Synth Pop

Singles

Giulio Magliulo — Thu, 14 Aug 2014 10:02:23 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Pop

Synth Pop

Etichetta:

4AD

Anno:

2014

Line-Up:

Samuel T. Herring - voce

Gerrit Welmers - tastiere e programmazione

William Cashion - basso, chitarre

Tracklist:

Seasons (Waiting On You)

Spirit

Sun In The Morning

Doves

Back In The Tall Grass

A Song For Our Grandfathers

Light House

Like The Moon

Fall From Grace

A Dream Of You & Me

Future Islands

Singles

D'accordo che il ripercorrere in tutti i modi possibili il passato – anzi no, non giriamoci intorno e diciamolo pure: gli anni ottanta – ha anche - e già da un bel po' – stancato, ma come la mettiamo con tutti quei magnifici visionari che pur prendendone alcuni elementi, molto caratteristici e riconoscibili, son capaci di farne qualcosa di completamente nuovo o almeno decisamente rinnovato?

Fanno parte di questa categoria i Future Islands da Baltimora, che senza alcuna vergogna per i sintetizzatori e consapevoli dell'ugola 'maschia' e fortemente espressiva del cantante Samuel T.Herring vicina per certi versi ai graffiati di Joe Cocker, Rod Stewart e Colin Hay (Men At Work) passano sotto 4AD dopo tre albums due dei quali con Thrill Jockey (ambedue le labels esempi di attenzione alla qualità, al di là delle ovvie necessità commerciali).

E se le iniziali Seasons e Spirit già non fanno prigionieri, svelando da subito tutto il potenziale di Singles ed immortalando l'epica eighties proprio grazie a questa intensità sconosciuta agli artigiani del ripescaggio, è nelle pagine 'minori' come Back In The Tall Grass o Like The Moon che si allunga la vita alla new-wave, che la si scongela e le si dona nuova linfa, dimostrando che ne esistevano pieghe ancora poco esplorate. Per non dire di Fall From Grace, nella cui atmosfera noir si fa strada un incredibile growling, assolutamente coerente nel contesto quasi cinematografico della traccia.

Che vi piaccia o meno, tra i dischi dell'anno.

Ecce Homo

Gabriele Bartolini — Sun, 17 Jul 2011 13:03:13 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Etichetta:

Novunque

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale Egokid

Line-Up:

-Pier Giorgio Pardo - Voce, piano

-Diego Palazzo - Voce, chitarra e piano

-Christian Clemente - Chitarra

-Fabrizio Bucceri - Basso

-Davide Debenedetti - Sintetizzatori

-Giacomo Carlone - Batteria

Tracklist:

01. Umano, Troppo Umano

02. L' Uomo Qualunque

03. Credo

04. Come un Eroe della Marvel

05. Ragazze + Ragazzi

06. Non si Uccidono così anche i Cavalli?

07. Sirene

08. Con Stile

09. Una Vita

10. Universo

11. Non Mi hai Fatto Male

12. Parabole

Egokid

Ecce Homo

"Mamma italiana fammi un figlio non lo vedi che non abbiamo i soldi..."

La caratteristica che il pop in Italia si sta portando dietro da diversi anni? Quella di non suonare più pop. Si preferisce usare gli strumenti convenzionalmente tradizionali, definendosi in questo caso rock ( gli effetti derivanti da questo termine, naturalmente, sono molteplici, vedi Le Vibrazioni), oppure crearsi basi dance di seconda mano per inseguire a tutti i costi il David Guetta mondiale. Non ci sono più le canzoni di una volta e si stava meglio quando si stava peggio anche in musica, certo, ma sembra che i canoni del pop italiano siano mutati, talent televisivi a parte, verso nuovi percorsi che, a parer mio, non stanno portando da nessuna parte questo genere, se non in un circolo di commercializzazione e sfruttamento dell' immagine dannoso per tutti. E mentre Caparezza nel suo nuovo album trasmette il problema ( gesto che approvo, perché in fondo a pochi sembra stare a cuore veramente la musica oggi), i Linea 77 provarono ad illuminare la via che sembrava più percorribile, ovvero quella di ripartire dall' underground per gettare importanti fondamenta per la musica che verrà. Ma il paese non si dimostrò così reale, in particolare perché mandato avanti da gruppi attivi dagli anni '80 con capolavori in catalogo ma per molti ancora anonimi ( Afterhours in primis) che sotto del finto buonismo celavano una voglia matta di farsi pubblicità. Ripartire da quelli giovani, quei pochi che si potrebbero presentare anche all' estero, sembra essere il modo più sincero per cercare di risalire la china.

Gente ancora in palla come gli Egokid, che ha idee chiare sul suono da adottare, e la ha ancora più chiare su come evolvere questo di album in album. Si passa dalla psichedelia lo-fi di The Egotrip of Egokid all' avanguardia di The K Icon, per continuare con il britrock di Minima Storia Curativa ed arrivare ad Ecce Homo abbastanza grandini. Ma per fortuna che la loro crescita si sia ben espressa anche dal punto di vista musicale, considerando che il nuovo disco rappresenta oltre che il loro picco massimo, anche una delle più belle uscite di musica pop da venti anni a questa parte. Il pregio più evidente di questi "Baustelle gay" ( come li definisce sarcasticamente la più nota webzine musicale italiana) è il fatto di sapersi applicare nella stessa maniera tra filosofismi stimolanti e peripezie ottantiane, da cui ne esce una versione new wave degli Elio e Le Storie Tese. Non è affatto facile immergersi in questa atmosfera piuttosto obsoleta secondo i canoni dell' ascoltatore di nuova generazione, abituato a passare dalle hit easy listening alle più complesse trame musicali, perché semplicemente Ecce Homo possiede entrambe le caratteristiche. Adorabili alla stessa maniera, sia quando a prevalere sono le montature melodiche di facile appeal, sia quando il mood si fa più intimo e solista, tanto da annullare gli eccessivismi sinth pop delle prime che i ritmi narcolettici delle seconde. Altrettanto invidiabile è la capacità di pescare dal britpop mainstream ( la cover dei Blur tradotta ne è l' esempio più lampante) quanto dalla tradizione nostrana, dalla disco sempre accesa e convincente fino alle orchestrazioni dall' inevitabile sapore sanremese.

L' Uomo Qualunque, preceduto dall' intro Umano, Troppo Umano, si mostra nel suo kashmir di puro Alan Sorrenti alle prese con i figli delle stelle, ed anche il Barbarossa & Friends di Credo, suonata con un bel tiro elettro-rock, non tradisce le premesse. In Come Un Eroe Della Marvel si ha l' impressione di sentir suonare Cocciante in versione pianobar, con tromboni e chitarre al seguito, visto il mood malinconicamente romantico, ma anche Ragazzi + Ragazze ( Girls & Boys reprise), sebbene estiva e spensierata nei repeat di cori susseguiti da tastiere colorate, non scherza in quanto a nostalgia. Non Si Uccidono Così Anche I Cavalli? è il miglior brano del disco, che unisce senza sprezzo del pericolo un testo alla Numero 6 ( o Non Voglio Che Clara, se preferite) miscelato con un sinth pop alla Humpty Dumpty alle prese con le sue brasiliane ed una wave intrisa di chitarre piene di filosofia in casa Amor Fou, che rappresenta la cosiddetta ciliegina sulla torta. La confidenziale Sirene fa riprendere fiato al gruppo formato da ben sei elementi, producendosi in un' odissea sentimentale, una vera e propria melodia alla Hooverphonic, per poi riattaccare con il rock distorto di Con Stile, molto Battiato nello stile ma meno piaciona nel galleggiamento pop ancora una volta composta da tastiere. Infine Una Vita e Universo pescano ancora dal miglior pop nostrano ( il primo con un ritornello à la Raf) e le conclusive Non Mi Hai Fatto Male e Parabole chiudono ( quest' ultima con un fare tipico dei più sicuri Pooh) Ecce Homo.

La fotografia più chiara che si può scattare degli Egokid dopo quaranta minuti abbondanti li ritrae ormai adulti, consapevoli di quanto è già stato fatto ed anche piuttosto abili, soprattutto nella strada intrapresa in questo Ecce Homo, ovvero quel caro e vecchio pop che abbiamo perso di vista negli ultimi anni. Optano spesso per il singolo di facile successo, e per questo non rientrano nella categoria di dandy cantautoriali fin troppo affollata, ma allo stesso tempo sanno applicare buone basi su testi a dir poco intelligenti e genuini, ricchi senza dubbio di una falsa felicità che pare più come un gesto fugace in tempi bui. Ecce Homo è un disco molto interessante, divertente, colorato ed impeccabile in ogni suo elemento, che sicuramente conquisterà gli amanti della musica italiana, che ne sapranno apprezzare la varietà di stili e qualche scelta intraprendente. Musica aperta a tutti e non anonima o figlia delle mode, questo è il segreto. Per alcune riviste è già disco dell' anno, io ci andrei coi piedi di piombo. Di sicuro però il suono di Ecce Homo, arricchito dall' ottima registrazione di Taketo Gohara ( Baustelle, Vinicio Capossela) e prodotto da Sergio Maggioni e Giulio Calvino ( Hot Gossip, Syria), è qualcosa di raro ed ignoto a molti.

Pulse And Treatment

Giulio Magliulo — Sat, 19 Apr 2014 10:12:38 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Synth Pop

Electro Goth

Etichetta:

Seahorse Recordings

Anno:

2014

Line-Up:

Cristian Battiato - guitar, synth, sampler, effects
Patrick Guerrera - voice, synth, sampler, effects
Santo Trombetta - guitar, synth, sampler, effects

Tracklist:

She Walks

Last Time

Moon In Blue

Flow

My Own Friends

Beautiful Words

Misanthropy

Feel Into The Void

A Modern Way To Die

Pulse And Treatment

Dalla metà degli anni ottanta una delle missioni che il rock avrebbe dovuto portare a compimento, riuscendoci, è stata quella di diradare le nebbie del post-punk allora imperante.

Diversi poi sarebbero stati i modi di dissolvere la dark music e la new wave.

Il primo, più eclatante, è stato quello di cercare realmente la luce attraverso aperture anthemiche ed universali. I primi crepuscolari U2 potrebbero essere un buon esempio, ma anche i Sisters Of Mercy terminali sempre più coinvolti dal ritmo sintetico rendono l'idea.

Un altro modo, forse più sottile ed intrigante è stato quello di contaminarsi con il guitar rock che da lì a breve sarebbe stato denominato shoegaze. Non parlo di quello acidamente pop di Jesus & Mary Chain, penso semmai a certe chitarre sospese e circolari, vagamente psichedeliche di gente come The Church o House Of Love, in qualche modo sempre oscuri persino quando non volevano esserlo, scotto da pagare per gli psichedelici fuori stagione.

Rievocare tali scenari nel 2014 evitando il rischio di cadere nella sterile imitazione è stata la sfida, innegabilmente stravinta, da A Modern Way To Die.

E se il trio catanese perviene a tale risultato è perchè non fa nulla per nascondere le sue influenze più riconoscibili, anzi la convinzione che caratterizza Pulse And Treatment fa di esso un album che non sfigurerebbe tra i capolavori del periodo. L'immediatezza - che non sempre è un pregio – diventa qui punto di forza e se la voce fredda ed evocativa di Patrick Guerrera ci ricorda i primi onirici Litfiba o il Nick Cave più sermonico se non l'ultimo Peter Murphy, esteta estremo, è perchè essa va per diritto naturale ad insinuarsi lì in mezzo. Ed anche la 'fase electro' è fondamentale per gli A Modern Way To Die, non bisogna dimenticarlo, ed ecco che quei synth cari ai Soft Cell o ai New Order allora ritornano utili.

Un album pieno, carico, intenso, dall'inizio alla fine, in cui si attraversa una galleria di specchi dai quali si affacciano i profili severi di Ian Curtis e di Andrew Eldritch, dove le gesta decadenti di Clan Of Xymox e Bauhaus hanno ancora asilo, dove è possibile essere rapiti da chitarre sature ed acidissime ma al contempo piombare sui più oscuri dancefloors ove sorridere ubriachi pensando che se nel rock è già stato detto tutto, a volte basterebbe solo che fosse ridetto bene. Come avviene in Pulse And Treatment, un disco magnificamente ossessivo, paranoico ed epico.

Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol. 2 1981 - 1987

Gabriele Bartolini — Thu, 27 Sep 2012 17:04:43 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Synth Pop

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Tracklist:

1. Suicide Dada – Acque
2. Der Blaue Reiter - Through Glasses
3. Sons Of Science - Way Of Life
4. Waveform – Creep
5. Ruins - New Record
6. Jeunesse D'Ivoire - A Gift Of Tears (Silent Version)
7. LASS Crime - I'll Merry Go Round
8. Musumeci - Harry Batasuna
9. Deca - First Frequency
10. European Stage - Subterranean Wait

AA. VV.

Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol. 2 1981 - 1987

A distanza di due anni dal primo capitolo esce "Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol.2 1981-1987", attesissimo sequel di quello che potremo doverosamente definire come la specialità di casa Mannequin, ovvero un altro lotto di brani minimal-wave, tutti rigorosamente italiani, accuratamente selezionati dalla celeberrima post-punk label romana, che - di pari passo a co-produzioni ed importazioni estere giostrate sull' asse Minimal Wave / Captured Tracks / Sacred Bones – con titoli come questo si sta ritagliando un deciso ruolo sempre più fondamentale anche in Italia, il cui lavoro di ricerca svela il coraggioso intento di voler guardare oltre il muro delle compilation a tema pubblicate da riviste musicali come Rockerilla negli anni '80.

Il dato iniziale, che gioca sicuramente a favore, è quello che vede riproporsi la medesima filosofia dell' esordio, attenta a valorizzare nomi di nicchia senza al tempo stesso abbassare il livello qualitativo dell' insieme, o peggio ancora snaturarlo.
Rispetto al duemiladieci però la nuova raccolta – che vanta al solito la sopraffina grafica "futurista" di Valentina “Mushy” Fanigliulo – si sposta leggermente verso i lidi dark del synth-pop, tratteggiati alla perfezione dal lavoro sapiente di mastering dell' Ensemble Pittoresque Ton Willekes ed in modo altrettanto superbo tradotti in musica dalle elucubrazioni techno-pop ( con scheggie industrial) di Deca e Sons Of Science, le due punte di diamante in tale campo, influenzate non solo da Depeche Mode ma da tutto l' universo Mute in generale.
E se dopo l' apparizione sul secondo volume della Minimal Wave qui i Ruins deludono abbastanza, a risanare il bilancio ci pensano Waveform e L.A.S.'s Crime, a ritmo di una metal dance caustica ed alienante.
Altrettanto positive sono le bellissime ballate Acque e A Gift Of Tears (Silent Version), rispettivamente di Suicide Dada e Jeunesse D' Ivoire, capaci di tenere testa – tra ruvidi schemi percussivi ed echi dolorosamente striscianti – persino alla doppietta che fu di Tommy De Chirico / Janitor Of Lunacy, in quanto ad influenze darkwave.

Insomma, anche il secondo volume di Danza Meccanica riesce a confermare le aspettative createsi attorno al succitato ambizioso progetto di riportare alla memoria l' affascinante epoca new-wave italiana.
"Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol.2 1981-1987" con la sua solidità conferma difatti gli elogi rivolti all' intero team esecutivo, introducendo non solo altre rare perle ma riuscendo persino a spostarsi cronologicamente in avanti, passando, concedetemi il paragone, dalla prima Factory ad un abbozzo più che chiarificatore di un Hacienda italiana: Berlino e Manchester non sono mai sembrate così vicine a noi.

S U R V I V E

Gabriele Bartolini — Thu, 27 Sep 2012 16:54:38 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Synth Pop

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Line-Up:

- Adam Jones
- Kyle Dixon
- Mark Donica
- Michael Stein

Tracklist:

1. Deserted Skies
2. Floating Cube
3. To Light Alone I Bow
4. Hourglass
5. Omniverse
6. Black Mollies
7. Scalar Wave
8. Shunting Yard
9. Dirge

S U R V I V E

Quando l' anno scorso, in occasione della doppia uscita album/EP targata Salem, si provò a tracciare con netto ritardo le coordinate essenziali della "scena" witch house, lasciare fuori gruppi di seconda fascia come i texani S U R V I V E appariva come pura e semplice normalità.
Eppure, già agli esordi, quando questo appellativo si presentava come un miscuglio non meglio definito tra dream-pop sotto ipnosi screw, appariva altrettanto chiaro che alcuni di essi erano indipendenti dal contesto, trascinati dentro a forza di frettolose etichettature.

Difatti, sebbene il quartetto sapesse ottimamente propinare scenari ambient-dark al rallenti, come testimoniato nella cassetta di artisti vari "Black As Night", le influenze elettroniche dei seventies, e in minima parte degli eighties, entravano sempre più a far parte del loro repertorio, costituendo il loro vero potenziale.
Il quartetto cresciuto a sci-fi e synths analogici arriva alla definitiva consacrazione con l' omonimo LP targato Mannequin, di fatto estraniandosi dalla witch, mantenendo la propensione ambientale che li contraddistingue, stavolta però chiaramente influenzata dalla kosmische musik tedesca, la cui poderosa portata viene puntualmente addolcita da ritmi programmati e da basi minimali che dimostrano come anche nel loro pianeta, privo di gravità, si possa ogni tanto aumentare il ritmo ed azzardare atmosfere ballabili.
Grazie a questo il disco non appare mai scontato nel suo lento progredire, ed anzi l' altissima qualità di tracce come Scalar Wave o Dirge ( due gelidi monoliti stampo Schulze) viene messa in evidenza da episodi, quale Floating Cube o Hourglass, che si limitano a rispettare la forma canzone ( se così si può definire) senza perdersi in insulsi riempitivi, donando al disco una naturalezza che a pochi altri nuovi lavori si addice.

Tramite i seguenti passi "Survive" si rivela un' uscita essenziale per gli amanti della musica kraut e delle soundtracks che dalle medesime sonorità pescavano, con almeno tre memorabili tracce ed al tempo stesso un risultato d' insieme sicuramente invidiabile, fin tanto che alla fine è conseguenza diretta glorificare ulteriormente un' età musicale d' oro piuttosto che "nuove" correnti-spiragli dal dubbio valore.

Isole 51 42 S 057 51 WEP

Giulio Magliulo — Mon, 20 Aug 2012 08:10:49 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Synth Pop

Elettronica

Etichetta:

PostoSegreto

Anno:

2012

Line-Up:

Andrea Noce: vocals, synths, drums, bass, flute (on Renaissance Island)

Flavio Scutti: synths, drums, bass, guitar, percussions

Tracklist:

1.Renaissance Island

2.Technique

3.Eldorado

4.Soledad

5.Madagascar

Le Rose

Isole 51 42 S 057 51 WEP

Un mondo parallelo fantastico, immaginario e pieno di promesse fu quello che a suo tempo prospettarono i Kraftwerk. Quella nuova estetica, non solo musicale, viste le conseguenze sul nostro presente - questo sì musicale - è stata una delle più importanti rivoluzioni della ‘pop culture’ del secolo scorso soprattutto per una ragione: il suo totale affrancamento dalla radice afroamericana che ha sempre caratterizzato la musica e la cultura giovanile, almeno fino a quel momento.

Fatta eccezione per alcuni tra i più importanti compositori del novecento che la cultura ‘ufficiale’ definirà poi ‘avanguardisti’, senza quella magnifica rivoluzione pop, di quella che oggi definiamo vagamente ‘elettronica’ avremmo ben poco e quasi sicuramente lo avremmo in forma diversa (e questo vale sia per l’ambient isolazionista che per l’electroclash, cioè sia per quelle musiche ritenute concettualmente alte a finire a quelle decisamente più volgari).

E tutto questo, con Le Rose c’entra nella misura in cui è la natura stessa del giardino in cui esse fioriscono a suggerirlo. Non è importante - in quest’ottica - evidenziare che Le Rose occupino una posizione nella scena elettronica italiana probabilmente ancora vacante quanto piuttosto notare che il loro approccio è puro, quasi virginale: hanno sognato lo stesso sogno dei Kraftwerk, al di là degli esiti.

Diverse sono in Isole 51 42 S 057 51 WEP le componenti che si contendono la centralità dell’ascolto: prevarranno quelle che lasceranno esercitare all’ascoltatore la sua più ampia capacità di proiezione e questo è ovviamente molto soggettivo. Dire quindi che le soluzioni che Le Rose propongono in Isole.. partono da ondate di algido ed immacolato technopop che spesso va poi ad infrangersi su spiagge di nostalgica italo-disco e che patterns di vetero-dance si riappropriano con aristocratico coraggio di ciò che da anni il ‘french-touch’ ruba può essere vero ma magari non preponderante.

Le Rose vanno incoraggiate nel loro percorso che partendo da una chiara matrice vintage può arrivare a risultati ancora più interessanti, soprattutto se riescono a liberarsi di quei formalismi che hanno partorito quell’aberrante creatura a metà anni novanta chiamata new-age elettronica (detestabile esotismo europeo da salotto) e se daranno ascolto alla loro natura schiettamente visionaria che potrebbe costruire nuovi ponti futuribili tra l’universo dance e una psichedelica e sognante ma non necessariamente cerebrale idm.

November Uniform

Giulio Magliulo — Mon, 06 Aug 2012 19:31:57 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Synth Pop

Elettronica

Etichetta:

Trovarobato

Anno:

2012

Line-Up:

Paolo Iocca: quasi tutto + voce

Shannon Fields: horrible noises on synthesizers, junk objects and toys, percussion, electronics and things with strings

Gianluca Giusti: piano on 2 and 9

Simone Cavina: drums and cymbals on 2 and 9

Andrea Perillo (A Toys Orchestra): drums on 8

Sayda Canizares: backing vocals on 6

Jon Natchez (Beirut): baritone saxophones on 9

Iosonouncane: vocal drones on 10

Tracklist:

1. Forewords
2. Our Glowing Days
3. Essay On Holography
4. The Secret Abilities
5. Low Tide Lost At Sea
6. Stormily Reassuring
7. Dusk Jockey
8. Immortal Bliss
9. A Minimal Anthem
10. An Angel Was Seen On The Crime Scene

Boxeur the Coeur

November Uniform

Boxeur The Coeur è la nuova creatura di Paolo Iocca e Paolo Iocca è stato il leader dei Franklin Delano, una delle formazioni più ‘americane’ mai avute in Italia. Smessi quei panni, dopo l’ulteriore esperienza Blake/e/e/ , l’enorme talento creativo di Paolo oggi si avvicina a filoni contemporanei che a definirli potrebbe essere riduttivo e limitante.

Certo, la fascinazione per le ‘elettroniche’ degli ‘80 e dei ‘90’ è ben presente in surrogati di glo-fi e chillwave, così come un certo gusto anarchico per il patchwork psichedelico, ma quella che emerge forte da tanto corredo sonoro è una vena semplicemente e squisitamente pop che evita le implicazioni kitsch che altrimenti sarebbero dietro l’angolo e che informa tutte le tracce, qualunque sia la loro declinazione di base.

Il vocoder di rito in Forewords inaugura l’album come un canto propiziatorio di gioie a venire e si resta da subito invischiati in gommose paludi sintetiche; la barocca Our Glowing Days glorifica il pop di cui si diceva prima, abbeverandosi a fonti nobilissime, suonando come una Velouria dei Pixies eseguita dagli Stereolab.

E ancora acidità dancefloor eighties in Essay On Holography e l’ingombrante presenza di Beatles e Sid Barrett in The Secret Abilities.

Poi c’è la notturna e luminosa parentesi di Low Tide Lost At Sea prima di riprendere i giochi con le cadenze di Stormily Reassuring, piccolo compendio di modernariato pop.

Infine segnaliamo Immortal Bliss ergo Frank Black che sogna gli M83, mentre A Minimal Anthem è il geniale cavallo di Troia che ribadisce che questa produzione italiana è un evento di portata internazionale.

Perché Boxeur The Coeur non sfigurerebbe affatto in un tour immaginario al fianco di gente come i già citati M83 o Panda Bear o Neon Indian, per fare un paio di nomi dal giusto hype, perché Paolo si sentirebbe molto più libero di sperimentare, improvvisare e giocare senza troppe sovrastrutture o calcoli e questo è facilmente ravvisabile sia nel suo passato che – per chi ha avuto modo di vederlo in azione ‘on stage’ – nel suo presente già post-moderno.

The Next Wave

Giulio Magliulo — Fri, 13 Jul 2012 12:18:27 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Synth Pop

Indie Rock

Etichetta:

A Buzz Supreme

Anno:

2012

Line-Up:

AA. VV.

Tracklist:

BLUE WILLA	Fishes
UnePASSANTE	Emotional Countdown
KING OF THE OPERA	Nine-legged Spider
KILL THE NICE GUY	Closed
BAD APPLE SONS	Caracollo
GRANPROGETTO	Un Esperimento
WALKING THE COW	Rorschach Hands
THE VICKERS	You Talk Too Much
THE HACIENDA	Last Bus On The Way
VELVET SCORE	Pictures Of Summer
UNDERFLOOR	Solitari Blu
LA DUMA	La Scelta è Tragica
PLASTIC VIOLENCE	Ghost Nation
KA MATE KA ORA	My Psychedelic Teacher
KARL MARX WAS A BROKER	Teletubbie
MANGIACASSETTE	Sangue
TRIBUNA LUDU	Frattaglie
DILATAZIONE	Marx On Mars

AA. VV.

The Next Wave

The Next Wave con la sua didascalia ‘una raccolta sulla nuova scena fiorentina’ fa simpatia già solo a leggere la copertina, ancor prima di sondarne i contenuti e di leggere, nel booklet interno, le note di Elena Raugei, ‘the mind’ dell’operazione ed importante firma della stampa musicale italiana.

Perché l’intento è chiaro: la prossima onda è quella che ci sarà ma anche quella che potrebbe non esserci poiché quello che è stato uno dei semi del rock italiano indipendente, cioè la scena new wave fiorentina degli anni ’80, non deve (e non può) più essere il masso che spinge giù in un inutile confronto su ‘ciò che è stato’ per poi trovare giustificazioni al perché del ‘rock che è morto’ o è morente, che in Italia manca una cultura del rock come i relativi spazi e così via… storie che sentiamo da decenni e che non portano da nessuna parte anche perché non più attuali. Forse le parole della stessa Elena semplificano il concetto quando dice ‘la musica, per fortuna è andata avanti’. Quindi già l’ironia che traspare dal titolo sembra un ottimo biglietto da visita.

Altro deus ex-machina dell’operazione è Andrea Sbaragli di A Buzz Supreme che ha reso possibile l’operazione con l’idea più vecchia e più nuova che possa esserci nelle musiche che ascoltiamo: l’autoproduzione totale, mezzo che permette alle bands di muoversi liberamente nei circuiti e nei canali che vogliono essere ricettivi e aderire ad essi senza troppi compromessi.

I 18 brani che compongono la raccolta rappresentano lavori già usciti, versioni alternative o anticipazioni di nuovi albums a venire e sono un po’ lo stato dell’arte della scena musicale toscana.

I Blue Willa (ex Baby Blue) prodotti da Carla Bozulich ed unePassante aprono le danze ed indicano nuove strade più espressioniste al post-punk. Altra importante presenza sono i King of the Opera (ex Samuel Katarro, che abbiamo avuto modo di apprezzare qualche mese fa al loro debutto internazionale al Barcelona Primavera Sound) con il loro art-rock totale mentre I Kill The Nice Guy propongono un indie nervoso, tirato e finalmente ‘femminile’, in opposizione a questa manìa delle ‘cantantesse’ folk che sembra andare per la maggiore.

Si ritorna all’inglese con i Walking The Cow, band di più ampio respiro rispetto ad un possibile panorama internazionale poiché propone un brano che ibrida certo indie-pop con cadenze folk mai troppo introspettive e ci lascia piacevoli suggestioni vissute intorno alla metà degli anni novanta con le migliori indie bands statunitensi femminili ed anche i The Vickers sembrano essere positivamente infettati dalla stessa solarità dell’indie dai colori pastello di quel periodo.

The Hacienda poi conquistano prepotentemente il titolo tra i migliori della lista con i loro frizzanti riff garage fusi a ritornelli alla At Drive-in non da tutti, giocandosela con i successivi Velvet Score forti di una vena melodica pulitissima e veli di malinconia estiva a iosa (possono ricordare degli Amor Fou in inglese ed è un complimento!).

Ad eccezione di Mangiacassette, che è assimilabile a certo indie italiano sulla stessa lunghezza d’onda di Brunori Sas e dei Tribuna Ludu, wave con accenni gotici e industrial senza chitarra che piacerebbe sia ai fans dei CCCP che degli oVo, forse sono gli altri brani cantati in italiano a risultare più deboli.

La traccia dei Bad Apple Sons per esempio, pur godendo di buona struttura ed intuizioni forse finisce per pagare un po’ troppo un tributo ‘marleniano’ , soprattutto in certi passaggi vocali simili a quelli del Godano mentre i GranProgetto, gli Underfloor e La Duma non lasciano troppo un segno di sé con i loro brani non sufficientemente penetranti: non bastano belle code rock o viole evocative che fanno capolino ad evitare certe sensazioni di deja vu, cioè quell’inclinazione all’italico vizietto di ‘cantarsi addosso’ in una ricerca di intimismo poetico a volte un po’ estenuante, sia nei toni che nelle liriche.

Ci sono poi i Plastic Violence con i loro soundscapes decadenti, i Ka Mate Ka Ora che cavalcano il riflusso shoegaze, i Karl Max Was A Broker con i loro accenti math ed infine i Dilatazione con la loro (disco)wave mutante tutta synth e fiati.

Lunga vita dunque a questo tipo di operazioni che senza farsi affossare da esso, sono comunque un ‘memento’ dei bei tempi in cui giravano le compilation su cassetta, quelle che non ponevano barriere tra generi e quindi permettevano di conoscere ciò che c’era in giro con rischio noia uguale a zero.

Crimes on the Dancefloor

Gabriele Bartolini — Sat, 10 Mar 2012 15:45:52 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Dark Wave

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Line-Up:

- Kovre - Voce
- Claudio Asserini - Sintetizzatori, ritmi
- Gabriele Farina - Basso

Tracklist:

01. The Red Moon
02. On The Dancefloor
03. Highly
04. War Days
05. Back On Water
06. Shadow Of A Desert Land
07. There Grows My Heart
08. Destruction Babies
09. Scurry Song
10. Lovely Times

Janitor of Lunacy

Crimes on the Dancefloor

Pochi giorni fa, a proposito di un gruppo stanco, con più niente da dire, abbiamo tristemente sottolineato la pigrizia intellettuale che molto spesso imperversa di fronte a memorial, ristampe, reunion o peggio ancora nuovi dischi dalle tre parti interessate: la band e l' etichetta, pronte a fiutare affari a costo zero piuttosto che puntare su di un prodotto di qualità, ed il pubblico, entusiasta ed impaziente anche solo per la minima sciocchezza commemorativa.

A meno che, aggiungiamo adesso, non ci si chiami Mannequin e si abbia il raro quanto segreto dono di riesumare ad ogni ristampa pezzi di Storia post-punk ancora vivi, pulsanti di oscurità propria, essenziali quanto basta per continuare a dettare legge nel proprio campo ispirativo. Stavolta è il caso dei Janitor Of Lunacy, formazione alquanto titolata già a suo tempo, come dimostrano anche le numerose presenze in compilation nostrane ( VM2, Komakino) e straniere ( la francese Magnetique), nonché nella recente serie "Danza Meccanica", nel cui primo volume ( tra l' altro anche prima stampa per la Mannequin) compare la magniloquente On The Dance Floor, la tetra litania synth-wave di puro stampo Factory che dà il nome alla seguente raccolta, "Crimes On The Dancefloor", in cui vengono immortalati i pochi ma fondamentali passi compiuti dal trio bresciano, fedele ( e non solo nel nome) alla leggendaria figura di Christa Paffgen. Nell' opera sono difatti inclusi gli unici "due" vagiti recanti la suddetta dicitura, ovvero il primo demo tape omonimo datato 1983 - la costola dura della parabola con ben sei tracce - e "The Testroom Tapes", quattro brani rielaborati che dovevano costituire parte del disco del 1986 mai portato a termine per divergenze artistiche, ben presto causa naturalmente dello scioglimento.

Difficile comprendere tali motivi, se pensiamo che i Janitor Of Lunacy costituiscono ancora oggi qualcosa di estremamente interessante e caratteristico, sia per la vena cold-wave - aperta ad incursioni elettroniche di puro stampo foxxiano - del primo periodo ( la marcia tagliente e funerea di Highly, ad esempio, fa sembrare i Balaclavas dei plagiatori di prima categoria) sia per la seguente apertura verso trame eteree di cantautorato romanticamente oscuro, sulle orme dei migliori Reed ed Eldritch ( da segnalare almeno le inquietanti ballate Shadow Of A Desert Land - There Grows My Heart). Ma oltre alla perfetta esecuzione delle tracce in scaletta, ognuna delle quali poteva benissimo essere trasmessa fin nei vicoli più tetri di Manchester, ciò che stupisce particolarmente della formula musicale ideata dal trio formato da voce - sintetizzatore - basso è l' invidiabile pazienza nel saper attendere i giusti momenti, nel prendere a piccole dosi l' elettricità degli strumenti, nel limitare a pochi convulsi attimi le parti cantate, e non per ultimo nel costruire pulsanti ritmiche a base di drum machine.

Il perfetto compromesso tra Neon ed Underground Life che non vi sareste mai aspettato.

LINK PER L' ASCOLTO

Zonoscope

Gabriele Bartolini — Mon, 19 Dec 2011 14:54:27 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Elettronica

Etichetta:

Modular

Anno:

2011

Link correlati:

Making of Zonoscope (part 1)

Line-Up:

- Dan Whitford – vocals, keyboard, guitar
- Tim Hoey – guitar, sampler
- Mitchell Scott – drums
- Ben Browning – bass guitar

Tracklist:

01. Need You Now
02. Take Me Over
03. Where I'm Going
04. Pharaohs & Pyramids
05. Blink And You'll Miss A Revolution
06. Strange Nostalgia For The Future
07. This Is All We've Got
08. Alisa
09. Hanging Onto Every Heartbeat
10. Corner Of The Sky
11. Sun God

Cut Copy

Zonoscope

Otto ottobre millenovecentonovantuno: nasceva Screamadelica. Un disco cult per il gruppo, che successivamente dovrà per forza di cose deviare il suo percorso, la fotografia perfetta per immortalare quegli anni così eclettici, ancora fortemente influenzati dagli eighties. Punto d' incontro più sincero tra l' elettronica - intuita come un mix tra club culture, rave ed house - e l' affollatissimo mondo del rock, con la C86 in prima fila, per un episodio che non avrà eguali, ma solo molti figliastri ( tra cui i Kasabian). Esattamente tre anni prima la stagione acida di Madchester veniva interpretata in chiave neo-psichedelica dagli Happy Mondays di Bummed, uno dei picchi massimi dell' espressione open-minded dell' epoca, dove un attitudine alla corrosione punk entrava in contatto con l' asprezza di certe battute dance, a far da apripista nientemeno che al nuovo fenomeno britpop che sfocierà di lì a poco.

Il fatto che tutte queste intuizioni furono perlopiù dettate dal caso, dalla voglia di azzardare, spinse molti altri gruppi - giovani o non - ad avvicinarsi alle suddette modalità di sperimentazione, ma negli anni a venire non si riscontreranno risultati anche solo paragonabili a quel determinato periodo, con il male peggiore di una successiva suddivisione dei generi che porterà ad un nulla di fatto, se non al pallido tentativo di nu-rave di nomi recenti come i Klaxons, ed una volta passata di moda si preferì piuttosto puntare sui canonici idiomi britpop. Non bisogna stupirsi quindi se a raccogliere i migliori frutti è stata la dipartita elettronica, con una schiera di interpreti che possono variare dal più edulcorato dei synth-pop al più oscuro dei progetti sperimentali. In mezzo al mucchio, del duemilaundici la vera eccellenza in tale campo la costituiscono i Cut Copy, un quartetto australiano fattosi conoscere per la facilità di produrre hit di successo miscelando melodie dance e pop. Se con il precedente In Ghost Colours, da considerarsi più come una raccolta che un disco, la band si era costruita una nomea dovuta più a concetti fini a se stessi, come ad esempio quella di electronic new-wave, decisamente incomprensibile e derivativa, con il nuovo Zonoscope (Modular, 2011) prova ad azzardare, prendendosi sul serio.

L' esperimento funziona benissimo, e quello che si prospettava essere un altro lavoro di successi a metà si rivela invece il perfetto riassunto ( anche se la sua durata si attesta intorno a poco più di un' ora) dell' elettronica bianca più appetibile e canticchiabile. Anche la copertina, sebbene non di buon auspicio considerato lo scarso successo del disco dal quale si è preso ispirazione per l' artwork ( ovvero da quel Flying The Flag dei Climax Blues Band, che soprattutto grazie a questo lavoro si guadagnarono l' appellativo di one hit wonder), rivela molto del mood di Zonoscope, a cavallo tra l' humor non sense ed una estaticità balneare, piacevolmente soffuso attraverso i perfetti scambi melodici di synth e chitarre, orchestrati in maniera prossima alla perfezione grazie ad uno stuolo di personale in fase di produzione e missaggio altamente competente per aver puntato tutto verso un sound limpido, galoppante e scoperto verso le modalità indie-pop. Definibili come la risposta più credibile al Non Stop Ecstatic Dance di marca Soft Celliana, questo pugno di canzoni / climax sonori decisamente eccelle da qualunque lato le si guardi, e questo si deve soprattutto ad un lato versatile ed intelligente del frontman Dan Whitford ( che per la verità sfuggiva un pò a tutti) nel fornire diversi volti, sfaccettature persino minime, ad ogni singolo brano, ricco, oltre che di armonie prettamente pop, di una miriade di leggere e godibili sottigliezze immancabili per ambizioni del genere.

Ma adesso arriva il bello, ovvero la stesura generale di ogni composizione, parte del processo che gli stessi Cut Copy definiscono vitale per l' impronta che il disco subirà ( e di cui potete sbirciare qualcosina sul link qui accanto, riferente proprio alla preparazione di Zonoscope). La materia di tanta facilità sonora e complessità di intenti è presto detta: ogni canzone si appoggia sempre su dei loop elettronici messi in circolo, quasi sempre da una drum-machine, a cui poi si aggiungono le varianti originali da aggiungere per diversificare il tutto. Si pesca guardacaso a grosse dosi dagli eighties, chiamando in causa per gli episodi di maggiore appeal i tribalismi africani apportati nella musica funky proprio in quel periodo da geni del calibro dei Talking Heads, del cui Remain In Light si apre fin da subito la caccia, senza disdegnare qualche battito alla Pop Group, da cui naturalmente non vengono però riprese nè le tematiche nè le sonorità essenziali, mentre per i pezzi dal solo impatto dance viene in mente la produzione hip-hop di Arthur Baker per i New Order - dalle cui somme risulta un approccio maggiore alla tecnica da parte dei Cut Copy, dai risultati ostici e quasi nordici, forse derivanti da aspetti primari di basi ispirati direttamente dagli U2 di Achtung Baby ( sembra un paragone impossibile, ma alla fine si rivela quello più plausibile) - oppure ancora il ribollire electro-pop dei coevi Holy Ghost!, o l' altra produzione, di nuovo richiamante il funky, dell' ultimo sottovalutatissimo album degli !!!.

Così facendo ogni parte dell' album non solo viene legata ad una ad una con un collante in grado di far richiamare gli aspetti in comune, ma ogni episodio apparirà come un continuum tematico in successione, ognuno intessuto da un astratto riferimento all' altro ma allo stesso tempo diverso per il ritmo portante. Ma il cuore dei quattro scalpita soprattutto per l' elettronica. L' opener singolo Need You Now è un pezzo da discoteca, materiale wave terrificante nella sua galoppata da strobo a colori chiari quanto nel ritornello, calzante e pulito, fresco e gay-friendly al punto giusto. La successiva Take Me Over è altrettanto esplosiva; i campioni presi da Madonna e Fleetwood Mac conferiscono un aspetto balneare facilmente accomunabile ai Blondie di Parallel Lines, ma anche qui il risultato si dimostra fuori dal comune, originale nel suo languido galleggiare. La solidità di Zonoscope viene consolidata pure negli episodi di minore potenza: Where I'm Going è un gioiello surf-pop dotato di un ritorno corale devoto ai sorrisi di Wilson ed a qualche sconquassata outtake beatlesiana, un' ondata di tamburelli e maracas breve e concisa.

Pharaohs & Pyramids, Blink And You'll Miss The Revolution e Strange Nostalgia For The Future si immergono invece sulle good vibrations della musica dance e di quella da club per formare proprio a metà album un notevole trittico in grado di passare nel giro di poco dai Depeche Mode agli Hercules And Love Affair: in particolare la prima traccia si muove verso brume techno, la seconda è una danza tra filigrane sintetiche e versi pesanti mentre l' ultima ripropone l' originale risvolto wave. Dopo aver introdotto certe trame areose, quasi ambient, i Cut Copy ci prendono gusto: This Is All We've Got continua sulla stessa serie delle altre, impacchettando un perfetto indie-rock fatto di percussioni lo-fi, corde vocali effettate e linee di chitarra da interporsi a quest' ultimo snaturato elemento. Alisa col suo gusto barocco cede più volte al funk, con lodevoli slabbrature di basso che sono la dimostrazione di come suonerebbe Toro Y Moi se avesse una band. Hanging Onto Every Heartbeat riprende il discorso lasciato in sospeso da Where I'm Going rallentando i ritmi, concedendo una pausa agli strumenti, qui usati in modo del tutto minimale, in cui traspaiono richiami folk inusuali. A chiudere, con la consueta infallibilità, ci pensano le due bellissime Corner Of The Sky e Sun God. La prima ricorda i fasti del miglior Eno, con quella atmosfera sperimentale che pare dipanarsi alla stessa stregua di quanto fatto dal Bradford Cox di Parallax, mentre l' ultima lunghissima seconda traccia è una pregevole gemma elettronica, dal cui loop ripetuto si svolge prima un tributo al Moroder di Battlestar Galactica e successivamente si alternano una serie di scambi ritmici tra psichedelia e glitch.

In definitiva Zonoscope è la consacrazione dei Cut Copy e dell' elettronica fino ad ora definibile come più diretta e spensierata. Un' ora di perfetti brani dance-pop si susseguono l' un l' altro senza fare prigionieri, suggellati da una perfetta esecuzione e da schemi compositivi mai ovvi o derivativi. Ciò che stupisce ed ammalia di questa band proveniente dall' Australia è la poliedricità dei canoni utilizzati, che possono spaziare dal più introverso dei techno act ad una epifania indie-rock, senza però mancare di un proprio evidentissimo input ideologico, che nel caso di Zonoscope si attesta sulla parola acid e sull' italo-disco. Cercando di codificare il dettato imposto dai quattro, si può dire che mancando di rispetto al lato sperimentale del genere in questione, i Cut Copy ne hanno conseguito grandi, grandissimi benefici, trasformandosi nel giro di un solo full-lenght da rane a principi.

Hurry Up, We're Dreaming

Luca Pasi — Sat, 10 Dec 2011 09:32:35 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Synth Pop

Etichetta:

Naive

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale

Line-Up:

- Antony Gonzales

- Justin Meldal-Johnsen

Tracklist:

CD1

01. Intro (feat. Zola Jesus)

02. Midnight City

03. Reunion

04. Where the Boats Go

05. Wait

06. Raconte-Moi Histoire

07. Train to Pluton

08. Claudia Lewis

09. This Bright Flash

10. When Will You Come Home?

11. Soon, My Friend

CD2

01. My Tears Are Becoming a Sea

02. New Map

03. OK Pal

04. Another Wave From You

05. Splendor

06. Year One, One UFO

07. Fountains

08. Steve McQueen

09. Echoes of Mine

10. Klaus I Love You

11. Outro

M83

Hurry Up, We're Dreaming

Assodato il fatto che per suono ne intendiamo le oscillazioni dovute all'aria che si comprime ed espande, vi siete mai chiesti se solo questo potesse propagarsi nello spazio, che musica ne uscirebbe? Tra tossici buchi neri e frenetiche piogge di stelle, quale possa essere il sottofondo musicale che le accompagni? Tra scorribande di meteoriti e galassie illuminate da spirali di luce, quale vibrazione riesca ad arrivare al vostro timpano? Gli M83 evidentemente si e ne hanno costruito da sempre la sinfonia ideale. Già da tempo orientati verso sonorità musicali ben lontane dagli esordi più terrestri e shoegaze, i francesi, o per meglio dire Anthony Gonzales, mente ed artefice del progetto, si riscopre e si riinventa amplificando una portata sonora che raggiunge in questo nuovo lavoro picchi trascendenti lo spazio. Saturdays=Youth è solo un ricordo, le atmosfere circolari ed annacquate vengono così dismesse in favore di un roboante sferraglio elettronico che esalta viaggi interplanetari, vette stellari e si dissemina in questo doppio disco in scontri e balli fra nebulose perdute.

A volte si rischia di essere noiosi e flebili, di cercare apici che risultano invece essere vaporosi e poco concreti. Eppure, questo doppio disco dimostra che appena pensi che tali obiettivi siano fugaci e inconsistenti, che sono come l'acqua nebulizzata le cui gocce si mischiano nell'aria, succede che all'immanenza dell'evaporabile senso di fare musica vengano aggiunti sostanza, materia e stratificazione. Ne nasce Hurry Up, We're Dreaming, sesto album del francese, che tenta di abbattere questo muro di preclusioni e sfondare contro un'esosfera che gli appartiene. Intro è sulla rampa di lancio, Zola Jesus qua è copilota, ma ci abbandonerà presto. L'adrenalina sale copiosa - è normale, il viaggio sarà piuttosto lungo - ma la navicella è pronta, noi siamo pronti e il countdown è quasi scoccato. L'intero viaggio spaziale è disseminato da roboanti tappe che si perdono tra l'oscurità di una dismessa atmosfera terrestre (Midnight City) e sostrati epici di sferragli (Claudia Lewis). Se il silenzio dovrebbe essere la risposta più logica a queste incursioni galattiche, le sinfonie si fanno al contrario di volta in volta più vive e pulsanti travolgendo il nostro timpano in anfetaminici beat futuristici. "You came out of nowhere / Stealing my heart and brain / Flaming my every cell / You make me feel myself" e a quel senso di solitudine che ci incatenava in una terra apatica si frappone in risposta una ritrovata sicurezza di sé: è Reunion. Cavalcate sintetiche si alternano a giochi fluorescenti di stelle, mentre aspettiamo il nostro Treno per Plutone e divaghiamo fra storie psichedeliche di rane allucinogene (Raconte-Moi Une Histoire). Sono colori intermittenti, è pazzia, è sperimentazione è liberarsi dalle catene e spiccare il volo, è il nostro mondo.

Agglomerati interstellari di polvere, catene di stelle, pioggie meteoritiche, costellazioni: non esisterebbe neanche il tempo per viaggiare nell'universo percorribile né tanto meno assimilare le immagini oniriche che ci propone, che il nostro viaggio come buona parte delle cose deve avere tristemente un punto di ritorno (When Will You Come Home) e ne consegue inevitabilmente l'arrendersi all'immensità visionaria celeste imboccando la via di casa (Soon, My Friend). My Tears Are Becoming A Sea imposta in questo senso un grido lacerante che rischia di echeggiare e scomparire nell'intramontabile luminosità delle supernova. Sia il viaggio di andata che quello di ritorno, caratterizzati dai due dischi, possono essere visti in modo speculare, così come buona parte delle tappe che abbiamo percorso; entrambi partono per un certo verso in sordina tra aria rarefatta e backing vocale sussurrati ed esplodono di grado in propulsioni gravitazionali già al secondo pezzo (New Map, qua). Ma se il viaggio d'andata è un simulacro di scoperte, quello di ritorno è un bagaglio di esperienze. La traversate di ritorno è sempre arricchita da qualcosa di nuovo, emozioni, avventure, incontri, Gonzales li trasfigura qua in caleidoscopiche sperimentazione tra downbeat di Ok Pal, ascese selvifiche di Splendor, le muraglie sintetiche di Year One, One UFO, tappeti psichedelici di Echoes of Mine o i tribalismi di Klause I Love You.

Insomma in questo viaggio c'è di tutto e si sviluppa in tutto, tempo e spazio. Il simpatico Gonzales dimostra ancora una volta la sua bravura nel guidare navicelle spaziali ed accompagnarci nei meandri più giocosi e cupi del cosmo, districandosi egregiamente tra tempeste meteoritiche e momenti d'austera ammirazione di crociera. Cosa ci rimane alla fine? Visioni, emozioni, vertigini e se queste non bastassero ad impreziosire le vostre notti, beh, potete anche svegliarvi e credere che sia stato solo un sogno. Anche se ve lo devo dire, Gonzales scherzava. E' tutto reale!

Conatus

Vincenzo Ticli — Wed, 12 Oct 2011 16:30:30 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Synth Pop

Dark Wave

Etichetta:

Sacred Bones

Anno:

2011

Line-Up:

NIka Roza Danilova - vocals, producer
Brian Foote - engineer, producer
Davery Riley - engineer
Nick Johnson - drum
Sean McCann - viola, violin
Ryan York - cello, double bass

Tracklist:

1. Swords
2. Avalanche
3. Vessel
4. Hikikomori
5. Ixode
6. Seekir
7. In Your Nature
8. Lick the Palm of the Burning Handshake
9. Shivers
10. Skin
11. Collapse

Zola Jesus

Conatus

Al suo terzo lavoro, il talento di Zola Jesus è ormai confermato: è giovane, Nika Roza, ma realizzando tre album nel giro di tre anni è riucita a delineare un genere non nuovo, ma certamente originale. Soprattutto il nuovissimo Conatus, alleggerendo l'aria gotica che sin dall'inizio circonda i suoi lavori, smorza i toni affidandosi alla vena 90's e lo-fi condivisa da molti altri artisti contemporanei, pur mantenendo quel tocco in più che rende inequivocabilmente suoi tutti (o quasi) i pezzi che compone.

Conatus è un album dalle poche melodie semplici e dai ritmi complessi e costanti. Le prime canzoni creano un'opprimente atmosfera nebulosa, un'aura adesiva che si attacca ai timpani e che sostiene un cantato austero e imponente. Dopo l'introduzione pulsante e ventosa di Swords, tocca ad Avalanche essere il primo pezzo ad incarnare il consueto goticismo di Zola Jesus: tre note di inquieti archi sintetici si susseguono con minime variazioni per tutta la sua durata, accompagnate da sussulti elettronici fitti e da una linea vocale ampia, semplice e glaciale nelle sue improvvise strozzature gutturali. Vessel e Hikikomori sono le vette dell'album: la prima trascinante nei suoi beats cadenzati e nella scarna melodia per pianoforte e lame di sintetizzatore, la seconda, al contrario, impreziosita da complicate melodie di archi e tastiere, dissonanti sorelle che si intrecciano su ritmi discreti e profondi bassi implacabili. In entrambe, a spiccare è la voce di Zola Jesus: ferma, lugubre, si abbandona a saliscendi che trasudano un trasporto capace quasi di sciogliere il ghiaccio che, ascoltando queste canzoni, sembra respirabile. Ixode, a metà tra dance e techno, accusa un po' il colpo della ripetitività ma resta evocativa.
Improvvisamente, le nubi si dissolvono e il livore lascia spazio ad una luce tenue, una malinconia sfilacciata e diluita su pezzi che si aprono maggiormente a contaminazioni di vario genere: c'è Seekir, ritmata e rischiarata da tastiere dense e intarsi vocali, c'è Shivers, retta su complicati pattern di percussioni di chiaro stampo glitch che concretizzano evanescenti tocchi di tastiera. Affidati al pianoforte sono l'intimismo delicato di Skin e Lick the Palm of the Burning Handshake, un appassionato brano dal taglio quasi soul, diviso tra la dolcezza intensa delle melodie e la spigolosità dei colpi di frusta che tengono il ritmo.

E' sempre più chiaro che a fare la fortuna di Zola Jesus è proprio la sua consapevolezza del mondo artistico in cui è nata ed il desiderio di distinguersi senza volersene completamente distaccare. Il suo è un semplice synthpop evocativo e vibrante ma dotato di una cupezza ed essenzialità affine a quella dei Cure del primo periodo, ed è proprio questo il carattere di novità che rende inconfondibile la sua musica. In Conatus sono presenti anche tracce di altri generi musicali che se, da una parte, consentono finalmente alla musica di Zola Jesus di aprirsi ad un pubblico più ampio rispetto a quello del circuito più indipendente, dall'altra rischiano di spersonalizzarla: per dirne una, Skin sembra a tutti gli effetti una canzone della contemporanea Bat for Lashes, e Seekir potrebbe benissimo essere un pezzo del nuovo progetto di Jonna Lee, la misteriosa Iamamiwhoami.

Al di là di tutto, Conatus è un prodotto interessante che dimostra che quello di Nika Roza, alias Zola Jesus, è un talento autentico.

Nuovi Rimedi per la Miopia

Gabriele Bartolini — Mon, 10 Oct 2011 19:07:16 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Synth Pop

Etichetta:

Universal Music Italy

Anno:

2011

Line-Up:

-Cristian Bugatti - Composizione musiche, testi

Tracklist:

01. Non Ho Tempo
02. E Ora Respiro
03. I Miei Occhi Vedono
04. Mattino
05. Il Sangue Mi Fa Vento
06. La Salita
07. In Pieno Stile 2000
08. Comunque Io Voglio Te
09. Lamentazione nr. 322
10. Città Cadavere

Bugo

Nuovi Rimedi per la Miopia

Dopo ben tre anni Bugo decide di tornare alla base, mostrandosi cinico e spietato nel proporre lo stesso spirito da musicista affermato, ormai maturo, che aveva lasciato perplessi gli afecionados. Passata la sbornia per i meriti conseguiti in ambiti extra-musicali quali quelli delle arti visive ( video arte e installazione i temi su cui il Nostro si è dimostrato più sciolto) e quelli cinematografici ( recitazione e soundtrack per il film Missione Di Pace), Cristian Bugatti scioglie finalmente le riserve per questo ottavo album lanciando sul mercato Nuovi Rimedi per la Miopia, atto teso come non mai ad incasellare il nuovo percorso dell' artista di Trecate. Contatti non era un miraggio e quindi i fan sfegatati del primo folle Bugo folk-blues possono anche riporre le loro speranze nei cassetti, o almeno in un posto dove possano essere contenute a lungo. Sì, perché Nuovi Rimedi per la Miopia si sbarazza definitivamente di quell' eterno secondo capace di dischi del calibro di Dal lofai al cisei buono solo per animare le leggende metropolitane, o underground che dir si voglia. Stavolta è l' esatto contrario, e non è proprio il caso di tirare fuori le solite storielle in cui il musicista diventa buisinessman: Bugo, semplicemente, si prende gioco di chi non considerava seria e di alta qualità la sua musica, ovvero di quelli che, pur non disprezzandolo, si facevano scappare un sogghigno ironico ogni qual volta sentivano tirato in ballo il personaggio. Adesso, per l' appunto, è lui a ridere dietro le quinte immaginandosi le facce indignate degli indie di vecchia e nuova generazione di fronte a tanta rigidità di registri o ad un temperamento fin troppo nella norma.

Nuovi Rimedi per la Miopia si divora tutto quanto fatto in passato, configurandosi non solo come il disco pop di Bugo ma come primo di una lunga serie di uscite improntate su di un simil target. La genuinità e la naturalezza fanno spazio a sfarzose sezioni musicali replicanti i ritmi dance dell' ultimo lavoro, qui rivomitate in modo da presentarsi ancora più impalpabili di prima. Pronto per entrare nell' heavy rotation di qualche anoressica frequenza radiofonica, l' album non da meno è costruito per trovare una proprio dimensione anche nell' ambiente della sempreverde disco, interponendosi a metà strada tra il suo tipico folk-rock Beckiano ed un certo sintetismo molto in voga. Pop moderno in cui non a caso possiamo scorgere al timone due professionisti della hit da alta classifica come Saverio Lanza e Carlo Alberto Dall' Amico, capaci soprattutto nella non facile impresa di trasformare il Bugatti in una versione novellina dei vari Rossi, Antonacci e Grignani. Ecco che allora appare naturale questa inedita attitudine della continua ricerca dell' eccessivismo melodico senza alcun gusto, come vuole il genere: pop, rock, elettro, basta che ci si diverta. L' impronta stilistica del Bugo di una volta viene sbattuta sui nuovi futili connotati, schernita e lasciata lì a meditare mentre tutt' intorno quelli del Giro Giusto ballano e si sballano grazie a queste nuove dieci tracce, cariche di una finta enfasi e stracolme di jingle sonori da fischiettare allo stadio durante l' intervallo della partita. Proprio qui incredibilmente il Bugo di nuova generazione trova una seconda vita fatta di anthem incolori e scelte simpaticamente ruffiane, eleggendosi inevitabilmente come cantore di ciò che è il pop nostrano oggi.

Brani come Non Ho Tempo o In Pieno Stile 2000 fortificano sensibilmente l' immaginario dell' artista dalle soluzioni semplici, con le loro uscite frettolose quanto eccessivamente rimbombanti dietro i mixer, ma l' inconsistenza su cui si basa il corso appena iniziato vede il perfetto concepimento non senza l' aiuto di vocalizzi buttati lì per fare l' alternativo ( E Ora Respiro) o l' abbattimento dello status di cantautore grazie a veri e propri versi intrisi di mediocrità ( Comunque Io Voglio Te). Di effetto la grinta dei pezzi tipici, infarcite anch' esse da lussuose parti orchestrali, che vedono il massimo punto espressivo in La Salita, capace di contrapporsi abilmente alle dipartite tiepide e ragionate ( Il Sangue Mi fa Vento) così, tanto per fornire continue alternative e soddisfare più orecchi possibili. L' esempio per così dire lampante di ciò che è Bugo oggi viene però dato dal primo singolo estratto, utilizzato pure come colonna sonora del film precedentemente nominato che uscirà a breve, I Miei Occhi Vedono: un vero e proprio inno agli straripanti sinfonismi ed ai contenuti carenti e privi di alcun significato.

In questo gioco di distruzioni e scomposizioni, molti si dissociano ed i protagonisti, aldilà del risultato, lucrano. Il processo all' inverso di Bugo prevede in particolar modo la standardizzazione degli elementi caratterizzanti il percorso dell' artista piemontese, con la conseguente perdita dell' elemento caratterizzante, quella scheggia impazzita che animava le sue opere sempre imprevedibili quanto particolari. Nuovi Rimedi per la Miopia è invece indiscutibilmente un disco piatto, capace solamente di portare su livelli commerciali il precedente Contatti nonché di provocare un senso di apatia generale che ben si sposa con i dettami del prodotto a tavolino tanto amato dal più distratto degli ascoltatori. Bugo oggi può essere capito e sopportato da praticamente chiunque, e questo è in definitiva il suo male peggiore. Molti non se ne sono accorti, ma per concludere la sua ottava salita è pure sceso molte volte dalla sua bici.

In Heaven

Gabriele Bartolini — Fri, 07 Oct 2011 17:27:56 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Dream Pop

Etichetta:

Domino

Anno:

2011

Line-Up:

-Gabe D'Amico - Basso
-Eric Cardona - Chitarra, voce
-Andrea Estella - Voce
-Dev Gupta - Tastiere
-Bryan Ujueta - Batteria

Tracklist:

01. Daniel
02. Stop
03. Bad Street
04. Space Babe
05. Kimmi In a Rice Field
06. Luna’s Theme
07. Spain
08. Gene Ciampi
09. Saturday Sunday
10. Eastern Green

Twin Sister

In Heaven

I Twin Sister sono un sestetto proveniente da Long Island, in America, che fin dalle sue prime apparizioni nei palcoscenici importanti e non ha saputo contraddistinguersi per la spiccata vena sperimentale, oltre che per le capacità vocali della frontman Andrea Estella sicuramente fuori dal comune. Le loro produzioni discografiche si muovevano infatti in questo senso, ovvero valorizzando appieno la notevole capacità di interporre la castità di certe parti vocali con temi elettronici dream pop conosciuti dai più per mezzo dei cataloghi di Galaxie 500 e Cocteau Twins. Interessante fu poi osservare come il trend che vuole vedere una band dalle trame complesse riscuotere successo di fronte a platee non proprio così cerebrali come quelle indie venne confermato anche in questa occasione, ed in particolare con il secondo EP Color Your Life, edito nel marzo del duemiladieci per la Infinite Best. Composto da sei tracce per una durata totale di ben trenta minuti, l' uscita in questione riuscì ad ottenere persino il favore della stampa per i suoi spericolati riferimenti alla psichedelia slowcore precedentemente accennata ( culminante con il tributo Galaxy Plateau) ed alcune buone sortite di electro-pop che con una buona dose di ruffianaggine sapeva stringere la mano alla fervente chillwave.

Per la prima assoluta sulla lunga distanza, i Nostri decidono purtroppo di muoversi nella direzione di queste ultime melodie più facili ed altrettanto efficaci, improntando ogni traccia su un pop-rock fresco mediante un gusto minimale ancora più deciso, se possibile. L' incontro con la Domino li obbliga a compattare gli schemi e rendere maggiormente densa la qualità del suono, che fino ad ora si era positivamente contraddistinto per una continua e maniacale ricerca dell' imperfezione da demo, e ciò, sommato alla via intrapresa a livello di genere, li spinge inesorabilmente verso una forma di indie-pop, o meglio lounge-pop velato, tanto cara agli Stereolab. In Heaven, altresì, è un dischetto di limpide orchestrazioni pop che non mancherà di aggradare chi qualche mese fa ha consumato Rome di Danger Mouse e Daniele Luppi, di cui possiamo rintracciare molti passi sapientemente virati con gusto synth-pop e rallentati a dovere in maniera tale da risultare dreamy al punto giusto. Rispetto all' EP apripista Color Your Life, molti dei connotati sono rimasti immutati - A partire da certi sfondi atmosferici per concludere con l' attività di scrittura - ma paradossalmente ciò di cui è carente il disco sono le belle suite che avevano dato al nome Twin Sister un' aurea di esclusivo interesse. Fattore che penalizza e non poco In Heaven, che con i suoi numerosi mid-tempi adesso si limita a produrre soltanto buoni ritmi per i testi, sfumandosi proprio quando dovrebbero iniziare le parti improvvisative, da sempre loro punto forte.

Nonostante questo, molti sono i pezzi in cui si riesce a replicare l' enfasi emotiva delle prime uscite: sopra tutti Gene Ciampi, influenzata senza dubbio dalle composizioni di Ennio Morricone ( così come Spain), ma tra le altre Stop e Bad Street, provenienti dal mondo dell' hip-hop, non deludono affatto. In Saturday Sunday quando non si fermano ad ammiccarsi nell' elettronica sembrano quasi i Blonde Redhead ed anche Daniel, per quanto nulla di complicato, riesce a fluttuare nella sua languida armonia da Beach House. Luna's Theme esagera con i vocalizzi, come successo dalle sue fonti dirette Dirty Projectors e Björk, mentre
Kimmi In a Rice Field soffre del vizio contrario, peccando di giri eccessivamente stralunati ed ossessivi. Un plauso infine a Eastern Green, unica canzone cantata da Eric Cardona, che proprio in chiusura ha il pregio di riassumere le migliori parti espressive di In Heaven mediante spleen melanconici ed una massiccia dose di tastiere degli eighties, rinnovando anche per questo il paragone con l' elettronica sfornata dal credo DIY.

La sensazione che si ha durante l' ascolto di In Heaven è sì quella di assistere ad un lavoro pregevole ed omogeneo per intensità ed idee, ma è allo stesso tempo innegabile che dai Twin Sister ci si doveva aspettare molto di più. Aldilà di ogni dettaglio, per quanto importante, la strada scelta dal sestetto di Long Island si è soffermata ad oggi nella ripetizione di certe formulette synth-pop che negli anni addietro costituivano la scorciatoia più semplice per arrivare al successo. Adesso i risultati finali non saranno certamente replicabili anche per questioni di etichette, ma è indubbio che per il gruppo In Heaven possa rappresentare in breve tempo il paradiso all' improvviso.

Portamento

Gabriele Bartolini — Tue, 20 Sep 2011 14:23:12 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Etichetta:

Island

Anno:

2011

Line-Up:

-Jonathan Pierce - Voce, tastiere
-Jacob Graham - Synth
-Connor Hanwick - Batteria, chitarra
-Myles Matheny - Chitarra, basso
-Chris Stein - Batteria

Tracklist:

01. Book Of Revelation
02. Days
03. What You Were
04. Money
05. Hard To Love
06. I Don't Know How To Love
07. Searching For Heaven
08. Please Don t Leave
09. If He Likes It Let Him Do It
10. I Need A Doctor
11. In The Cold
12. How It Ended

Drums, The

Portamento

Che il Dio dell' hype sia bendato come sua sorella Fortuna oramai non è più un mistero, ma perché in quel sette giugno di un anno fa abbia deciso di colpire un gruppo come i Drums è ancora affare noto a pochi. Non che il resto dell' indie-rock se la stesse passando bene, attenzione, ma semplicemente mi sono ignote le cause secondo la quale una band che fin da subito si autodefinisce spensierata e simpaticamente copiona di idee altrui finì per ritrovarsi in cima alla lista di gran parte delle classifiche riguardanti la musica indipendente. Oltre alle parole degli stessi, anche la musica non lasciava intravedere forse nemmeno mezzo spiraglio del successo che avrà nell' arco di pochi giorni l' esordio omonimo ed in particolare il videoclip di Let's Go Surfing: mediante evidentissimi rimandi agli Smiths ed alla new wave più affezionata alle tastiere, i Nostri solevano infatti esternare unicamente la loro volontà di suonare un pop cristallino e sentimentale carico di synth, che li porterà ad essere avvicinati più volte alle Shangri-Las, autrici di due album negli anni sessanta ( qualcuno ricorderà la celebre Shout) e capaci, proprio come le quattro batterie di New York, di ritornelli potenti ed efficaci.

Paragone che perdura, o meglio si rafforza, anche in occasione del loro secondo album, Portamento, edito per la Island records, finendo addirittura per essere perseguito dagli stessi Drums, costretti a cambiare line-up a causa della decisione di Adam Kessler di dedicarsi ad una vita di campagna autosufficiente. La struttura compositiva, sebbene in totale il gruppo possa vantare adesso un elemento in più, diventa piuttosto scarna, coadiuvata in maniera massiccia dai soli synth ( qui manipolati dall' ex-chitarrista Jacob Graham) che stavolta costituiscono la base di ogni brano, mentre gli accenni di imperfezione lo-fi dettati dal post-punk qui scompaiono definitivamente, riservando la scena esclusivamente ai tormenti vocali tipici della ventata new romantics degli eighties di Jonathan Pierce. Altro concetto importante da introdurre è quello della coralità di elementi, che contribuiscono ad incasellare i Drums come pop band dai concreti rimandi al surf-rock dei Beach Boys, ancora però fin troppo acerba per essere capace di un disco che si sappia elevare in tale genere. Cosicché se presi singolarmente i dodici pezzi si fanno apprezzare per l' effettiva semplicità portata dalle dodici corde di una chitarra e per la fruibilità di chi sa comporre testi scazzati ed affabili, ma nel complesso di un album qual'è Portamento le trame si dimostrano similari l' una dall' altra, tanto da essere facilmente confondibili per gli stilemi troppo omogenei e ripetitivi. Le prime sei tracce non a caso si dimostreranno ottimamente orchestrate e veramente godibili, mentre nelle restanti sei l' ensemble sarà costretto agli artefici più obsoleti pur di cercare di cambiare le carte in tavola. Da citare senza dubbio le più spigliate Book of Revelation, giocata sulle melodie che erano dei Cure, il lirismo assomigliante al Morrissey di Your Arsenal in What You Were, le scaglie di C86 di Money ed infine la "moderna" Hard To Love. La restante parte, come già annunciato, sarà altrettanto letale per le sorti del disco, da qui in poi incredibilmente carente di spunti originali nonché all' apparenza spento e letteralmente impalpabile. Le basi elettroniche che in apertura avevano fatto la fortuna della gran parte delle tracce adesso vengono adottati per dilatare le atmosfere producendo proprio per questo motivo minuti di puro assopimento. Emblema della differenza che intercorre tra questi due fittizzi lati è Searching for Heaven, un pianto a cascata di synth melanconici che suona più che altro come un tributo agli ultimi Coldplay, ma anche la flemmatica I Need a Doctor e la stonata In The Cold possono essere inquadrate come simbolo di tale carenza ispirativa.

Il ritorno dei Drums, purtroppo, si perde stavolta già a metà disco, peccando di un inspiegabile assenteismo proprio quando il prodotto appareva oramai finito e soddisfacente. Dei giri accativanti quanto elementari quelli di tracce come Days o I Don't Know How to Love che avevano portato a considerare gli autori di Portamento finalmente a delle vere e potenziali next big thing, ma che in realtà verranno spazzati via in un istante dall' atteggiamento nichilista e rinunciatario con cui i cinque affronteranno la parte finale. Un peccato, perché il talento compositivo esternato da quel lampo di luce che è l' EP Summertime! sembrava essersi rianimato nello spirito dei Drums, che adesso si trovano a fare i conti con un disco incompiuto. Il secondo, per la precisione.