogni caso, tra gli esempi più peculiari di musica sperimentale dell'anno: una collocazione strategicamente studiata di ventiquattro microfoni nello studio infatti frammenta, disseziona e infine ricompone il suono del sassofono di Stetson, valorizzandone appieno le capacità strumentali e dando l'impressione, senza alcun tipo di overdub, che un intero ensemble, piuttosto che un singolo musicista, sia alle prese con le partiture del full-length. E oltre a una produzione obiettivamente eccezionale, l'album va ricordato almeno per To See More Light, sfogo di quindici minuti che va annoverato tra le tracce più belle di tutto il 2013: nella prima metà del brano, il fraseggio ascetico del sassofono, accompagnato solo dalla "ritmica" scandita dai colpi a malapena percettibili sul microfono, e stravolto da minime ma continue variazioni sul tema, lambisce la profondità emotiva del Well-Tuned Piano di La Monte Young; nella seconda, il suono di Stetson si fa più terreno e viscerale, con il motivo del sax che cala su registri più gravi. In questo trionfo, nemmeno i tentativi (comunque encomiabili) di Vernon di distruggere l'eccellente atmosfera ipnotica del brano riescono a impedire a To See More Light di candidarsi tra i momenti più commoventi dell'anno (oltre che della discografia di Stetson).
È un peccato che invece le ottime idee che Stetson sfoggia con questo esperimento siano sperperate per quasi tutta la durata del disco, a volte in meccaniche ripetizioni di ciò che aveva già esibito il precedente Judges (come Hunted, che indulge in un motivo circolare del sax che vorrebbe risultare intrigante - e forse ci riuscirebbe pure, durasse tre minuti anziché sei - ma che, alla fine, sembra semplicemente statica e noiosa), altre volte - quando non si è così fortunati -, vengono semplicemente subordinate all'irritante canto di Justin Vernon, che pare sfruttare il tappeto minimalista del sassofono come un arrangiamento un po' più eccentrico per i suoi interventi degni dell'ultimo, sopravvalutatissimo Bon Iver, Bon Iver, e nulla più. Quest'ultimo aspetto è particolarmente evidente nei brani scritti con l'attiva partecipazione di Vernon, ovvero And in Truth, con intervento corale ex abrupto da brividi di orrore, e soprattutto Who The Waves Are Roaring For (Hunted II) (essenzialmente, una Circle of Life per l'audience di Pitchfork), sebbene intacchi anche lo spirito degli altri pezzi (si veda l'assoluto nadir di What Are They Doing in Heaven Today?, rifacimento del classico gospel di Washington Phillips, qui straziato, deformato e infine svuotato di tutta la poetica del brano originale per rivestirlo invece di sfarzoso e superficialissimo spiritualismo un tanto al chilo).
Tra questi picchi e abissi, New History Warfare Vol. 3 concede comunque momenti più misurati, che non raggiungono le vette della title-track ma che rimangono un valido esempio delle capacità di Stetson: ne sono esempi il lacustre motivo di High Above a Grey Green Sea, o il breve numero minimalista di In Mirrors, o ancora la notevole sfuriata brötzmanniana di Brute (in cui Vernon ci delizia perfino con un improbabile latrato gutturale). Altre volte, i pezzi navigano nella mediocrità, senza infamia né lode, come nel caso di Among the Sef (Righteous II) o Part of Me Apart From You.
Un lavoro intrigante, ma terribilmente disomogeneo. Una sola To See More Light non legittima lo status di moderno classico che New History Warfare Vol. 3: To See More Light sembra aver già raggiunto, soprattutto visti gli esperimenti più calibrati dei due capitoli precedenti.

An Awesome Wave

Giulio Magliulo — Tue, 23 Oct 2012 12:32:53 +0000

Voto:

6.7 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

Infectious Music

Anno:

2012

Line-Up:

Joe Newman (chitarra/voce)

Gwil Sainsbury (chitarra/chitarra basso)

Gus Unger-Hamilton (tastiere)

Thom Green (batteria)

Tracklist:

1.Intro
2.(Interlude 1)
3.Tessellate
4.Breezeblocks
5.(Interlude 2)
6.Something Good
7.Dissolve Me
8.Matilda
9.Ms
10.Fitzpleasure
11.(Interlude 3)
12.Bloodflood
13.Taro

ALT-J

An Awesome Wave

Un pò irritano gli Alt-J con il loro atteggiamento politically-correct nei confronti dei media e dell’ispirazione perché dopo un debutto del genere ci si aspetterebbe un atteggiamento più paraculo che loro – furbi – al momento ancora non adottano e mantenendo un basso profilo nel caso di cadute in stile cometa si faranno meno male. Che bravi vero?

Dai colori freddi dei synth non passano inosservati gli arpeggi di chitarra. Ridisegnare il concetto dell’ ‘a cappella’ nell’era del dubstep? Non disdegnare neanche l’appellativo folk-step (..brrrr..) anzi, sornionamente appoggiarlo dicendo con leggerezza ‘che sì, utilizziamo il folk che c’è nel nostro dna ma anche il nostro batterista con quei tempi strani…’. E poi quella voce che tanto piacerà a chi ama le timbriche comprese tra Wild Beasts e Radiohead.

Vi state irritando anche voi, lo so, ma mantenete la calma ed andiamo oltre, perché alla fine, quel che conta nella musica è una parvenza di cuore, di verità e di cose fatte bene. E qui ci sono.

Più che folk-step mi piacerebbe dire ancora folktronica che come termine non è meno da brividi ma almeno mi ricorda i bei tempi dei Mice Parade (in quel caso indie-tronica ed acustico sposavano sonorità e ritmi brasiliani) ma effettivamente qui è tutto molto – molto - più barocco. Però dicevamo che c’è il folk diluito in forme moderne, esterne al genere, da diventare altro. Prendete l’ultimo brano Taro – a proposito di cose ben fatte – ispirato a storie vere di fotografi famosi - : cos’è quella meravigliosa cosa balcanica – che balcanica non è - che si sente dentro? Forse è nel video di Tessellate o ancor di più in Breezeblocks che vanno ricercate le tensioni estetiche dei quattro inglesi persi tra rinascimento e gangsta-rap? O nella bucolicità androgina ma corale di Matilda? O nel collage impossibile e dadaista di Fitzpleasure che comincia con un cantato sincopato che inorgoglirebbe David Byrne in fregola world-futurista ed introduce man mano sintetizzatori corrosivi e brevi flash garage?

Le vie dell’indie-pop malinconico sono infinite, Dissolve Me ce lo dice e le cose tristi ispirano più di ogni altra, Joe Newman ce lo canta. E questo disco sarà un successo di vendite e se domani gli Alt-J non li ricorderemo più perché si dissolveranno come le loro canzoni, chi se ne frega…forse non interessa neanche a loro…già basterebbe il titolo fregato da American Psycho di Bret Easton Ellis a renderceli simpatici. E ora tutti a fare triangolini con i Mac.

Mature Themes

Giulio Magliulo — Mon, 01 Oct 2012 22:37:53 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

4AD

Anno:

2012

Line-Up:

Ariel Marcus Rosenberg:

vocals,drums,keyboards,synth,bass,organ,guitar

Tim Koh:

bass,horns,sampler,backing vocals

Kenny Gilmore:

guitar,synth,percussion,drums,sampler,backing vocals,

Cole:

Drums,Effects

Joe:

Organ,keyboards,guitar,cymbal,piano,backing vocals

Simon Halliday:

voice

Richard Ross:

saxophone

Nathalie Mering:

vocals

Tracklist:

Kinski Assassin
Is This The Best Spot?
Mature Themes
Only In My Dreams
Driftwood
Early Birds Of Babylon
Schnitzel Boogie
Symphony Of The Nymph
Pink Slime
Farewell American Primitive
Live It Up
Nostradamus And Me
Baby

Ariel Pink's Haunted Graffiti

Mature Themes

Il bello di un disco come Mature Themes è che riesce ad aprire tante finestre temporali nello stesso momento senza che nessun manierismo pop legato alle singole epoche prevalga.

Questo dovrebbe fare un buon disco indie-pop, o almeno questo è lo scopo che si dovrebbe prefiggere. Il fatto che questo non succeda spesso può essere compreso attraverso qualche esempio come quello della recente ondata shoegaze/dream-pop nata morta poiché troppo legata agli spettri da cui è stata generata, oppure, al contrario, dai tanti gruppi che ibridando l’elettronica con certi pasticci psichedelici tirano fuori del materiale talvolta difficile da digerire per la sua ansia di modernità a tutti i costi, perdendo così ogni legame con l’idea ‘popular’ che vorrebbe esserne la base.

Cosa che non succede ad Ariel Pink che pur recuperando la sottile linea rossa del miglior pop di quattro decenni, resta piantato, radicato nel nostro tempo, sia quando i brani sono sorretti da chitarre byrdsiane e jangle (Only In My Dreams), sia quando ad affacciarsi è il ricordo dell’Alex Chilton solista, quello delle cover d’amore, la cui soavità è equiparabile solo all’Elliott Smith lontano dai coltelli (la traccia che da il titolo all’album, Mature Themes).

Ma è con i brani più legati agli ’80 che questa caratteristica diventa magia (Kinski Assassin e Is This The Best Spot); quando gente come Devo, Residents o Tuxedomoon era dilaniata dalle correnti avanguardiste, punk ed elettroniche, mica perdeva l’allure pop (che in qualche modo li ha glorificati negli annali del rock)? Abbeverandosi a queste fonti ed aggiungendo spruzzate di chitarre alla Television e tanto kitschismo Tubes ecco che i brani citati da semplici tracce synth pop si trasformano in piccoli gioiellini gioiosi e stranianti che quando vengono trattati ‘chimicamente’ in maniera pesante potrebbero essere parte di un catalogo soft-psichedelico ‘off’ come quello di un Robyn Hitchcock in foia ‘paisley’ (Driftwood, Early Birds of Babylon).

Capita poi che persino di fronte ad elementi che normalmente sarebbero irritanti e demenziali come il falsetto ostentato di Schnitzel Boogie o il cantato di Symphony of the Nymph e Pink Slime si pensi che in un lavoro del genere essi siano organici ed addirittura necessari e vien voglia di pescare in certi ‘ottanta’ ancora abbastanza snobbati.

Non deve essere stato facile realizzare la fusione perfetta tra certa synth-culture con una godibilità radiofonica anni settanta (la cover finale, Baby,di Donnie and Joe Emerson, che trasuda soul) od imparentare delle belle melodie per teenagers dei sixties con l’estetica contemporanea del frammento senza cadere nel trash, eppure c’è un ‘fattone’ che gira per L.A. e si fa riprendere con una stupida parrucca rosa a cui tutto ciò è riuscito alla grande.

"Tick Tock" Here It Comes

Giulio Magliulo — Tue, 01 May 2012 06:54:41 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

Bomba Dischi

Anno:

2012

Line-Up:

Matteo Iacobis - voce, chitarra

Matteo Domenichelli - basso, seconda voce

Gabriele Jacobini - chitarra solista

Francesco Aprili - batteria, cori

Tracklist:

1. Hedgehogs

2. September Thoughts

3. It Takes Two To Tango

4. Golden Nose

Boxerin Club

"Tick Tock" Here It Comes

I Boxerin Club sono una giovane band romana dalle compiute sonorità indie anglo/americane con nulla da invidiare alle più ispirate formazioni d’oltreoceano.

Quattro tracce per questo e.p. di debutto che possono ricordare di volta in volta personaggi e bands maggiori come Stephen Malkmus, Frankie & The Heartstrings o Jens Lekman.

Ci si muove quindi tra vari registri pur mantenendo una personalità fortissima in fase compositiva.

Si va dalle soavità quasi sussurrate in punta di plettro di September Thought, bucolica nelle sue tintinnanti percussioni, perfetta soundtrack per prime pioggie e cambi di stagione alla ritmata It Takes Two To Tango che gioca ad intrecciare voci e cori finto-hawaiiani per concludere in assolo di elettrica saturo e melodico in puro Avi Buffalo style.

Golden Nose riesce a prendere il meglio da vent’anni di indie-pop: voce intrigante ed equilibrata, chitarre dalle distorsioni misurate che non nascondono gli arpeggi delicati, ritmiche avventurose e perfino un uso benedetto dei fiati, caratteristiche che si estrinsecano ancor di più in Hedgehogs che è il brano più catchy dell’e.p., dal bel ‘tiro’, con le sue trombe ed i suoi coretti esotici di derivazione sixties e che al momento potrebbe essere il manifesto dei Boxerin Club nonché indie-pop song italiana del primo quadrimestre. E devono essersene accorti anche quelli del NME se hanno scelto la band per il loro party romano.

Il disco, oltre al debutto della band, rappresenta anche il debutto dell’etichetta per cui esce, l’indipendente Bomba Dischi, cui auguriamo di non disattendere le nostre aspettative che con dischi così inevitabilmente si creano.

Interstellar

Gabriele Bartolini — Mon, 05 Mar 2012 15:05:56 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dream Pop

Indie Pop

Etichetta:

Slumberland

Anno:

2012

Line-Up:

- Frankie Rose - Testi, musiche

Tracklist:

01. Interstellar

02. Know Me

03. Gospel / Grace

04. Daylight Sky

05. Pair Of Wings

06. Had We Had It

07. Night Swim

08. Apples For The Sun

09. Moon In My Mind

10. The Fall

Frankie Rose

Interstellar

Da tempo era nell' aria l'esordio solista (a tutti gli effetti) della bella Frankie Rose. Con la sua poliedricità e l' insolito acume musicale la mora di ferro già in passato aveva contribuito al successo di band indie - tra le più pregiate risultano Dum Dum Girls, Vivian Girls, Grass Widow e Crystal Stilts - tutt' ora con un buon futuro davanti, ma come per mille altri suoi colleghi l' idea di un ruolo da gregario a vita non le andava ovviamente giù.

Eccola allora, nemmeno un anno fa, nella veste ( fino ad allora) inedita di songwriter e cantante con le Frankie Rose & the Outs a dirigere in prima battuta il dischetto omonimo, un pastiche di retrò psych-rock piuttosto avulso dal panorama odierno ed altrettanto modaiolo e passeggero, considerata la "corrente" di revivalismo che passava in quel periodo. Non ancora soddisfatta del risultato, sebbene la critica di settore non avesse nella maggior parte dei casi provato disappunto, Frankie Rose si lancia adesso totalmente da sola, sperando almeno che la nomenclatura adottata stavolta sia anche la definitiva.

Nuovo giro altra corsa: per il nuovo act "Interstellar" - di nuovo targato Slumberland - il suono adotta una dimensione più congrua per essere spalmata su di un solo elemento, virando prepotentemente verso i calcatissimi lidi del dream pop velato da inquietudini new-wave. La Rose assembla diligentemente tutti i gruppi che adorava da ragazza - Cocteau Twins, This Mortal Coil e successivamente Galaxie 500 - proponendo un interessante mix tra nuovo e vecchio pop, aiutata da una produzione certosina che non di meno si rivela essenziale per il risultato finale del disco. L' impressionante precisione dell' ensemble viene ottimamente rappresentata dall' ambiziosa alternanza di archi e fiati con soffici sintetizzatori e soavi arpeggi, senza ombra di dubbio il vero fulcro di ognuna delle dieci tracce nonché il succo definitivo di "Interstellar", opuscolo davvero gradevole di atmosfere eteree e riconcilianti con il proprio spirito. Il cantato invece si prepone solamente di accompagnare il fluire musicale con gorgheggi densi di una purezza davvero insolita sebbene essenzialmente pop e non così arditi per riuscire a sfondare con tali armonie. La durata poi davvero scarna non permette all' album di compiere il salto di qualità tanto decantato, soprattutto per la mancanza di una vera e propria suite completa ed espansiva. Difatti presi a gruppi questi brani possono rivelarsi davvero ottimi, mentre accorpati in un disco - peraltro privo di cambi di marcia, di toni impetuosi, di ambizioni ascetiche - fanno un pò la figura del "nè carne nè pesce".

Detto questo, non di rado capita di scorgere spunti davvero interessanti ( il techno-pop di Daylight Sky che era degli Human League, la guizzante vivacità di Gospel / Grace oppure la purezza di Pair Of Wings, la migliore del lotto) alternati da vere e proprie copie delle copie ( penso a Had We Had It che ha lo stesso attacco di Interstellar). La parte finale però lascia sperare per il meglio, con la convincente apertura verso strade meno consone ben incarnata dal pianoforte di Apples For The Sun e dall' ultimo sorprendente climax di The Fall, con il mood da cameretta di "Demolished Thoughts" sventrato e lasciato ad essiccare.

Extinctions

Luca Pasi — Sun, 05 Feb 2012 00:22:32 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Dream Pop

Indie Pop

Etichetta:

Shelflife Records / Solina Records

Anno:

2012

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Sito Ufficiale

Line-Up:

- Henry Ojala

- Jessika Rapo

Tracklist:

1. On The Last Day Of The Decade

2. Into The Wilderness

3. Modern Times

4. Love And Dissonance

5. The Swallows

6. Burn Burn Burn

7. Trade Winds

8. The Beast

9. Deep Waters

Burning Hearts

Extinctions

Il pop scandinavo ha da sempre avuto un ingrediente segreto che gli conferisce una grandezza e un'aura sublime, elevata, difficile da spiegare a parole, un ingrediente riconoscibile all'orecchio di molti, ma stranamente indecifrabile dagli artisti al di fuori della Scandinavia. Da sempre ha avuto una propria identità definita e da sempre è cresciuto e cresce mediante attrazioni magnetiche, dovute probabilmente all'instacabilità di quel freddo polare o all'isolamento forzato dei periodi invernali. Questo è ormai un fatto assodato e non smetteremo di ripeterlo. Alcuni degli esempi più marcati per quanto riguarda lo scorso anno e nel panorama svedese in particolare - giusto per citarne qualcuno - sono stati, tra i tanti, il ritorno degli Acid House Kings, i glitterati Sound of Arrows di Pet Shop Boysiana memoria, la riconferma della cantautrice scandinava di punta Lykke Li (attenzione che quest'anno il tuo posto potrebbe essere messo a dura prova) o l'esordio di Tobias Isaksson sotto il moniker Azure Blue.

Ma il nuovo anno, oltre a nuovi umori, porta anche nuove esperienze, e mentre gennaio lo passiamo tra hammond, pedal steel e chorus delle sorelle Klara e Johanna Söderberg, aka First Aid Kit, febbraio, non da meno, decide di non partire in sordina con il ritorno del pop etereo e scintillante dei finnici Burning Hearts, autori nel 2009 di quell'intrigante e primaverile Alboa Sleeping. Il duo, composto da Jessica Rapo, già vocalist di Le Futur Pompiste, ed Henry Ojala, batterista dei Cats on Fire e bassista dei Magenta Skycode, ci propone qua il loro secondo LP Extinctions, tra balli di atmosfere fredde ed umorali, in un percorso verso un'idea personale di pop-song che allo stesso tempo ricordi modelli più o meno nobili, aggiungendo in ultimo quel pizzico di distensione lontana e distaccata. Molte delle storie dell'album sono infatti tragiche e dedicate a persone e creature che non esistono più. Creature estinte, staccate da una vita terrena che più non gli appartiene e passate a semplice memoria. Questo scenario dissertivo, se vogliamo, potrebbe sembrare un po' inquietante, un po' apocalittico, insistendo su toni quasi macabri nelle proprie percezioni depressive, ma va detto che la maggior parte delle canzoni suonano sempre speranzose nelle loro armonie, con occhi sempre aperti e veleggiante al futuro, ne è un esempio lampante Modern Times.

Il titolo e la copertina, riassumono in fatti le prime righe del brano di apertura: On The Last Day Of The Decade spiana la strada agli argomenti malinconici a seguire. La spaziosa e unicamente calda voce della Rapo si adatta perfettamente al fianco della cauta e lussureggiante strumentazione di Ojala, ed ogni traccia è segnata da strutture pop deliberatamente elaborate con cura in cui l'attenzione al dettaglio è sempre presente, ma mai invadente. L'enfasi del suono dei Burning Hearts - in antitesi con gli altri gruppi del duo - è spostato e incentrato sull'atmosfera; quell'atmosfera nordica e un po' asettica che conferisce il gelo necessario a trasfigurare i suoni in immagini. La desolazione circolare di Into The Wilderness, singolo che anticipò l'EP del 2011 in cui la ritroviamo insieme a Burn Burn Burn, ne è un incalzante esempio: "Into the wilderness, away from the loneliness...". I riferimenti sono abbastanza limpidi, vi è infatti una forte complicità nel ripescaggio dagli Stereolab o dagli epigoni degli svedesi Sambassadeur, sia nell'uso intelligente dei suoni sintetici mischiati a blandi microsuoni, sia nell'armoniosa voce femminile. Gli arrangiamenti sono abbastanza naturali e creano una sensazione di spazio aperto, in cui ci si muove liberamente tra distese dinamiche di The Swallows, le cui carezze melodiche sono alternate da sferzate ritmiche, i repentini cambi di ritmo del secondo singolo (Burn Burn Burn) con cui il pezzo accelera, rallenta ed accelera di nuovo nel suo refrain Looperiano o nei leggeri ed eleganti downtempo di Trade Winds. L'elettro-acustiche The Beast e la conclusiva Deep Waters, dai tratti più classicamente indie pop, deviano una dimensione aggiuntiva che apre le tende della nostra cameretta, abbracciando e percependo in ultimo sospiri e brezze polari estinte ma facenti sempre parte di noi, e riuscendo ad offrire anche accenni di qualche inaspettata irregolarità.

Canzoni di grande immediatezza e forza comunicativa, da veri maestri di un modo di costruire quel pop sospeso tra nostalgia, modernariato e amore spontaneo e universale per la melodia pura, semplice e brillante. Davanti a questa apparente e falsa mestizia non possiamo fare altro che rimanerne attoniti e abbandonarci per l'ennesima volta in queste eteree e sublimi alchimie nordiche, aspettando e provando ad immaginare quale possa essere la prossima aurora.

Over the Bluffs

Luca Pasi — Sat, 28 Jan 2012 01:30:24 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Indie Pop

Etichetta:

New Romantic / Shelflife Records

Anno:

2012

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Bandcamp

Line-Up:

- Dave Barnes (Drums)
- Alex Roberts (Bass)
- Colin Bowers (Guitars)
- Imran Haniff (Voice)

Tracklist:

1. Never Speak Of It Again

2. Tiresome

3. While She Waits

4. Painted Like A Forest

5. Tender Age

6. Pennies Found

7. In My Arms

Holiday Crowd, The

Over the Bluffs

E' inevitabile che l'immaginifico inglese riaffiori di anno in anno sotto forma di grandi ritorni e nuove interpretazioni di suoni che qualcuno, erroneamente, potrebbe credere spenti, declassati ed offuscati dopo tanta mitizzata altezza, quella primordiale, genitrice e mistificatrice di luccichii cristallini ed al contempo Miserabili. Tratti che il più delle volte si pensa possano e debbano rimanere irripetibili ed immutabili nei secoli. Niente di più errato perché la musica, soprattutto la continua ricerca della 'perfect pop song', è in continuo divenire. E tutto ciò anche se le carte della partita sono già state giocate, già familiari, già segnate; tutto ciò anche se la partita ha un risultato scontato; anche se le carte non vengono mischiate. Lo sono un esempio, in ultimo, due gruppi che hanno segnato un ritorno (una riconferma) e un debutto in dischi che non ti aspetteresti, si parla di Wild Swans (2011) e di Northern Portrait (2010), gli uni appena tornati a macinare quel jangle melodico e decadente che ha attraversato gli sfaccettati 80, gli altri nati a ridarne vitalità. E questo nonostante la portata concettuale e la capacità di sublimazione poetica sia, per entrambi, su altri livelli rispetto a quei Miserabili che noi tutti conosciamo.

Il quartetto The Holiday Crowd, qui proposto, ne è un terzo esempio per questo inizio di 2012. Provenienti da Scarborough, Toronto, si affacciano in un panorama forse inusuale per quei territori, me non per questo meno valido. L'esordio Over the Bluffs, uscito sia su New Romantic che su Shelflife Records è visto in questo senso come una ripresa di quelle fralezze che ormai sono parte di noi, assimilate, di quelle luci che non si spegneranno mai. Un EP allungato, o forse un LP accorciato, vedetela come volete, quello che importa sono quelle 7 gemme racchiuse all'interno. Il disco è raccontato come delle "lettere d'amore per Scarborough" città dove il cantante Imran Haniff e il chitarrista Colin Bowers sono cresciuti. Certo, non siamo a Manchester, ma ognuno innalza le proprie lodi a quei posti tangibili che conosce, che ha vissuto, che lo hanno segnato, seppur nel loro piccolo.

Never Speak Of It Again, è canzone d'apertura e singolo di lancio. Il pezzo si stende con una base di artefatti jingle jangle, cori soffusi ed un timbro quasi distaccato e narcisista. E' la voce di Imran che per l'intera durata incanta l'ascoltatore con sensibilità, riflessioni e saliscendi vocali tra un tappeto melodico di riff genuini - di primo impatto - ma puliti e squillanti. Niente di più semplice, niente di più perfetto. Quella perfezione di rintocchi cristallini che ritroviamo in While She Waits e che sono stati simbolo di un transitorio Jangle inglese che tra l'86 e l'89 ha visto la sua massima esposizione: Close Lobsters (I Kiss The Flower In Bloom), Hey Paulette (I Really Do Love Penelope), Jesse Garon & The Desperadoes (Splashing Along), Big Red Bus (Cathedral Walls), 1000 Violins (Halcyon Days), McCarthy (Red Sleeping Beauty), The Rileys (Stupid) e un'infinità di altri gruppi che non stiamo qua ad elencare, ma che ne utilizzavano la sua immediatezza per esprimere la propria estetica. Painted Like a Forest, vertice estremo di questi intrecci, si muove forse verso territori più post-punk pur mantenendo un'assodata struttura-canzone dai classici connotati pop. I labirinti di note senza spigoli di Pennies Found tra cui Imran si perde senza matassa sono un altro gioiello luccicoso, dei bagliori focosi a cui ci si avvicina per natura e ispirazione, perché inevitabilmente attratti, quella perfezione pop tanto cercata e pretesa da tutti, quella compiutezza a cui molti cercano di avvicinarsi e che per molti è linfa vitale, quello splendore che in repentini avvicinamenti potrebbe scottarti, ma che forse, se ci guardiamo alle spalle, è stato più volte toccato... o forse no.

There is a light that just goes on.