Stoner

Earth Rocker

Matthias Stepancich — Tue, 24 Sep 2013 22:49:55 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Stoner

Hard Rock

Etichetta:

Weathermaker Music

Anno:

2013

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Neil Fallon - vocals, guitar, harmonica, additional percussion
Jean-Paul Gaster - drums and percussion
Dan Maines - bass guitar
Tim Sult - guitars

Tracklist:

1. Earth Rocker - 3:31
2. Crucial Velocity - 3:59
3. Mr. Freedom - 2:43
4. D.C. Sound Attack! - 4:37
5. Unto the Breach - 3:29
6. Gone Cold - 4:20
7. The Face - 4:22
8. Book, Saddle, & Go - 3:43
9. Cyborg Bette - 3:13
10. Oh, Isabella - 5:17
11. The Wolf Man Kindly Requests… - 5:02

Clutch

Earth Rocker

Passati i vent’anni d’attività non-stop, il quartetto del Maryland sembra non presentare alcun segno d’invecchiamento né voglia di riposarsi. Il decimo album in studio, Earth Rocker, è anzi un passo avanti in ferocia e tiraggio rispetto al (valido) precedente Strange Cousins from the West, del 2009.

Aperto dalla title-track, è già da subito un manifesto del credo esistenziale dei Clutch, e di cosa significhi vivere, suonare, respirare lo spirito del rock: “What’s this about limits? Sorry, I don’t know none [...] If you’re gonna do it, you better take it to the stage, or don’t do it at all [...] I will suffer no evil: my guitar will guide me through“; il chorus, con i suoi vocalizzi voodoo, è un esplicito omaggio a Screamin’ Jay Hawkins, mentre le parole forse più d’effetto e rappresentative dell’intero album arrivano dopo il secondo chorus, urlate dalla sempre incredibile voce di Neil Fallon su di un muro sonoro di chitarre e basso ultradistorti (“I don’t need your sticky laminate, I don’t need your VIP. I don’t need your validation, ’cause I wear mine on my sleeve. / So don’t look to me for answers, ’cause I don’t got-a-one. I just came to have a good time, and I’m gonna have one. / Yes, I’ve lost many battles, and even more days. But if I had to do it over, I’d do it just the same“).
Le armoniche e le tinte blues che avevano trionfato su From Beale Street to Oblivion (2007) tornano qui, in un travolgente hook, solo su D.C. Sound Attack! (dominata alle pelli dal tocco bonhamiano del professionale e sottovalutato Jean-Paul Gaster), ma i momenti epici, trainati da melodie vocali e riff memorabili, ci sono e si avvicinano senza problemi a quei fasti, e, seppur in modo più diretto ed essenziale, brillano nelle varie Crucial Velocity (con una citazione di Rocket 88, la canzone del 1951 tradizionalmente considerata la prima registrazione rock’n'roll), Mr. Freedom, Unto the Breach (col riff più tagliente di Tim Sult), Cyborg Bette, The Face, e Oh, Isabella; la necessaria e ben riuscita variazione di Gone Cold è guidata invece da chitarra acustica e classica in stile western-morriconiano, basso languido, e da un cavernoso crooning di Fallon che poi va a ricordare il miglior Mike Patton nel chorus.

In mancanza di miglior definizione, anche stavolta si può parlare di un moderno e peculiare stoner, sebbene manchino totalmente (ed ora più che mai) delle influenze psichedeliche: il centro vitale del Clutch-sound è costituito da un assorbimento di tonnellate di classici del rock’n'roll, dell’hard rock più classico (Led Zeppelin, Thin Lizzy, AC/DC), southern (ZZ Top) e blues-prog (Captain Beyond), intinto nell’alternative metal di inizio anni ’90, e, qui in particolar modo, attento allievo delle modalità con cui i Motörhead hanno saputo dare una tinta più feroce al proprio stile nel trittico Inferno, Kiss of Death e Motörizer, e forse anche allo stile più pestato, diretto e senza fronzoli adottato dai “colleghi” Fu Manchu in Start the Machine e We Must Obey.

La produzione è più compatta e ricca di bassi, merito della mano di Machine; è sintomatico che i Clutch abbiano richiamato il producer di Blast Tyrant (2004), visto che Earth Rocker sembra riprenderne il discorso sotto vari aspetti, tornando a bordate più aggressive, massicce e terra-terra, allontanandosi da, ma allo stesso incorporando in piccoli momenti, sia l’immersione nel blues di From Beale Street to Oblivion, sia il più moderato e “maturato” Strange Cousins from the West; rispetto a ques’ultimo, i pezzi sono più semplicistici ed essenziali nella struttura e nell’esecuzione, ma probabilmente l’efficacia delle melodie, del sound (corposo, feroce, definito) e della schiettezza generale gli pone Earth Rocker un gradino sopra.
Pochi avrebbero scommesso su di un riuscito ritorno allo stile di Blast Tyrant dopo una progressiva deviazione da esso e parecchi anni in più sul groppone, ma i Clutch ci sono riusciti in modo conciso e soddisfacente.

Un piccolo, grande disco di puro rock "terreno", che conferma ancora una volta la possibilità di poter guardare alla tradizione rock, blues e hard rock in maniera né nostalgica né passatista, ma invece costruendovi sopra tirando fuori una formula esplosiva, personale e moderna. Speriamo che le attuali generazioni ne prendano il più possibile esempio.

Anuseye

Giulio Magliulo — Tue, 01 Nov 2011 17:24:03 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Stoner

Hard Rock

Grunge

Etichetta:

Interbang

Anno:

2011

Line-Up:

Claudio Colaianni (chitarre, vocals)

Luca Stero (chitarre)

Michele Valla (basso)

Antonello Carrante (batteria)

Tracklist:

Side A

01. The Girl At The Corner Of My Heart 3:50

02. Head 3:34

03. Au Dela Du Ciel 5:01

04. Voodoo Lesson #1 2:46

05. All Is In Your Eyes 9:50

Side B

06. Fine Needle 3:55

07. Still 4:15

08. The Betryal 3:27

09. Song For The Trees 4:41

10. Primary Love Blues 5:43

Anuseye

Vent'anni fa furono i That's All Folks, seminale cult band barese a lasciarci intendere che anche noi potevamo dire la nostra in termini di rock and roll. Il termine 'stoner' ancora non lo avevamo mai sentito che i That's All Folks lo avevano già superato con la loro mistura psicotropa a base di hard-rock blueseggiante e psichedelia garage.

Non è possibile ora ricostruire analiticamente la loro carriera perchè è giusto lasciare spazio alla nuova creatura Anuseye, ma pochi semi gettati lì a caso - Nebula, Nasoni Records, Beard of Stars, Sun Dial, Malleus - basteranno a far germinare lussureggianti piante allucinogene nel vostro giardino.

Gli Anuseye nascono da una costola di quei That's All Folks e son qui per illuderci – con somma gioia ed al contempo con una vena di amarezza - del ritorno di certo rock in Italia.

Tempi di batteria secchi e squadrati; riffs stoogesiani drammatici, avviluppati in soliste serpentine, ossessive nella loro simmetricità; voce fredda, utilizzata per affrancarsi dalla stessa noia bipolare che affliggeva l'iguana e che nasce da quello stesso substrato emotivo riletto sotto la luce più moderna del grunge psicotico dei '90 degli Skin Yard, dei My Sister's Machine e – definitivamente – del post-metal dei Tool.

Intro acustiche e ipnotiche per ballate malsane, arpeggi che lasciano le dita sporche ed odorose, smarriti in un sogno 'garage' multicolor che culmina nel nero più nero; contemplazioni acido-psichedeliche su una mappa della California incisa su lastra di metallo; anatemi di proto-punk votato ai culti più oscuri delle musiche heavy degli ultimi 40 anni.

Scosse violente interrotte da pause riflessive di voci filtrate, trame circolari e wah hendrixiani collocati su possenti muri chitarristici di calde vibrazioni valvolari; poi la fuga verso lo stesso deserto mentale dei fratelli di fede Fu Manchu ed Atomic Bitchwax ed un veloce ritorno al chaos urbano tutto neon ed eroina dei fratelli Asheton (per gli orecchi più fini anche un bellissimo richiamo ai mai troppo incensati The Bags di Chicago).

Fino ad oggi pochi son riusciti ad esprimere con convinzione quel 'missing link' tra grunge e stoner (gli statunitensi Abdullah si sono avvicinati abbastanza, ma la loro bilancia pendeva troppo vistosamente verso gliAlice In Chains); gli Anuseye non solo ci riescono pienamente, ma, come in passato con i T.A.F., superano questo traguardo andando ad inglobare nel loro suono tutta una serie di ricordi garage ed underground dei decenni passati che riusciranno finalmente a colmare spazi vuoti ed inguardabili nello scaffale "rock italiano altro", quello in cui coesistono Not Moving ed Ufomammut come se in mezzo non ci fosse stato altro.

Rispolverate quindi il piatto dell'hi-fi per questi 180 gr. di spesso vinile, bellissimo anche nella grafica dell'artista Gurnari: Interbangs non sbaglia un colpo!

Heavy Rocks

Paolo Bellipanni — Wed, 08 Jun 2011 10:55:45 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Stoner

Etichetta:

Sargent House

Anno:

2011

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

- Takeshi - chitarra, basso
- Wata - voce, chitarra
- Atsuo - batteria

Tracklist:

1. Riot Sugar
2. Leak -Truth,yesnoyesnoyes-
3. Galaxians
4. Jackson Head
5. Missing Pieces
6. Key
7. Window Shopping
8. Tu, la la
9. Aileron
10. Czechoslovakia

Boris

Heavy Rocks

La trilogia più pazza dell’anno (anche se in realtà è durata appena 3 mesi) si è finalmente chiusa. Dopo lo shock psichedelico dell’acclamato New Album, i Boris danno alle stampe gli ultimi due full-lenght da tempo annunciati e in cantiere, ponendo di fatto fine ad un trittico insano e geniale. Tre album basati su un continuo intersecarsi di frammenti, sul ritorno ciclico di reminiscenze in perenne trasformazione che, di fatto, vanno a costruire un invisibile filo conduttore tra le opere, ognuna delle quali riprende e riarrangia brani dell’altra.

Il nuovo Heavy Rocks altro non è se non l’elevazione strumentale e lo sviluppo compositivo più moderno dell’omonimo disco del 2002; se il primo era lento, scarnificato e psichedelico, il suo successore è più duro, più graffiante, più heavy. Un’evoluzione percepibile sin dalla copertina, il cui arancione originale viene qui trasformato in un viola denso e pesante. Il richiamo è tematico e ovviamente stilistico: a guidare le legioni strumentali dei nipponici è di nuovo lo stoner nella sua natura più radicale, qui evocata da un sound roccioso ma dagli effetti lisergici (Leak –Truth, Yesnoyesnoyes), pesante ma meno contaminata rispetto alle follie sperimentali di Smile (2008).

Quando il disco muove i suoi primi passi, si incomincia a percepire la sostanza di cui è brutalmente composto Heavy Rocks. E’ Riot Sugar, grande maledizione stoner/doom in pieno Boris old style: chitarroni iper-distorti, atmosfere da deserto mentale post-acidi, ritmi cadenzati, voci demoniache e sensuali. Come anche nelle ultime uscite, a colpire è innanzitutto la massiccia dose di melodia inserita endovena dai Boris nelle loro creazioni: pur snodandosi in territori musicali più duri e hard, anche Heavy Rocks si fonda su un gusto melodico molto accentuato, spesso portato addirittura fin nei suoi lidi più intimi e malinconici (la lunghissima Missing Piecese, di contro, la breve Key). I migliori episodi coincidono con i momenti in cui Boris approfondiscono questa radicale ricerca di distorsioni corrosive e melodie inaspettate lungo percorsi dal minutaggio più elevato: prima la già citata Missing Pieces (avvolgente, dall’atmosfera malinconica ma dura: la più straziante “ballata” stoner/doom della storia), poi l’altrettanto lunga Aileron, più tesa e inquieta ma dal taglio più solenne rispetto all’altro colosso.

A deludere leggermente sono solo le cover dei due brani di New Album, le quali perdono molto spessore nella loro versione stoner: il beat EBM di Jackson Head si trasforma in una marcia elettrica rocciosa e declamatoria, mentre Tu, la la (tra i capolavori del precedente disco) appare completamente svuotata del suo fattore onirico e atmosferico, rimanendo così orfana dei suoi migliori pattern strumentali. Nonostante abbiano ultimamente intrapreso un percorso di ricerca estremamente poliedrico e sperimentale, quando c’è da fare headbanging e da mandare a fanculo il resto del mondo, i Boris si dimostrano ancora una volta dei maestri: ne sono vivaci testimonianze lo stoner-punk di Window Shopping, la follia rumoristica di Czechoslovakia e l’hardcore maledettamente roccioso di Galaxians, peraltro pervaso da un afflato quasi misticheggiante (i vocalismi sommessi che ne accompagnano la strofa principale).

Il violento ritorno dei Boris allo stoner non va inteso come un semplice dietrofront ma piuttosto come rievocazione di un passato fondamentale che è parte integrante dei nuovi Boris. Accanto alla psichedelia di New Album e ai toni criptici di Attention Please, Heavy Rocks rappresenta il cuore più duro, sabbioso e distorto del combo nipponico, chiudendo di fatto un cerchio stilistico e tematico che in poco più di 5 mesi ha già creato scalpore. Un gruppo infinito.

Failing

Giulio Magliulo — Wed, 19 Nov 2014 19:46:03 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Stoner

Hard Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2014

Line-Up:

Ferdinando 'Nando' Puocci: voce, chitarra

Bartolomeo 'Oreste' D'Angelo: synths

Luciano Corvino: basso

Costantino Oliva: batteria

Tracklist:

1. Failing

2. Raise Your Hands

3. Down From A Mountain

4. We Wanna Know

5. Don't Anyone

Miriam in Siberia

Failing

Per non farci fuorviare dai nomi diciamo subito che i Miriam In Siberia non fanno new-wave e vengono da quella parte di provincia casertana che è già Napoli.

Benchè questo Failing sia il loro terzo album, il loro nome ci era del tutto sconosciuto.

Mettendoci sulle loro tracce per capire com'è che una band dal nome così freddo, proveniente da una zona così calda suoni un rock così bollente, scopriamo che questo prodotto è il frutto di una sicura evoluzione e non avendo modo di sapere com'erano prima, al di là delle descrizioni che si possono leggere, ci siamo affidati a Spotify ed abbiamo trovato due brani all'interno di compilation relative ad un paio di edizioni dell'Atellana Festival.

Ci esimiamo dal giudizio su quei lavori poiché non è questa la sede deputata ed anche perché un eventuale opinione non potrebbe che essere ingiustamente e superficialmente parziale ma vi abbiamo raccontato tutto questo perché se dovesse venirvi la curiosità, dovete sapere che oggi i Miriam In Siberia sono tutt'altra cosa.

A cominciare dal cantato in inglese, funzionale a sonorità proprie della moderna scena psych-rock nord americana.

Questo già indica che la nostra Miriam non inventa nulla di nuovo, ma le riconosciamo il merito di un nobile ispirarsi rispetto alla maggior parte delle formazioni nostrane inclini a suoni hard di matrice stoner/doom-rock troppo spesso limitate ai soli panorami desertici mid-nineties.

E' dal triangolo Arbouretum/Black Mountain/Dead Meadow che il quartetto campano trae linfa e lo fa anche molto bene, abusando finalmente dell'hammond oltre che del fuzz, pestando sulle pelli con il vigore necessario e correndo liberi negli ariosi e grandi spazi dell'odierna psichedelia hard.

Dai primi mutuano il tiro pachidermico mentre quelle pause, quelle sospensioni sono tipiche del gruppo di Dave Heumann, di cui hanno imparato fin troppo bene la lezione. Dei Dead Meadow è invece il passo pesante, la coltre densa e fumosa entro cui si muovono. Questo vale per 4/5 del disco e tutto scorre bene, molto bene, fin troppo. E' solo la terza traccia, Down From A Mountain a non convincere e non perché sia un pezzo brutto, affatto, ma solo perché i nostri cadono esattamente nel paradigma – finora abilmente scongiurato – delle altre bands che richiamano quelle sonorità a cavallo tra grunge e stoner, un po' come gli Abdullah per chi li ricorda o gli Acrimony meno misticheggianti. E questo cambio d'atmosfera messo proprio lì al centro rovina un po' la festa, ma non bisogna farne un dramma visto che i Miriam In Siberia per essere una band in transizione son stati fin troppo bravi e nel finale di Don't Anyone ci regalano perfino una cavalcata space hawkindiana che chiedere di più è da irriconoscenti.

Failing è stato registrato a Napoli e masterizzato in analogico a New York, è in edizione limitata in vinile 12” e lascia presagire belle cose a venire.

Advaitic Songs

Giulio Magliulo — Fri, 24 Aug 2012 12:53:07 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Stoner

Etichetta:

Drag City

Anno:

2012

Line-Up:

Al Cisneros - bass, vocals

Emil Amos - drums

Lucas Chen - Cello

Jory Fankuchen - Viola, Violin

Jackie Perez Gratz - Cello

Robert Aiki Aubrey Lowe - Tamboura, Vocals

Kate Ramsey - Vocals

Lorraine Rath - Flute

Homnath Upadhyaya - Tabla

Steve Albini - Engineer

Tracklist:

1. Addis - 5:32

2. State of Non-Return - 6:05

3. Gethsemane - 10:23

4. Sinai - 10:19

5. Haqq al-Yaqin - 11:24

Advaitic Songs

I suoni composti di Advaitic Songs, puliti e caldi come ripresi in analogico, non sono solo merito di quella vecchia volpe di Steve Albini, è anche l’insieme degli strumenti utilizzati in queste tracce che si presta ad un ascolto lontano dalle sonorità paludose dei primi (tre) lavori degli Om: flauti, tamboura e tablas, viole, violini e violoncelli, tutti suonati da personaggi che provengono da mondi diversi. Infatti per il loro ultimo e pretenzioso album Al Cisneros ed Emil Amos han chiamato a corte esecutori di classica contemporanea, membri di formazioni di metal atipico e maestri nepalesi.

Certi di non farsi mancare niente, i nostri han deciso di continuare il loro viaggio verso il nulla trascendentale, percorso già cominciato con l’ottimo God is Good, album che se in qualche modo sottolineava una necessaria esigenza di evoluzione da un passato che praticamente si reiterava, non tagliava del tutto i ponti con i suoni che erano sempre stati il marchio di fabbrica Om, la loro identità e per gli ascoltatori più evoluti del panorama stoner, ipnotica fonte di piacere.

Con Advaitic Songs ci troviamo di fronte a composizioni moloch che spaziano in lungo e largo su una musica che si autoreferenzia rituale assecondando una compiaciuta prospettiva occidentale cinematografica e psichedelica: questo è il nostro Oriente, questo il nostro viatico spirituale, questa è la nostra capacità di elevarci in una sfera musicalmente e concettualmente più alta rispetto al gesto sludge che magari vi sareste aspettati, sembrano dire gli Om!

Ben venga allora la lunga quanto sconsolante prece mesopotamica di Addis confortata dagli archi in penombra, dalle percussioni, dal basso che lascia immaginare sbuffi dub che non esistono e chitarre alla ultimi Earth, che, anch’esse, ovviamente non esistono; ben vengano le sospensioni estatiche, gli assolati arabeschi circolari, i bordoni che non conducono mai a nessuna agognata esplosione e le vocals morriconiane alte al cielo in Gethsemane, ma se non fosse stato per la parte finale di quest’ultima, in cui il drumming fantasioso di Amos riempie lo spazio con una ritmicità riconoscibile da ‘noi occidentali’ o per la seconda traccia State of Non-Return, che pur presentando i suoi ghirigori mediorientali non rinuncia al basso rutilante di Cisneros, questo disco rischiava di ottenere molti meno consensi di quanti ne avrà.

Forse gli Om si stanno prendendo troppo sul serio con queste fantasie teosofiche e con le suggestioni strumentali etniche che se prima erano spezie nella loro musica e donavano colore, ora vogliono diventarne l’ingrediente principale.

Pur apprezzando sempre il coraggio e la capacità di voler cambiare per non morire artisticamente se si ha ancora qualcosa da dire, non necessariamente gli Om per rendere credibile il tentativo di voler ascendere ad una casta più alta di quella (genericamente) metal devono finire per somigliare per contenuti ad una brutta copia dei Current 93 o per forma a dei Dead Can Dance fuori fuoco: esiste una quantità immensa di musica etnica e religiosa da riscoprire per questi scopi; forse chi ascolta gli Om vorrebbe ritrovare un pò di doom.

Murder the Mountains

Emanuele Pavia — Sun, 01 May 2011 11:43:54 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Sludge

Stoner

Etichetta:

Relapse Records

Anno:

2011

Link correlati:

Red Fang Official Site

Line-Up:

- Maurice Brian Giles - Voce, Chitarra

- Aaron Beam - Voce, Basso

- David Sullivan - Voce, Chitarra

- John Sherman - Batteria

Tracklist:

1. Malverde

2. Wires

3. Hank Is Dead

4. Dirt Wizard

5. Throw Up

6. Painted Parade

7. Number Thirteen

8. Into the Eye

9. The Undertow

10. Human Herd

Red Fang

Murder the Mountains

Murder the Mountains, pubblicato il 12 aprile 2011 dopo una prima uscita eponima nel 2009, si tratta della seconda fatica discografica dei Red Fang, supergruppo americano formato nel 2005 da vari membri di alcuni complessi underground (tra cui i Party Time, da cui provengono i tre quarti della line-up) e che ha riscosso fin da subito un discreto successo nel panorama dello sludge/stoner a tinte psichedeliche, che in questo periodo si sta affermando grazie ad acts di valore come Baroness e Kylesa.

L'album risulta una riproposizione piuttosto competente dei vari stilemi appartenenti alla corrente stoner/doom, dalle chitarre distorte e abbassate tipiche dei più recenti Kylesa, ai muri sonori, ora corposi nei momenti più sludge e ora atmosferici, retaggio della componente più psichedelica della scena (influenzata da Kyuss e Sleep). Tutto ciò senza, però, disdegnare l'aspetto melodico, forse il più curato nel lavoro: Murder the Mountains si dimostra, quindi, una sintesi di tutte le diverse sonorità che hanno caratterizzato la scena fin dalle primissime origini ad oggi, accompagnandole ad un song-writing efficace e ad una buona produzione (opera di Chris Funk, membro dei Decemberists, mentre il mixaggio è supervisionato da Vance Powell - già collaboratore di band come White Stripes e Kings of Leon -).

Il lavoro è abbastanza omogeneo, sia per quanto riguarda la proposta sia dal punto di vista qualitativo: i Red Fang adottano, infatti, uno stile duro ma sempre accattivante, tenendo sempre d'occhio l'aspetto melodico. Questo modus operandi si realizza a partire dalla opener Malverde (dove gli echi dei Kylesa, anche per via della componente psichedelica del pezzo, sono piuttosto evidenti) e prosegue nelle tracce successive (come in Wires, dove l'influenza di Black Sabbath e Sleep è tangibile, e Hank Is Dead), talvolta estremizzando gli elementi più hard del loro sound (è il caso di Throw Up e Into the Eye, dove i riff di basso e chitarra diventano tanto granitici da riportare alla mente perfino il doom metal dei primi Paradise Lost), talvolta preferendo approfondire il carattere psichedelico e stoner à la Kyuss (Number Thirteen e soprattutto The Undertow, caratterizzata da elementi spaziali direttamente ripresi dalla prima psichedelia anni '60 e che rappresenta uno dei vertici del disco, ne sono degli esempi lampanti).
Ciò che però manca per permettere alla proposta dei Red Fang di fare un salto di qualità è una maggiore personalità: per quanto si rivelino capaci nell'opera di revival psych/stoner in tutte le sue varie sfaccettature, le influenze del sound del gruppo sono troppo pesanti e danno spesso un senso di deja vù all'ascoltatore. Il complesso non ha certamente dimostrato di essere una semplice tribute band di gloriosi acts del passato e del presente, ma per riuscire a spiccare definitivamente il volo e dare vita a un sound ancora più personale è necessario un distacco più pronunciato dall'eredità artistica che si trascina dietro.

Questo difetto, tuttavia, non toglie il fatto che Murder the Mountains rappresenti una godibile uscita nel panorama: seppur non sia sicuramente ai livelli delle uscite più recenti di Kylesa e Church of Misery, i fan dello stoner e dello sludge atmosferico apprezzeranno comunque facilmente la proposta di quest'ultimo lavoro dei Red Fang.

Matador

admin — Thu, 30 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Sludge

Stoner

Etichetta:

Anno:

2010

Line-Up:

Brent Anderson - basso, voce
Will Fiore - chitarra, voce
Dan Scanlan - batteria

Tracklist:

1. D.N.R. (6:25)
2. Ancient Ones (3:34)
3. Odyssey (5:37)
4. Trident (3:38)
5. Firewater (4:13)
6. Old World (7:03)
7. Black Hole (3:48)
8. Odyssey II (3:00)
9. Matador (7:33)

Zoroaster

Matador

Gli Zoroaster sono un trio di Atlanta (Georgia, USA) consistente in Brent Anderson (basso, voce), Will Fiore (chitarra, voce) e Dan Scanlan (batteria).
Matador è il loro primo album per la label E1, dopo ben tre dischi indipendenti pubblicati per la loro Terminal Doom Records.
Se il sound dei precedenti Zoroaster (2005), Dog Magic (2007, il disco che li ha fatti notare) e Voice of Saturn (2009) poteva essere ben descritto come una variante più scarna e hardcore degli Electric Wizard, Matador segna il balzo verso una nuova formula stilistica, più melodica e accessibile al mainstream; è tuttavia vero che la band ha dimostrato una propria evoluzione nel corso degli album precedenti, introducendo pezzi più ricercati e con influenze più aperte già da Dog Magic. In particolare, Matador riprende l'afflato spirituale e psichedelico introdotto in alcuni pezzi di Dog Magic come Tualatin e la title-track, e la tendenza all'impasto più melodico di Spirit Molecule (da Voice of Saturn), portando tuttavia quei timidi accenni verso una dimensione assolutamente nuova.
Senza più monolitici pezzi da 10 e più minuti, e con una rinnovata sensibilità melodica, gli Zoroaster sembrano voler associarsi agli High on Fire nel fare da ponte tra la forma-canzone più classica del rock e le sonorità più aggressive dello sludge; tuttavia, in Matador, le abrasioni più heavy che la fanno da padrone negli High on Fire vengono levigate con forza, e il focus si sposta verso la costruzione di un wall-of-sound mesmerizzante e allo stesso tempo "morbido", in cui la carica di furia riesce (anche grazie alle vocals pulite e riverberate) a suonare soffice e psichedelica, pur mantenendo tutte le attrattive essenziali del genere sludge-stoner.

Uno dei migliori esempi è già l'opener D.N.R., in cui il ritmo incalzante (scandito in sottofondo da un respiro affannato) e i riff catchy vengono accompagnati da una contagiosa melodia vocale riverberata e cantata con tono da rituale esoterico.
Stesso discorso per Odyssey, in cui i toni da sermone orientale si abbinano a dei giri chitarristici più heavy-metal (una sorta di Motörhead al rallentatore, così come la precedente traccia Ancient Ones), per poi lasciare spazio all'esplosione caleidoscopica dell'assolo e ad un potentissimo riff finale.
Ancora meglio riesce comunque a fare il capolavoro del disco, ovvero la centrale Old World, in cui le memorabili vocals, accoppiate al ricorrere di uno dei riff più esotici e indimenticabili della band, portano il brano in una dimensione quasi liturgica.
Queste sperimentazioni più vicine al lato spirituale, esoterico e psichedelico vengono ben bilanciate dalla carica heavy-metal nostalgica di Trident, e prendono una forma diversa in Firewater, una strumentale in cui la psichedelia disorientante viene espressa tramite distorsioni più noise-rock.
Il momento più legato al doom-metal e all'aggressività dei lavori precedenti è rappresentato da Black Hole, il cui inizio profondo e apocalittico fa tremare la terra, mentre la voce torna alle abrasioni straziate da killer tipiche del doom.
Un'altra strumentale è la breve Odyssey II, stavolta però quieta e arpeggiata, perfetta introduzione per la title-track, di 7 minuti e mezzo e divisa in due parti, la prima una vibrante tensione in preparazione del terreno per l'esplosione stoner-doom riverberata a wall-of-sound della seconda; qui gli Zoroaster suonano come un incrocio perfetto tra lo sludge-doom più funebre e i Pelican di Australasia.

Il power-trio di Atlanta ha ora abbandonato le ruvidità più estreme, le distorsioni più rumoristiche, le ritmiche più lente e straziate; ma ciò che è stato perso in efferatezza doom è stato guadagnato sotto il profilo melodico e psichedelico: tagliando di netto il loro debito evidente con Electric Wizard e Harvey Milk, i tre hanno trovato una voce più personale, una sorta di versione più "pop" ma allo stesso tempo fresca e originale di quel medesimo stile.

Black Masses

admin — Wed, 29 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Stefano Puccio

Genere:

Stoner

Etichetta:

Rise Above Records

Anno:

2010

Link correlati:

Electric Wizard's MySpace

Line-Up:

- Jus Oborn - voce, chitarra
- Liz Buckingham - chitarra
- Tas Danazoglou - basso
- Shaun Rutter - batteria

Tracklist:

1. Black Mass
2. Venus in Furs
3. The Nightchild
4. Patterns of Evil
5. Satyr IX
6. Turn Off Your Mind
7. Scorpio Curse
8. Crypt of Drugula

Electric Wizard

Black Masses

Dopo tre anni di silenzio, durante i quali si è assistito nel 2008 al cambio di line-up con la sostituzione del bassista Rob Al-Issa da parte di Tas Danazoglou, gli inglesi Electric Wizard, capitanati come di consueto dalla storica ed inossidabile coppia Oborn-Buckingham tornano sulle scene con il loro settimo sigillo discografico che, pur non risultando all'altezza dei loro capolavori, dà ancora una volta prova delle capacità di quella che può esser considerata a ragion dovuta una delle formazioni più originali del filone stoner/doom a cavallo tra anni Novanta e Duemila, e che possibilmente rappresenta anche un piccolo passo avanti rispetto il precedente Witchcult Today dal quale eredita la produzione in stile anni settanta.

Nonostante questa ripresa dal punto di vista stilistico, le modifiche apportate dal combo di Dorset in Black Masses sono molteplici e di varia natura, anche se comunque non universalmente innovative.
In primo luogo, è da notare rispetto al passato una notevole differenza nel songwriting e quindi nella struttura definitiva dei brani.
La componente doom, da sempre una caratteristica fondamentale, lascia più spazio ad un'attitudine "heavy"; i tipici muri sonori che in passato (in Dopethrone, ma specialmente in Come My Fanatics) venivano innalzati da un riffing molto dilatato ed appesantito da ritmi cadenzati relativamente lenti, sono adesso generati tramite uno stile chitarristico molto vicino a quello della prima fonte d'ispirazione della band, ovvero i Black Sabbath: ciò affiora in maniera più decisa e genuina su ritmi prevalentemente incalzanti, così che da atmosfere opprimenti e stagnanti si passa ad altre si comunque claustrofobiche ed oscure, ma che mettono in risalto il lato stoner/psichedelico della band. Sono difatti presenti innumerevoli divagazioni solistiche dal sapore acido, che riportano alla luce gli Hawkwind di Doremi Fasol Latido, grazie alle quali – complice una registrazione totalmente analogica – le composizioni assumono una consistenza fumosa ed eterea, tanto da sembrare in alcuni casi degli echi lontani che approdano su sponde space rock… non è un caso che le voci siano spesso filtrate e distorte. Non cambia nulla (o quasi) dal punto di vista tematico, le liriche sono infatti per lo più i soliti inni a Satana e all’uso di droghe.
Il risultato è un'opera leggermente più accessibile rispetto gli standard degli Inglesi, dall'aria sicuramente più vintage – considerando la produzione e l'artwork, segno di una volontà precisa – ma non per questo degna di d’esser trascurata.

Rappresenta un palese esempio di ciò che è stato appena detto l'opener Black Mass, un up-tempo che poggia per tutta la sua durata sul medesimo riff via via sporcato da dissonanze, vorticosi giri chitarristici – che in alcuni punti ricordano anche i Colour Haze – ed un cantato sempre più allucinato.
Sulla medesima scia troviamo la successiva Venus in Furs, la quale sembra immersa in un'atmosfera ancora più fosca per mano di un basso maggiormente evidenziato e denso, e di distorsioni chitarristiche più spinte.
Con Night Child si tocca il paranoico; il groove tetro è come messaggero di un pericolo incombente, ed anche in questo caso il pezzo cade progressivamente in un vortice di soli distorti e alquanto nichilisti, conducendoci così a Patterns of Evil.
Su questo episodio il riffing risulta meno denso, ricollegandosi a quello ruvido del brano d'apertura; il trend è però sempre il solito, salvo una "riumanizzazione" da parte di Oborn, che tesse anche trame solistiche più vicine al blues.
Successivamente a questo quartetto, si viene catapultati indietro nel tempo dai quasi dieci minuti di Satyr IX; le coordinate stilistiche rimandano difatti ai primi lavori della compagine britannica: Le ritmiche tornano ad essere tipicamente doom e riappaiono i famosi riff monolitici. Eppure, quando ci si aspetta quasi che la band ritorni nuovamente all'interno dei propri canoni, arriva Turn Off Your Mind a tirare fuori più che mai le influenze sabbathiane; basti considerare il cantato molto vicino a quello di Osbourne, associato ad un songwriting molto meno elaborato.
Il duo conclusivo riassume abbastanza bene le due facce degli Electric Wizard odierni: Scorpio Curse mostra ancora il lato psichedelico e allucinato, mentre la strumentale Crypt Of Drugula, episodio piuttosto inconcludente, con il suo incedere funereo tra fulmini ed un'atmosfera sepolcrale, quello più oscuro.

Detto ciò, nonostante Black Masses non apporti nulla di innovativo all’interno del panorama – considerando che le soluzioni proposte in esso sono qualcosa di già sperimentato – e nonostante nessun pezzo sia memorabile ne prevalga sugli altri dal punto di vista qualitativo, è comunque il frutto di una continua ricerca sonora da parte della band che, non adagiandosi sugli allori, si rimette in gioco dimostrando ancora una volta di non sbagliare un colpo.

The Jellyfish Is Dead and the Hurricane Is Coming

admin — Thu, 30 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Stoner

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2010

Link correlati:

Herba Mate @ Myspace.com

Line-Up:

- Andrea Barlotti - chitarra
- Alessandro Trerè - basso, voce
- Ermes Pianastelli - batteria

Tracklist:

1. Machumba
2. Imargem
3. Aragosta vs Panther
4. **
5. Nicotine
6. Bugs
7. 1 to 65
8. ***
9. Sputnik

Herba Mate

The Jellyfish Is Dead and the Hurricane Is Coming

Gli Herba Mate sono una band rock italiana nata nel 2001 per opera di tre amici, Alessandro Trerè, Andrea Barlotti ed Ermes Piancastelli, in provincia di Ravenna. Dopo aver partecipato ad alcuni concorsi ed essersi esibiti live, e dopo aver registrato alcuni pezzi composti dal gruppo per l'EP A Desert Section del 2005, nel 2008 decidono di registrare nuovamente un EP live per consolidare le nuove idee della band emerse nel periodo. Poco prima di entrare in studio, però, vengono composti molti pezzi che cambiano le intenzioni del complesso, che decide di registrare quindi un full-length, questo The Jellyfish Is Dead and the Hurricane Is Coming.

Questo disco mostra una band intenzionata a sperimentare con i propri strumenti (complice l'approccio "live" originario che rimane determinante per il sound degli Herba Mate, infatti il disco è registrato in presa diretta), che si diletta con distorsioni granitiche, sfrutta vari tipi di amplificazione per gli strumenti, ricerca diversi suoni ed effetti e compone senza seguire una struttura ben precisa, aggiungendo al tutto una marcata propensione del complesso per uno stoner dalle forti tinte psichedeliche, che ricorda grandi nomi della scena (prima di tutti i Kyuss, ma anche Queens of the Stone Age e Colour Haze), senza risultare comunque come semplici fotocopie senza personalità. E infatti il disco risulta molto piacevole e interessante fin dal primo ascolto.

Il disco si apre con Machumba, breve pezzo che non è altro che una preparazione per l'album: si sentono voci sconnesse su un arpeggio pulito, che continuano per circa un minuto prima che si senta il rumore di alcuni cavi jack che vengono collegati agli amplificatori. Così comincia Imargem, allucinata strumentale dove risaltano le influenze psichedeliche della band che improvvisa su un pezzo musicale roccioso e pesante, su cui fa capolino la chitarra quasi spaziale. La successiva Aragosta Vs. Panther parte in quarta con un riff duro ma non per questo poco melodico, su cui si sente per la prima volta la voce di Trerè che alterna momenti sporchi e più violenti, ad altri in cui la sua voce si perde nel tessuto psichedelico delle chitarre.
Dalla seconda metà il pezzo si evolve in modo più melodico e atmosferico, per poi ritornare al riff iniziale a pochi secondi dalla conclusione. Con ** gli Herba Mate continuano sulla scia del pezzo precedente, alternando riff tipicamente stoner, su cui troneggia la voce di Treré, a digressioni più melodiche o psichedeliche. Dalla seconda metà del disco, la struttura dei brani si fa molto più libera: Nicotine si presenta molto più fuori dagli schemi fin dall'inizio, gli strumenti si confondono, creando grazie a effetti di distorsione e di feedback particolari degli strani effetti rumorosi, che poi cedono il passo a un brano improvvisato senza una struttura definita, caratterizzato da numerosi cambi di melodie facendo prevalere ora l'impronta atmosferica, ora l'impronta stoner. Con Bugs si prosegue sul sentiero dell'improvvisazione, e anche qui l'introduzione è affidata a strani e inquietanti rumori, che poi lasciano spazio a un riff pesante e accattivante, su cui vengono attuate variazioni - seppur in modo meno radicale rispetto alla precedente Nicotine -. 1 to 65 dopo un'introduzione di matrice psichedelica sembra ritornare a una struttura più vicina a quella dei primi brani, con un muro sonoro strumentale sormontato dal cantato, ma si perde successivamente nell'improvvisazione nella seconda metà del pezzo. *** è un altro pezzo strumentale, in cui chitarra e sezione ritmica compiono un egregio lavoro nel comporre un brano omogeneo senza comunque risultare ripetitivo o monotono grazie alle molte variazioni; chiude infine Sputnik, il pezzo più psichedelico di tutto l'album, come ben si nota dalla iniziale sezione rumorosa e opprimente (che sembra debitrice del krautrock anni '70) che persiste fino all'entrata in scena di un arpeggio acustico, ben lontano dallo stile delle tracce precedenti, che si slega in numerose variazioni fino alla fine del disco, risultando come uno dei momenti più alti dell'album.

The Jellyfish Is Dead and the Hurricane Is Coming è in definitiva un lavoro ben riuscito di una band che s'è dimostrata ben capace di raccogliere le proprie influenze in modo da dar vita a un disco ben suonato e con buone idee ben sviluppate, che non lascerà delusi gli amanti del genere.

Master of Brutality

admin — Sun, 11 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Stoner

Doom Metal

Etichetta:

Southern Lord

Anno:

2001

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Tatsu Mikami - basso
Hideki Shimizu - batteria
Tomohiro Nishimura - chitarra
Yoshiaki Negishi - voce

Tracklist:

1. Killfornia (Ed Kemper) - 8:23
2. Ripping into Pieces (Peter Sutcliffe) - 7:46
3. Megalomania (Herbert Mullin) - 5:26
4. Green River - 4:30
5. Cities on Flame - 4:00
6. Master of Brutality (John Wayne Gacy) - 11:16

Church of Misery

Master of Brutality

I Church of Misery sono una band formatasi a Tokyo nel 1995; lungo i primi anni di gavetta hanno pubblicato alcuni lavori per misconosciute etichette indipendenti (tra i quali il bootleg Vol 1 nel 1997, e nel 1998 lo split Born Too Late assieme ai canadesi sHEAVY, il riccamente groovy EP Taste the Pain, e il live autoprodotto Live from the East), fino ad approdare alla Man's Ruin Records di Frank Kozik con l'EP Murder Company (1999), incluso anche in uno split album con gli Iron Monkey.
Questi lavori li hanno subito fatti notare come brillanti discepoli orientali degli Sleep.

Il vero debutto su full-length arriva, dopo un cambio di vocalist e drummer, con Master of Brutality (Southern Lord Records, 2001), un originale e trascinante approccio al panorama del rock "stoner" (oltre che un palese omaggio-parodia del più celebre Master of Reality blacksabbathiano).
Le coordinate musicali del nuovo quintetto (Yoshiaki Negishi alla voce, Tatsu Mikami al basso, Junji Narita alla batteria, Tomohiro Nishimura alla chitarra) sono orientate non tanto verso il tipico stoner psichedelico alla Kyuss, bensì verso il doom più sporco e vicino allo sludge, un po' come i contemporanei High on Fire; sorta di incrocio perfetto tra le due correnti grazie ad una palese componente southern-blues che suona incredibilmente molto più "americana" e genuina rispetto a quella di tanti colleghi statunitensi, i quattro giapponesi riprendono molto anche dagli Sleep, più che dai loro connazionali stoner Eternal Elysium (dai quali li divide una radicalizzazione sonora e stratificata delle tessiture chitarristiche e una voce che, lungi dal cercare aperture melodiche epiche, suona piuttosto motörheadiana) o Boris (questi ultimi ancora molto più legati al drone-doom degli Earth e allo sludge dei Melvins).

Anche se il disco riprende un'idea non troppo originale, ovvero quella di associare la maggior parte dei testi a noti serial killer (già utilizzata, ad esempio, dai Macabre), la proposta musicale si rivela probabilmente la più coinvolgente dell'anno nel genere, grazie a lunghe composizioni guidate da riff-killer sporchi e hendrixiani, specialmente nelle ruggenti iniziali Killfornia (Ed Kemper), lunga 8 minuti e mezzo, e Ripping into Pieces (Peter Sutcliffe), più sincopata ma ugualmente sviluppata per altri 8 devastanti minuti.
Le aperture melodiche quasi psichedeliche della più breve Megalomania (Herbert Mullin) rimandano per la prima volta ai Kyuss di Josh Homme, e vengono seguite dall'azzeccato intermezzo atmosferico Green River, immerso in una tensione da thriller grazie al dialogo tra percussioni e chitarre effettate.

Il difetto principale dell'album è la produzione, ancora relativamente acerba; ma forse anche le due tracce in chiusura, a conti fatti, non riescono a raggiungere i livelli dei migliori momenti precedenti: Cities on Flame è difatti una cover della classica Cities on Flame with Rock and Roll dei Blue Öyster Cult (1972), a sua volta sin troppo simile alla poco precedente The Wizard dei Black Sabbath (1970), mentre la conclusiva title-track finisce per autodistruggersi volontariamente, ristagnando in un magma anche troppo paludoso, eccessivamente rallentato in stile doom e abbinato ad un lavoro di chitarra e voce aggressivo ma non abbastanza ispirato da giustificare una lunghezza di ben 11 minuti.

Nonostante tali pecche, l'esordio della band è senza dubbio positivo: con Master of Brutality lo stoner trova la sua prima voce asiatica davvero all'altezza dei corrispettivi americani, e, nonostante il "genere" relativamente statico, arriva a reinventarlo con uno stile straziato, acido e corrosivo, oltre che ancora abbastanza acerbo da lasciar anche sperare in un miglioramento futuro.

Psycho Man

admin — Tue, 29 Sep 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Stoner

Doom Metal

Etichetta:

Epic

Anno:

1998

Line-Up:

- Ozzy Osbourne - voce
- Tony Iommi - chitarra
- Geezer Butler - basso
- Bill Ward - batteria

Tracklist:

1. Psycho Man (single edit)
2. Psycho Man
3. Psycho Man (Danny Saber remix)

Black Sabbath

Psycho Man

Questo singolo venne pubblicato dai Black Sabbath in America nel 1998 e presenta la prima canzone registrata dal gruppo assieme ad Ozzy Osbourne dopo quasi due decenni di "divorzio", assieme a Selling My Soul che sarebbe stata rilasciata poco tempo dopo.

Il brano inedito in questione, Psycho Man, riprende le istanze che già fecero la fortuna degli inglesi, aggiornandole all'ultimo decennio del secolo con le innovazioni doom/stoner emanatesi proprio dalla lora musica; ma senza fare specchio riflesso delle caratteristiche più drammatiche e gotiche del primo, più psichedeliche e "sabbiose" del secondo, cercando anzi di rimanere piuttosto fedeli al sound originario - pur aggiornandolo agli anni '90.
Psycho Man infatti propone una (ormai) canonica sequenza di riff lenti e ripetuti, granitici, seguendo un incedere leggermente monolitico che avvicina fra loro il sound classico degli inglesi e alcune emanazioni più recenti.
I riff distorti sono comunque alternati a cupi refrain acustici, in cui la voce ipnotica di Ozzy ricrea un'atmosfera vagamente claustrofobica prima del chorus in cui emergono il riff ripetuto doomeggiante e la batteria implacabile. L'assolo blueseggiante fa da cuscino prima che il brano a metà traccia si avvicini sempre più allo stoner rock kyussiano, relativamente sempre frenetico con le chitarre corrosive e i bassi pulsanti.
Non ci sono grosse novità nè un songwriting particolarmente spumeggiante o trascinante, ma il pezzo è interessante e ci sono alcuni fraseggi sufficientemente taglienti.

Successivamente il singolo sarebbe confluito nel live ufficiale Reunion come bonus track.

Spine of God

admin — Mon, 14 Sep 2009 22:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Stoner

Etichetta:

Caroline/Glitterhouse

Anno:

1992

Link correlati:

Line-Up:

- Dave Wyndorf - guitar, vocals, producer
- John McBain - guitar, producer
- Joe Calandra - bass
- Jon Kleiman - drums
- Tim Cronin - dope/lights/center of the universe

Tracklist:

1. Pill Shovel
2. Medicine
3. Nod Scene
4. Black Mastermind
5. Zodiac Lung
6. Spine of God
7. Snake Dance
8. Sin's a Good Man's Brother
9. Ozium

Monster Magnet

Spine of God

"It's a satanic drug thing, you wouldn't understand."

La storia dei Monster Magnet nasce a Red Bank, New Jersey, dall'incontro del carismatico e sregolato Dave Wyndorf (voce, chitarra), proveniente dal gruppo punk Shrapnel, e del chitarrista John Paul McBain, anche lui ex-musicista punk che ha militato in Skinhead Nation e Smoking Pets. A loro si aggiungono Tom Diello alla batteria e Tim Cronin al basso e con questa formazione prendono il nome di Dog of Mystery e poi di Airport 75 prima di adottare quello definitivo.
Qui si cimentavano in live massicci e mesmerizzanti, in cui il sapore misto di solitudine e libertà suscitato dalla vastità dell'immaginario del deserto americano si combinava all'uso di droghe leggere, alla rivisitazione particolare di certi classici del rock ed ad una certa forma di ibrido tematico materialista/spiritualista, camminando così i primi passi di quello che in seguito sarebbe divenuto il cosiddetto stoner rock.
McBain & soci pubblicano alcuni demo, Forget About Life, I'm High on Dope e I'm Stoned, What Ya Gonna Do About It? nel 1989, seguiti da uno schizzato (e alla lunga seminale) omonimo EP l'anno seguente, che mettevano in risalto le loro influenze hard rock e psichedeliche, conferirono loro una certa notorietà underground e gli consentirono di firmare per la Caroline Records.
Fu così nel febbraio 1992 che riuscirono a pubblicare il primo disco Spine of God, quasi interamente frutto della mente di Wyndorf e che fra l'altro da ufficialmente il La al movimento stoner assieme a Blues for the Red Sun dei Kyuss (provenienti dalla scena di Palm Desert in California), rispetto ai quali i Monster Magnet sono più legati alla psichedelia.

Questo genere musicale, in particolar modo nell'accezione influente dei Monster Magnet, affonda le sue radici negli anni '70 e '60, prendendo i riff lenti, pesanti e opprimenti dei Black Sabbath, le saturazioni acid-hard bluesy dei Blue Cheer, la psichedelia spaziale e fumosa degli Hawkwind e dei Captain Beyond. Si fonde il tutto intimamente ottenendo così uno sound acido ma granitico in cui le influenze settantiane vengono aggiornate e rifondate in uno stile nuovo, fatto di trip visionari sovrapposti a distorsioni magmatiche rese ancora più corpose, da linee di basso ancora più ribassate, dall'incedere cadenzato dei chitarristi di sabbathiana memoria. Non mancano difatti le affinità con sludge e doom metal, a far da contorno comunque c'è prima di tutto un conscio e maturo amalgama di influenze che spazia dal psych-blues dei Cream al garage rock di Stooges e MC5, passando per un piglio hendrixiano e per le più recenti innovazioni dei Melvins.
E vedremo in seguito gruppi come i Kyuss andare anche oltre nella concezione dello stoner; ma per il momento i Monster Magnet rimangono principalmente un seminale punto d'incontro fra Black Sabbath e Hawkwind condito da ulteriori richiami, che con gli anni a venire si evolverà.
Le chitarre sono pesanti, lente e distorte, si abbandono in imponenti muri di distorsioni seguiti da avvolgenti note ipnotiche, mentre la batteria cavalca con agilità e intensità le canzoni. La voce di Wyndorf è decisa, carismatica, ruvida ma anche molto suadente, a volte filtrata e abbinata a campionamenti atmosferici per ottenere sensazioni ancora più psichedeliche. La produzione è sporca, ma nebbiosa e avvolgente.
Il collante per tutto questo è il tema del deserto, che influenza le liriche e l'attitudine del gruppo, ma da parte degli Hawkwind le atmosfere tendono ad orientarsi anche verso lo spazio e l'etereo, generando così un approccio quasi metafisico del gruppo che enfatizza molto il ruolo dell'anima in questo paesaggio fra sabbia, roccie e tramonti malinconici.

Già dall'iniziale Pill Shovel si intravede un sound particolare ed espressivo, fatto di tempi cadenzati, cenni bluesy di contorno, bassi intermittenti, batteria secca che naviga agevolmente sopra le corpose distorsioni, aperture vocali visionarie ed atmosferiche che traghettano verso un immaginario immerso in acido.
Medicine incrementa la dose di velocità e andamento incalzante, ispirate dal garage rock/proto-punk detroitiano che Wyndorf tinge di una rocciosità lisergica.
La successiva Nod Scene gonfia le tonalità psichedeliche e space rock, avvolgendo l'ascolto di arpeggi fumosi e chords corrosivi che segnano un ponte di collegamento fra la malinconia accaldata del deserto e le distese cosmiche più suggestive.
Ci si riunisce maggiormente ai Black Sabbath negli 8 minuti di Black Mastermind, con i riff ripetuti e cupi, la voce che si avvicina a quella di Ozzy, i bassi penetranti; ma in conclusione c'è la consueta esplosione psichedelica a colorare le influenze "nere"della canzone, psichedelia che diventa predominante nella successiva ballata Zodiac Lung e nella titletrack Spine of God che è la summa dell'album.
Snake Dance è feroce e impetuosa, tinta di garage rock a rendere più aggressivi i corposi riempimenti distorti, mentre Sin's a Good Man's Brother è una riuscita cover dei Grand Funk Railroad la cui nuova veste assume sfumature brucianti ma avvolgenti.
Infine la lunga conclusiva Ozium è un trip visionario condotto avanti dall'esplosione di chitarre infuocate, che seguono un crescendo che conduce ad un baccanale di distorsioni, e dalla batteria intensa di sottofondo, mentre a far d'accompagnamento ci pensano effetti celestiali, refrain blueseggianti e tastiere a metà strada fra i tappeti lisergici del blues psichedelico sessantiano e il dolente doom.

Spesso i legami con le correnti del passato e il desiderio di far rivivere certi classici della musica porta a vari fenomeni di revival, in cui si ripetono determinate sonorità nel desiderio di farle per l'appunto "rivivere" e magari di emulare quei grandi nomi che scrissero la storia di uno o più generi.
Lo stoner e i Monster Magnet invece partono dal presupposto di raccoglierne l'eredità e proseguire entrando in un nuovo sentiero inedito le cui basi, sì, risalgono a certe correnti dei sixties e dei seventies, le cui pietre miliari vengono ricordate con ammirazione e voglia di mantenerle più vive che mai, ma che sfocia in un discorso differente, per nulla stantio o prevedible ma anzi, ricco di idee nuove e vitali - oltre che molto coinvolgente.
Non un movimento revivalistico, ma una novità fresca e originale che rinvigorisce il panorama rock negli anni '90 con impeto e profondità.

Houses of the Unholy

admin — Thu, 20 Aug 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Stoner

Etichetta:

Rise Above/Metal Blade

Anno:

2009

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Yoshiaki Negishi - voce
Tatsu Mikami - basso
Junji Narita - batteria
Tom Sutton - chitarre

Tracklist:

1. El Padrino (Adolfo De Jesus Constanzo)
2. Shotgun Boogie (James Oliver Huberty)
3. The Gray Man (Albert Fish)
4. Blood Sucking Freak (Richard Trenton Chase)
5. Master Heartache
6. Born to Raise Hell (Richard Speck)
7. Badlands (Charles Starkweather & Caril Fugate)

Church of Misery

Houses of the Unholy

Dopo l'entrata in line-up dell'incendiario chitarrista Tom Sutton, ma soprattutto dopo il ritorno nella band del vocalist Yoshiaki Negishi (lo stesso di Master of Brutality), il terzo full-legth dei giapponesi Church of Misery, dal titolo Houses of the Unholy (Rise Above/Metal Blade, 2009) non poteva che rivelarsi uno dei loro lavori più riusciti, coinvolgenti e personali.
Nonostante il loro rifiuto dell'etichetta "stoner", preferendo quella "doom", l'album è ancora una volta lontano dai territori del doom tradizionale, dal quale non riprende più di qualche riff apocalittico (che si sente immediatamente nelle scosse telluriche in apertura d'album), e semmai si prodiga ad aggiornare ai tempi odierni gli elementi più trascinanti dei primi Black Sabbath, Led Zeppelin (parodiati esplicitamente nel titolo del disco) e Jimi Hendrix, sposandoli sì ad un'aggressività vocale e batteristica derivante dallo sludge, ma senza mai perdere d'occhio il basilare concetto di groove. In quest'operazione, il quartetto si dimostra quindi assolutamente molto più vicino a band come Sleep e High on Fire piuttosto che ad act di stampo più hardcore come gli Iron Monkey o più doom come gli Electric Wizard.

Esempio perfetto di questo approccio è già l'opener El Padrino (Adolfo De Jesus Constanzo), che dopo un'intro thriller e qualche scossone doom esplode invece in un riff pienamente blueseggiante, citando Iommi come Hendrix, al quale si accompagnano una sezione ritmica fragorosa e la voce felicemente sporca e cavernosa di Negishi; il groove prosegue senza sosta, e, grazie anche ad una serie di esplosivi giochi chitarristici nella seconda metà, riesce a raggiungere agilmente i 9 minuti di durata.
La breve Shotgun Boogie (James Oliver Huberty) si scatena su pattern ritmici più veloci e sincopati, raggiungendo una cavalcata punk'n'roll nella seconda metà, ma ancor meglio riesce a fare The Gray Man (Albert Fish), grazie ad un'altra serie di riff killer e acuti chitarristici sui quali la voce di Negishi tocca forse l'apice di gorgheggio "melodico", prima di una parentesi inquieta che introduce l'esplosiva outro (con due assoli e ritmiche alla Monster Magnet).
Gli 8 minuti di Blood Sucking Freak (Richard Trenton Chase) rallentano notevolmente i tempi e danno più spazio alle torrenziali escursioni chitarristiche di Sutton, prima di un cambio di ritmo più rapido verso i due terzi.
Gli sbotti sgolati di Negishi aprono Master Heartache, ma si tratta di un episodio sottotono prima del gran finale, rappresentato dai sanguigni 7 minuti di Born to Raise Hell (Richard Speck), con riff alla High on Fire, voce straziata, chorus infernale, galoppate southern-blues sincopate, parentesi rallentata quasi psichedelica in stile Kyuss, assolo scoppiettante, e dagli 8 minuti della conclusiva Badlands (Charles Starkweather & Caril Fugate), forse l'episodio più catchy in assoluto, grazie ad un riff portante maestoso e un chorus epico.

Sebbene il gioco delle liriche legate a celebri serial killer sia ormai abusato e inizi a risultare ripetitivo, l'album riesce però nell'impresa di suonare meglio rispetto a Master of Brutality grazie ad una produzione più accorta, e, anche se forse quel full-length è destinato a rimanere il simbolo della band, Houses of the Unholy, sicuramente superiore all'acerbo Vol. 1 e al sottotono The Second Coming, gli si può in realtà affiancare tranquillamente come il loro miglior risultato ad oggi anche in termini di songwriting e coinvolgimento.

Space Paranoids

admin — Wed, 14 Jan 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Paola Andriulo

Genere:

Stoner

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2008

Link correlati:

Space Paranoids @ MySpace.com

Line-Up:

- Simone Rossi - voce
- Marco Avanti - chitarra
- Carlo Oreglia - basso
- Luca Bruno - batteria

Tracklist:

1. Space Queen
2. West Side
3. Green Heron

Space Paranoids

Cuneo e Palm Desert: due città lontanissime; eppure non si direbbe dalla demo sfornata dai piemontesi Space Paranoids, il cui sound affonda le proprie radici proprio nello Stoner dei maestri Kyuss.
Uno Stoner arricchito spesso da tinte psichedeliche, come risulta evidente dalla copertina della demo: flora e fauna marine immerse in un oceano dai colori caldi che allargano e rapiscono la coscienza.

La prima traccia che apre la demo è Space Queen: un basso protagonista ci avverte fin dall’inizio delle influenze da deserto californiano, così come la batteria che scandisce ritmi che cullano l’ascoltatore. Dopo quasi due minuti di docile inizio arriva la voce: in punta di piedi, pian piano inizia a far suo lo spazio e a conquistare il pubblico col suo timbro caldo che però ben si adatta al paesaggio cosmico e acido degli altri strumenti. L’acidità da vero e proprio viaggio in solitudine viene spezzata dopo tre minuti da un cambiamento in puro stile Stoner (forti le influenze di Kyuss, Unida, Truckfighters, Hermano); è così che il pezzo si sviluppa e si lega al successivo, West Side. Quest’ultimo è un brano anch’esso dalle sonorità Stoner, un brano che regala anche spunti più tipicamente Southern/Doom: interessante la parentesi con l’assolo di chitarra, la batteria martellante, il basso presentissimo; una parentesi che porta poi alla ripetizione del ritornello finale con l’urlo della voce. Bel pezzo, orecchiabile ma non troppo da risultare scontato.

Green Heron è l’ultimo capitolo del lavoro: un viaggio della mente in un sound che ad occhi chiusi ti prende per mano e ti mostra come anche il freddo Piemonte possa colorarsi di tinte rosseggianti, quel rosso da miraggio desertico. Green Heron: un brano secco, acido e anche un po’ malinconico; un brano che ti fa volare per qualche minuto sul dorso di un docile airone.Un bel finale per una demo che purtroppo finisce troppo presto, proprio quando ci si era immersi in questo caldo e stravagante oceano di polpi, meduse, deserto.
Aspettiamo fiduciosi che questa band ci faccia gustare un primo piatto che possa ricordare l’antipasto misto di Space Queen, West Side e Green Heron. Un ottimo inizio.

The Deadists

admin — Tue, 18 Nov 2008 23:00:00 +0000

Voto:

5.9 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Stoner

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2008

Link correlati:

Line-Up:

:
- Joacim - voce
- Anders - chitarra
- Peter - chitarra
- Paul - basso
- Markus - batteria

Tracklist:

:
1. Knew You Would
2. Disgrace
3. Blizzard of Nails
4. Blowtorch
5. Never Debate

Deadists, The

The Deadists

I Deadists si formano a Gothenburg in Svezia nel 2001 dall'incontro di Anders Ek, Markus Bolechowski Franklin e Andreas Podda, appassionati di musica che si ritrovano di tanto in tanto durante le superiori a suonare insieme. Dopo sei anni però rimane solo Anders, mentre gli altri componenti cambiano spesso.
Una volta trovata una formazione stabile, comunque, i Deadists iniziano a comporre diverse canzoni e a farsi notare in sede live: il risultato arriva nell'ottobre 2008 con l'omonimo EP di debutto.
In esso la formazione svedese si ispira particolarmente ai principali nomi dello stoner rock (Kyuss, Monster Magnet, Queens of the Stone Age, High on Fire), ma anche a gruppi hard & heavy più classici (Black Sabbath, Blue Oyster Cult) e a diversi nomi del panorama doom/sludge in un raggio che va dai Cathedral ai Melvins. Il gruppo comunque cita anche Tool e King Crimson fra le proprie influenze, ma rimangono in secondo piano.
Il disco si presenta come un lavoro ancora acerbo per via dell'inesperienza nelle composizioni, il che lo rende necessitante di una rifinitura adeguata per quanto riguarda la freschezza del sound (in certi momenti dotato di una verve interessante, ma che poi si appiattisce mostrando ancora qualche debito nei confronti delle muse ispiratrici del gruppo). Nonostante tutto è dotato di diversi spunti che mostrano un certo potenziale: le cinque canzoni sono tutte dense e dure, con fumose atmosfere malinconiche a permeare lo sfondo. Un promettente punto di partenza per scrivere qualcosa di coinvolgente e più personalizzato in futuro.

Knew Your World è una graffiante sequenza di riff catchy e distensioni melodiche, a sostegno della voce che per questa canzone ricorda molto Serj Tankian dei System of a Down. Nulla di inaudito, ma si lascia ascoltare scorrevolmente e possiede sufficiente carisma.
Disgrace inizia con un effetto che sembra ripreso dai bassi effettati di Powertool dei Gardenian. Rapidamente si inserisce la decisa e cadenzata sezione ritmica, mentre le chitarre tessono giri melodici di note che non tardano a trasformarsi in distorsioni basse e magmatiche. La voce qui è più spenta e meno trascinante, il ritornello cerca di compensare con un sottile risvolto emozionato ma l'impatto è minore che nella precedente canzone.
Blizzard of Nails è un inquietante pezzo maggiormente doom-oriented, è molto meno originale e scorre via abbastanza anonimamente nonostante alcuni riff alienanti ed efficaci nel ricreare un'atmosfera oscura, a tratti quasi maligna.
Blowtorch cerca di rimescolare un hard rock/stoner non molto ispirato a piccoli fraseggi vicini al metal di Gothenburg in una versione stemperata, non convince al 100% ma i refrain si lasciano ascoltare senza peso.
La conclusiva Never Debate è uno stoner convenzionale, saturo e psichedelico, buono nel riffing monolitico e nelle parentesi di chitarra clean, ma poco personale, ancora troppo immatura come canzone.

Non azzardiamo previsioni sul futuro della band, ancora giovane e con molta strada davanti. L'attitudine (almejno dichiarata) che cercano di buttare dentro il songwriting è quella dell'essere trascinanti ma creativi, il che potrebbe lasciar sperare in una maturazione costante e costruttiva dei sei svedesi nelle prossime release, ma devono anche svecchiare i tratti meno freschi del loro stile, valorizzando gli aspetti positivi per non affossarsi nel marasma di gruppi mondiali arrivando a proporre canzoni derivative e prive d'originalità.