Punk Rock

The Hunting Party

Matthias Stepancich — Wed, 11 Jun 2014 18:22:29 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Giuseppe Dalicante

Genere:

Punk Rock

Pop

Crossover

Etichetta:

Machine Shop/Warner Bros.

Anno:

2014

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Official website

Line-Up:

Chester Bennington – vocals
Rob Bourdon – drums, percussion
Brad Delson – lead guitar
Dave "Phoenix" Farrell – bass guitar
Joe Hahn – turntables, sampling, programming
Mike Shinoda – vocals, rhythm guitar, keyboards

Guests:
Page Hamilton - vocals (on "All for Nothing")
Daron Malakian - guitar (on "Rebellion")
Tom Morello - guitar (on "Drawbar")
Rakim - vocals (on "Guilty All the Same")

Tracklist:

1. Keys to the Kingdom – 3:38
2. All for Nothing (feat. Page Hamilton) – 3:33
3. Guilty All the Same (feat. Rakim) – 5:55
4. The Summoning – 1:00
5. War – 2:11
6. Wastelands – 3:15
7. Until It's Gone – 3:53
8. Rebellion (feat. Daron Malakian) – 3:44
9. Mark the Graves – 5:05
10. Drawbar (feat. Tom Morello) – 2:46
11. Final Masquerade – 3:37
12. A Line in the Sand – 6:35

Linkin Park

The Hunting Party

“Oh m***a, le radio rock non passeranno più le nostre canzoni, non è vero?”. È questa una delle domande che Mike Shinoda, la mente dei Linkin Park, ha rivolto al suo manager prima di rivolgerle a se stesso. “Sono pronto comunque ad una sfida e credo nella musica”, la risposta dello stesso Shinoda rilasciata in un’intervista al Rolling Stone.
Al contrario di quanto ci si potesse aspettare però i “nuovi” Linkin Park non hanno continuato a seguire quel sound elettro-pop melodico che aveva contraddistinto i loro ultimi lavori. In particolare A Thousand Suns, l’apice del loro cambio più repentino di stile e dunque di maggiore distanza da ciò che li ha portati ad essere i Linkin Park: l’energia, l’intensità emozionale dei loro pezzi, quel misto di rabbia e malinconia fatta di riff accattivanti, di chitarre, di strofe ritmate e melodiche.

Era quella la direzione in cui stavano andando, conferma Shinoda nella medesima intervista, ma ad un certo punto c’è stato un cambio di rotta. Non erano più sicuri che fosse quella la vera direzione da prendere, e The Hunting Party è il primogenito di quel pensiero insicuro, di quei dubbi che si sono trasformati in certezza: i Linkin Park sono tornati. Non dobbiamo però aspettarci un nuovo Hybrid Theory o un nuovo Meteora, bensì un gran miscuglio di tutto e niente; un sound che non è di certo tornato quello del miglior nu-metal di quella generazione, ma che da quel nu-metal recupera parte dell’energia delle chitarre, lasciando evolvere le batterie, amplificando le urla, incattivendo i ritmi. Influenze fortemente punk rock e dall’hardcore melodico fanno prepotentemente il loro ingresso in quest’opera, alzando notevolmente l’indice tecnico di ciò che vien suonato, rendendo la vita più complicata a Brad Delson ma soprattutto al batterista Rob Bourdon, forse la star emergente di questo album.

“Keys to the Kingdom” mette subito le cose in chiaro, grazie a urla strozzate di Chester Bennington e all’aiuto di Joe Hahn che aggiunge un tocco di elettronica ed effetti, più tardi anche a Shinoda, al suo rap e alla sua performance melodica. Un pugno nello stomaco per coloro i quali si aspettavano i dolci pop di A Thousand Suns. Veloci i ritmi della batteria che varieranno durante la stessa canzone (doppio pedale, esatto, qualcosa che non ci si aspettava di certo, considerando gli ultimi lavori del gruppo a stelle e strisce), chitarre terribilmente aggressive che raschiano il sound incattivendolo più che mai. Il caos esplosivo, probabilmente la canzone più energica che i Linkin Park abbiano mai suonato, qualcosa di assolutamente straordinario.

Dopo essere stati lasciati piacevolmente introdotti al sound del nuovo album grazie a Keys to the Kingdom, Page Hamilton (frontman degli Helmet) mostra subito la sua influenza nelle tonalità di “All for Nothing” intervenendo poco dopo le prime strofe rap di Shinoda. Il pezzo sembra quasi suonare come uno dei brani dei Limp Bizkit (primi album), e il trio Hamilton-Shinoda-Bennington sembra funzionare alla grande. Ancora assoli di chitarra, magistralmente accompagnati dai cambi di ritmo di Rob Bourdon, e il refrain “All for nothing” tipicamente punk rock mostra chiaramente quanto Bennington sia in grado di aggiungere del proprio nella sua interpretazione helmettiana.

È poi il turno di “Guilty All the Same”, il primo vero singolo presentato dalla band statunitense, in collaborazione con il leggendario Rakim, uno dei migliori MC di sempre. Tuttavia, prima di far la sua comparsa nel brano, la band mostra palesi influenze dall’hardcore melodico se non dal metalcore, dunque più lavoro del solito per Bourdon e Delson, che ancora una volta giocano bene mantenendo il ritmo delle chitarre e delle batterie piuttosto alto. È da poco più della metà della canzone che The God MC Rakim fa la sua comparsa, ricordando a tutti chi ha influenzato gente come Shinoda, ad esempio. La canzone termina con uno shredding, uno dei tanti che potranno essere apprezzati lungo il corso dell’album.

Piccolo momento di pausa con “The Summoning”, una sequenza di intermezzo dove dei carillon distorti ed un crescendo d’effetti elettronici tipici dei momenti di tensione di un qualsiasi blockbuster ci introducono al prossimo pezzo: “War”. Qui siamo solo ed esclusivamente sul punk rock, non vi sono altre influenze. Non ci sono effetti di sorta, una totale assenza del DJ Joe Hanh e di Shinoda, spazio per Bourdon ancora una volta, ma soprattutto per lo shredding caotico-punk di Brad Delson, e per aggressività pura nelle urla di Chester verso il finale della canzone. Tuttavia il pezzo non pare incantare, violenza gratuita ma che non sembra lasciare il segno.

Cambio radicale avviene con “Wastelands”, che sembra abbracciare la classica formula rap shinodiano + melodia alla Chester. L’influenza punk è qui minima, un lavoro abbastanza in linea con lo stile dell’ultimo album Living Things, un ritmo piuttosto costante con un momento di esplosione prolungato nei tempi verso i tre quarti del pezzo. Poi un lieve momento di calma, dove Chester pian piano riprende il ritornello, che termina con un ponte-intro per la track successiva.

“Until It’s Gone”, è sicuramente la canzone che rappresenta i Linkin Park melodici modello Minutes to Midnight. Shinoda assente nella canzone, ma enfasi sull’energia delle chitarre, un ritmo lento e gustosamente pop-rock, Joe Hahn che utilizza effetti sintetizzati tipici delle soundboards modello 8-bit, sebbene non prepotenti. Il ritmo della canzone potrebbe essere paragonato a quello di What I’ve Done dell’album Minutes to Midnight, ma più deciso, più energetico, più in stile Linkin Park originali. Per non dimenticare, Chester ci ricorda di essere in grado di urlare rendendo la canzone quasi rabbiosa ma ancora di appeal pop, alla fine del pezzo.

“Rebellion”, una delle track più attese, è in collaborazione con Daron Malakian (chitarrista dei System of a Down nonché Scars on Broadway). Esattamente come con Page Hamilton, l’influenza di Malakian è chiara come il sole, con il sound delle chitarre arabeggianti del maestro armeno-americano. Senza esser troppo scontati, il pezzo suona esattamente come uno dei System of a Down, e Mike Shinoda accompagna perfettamente Chester durante l’intera canzone. Essendo in stile SoaD, la canzone si innesca verso i tre quarti con una dose violenta di “We fall apart”, urlata magistralmente da Bennington.

“Mark the Graves” inizia con il duo Delson-Bourdon, che ancora una volta dimostra di saper alternare ritmi davvero interessanti, ora repentini, ora lenti. Una canzone denotante un Chester melodico che prosegue attraverso i ritmi, spesso cangianti, dettati da una batteria mai così presente come in questo pezzo. Mike accompagna Chester senza mai sovrastare la voce di quest’ultimo, in quello che sembra un festival di cambio di ritmi parecchio amalgamati, sulla (bella) copia di una track in stile A Thousand Suns in quanto a varietà di ritmi, ma con una massiccia presenza di quelle chitarre che in quell’album sembravano quasi assenti.

La nota dolente dell’album è la collaborazione con Tom Morello (celebre chitarrista dei Rage Against the Machine) in “Drawbar”. Un pezzo interessante in teoria, ma che in pratica non mette a frutto alcun potenziale. Dura poco, non esplode, il pianoforte dolce è bello nelle sue note, ma la chitarra pizzicata e distorta da Joe Hanh non rende sfortunatamente giustizia all’immenso groove che avrebbe potuto offrire questa collaborazione. Di Chester e Mike non c’è traccia, non c’è cantato. Concettualmente con parecchio potenziale, sfortunatamente lascia l’amaro in bocca. Una buonissima sequenza d’intermezzo, certo, un po’ come dire di guidare una Ferrari su una pista ciclabile: uno spreco.

“Final Masquerade” continua la scia di dolcezza iniziata da Drawbar portandola ad un livello sicuramente più vicino allo stile melodico del gruppo a cui siamo stati abituati da Minutes to Midnight in poi, ma anche qui con delle chitarre che le rendono giustizia, restituendo quel suono emotivamente intenso firmato Linkin Park che si era perso per strada via via con gli anni. Una ballad di tutto rispetto, la classica track da inserire in un nuovo Transformers. Una canzone che attraverso i dolci e malinconici versi di Chester sembra esprimere alla perfezione concetti come delusione e rimpianto. L’assolo tenue di Delson ad un certo punto connette la canzone in modo esemplare. Un pezzo che, seppur non brillante di originalità, risulta forse uno dei più riusciti nel suo intento: trasmettere emotività, come ai vecchi tempi.

L’album si chiude con la sorprendente “Line in the Sand”, che rafforza il concetto di sorpresa, di piacevole sorpresa che rappresenta l’intera opera. Si apre melodicamente bene, con Mike che sembra introdurre una nuova ballad, ma invece cambia di ritmo in maniera impressionante, spiazzando l’ascoltatore, che si ritrova assalito da una delle oramai classiche alternanze Delson-Bourdon; chitarre veloci, batterie pesanti. Poi ancora la calma, ritmi che cambiano ancora, e Shinoda che pian piano si lascia supportare da Bennington, che prende possesso della track parallelamente a un’iniezione di ritmi chiaramente punk rock. In questa canzone c’è tutto: il canto melodico di Mike e Chester con urla e versi rap dei rispettivi esponenti, l’elettronica di Hahn, le influenze pop-rock, i bassi di Phoenix Farrell, gli assoli di Delson, le esplosioni di batteria di Bourdon. La degna conclusione che meglio rappresenta l’intero spirito dell’album: il vecchio misto al nuovo, il tutto con un unico minimo comune denominatore chiamato “energia”.

I Linkin Park sono tornati? Si.
Sono quelli di un tempo? In parte.
Dopo i primi accenni di un risveglio degno di nota nell’ultimo Living Things, il gruppo dimostra di essere in grado di fare cose straordinarie, e The Hunting Party esprime un lavoro certosino che eleva ogni singolo membro del gruppo.
A parte qualche lieve incertezza in War e la deludente Drawbar, The Hunting Party si piazza di diritto negli album top in uscita quest’anno (e non solo).

Siamo davanti al nuovo Hybrid Theory? No, siamo tecnicamente su di un livello superiore.

Bentornati Linkin Park.

Harmonicraft

Matthias Stepancich — Sat, 12 Jan 2013 05:30:05 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Punk Rock

Sludge

Alternative Metal

Etichetta:

Volcom

Anno:

2012

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Steve Brooks - Guitars, Vocals
Andrew Elstner - Guitars
Jonathan Nuñez - Bass
Rick Smith - Drums

Tracklist:

1. Letting Go – 2:03
2. Kicking – 2:35
3. Walk it Off – 1:25
4. Reverse Inverted – 3:50
5. In Pieces – 3:09
6. Snakes Are Charmed – 3:14
7. Sky Trials – 1:18
8. Roaming – 3:20
9. Skin Moth – 3:18
10. Kiss Me Dudely – 1:48
11. Solitary Traveler – 2:48
12. Harmonicraft – 3:15
13. Looking On – 6:40

Torche

Harmonicraft

Dopo aver perso il chitarrista Juan Montoya (sostituito da Andrew Elstner), e aver pubblicato l'EP Songs for Singles (2010), con cui avevano tentato (non senza ironia, a partire dal titolo) un approccio più melodico, forma-canzone e orecchiabile, senza tuttavia trovare soluzioni troppo convincenti, per i (nuovamente) quattro Torche di Miami è la volta del terzo full-length Harmonicraft (Volcom, 2012), un lavoro esagitato, travolgente e perforante che li rilancia nel gotha del nuovo heavy rock.

Si viaggia senza mai un momento di stanca tra la percussione costante tesa verso il tribale di Letting Go (che mette già in chiaro il tardemark del disco nel contrasto tra chitarra ritmica sludgy, pesante, terremotante, seconda chitarra schizzante in arzigogoli melodici metallici, vibranti, caleidoscopici, e voce che ritaglia melodie memorabili in una vena che ricorda più i Dinosaur Jr. che la tradizione sludge/stoner), i rallentamenti effettati e psichedelici del chorus di Kicking, il minuto e mezzo al fulmicotone di Walk It Off, la granitica e cadenzata Reverse Inverted (con lamentosi fraseggi di chitarra sopra ad una ritmica alternante 4/4 e 5/4 in variazioni diverse tra strofe e chorus, quest'ultimo con un riff sludge spaccaossa, fino ad una coda eccezionale che sviluppa un'avvolgente e stratificata figura ripetuta su ritmica 4/4 alternato a 6/4), il martellamento rabbioso di In Pieces (con una forte vena alla Helmet in voce e distorsioni metallico-industriali), le esplosioni tra indie-rock, psichedelia e sludge di Snakes Are Charmed (con pioggia costante di frasi chitarristiche), il minuto e mezzo scarso dell'anfetaminica Sky Trials (un misto tra hardcore melodico, indie-rock e Mastodon), le acrobazie ritmiche e melodie vocali memorabili di Skin Moth, l'inaspettato cambio di passo con la lenta Solitary Traveler (un torrente sonoro di malinconia creato attraverso chitarre pesantemente distorte, in un aggiornamento metal di shoegaze e indie introverso-intimista, che ricorda da vicino agli analoghi esperimenti distorti, melodici e cadenzati del Jesu di Conqueror e Opiate Sun), le feroci bordate chitarristiche della strumentale title-track, ed un finale da apocalisse con i quasi 7 minuti di Looking On (che più di tutti richiama non solo i Melvins, e in una maniera molto più calda e orecchiabile anche al post-metal dei Neurosis, ma si avvicina anche allo stoner-doom psichedelico e religioso degli Om, con un chorus vocale evocativo da fine del mondo, senza tuttavia riuscire a resistere alla tentazione di chiudere il tutto, dopo una serie di colpi lentissimi e micidiali ed un breve silenzio, con un minuto scarso di sludge-punk nuovamente a rotta di collo).

Non siamo di fronte ad uno stoner che semplicemente assorbe molto dal punk, come poteva esserlo nei massicci Fu Manchu, ma ad una contaminazione più variegata, schizoide, "liquida" e post-moderna: le svariate dosi di punk, indie e pop gettate nel calderone suonano più che in linea con il sound generale della loro generazione, anzi, nelle loro aperture stratificate diventano quasi futuristici.
Ed anche se non raggiunge il livello di innovazione, esplosività e genio melodico del loro debut omonimo del 2005 (senz'ombra di dubbio uno dei migliori album sludge degli anni 2000), il lavoro è comunque più accattivante, e apprezzabile da un pubblico più vasto, rispetto al loro secondo Meanderthal del 2008, disco che (specialmente grazie alla pubblicazione per la Hydra Head di Aaron Turner) a tutt'oggi resta il loro più conosciuto. Il cambio di rotta avvenuto con Meanderthal, tramite cui il gruppo aveva iniziato ad assimilare parte del linguaggio alternative rock di 1980s e 1990s, mischiandolo ad un vivace sludge moderno di radice Mastodon-iana, è stato in Harmonicraft ripreso, ma dirottato verso lidi più punk, scoppiettanti, catchy, solari e divertenti.

Coloratissimo e caleidoscopico, Harmonicraft è una boccata d'aria fresca necessaria per tutto il genere.

David Comes to Life

Emanuele Pavia — Sun, 31 Jul 2011 22:00:37 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Punk Rock

Hard Rock

Etichetta:

Matador Records

Anno:

2011

Link correlati:

Fucked Up @Myspace.com

Line-Up:

- Pink Eyes (Damian Abraham) – Voce
- 10,000 Marbles (Mike Haliechuk) – Chitarra
- Gulag (Josh Zucker) – Chitarra, Voce
- Young Governor (Ben Cook) – Chitarra, Voce
- Mustard Gas (Sandy Miranda) – Basso
- Guinea Beat (Jonah Falco) – Batteria, Chitarra, Tastiere

Guests:
- Madeline Follin - Voce
- Jennifer Castles - Voce

Tracklist:

1. Let Her Rest
2. Queen of Hearts
3. Under My Nose
4. The Other Shoe
5. Turn the Season
6. Running on Nothing
7. Remember My Name
8. A Slanted Tone
9. Serve Me Right
10. Truth I Know
11. Life in Paper
12. Ship of Fools
13. A Little Death
14. I Was There
15. Inside a Frame
16. The Recursive Girl
17. One More NIght
18. Lights Go Up

Fucked Up

David Comes to Life

Venuti alla ribalta del fenomeno hardcore punk con una serie di promettenti demo che avevano spianato la strada al debutto su full-length, avvenuto nel 2006 con la pubblicazione di Hidden World, e affermatisi tra i massimi esponenti (e innovatori) del genere nell'ultimo decennio grazie all'hardcore "progressivo", sinfonico e riccamente arrangiato presentato nel successivo The Chemistry of Common Life del 2008, i canadesi Fucked Up ritornano nel 2011 presentando il grandioso David Comes to Life - pubblicato il 6 giugno scorso dalla stessa Matador Records che aveva pubblicato il loro ultimo album in studio - dopo un lungo concepimento di ben tre anni.

Aperto omaggio ai grandi doppi album del passato del calibro di Zen Arcade degli Hüsker Dü (di cui riprende anche l'estetica del doppio vinile), David Comes to Life porta a compimento il progetto che i Fucked Up avevano già abbozzato con il concept di The Chemistry of Common Life. L'album è infatti un'ambiziosissima rock-opera in quattro atti, ambientata nell'Inghilterra degli anni '80, che narra la love story tra l'operaio impiegato in una fabbrica di lampadine (da cui la copertina del disco) David Eliade con la giovane rivoluzionaria Veronica Boisson, seguendo una narrazione complessa, talvolta indecifrabile, erede dei testi metafisici dylaniani; a questo plot arzigogolato si aggiunge inoltre uno studiato e impegnativo lavoro strumentale, che riesce nell'obiettivo di mitigare la visceralità punk dei precedenti full-length con i massimalisti arrangiamenti delle grandi opere rock del passato (Tommy su tutte) e con la forte enfasi emotiva dei testi figlia tanto di Bruce Springsteen quanto dei Replacements.

Love, then the tragedy strikes the town.
Il primo atto rappresenta probabilmente quello più solare di David Comes to Life. L'overture Let Her Rest, con le eteree melodie di chitarre che ricalcano quelle sognanti delle ninna nanne, introduce alla vera apertura della narrazione con la successiva Queen of Hearts, in cui la voce roca, volgare e tipicamente hardcore di Pink Eyes (aka Damian Abraham), voce narrante, dipinge le rosee aspettative nel futuro dei due amanti, contrapponendosi prima alle ineffabili melodie di chitarra quasi shoegaze, e successivamente alla voce angelica di Madeline Follin (dei Cults), che invece si cala nei panni della giovane Veronica. Le premesse vengono portate alle estreme conseguenze in Under My Nose, dove i vitali riff di chitarra (che questa volta ripescano dal punk-pop degli Hüsker Dü più melodici) incorniciano la gioia del giovane David, alle prese con la vita che finalmente si dimostra generosa nei confronti di un operaio della working class; The Other Shoe è invece, come dimostrato anche dalle sessioni strumentali più dure (che si rifanno principalmente agli Who), il primo segnale della fine dell'idillio, che arriva definitivamente con Turn the Season, dove, riprendendo il tessuto sonoro più hard rock del pezzo precedente, viene descritto il tragico scioglimento della love story: Veronica, infatti, muore in un fallito attentato alla fabbrica, lasciando David nella più totale disperazione e chiudendo dolorosamente il primo atto della rock opera.

David loses Veronica, and then himself, as he succumbs to guilt and despair.
Alla morte della ragazza succede inevitabilmente la disillusione dell'amante: introdotto da un significativo How could have we been so blind?, Running on Nothing prosegue sulla scia del rock alla Who, tra duri riff di chitarra e melodie orecchiabili, illustrando tutta la delusione e i sensi di colpa di David per la fine della sua gioia, esemplificata ancor di più dalla successiva Remember My Name (in cui i riff hard rock e i motivi pop diventano funzionali alla voce di Pink Eyes). Il dialogo di chitarra e batteria a chiusura del pezzo conduce quindi l'ascoltatore alla volta di A Slanted Tone, che introduce il personaggio di Vivian Benson, ex-fidanzata di David, e successivamente a Serves Me Right (uno dei pochi pezzi considerabili hardcore punk di tutto il concept album), in cui David rimette in discussione il suo dolore per la morte di Veronica, attribuendovi invece il significato di una meritata punizione per aver creduto nell'amore.

Another character is revealed, putting the responsibility for Veronica's death into question.
Dopo la pessimista chiusura hardcore del secondo atto, il concept del disco vira verso lidi più cervellotici: a partire dalla ballata Truth I Know (con intro acustica e piglio punk-pop nuovamente debitore degli Hüsker Dü), infatti, entra in scena Octavio St. Laurent, narratore delle vicende di David Comes to Life in preda a deliri di onnipotenza nonché coinvolto nella morte di Veronica. Tra David e Octavio comincia, a partire da Life in Paper, un rapporto conflittuale e quasi metafisico (come dimostrato sia dalle aspre accuse di David nei confronti del narratore/dio, sia dai riff di chitarra che sembrano elevarsi al cielo) che sfocia infine in un aperto scontro nell'hardcore vivace e straripante di arrangiamenti di Ship of Fools: l'esito della battaglia è fallimentare per David, che nella sfuriata punk rock di A Little Death perde definitivamente la voglia di vivere e di amare ancora, raggiungendo il culmine di dolore del disco e decretando la morte interiore del personaggio.

A revelation from Vivian sheds more light on Veronica's death; Octavio and Vivian explain their motives, and David is reborn.
Ma la redenzione arriva con l'atto finale della punk rock opera. Infatti, in I Was There Vivian afferma di aver assistito agli ultimi istanti di vita di Veronica, e descrive minuziosamente (accompagnata da camaleontici riff hard rock e vorticose distorsioni di chitarra) il momento della morte della giovane attivista. A ciò seguono quindi la confessione westerbergiana (sia nei testi, sia nelle soluzioni musicali che riportano alla mente il punk rock cantautorale dei Replacements) di Octavio in Inside a Frame, dove ammette il suo fallimento come narratore onnisciente e quasi divino quale aspirava ad essere, e la melodica e solare Recursive Girl, in cui Vivian proclama il suo proposito di ritornare a vivere e ad amare, per sopportare il dolore del passato. E finalmente, David riesce ad ammettere il suo unico errore, ovvero aver cercato invano di dimenticare l'amore perduto, e ritornare a vivere, sostenuto dai riff nuovamente solari e gioiosi di chitarra di One More Night (un rock energico e magniloquente negli arrangiamenti, dove ritorna il contrasto tra voce hardcore maschile e voce celestiale femminile della cantautrice Jennifer Castles) e della conclusiva Lights Go Up (che segna la fine del travagliato percorso interiore di David con i suo riff hard rock liberatori e sontuosi, che riprendono ed esasperano la gioia presente nel primo atto).

Nel lungo percorso che rappresenta il concept di David Comes to Life, i Fucked Up riescono a inserire un'energia e una vitalità inedita anche rispetto ai loro precedenti dischi. La loro musica non è più semplice hardcore, ma ne recuperano il vigore per infonderlo nei sontuosi arrangiamenti e nei melodici fraseggi strumentali che sono ormai più vicini all'hard rock che al punk, ed è proprio questo grande studio musicale a costituire il punto di forza del disco. L'unico neo di tutto il tessuto sonoro è però una monotona voce sguaiata di Pink Eyes (unico elemento veramente hardcore rimasto in David Comes to Life) che non sempre è adatta al concept narrato o al lavoro strumentale che lo accompagna; ma riuscendo a soprassedere a questo difetto, il monumentale doppio album dei Fucked Up non mancherà di affascinare coloro che decideranno di ascoltarlo.

Fellem Potoane

Giulio Magliulo — Fri, 26 Aug 2016 11:38:04 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Alternative Rock

Etichetta:

Big Lakes Records

Anno:

2016

Line-Up:

Gianmarco Ciarmatori – voce/chitarra
Gabriele Fabri – voce/basso
Carlo Mengascini – chitarra
Davide Donati - batteria

Tracklist:

Preludio
Surfing (Dorika Version)
Vigor
Sentimento
Interludio (Fellem Potoane pt.1)
Mi Sento Mario
Fulmine
Passato
Tripudio (Fellem Potoane pt. 2)

Jasmine Gli Sbalzi

Fellem Potoane

Ancora una volta le Marche vincono con l'esordio su lunga distanza dei Jasmine Gli Sbalzi.
Vincono perché quel territorio impervio tra alternative e punk rock, fatta eccezione per alcune declinazioni mainstream, tutto sommato è ancora inespugnato.
E certamente non sono state le varie ondate del panorama emo o l'ironia a tutti i costi della generazione anni zero a dominarlo.

Capaci di fare canzoni straight to your face senza necessariamente inscenare screamo-drammi o peggio, intellettualizzare il punk a tutti i costi, le nove tracce di Fellem Potoane schizzano via in una ventina di minuti, il tempo giusto per apprezzarle e immaginare gli scenari che Jasmine può lasciare aperti.
Complimenti anche a Mattia Coletti per la messa a fuoco.
Mi Sento Mario best track.

Alien Peyote

Giulio Magliulo — Sat, 23 May 2015 19:10:39 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Punk Rock

Etichetta:

Bloody Sound Fucktory

Anno:

2014

Line-Up:

Alessandro Fiordelmondo
Michele Prosperi
Andrea Refi
Andrea Carbonari

Tracklist:

1.Alien luftwaffe (part 1)

2.Alien luftwaffe (part 2)

3.El Coyote

4.Call to arms for psychedelic punks …

5.Be Bop A Loser

6.Halleluja

7.Mezcal

8.Chief Doonga

9.Young Men’s Guru

Jesus Franco & The Drogas

Alien Peyote

Alien Peyote è un concentrato letale di tutte le sottoculture rock and roll.

Già dal monicker (che cela gente proveniente da Guinea Pig, Butcher Mind Collapse, Laundrette ecc.) si può intuire quale sorta di tossica miscela si sprigioni da Alien Peyote: garage rock, punk, JD e horror b-movie, droga, brandelli di psichedelia pesante e lercia, comics proibiti e tutto ciò che a questo immaginario riusciate ad associare.

Ci spieghiamo meglio? Feedback e chitarre dronanti alla Chrome, i Cramps dopo mutazione licantropa, i Radio Birdman o i New Christs con seri problemi neurologici e di corde vocali, i Dwarves se avessero suonato tra i settanta e gli ottanta, i Fuzztones se fossero arrivati dopo lo stoner rock, i Bauhaus in fregola rockabilly, i Lone Wolves nell'ultimo loro giorno di vita.

Musica che non sposta di una virgola l'assetto della nostra discografia adolescenziale - figurarsi se riesce a incidere su quella contemporanea – ma significativa nei suoi intenti e nelle funzioni che assolve quali quella di memoria storica di come si suonava il rock and roll, di rappresentazione di una reazione ormonale di una gioventù musicalmente non ancora sedata, di un approccio alla materia rock and roll mai svincolata dal fattore divertimento e per questo capace di prendersi in giro e ridere di sé stessa.

Il tutto, trasposto in chiave simbolica, assumerebbe connotati sociologicamente molto più seri e indurrebbe altre riflessioni ben più profonde ma inadeguate a questo spazio; neanche Jesus Franco & The Drogas forse le vorrebbero.

Bloody Riot

Giulio Magliulo — Mon, 30 Mar 2015 18:31:43 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Hardcore

Etichetta:

Meccano Records

Anno:

1985

Line-Up:

Lorenzo Canevacci - chitarra
Roberto Perciballi - voce
Alex Vargiu - basso
Fabiano Bianco "Master" - batteria

Tracklist:

1. Nervous breakdown
2. Birra
3. Don't think of tomorrow
4. Bloody riot
5. Partisans
6. Polizia
7. Gioventù bruciata
8. Bitch
9. No eroina
10. Teppa life
11. Hear the noise
12. Contro lo Stato / C.I.s.
13. Naja de merda

Bloody Riot

I Bloody Riot si formano nel 1981, l’anno di Land Speed Record degli Hüsker Dü.
Nel 1983, anno del primo omonimo e.p., i Suicidal Tendencies lavorano – tra gli altri – alle basi del crossover hardcore metal.
Nel 1985, anno dell’album che stiamo trattando, ulteriore scarto in avanti della scena hardcore punk in direzioni emo e straight edge grazie a Youth Of Today e Rites Of Spring.
In Italia soltanto qualche anno dopo si romperà una barriera che porterà alla formazione di una vera scena punk hardcore stimata anche all’estero, quella dei soliti nomi quali Kina, Negazione, Raw Power.

Una vera coscienza collettiva hardcore punk in quel 1985 non esiste, meno che mai a Roma. Però, come in tutte le periferie marginali di ogni impero ci sono dei prime movers che restano ineguagliabili. E i Bloody Riot in tal senso hanno significato tanto e di più rispetto ad altri nomi ben più famosi.

Sarà sempre per il discorso delle periferie e degli imperi, non solo geografici ma soprattutto culturali, con i poveri mezzi di diffusione di cui si disponeva allora, perlopiù fanzine e cassette ed occasioni di concerti di un certo tipo solo attraverso i centri sociali che i Bloody Riot arrivarono alle nostre orecchie solo qualche anno più tardi, quando già la scena si era evoluta, e non essendo pervenuti prima dei precedenti degni, con loro è come se avessimo ascoltato punk in italiano per la prima volta.

Dopo trent’anni quell’energia rozza e bestiale, quella violenza e al contempo quell’ingenuità sono rimaste intatte.
Non entriamo nel merito dei testi poiché – come già detto – quelli che oggi possono apparire ingenui o pittoreschi per usare un eufemismo – in realtà allora erano l’unica forma possibile per vomitare in musica sul deserto di valori circostante.
E al netto di certe coloriture, il messaggio di fondo di un certo disagio è transgenerazionale: cambiano le armi, non c’è più la naja ma le entità stato e autorità restano, così come la tirannìa delle droghe che magari non si chiamano più eroina.

I Bloody Riot una posizione l’hanno presa, per certi versi perfino romantica (Gioventù Bruciata, No Eroina), magnificamente apolitica (‘no comunisti no fascisti’) e quindi sinceramente anarchica.
Da qualche giorno Roberto Perciballi voce dei Bloody Riot non c’è più ed è come se un altro pezzo di quella Roma dalle coalizioni politiche scioglilingua che riusciva a cantare solo Rino Gaetano, di quella Roma lontana anche dalle derive post-pasoliniane, sfuma all’orizzonte.
Chi vuole ricordare con rabbia però ne ha ancora di tracce da seguire.

The Belgians

Giulio Magliulo — Tue, 13 Jan 2015 15:44:29 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Noise

Etichetta:

Jaune Orange

Anno:

2014

Line-Up:

Boogie Snake : Guitar

Devil d'Inferno : Drums, Percussions

Dirty Coq : Vocals, Guitar

Tracklist:

1. Brabançonne part 1
2. Belgian State Of Frustration
3. Weird
4. My Street
5. Disobey
6. Brabançonne Part 2
7. Belgian Shake
8. Satisfy Me
9. She Could Be My Daughter
10. Belgian Hero
11. Belgians Don’t Cry

The Experimental Tropic Blues Band

The Belgians

Esiste un particolare ambito musicale che non è genere né sottogenere.
Esso non è legato a precise coordinate stilistiche né ad un determinato tempo.
Quando si manifesta provoca negli ascoltatori i sentimenti più contrapposti, poiché stimola al contempo sia la sfera della fisicità che quella dell’intellettualità.

Amato dagli anarchici e dagli schizzati, dai nemici dell’ovvio nell’arte e nella musica, da chi sa prendersi non troppo sul serio, da chi utilizza l’ironia come la più tagliente delle armi e la musica stessa come ironia.

Odiato da chi ritiene qualsiasi forma di contaminazione elemento spurio, da chi asserisce che la musica deve essere sempre una cosa seria e da chi è afflitto da una patologica forma di pigrizia artistico/mentale per cui ogni suono sconnesso e scoordinato genera ansia e stati di panico.

I primi nomi che io metterei in questa lista di musicisti-outsiders sono Captain Beefheart e Frank Zappa, poi Jad Fair e gli Half Japanese, poi Jello Biafra ed i Dead Kennedys, la Blues Explosion, i Butthole Surfers ed infine tutti i minori che hanno mosso i primi passi dal sottobosco garage, post-rock, mathcore ecc. ed impastati di follia, di visioni surreali e di voglia di divertimento, hanno deciso di muoversi su adrenaliche coordinate rock and roll per dire anche qualcos’altro, o dirlo in modo diverso.

Non è il concept relativo al popolo di mangiatori di cozze e patatine fritte ad interessarci più di tanto, ma lo spirito della gag che The Experimental Tropic Blues Band incarna nella sua forma garage-punk più esuberante, complice anche delle frequentazioni trascorse con John Spencer, Matt Verta Ray e gente così; ulteriori garanzie non sapremmo proprio darvi.

Gioventù Bruciata

Giulio Magliulo — Sun, 15 Jun 2014 19:53:03 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Hardcore

Etichetta:

Brigadisco

Anno:

2014

Line-Up:

Simone: voce

Visper: chitarra

Raffaele: basso

Gianpaolo: batteria

Tracklist:

Lato A - "FURCATIS LINGUA"

Intro/33 giri
Occhio tagliato
Furcatis lingua
Horror vacui
Circolo vizioso
Sessantotto merda
Young 'til I die
Visioni Meccaniche (Khalmo)

Lato B - "ANCORA VIOLENZA"

Intro/Violenza
Elettrodi
Depressiva
Formia
Odio tutto
La mia idea
Siringhe
Gioventù Bruciata (Bloody Riot, con Roberto Perciballi)

Gioventù Bruciata

Fine anni '80, centri sociali, occupazioni, hardcore punk. Questo è lo scenario da cui muove i primi passi la Gioventù Bruciata di Formia.

Probabilmente troppo legati al punk rock per essere considerati credibili dagli ideologi della scena dura e pura, i Gioventù Bruciata allora ci riprovano a inizi duemila con una nuovo demo in cui assecondano le loro tendenze e fino al 2004, tra vari cambi di bassisti, calcano i palchi insieme a tutta la scena punk & hardcore che in Italia ha fatto storia.

Passano altri dieci anni e ai ragazzi gli viene di nuovo la voglia. Con una nuova sezione ritmica però. Voglia di cosa? Di portare a compimento quel che hanno iniziato, di rifare Reazione Violenta un po' meglio, di suonare ancora quel punk hardcore all'italiana semplice e diretto senza tanti fronzoli, senza nessuna volontà di compiacere a nessuno.

Ed il disco suona davvero bene, liscio, divertente ed energico.

Ma forse divertenti non vogliono esserlo, magari si divertono solo loro o addirittura non si divertono per niente. Difficile comprenderlo dalle loro dichiarazioni e dai testi dei brani. Ma niente di difficile o di criptico, anzi, il contrario.

Tutta la dialettica punk rock più rozza e volgare è tutta qui, senza mediazione, senza tenersi, come se il tempo si fosse fermato a 25 anni fa, con le medesime tematiche di allora: odio, eroina, provincia, vuoto, noia e depressione.

Difficile immaginare qualcosa di più anacronistico. Difficile immaginare però anche il lusso di poter permettersi di esserlo.

L'album ad ogni modo riesce a funzionare alla grande poiché l'energia che emana è qualcosa che nel nostro tempo è sempre più raro e quando c'è, è artificiosa. Come quelle cose strane che girano oggi ed osano appellarsi 'punk'.

No, il punk è questo ed è qui. Nel bene e nel male, con tutti i suoi limiti espressivi ma anche con tutta la sua rabbia primigenia.

Oltre al materiale di repertorio quindi, due brani nuovi, 33 Giri e Furcatis Lingua ma anche due cover, Visioni Meccaniche dei Khalmo e la storica Gioventù Bruciata dei Bloody Riot, con lo stesso Roberto Perciballi alla voce: miti di serie B, ma scolpiti nel cuore.

Night of the Corn People

Giulio Magliulo — Tue, 12 Feb 2013 16:51:38 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Punk Rock

Hard Rock

Etichetta:

Stanton Park/Helter Skelter

Anno:

1991

Line-Up:

Jim Janota – Drums

Crispin Wood – Guitar/Vocals

Jon Hardy – Bass/Vocals

Tracklist:

"Amsterdamned"

"The Mole"

"September"

"A Pile of Money"

"Covered Up"

"Who's Laughing Now"

"Naked Lady"

"I Smell a Rat"

"Movin' to the Country"

"Barb Jones"

"L. Frank Baum"

"Matter of Time"

"Hey Maloney"

"The Shower"

"Refrigerator Song"

"In My Headphones"

"Meanwhile"

"Maloney's Trip"

"The Grand Mythooza"

"Dr. Lb."

"Frilly Underwear"

The Bags

Night of the Corn People

The Bags, da non confondere con l’omonima formazione punk settantasettina di Los Angeles, son stati un formidabile power trio che sul finire degli anni ottanta agitò la scena bostoniana.

Forti del primo album pubblicato nel 1987, Rock Starve, ben accolto dalla critica grazie alle indubbie capacità della band, dopo qualche emissione sotto falso nome Swamp Oaf tanto per confondere le acque, daranno alla luce nel 1991 il loro terzo album per la label Stanton Park, The Night Of The Corn People. L’album sarà poi pubblicato poco tempo dopo in una versione più estesa in doppio vinile colorato dalla italiana Helter Skelter.

Il momento storico in cui operano The Bags è molto fertile per la scena underground; il grunge ancora non domina il mondo, il metal comincia a scoprire il fianco molle nei suoi aspetti più risibili ed infantili ed anche il punk è ormai da tempo stato soppiantato da una ben più solida verità hardcore.

Contemporaneamente ci sono forti pulsioni revivaliste a spingere già da qualche anno: il garage e certa psichedelia pesante invadono sia l’Europa che l’America.

E’ in questo scenario che vanno compresi i Bags, abili musicisti dal punto di vista tecnico al servizio della dissacrazione del rock and roll. Il formato in cui essi riescono nel loro intento è quello della rock-opera, del concept, delle mini-suites, elementi che solo i folli avrebbero preso in considerazione in quel tempo.

Probabilmente The Bags folli lo erano davvero poiché quelle composizioni, al di là della forma, erano un compendio che andava poi a negare nella sua sostanza la pomposità che solo in apparenza propugnavano.

La buffonesca veste simil-prog serviva insomma a nascondere i rocciosi attributi hard rock, l’immediatezza del garage del tempo, il pop riflesso nelle esperienze più acide che la psichedelia aveva insegnato e le vertiginose e brutali accelerazioni hardcore punk: strampalate digressioni zappiane al servizio di un grande ‘fuck off’ al sistema del rock di quegli anni. Eppure i Bags il rock lo amavano tanto e lo conoscevano ancor di più.

Essi avrebbero saputo suonare ‘seriamente’ qualsiasi sottogenere del rock ma non volevano essere ingabbiati in alcun movimento, non volevano esser parte di una setta e lo strumento con cui hanno deciso di suggellare la loro opera è stata una grassa ed articolata forma di ironia. Un’ironia che si serviva però della perizia, della potenza e della tecnica. Per questo non sarà strano che una band così profondamente underground nelle intenzioni e nell’animo sarà poi successivamente riconosciuta e consacrata più da un ristretto pubblico di ascoltatori maturi avvezzi alle cose ‘tecniche’ che non da un generico pubblico giovanile, ‘indie’, usa e getta.

Bella e strana creatura The Bags, surreali da far invidia a Captain Beefheart, dalla notevole ispirazione letteraria (L.Frank Baum, The Wizard Of Oz), dal falsetto acuto molti anni prima dei Darkness, dalle schizofreniche sfuriate che affiorano inaspettate dopo momenti di placida bucolicità, dalle chitarre iperfuzzate, iperpompate, ipergasate eppure sempre composte sul grande arazzo di fondo i cui singoli frammenti vanno a collocarsi.

Ogni eccesso in quest’album fatto proprio di eccessi e delirio non è mai inutilmente fine a sé stesso. I suoni sono sempre pulitissimi, sebbene anelino al caos. L’immaginario a tratti freak e a tratti glam, da finto-horror e da b-movie sancisce anche il suo legame con le varie teen culture punk-garage oriented ma è sempre riflesso da una psichedelia hard fuori di testa nel suo movente letterario, se così si può dire. L’ibrido è eccitante per quanto straniante.

Tra fusioni impossibili di Ramones e Jethro Tull, rocciosi hard rock tellurici dal passo pesante alla Blue Cheer e grondanti acido lisergico negli assoli, barocche ouverture hard-prog culminanti in rocambolesche cadute sui Misfits più disinibiti, tra Led Zeppelin meno alcool ed eroina e più lsd e bizzarrie da orchi del riff, si consuma uno dei dischi più avventurosi e sconosciuti dell’undergorund U.S.A. dei primi ’90. Mai soffocanti, sempre disposti a grandi aperture melodiche di ampio respiro persino negli episodi più serrati, l’unico riconoscimento che verrà loro tributato – ma di grande valore - sarà da parte dei Sebadoh che nel loro Harmacy faranno una cover molto vicina all’originale di I Smell A Rat.

Barfly

Emanuele Pavia — Wed, 30 Nov 2011 18:20:36 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Punk Rock

Rock

Etichetta:

Smog Veil

Anno:

2011

Line-Up:

- David Thomas - Voce
- Richard Lloyd - Chitarra
- Cheetah Chrome - Chitarra
- Craig Bell - Basso
- Steven Mehlmann - Batteria

Tracklist:

1. I Sell Soul
2. Birth Day
3. Anna
4. Butcherhouse 4
5. Romeo & Juliet
6. Sister Love Train
7. Love Train Express
8. Good Times Never Roll
9. Six and Two
10. Maelstrom
11. Pretty

Rocket from the Tombs

Barfly

Nonostante i Pere Ubu e i Dead Boys siano celebrati come due dei gruppi più validi e importanti del panorama punk e new wave di fine anni '70, le origini di queste band rimangono sconosciute anche a gran parte dei loro estimatori.
Per quanto egualmente importanti per la generazione punk, infatti, i Rocket From the Tombs (il primissimo nucleo musicale in cui suonavano David Thomas e Peter Laughner - voce e chitarra della formazione originale dei Pere Ubu -, Cheetah Chrome e Johnny Blitz - chitarra e batteria dei Dead Boys - e il bassista Craig Bell, intorno alla metà degli anni '70) non pubblicarono mai nulla all'infuori di bootleg e varie demo, sciogliendosi nel 1975 dopo soli otto mesi di attività, nella più totale indifferenza del grande pubblico. I Rocket From the Tombs apparivano irrimediabilmente legati allo status di gruppo cult, conosciuto a malapena dai fan più assidui dei loro spin-off.

Quando però la Smog Veils Records mise insieme la maggior parte delle registrazioni amatoriali dei Rocket From the Tombs nei settantaquattro minuti di The Day the Earth Met the Rocket from the Tombs, nel 2002, la situazione sembrò capovolgersi improvvisamente. Lo storico gruppo garage si riunì l'anno successivo nella formazione quasi originale (Peter Laughner, morto nel 1977, viene infatti rimpiazzato dall'altrettanto storico Richard Lloyd dei Television, mentre il ruolo di batterista viene ora coperto da Steve Mehlman, anch'egli membro dei Pere Ubu ), pubblicando Rocket Redux, una esecuzione del repertorio storico dei Rocket From the Tombs con la line-up appena ricostituita). Ma l'interesse verso la band crebbe ulteriormente quando nel 2006 David Thomas annunciò di essere intenzionato a pubblicare il primo full-length ufficiale a nome Rocket From the Tombs.
La creazione del nuovo materiale per il "debut" album ha occupato così il quintetto dal 2006 fino al 2009, anche se l'opera della band non vede la luce prima del settembre 2011, quando la Smog Veil pubblica Barfly, a ormai trentasette anni dagli inizi (e dalla fine) del quintetto originale.

Il disco, nonostante l'anno di pubblicazione, riesce incredibilmente a suonare come un autentico full-length d'esordio di un gruppo garage anni '70: la sua proposta è infatti diretta discendente del mondo proto-punk di quasi quarant'anni prima (recuperando non solo l'atteggiamento barbaro dei MC5 e degli Stooges, ma anche le sonorità hard/glam dei New York Dolls e dei Dictators e soprattutto le influenze del rock n'roll e del garage più trasgressivo degli anni '50 e '60 secondo la lezione dei Ramones), incastonata stilisticamentre tra le immature, classiche sonorità dei Rocket From the Tombs originali della compilation del 2002 e i sound più innovativi che svilupparono in seguito i loro membri nelle loro due costole principali (in particolare i Dead Boys, maggiormente citati attraverso le undici composizioni di Barfly).
Le barbare partiture delle sfuriate di I Sell Soul, Anna, Sister Love Train (con tanto di fiati anni '50 a coronare il garage dei Rocket From the Tombs), Good Times Never Roll o Maelstrom non lasciano dubbi sui referenti stilistici di tutta l'opera, così come le ballate Romeo & Juliet e Pretty sono insindacabilmente figlie di un approccio americano all'hard rock decisamente anni '70. Tra le sregolatezze garage e l'epilessi punk costruite dagli strumenti si erge però la voce di David Thomas - esuberante e teatrale come da tradizione -, che smorza i toni efferati della musica di Barfly, riuscendo anche a dare un connotato più particolare allo stile dei Rocket From the Tombs.
Non per nulla tra gli sfoghi punk che bruciano la durata del disco (anche questo sintomatico dello spirito che aleggia sull'album) i momenti che spiccano sono proprio quelli più vicini alla new wave istrionica e dadaista dei Pere Ubu, ovvero la farsa patetica di Birth Day e soprattutto la tragicommedia di Six and Two, erede della Modern Dance ideologicamente e stilisticamente (visto anche l'approccio più sperimentale e atipico al garage/punk riscontrabile in queste due tracce).

Barfly non contiene nulla di rivoluzionario o innovativo, né si prefigge, d'altronde, un obiettivo simile: i Rocket From the Tombs vogliono semplicemente mostrare al mondo come sarebbe stato un esordio su full-length nel 1975, riprendendo da quel periodo le stesse sonorità, mezzi e idee che animavano le band americane del pre-'77. E considerato quanto lo smalto e l'energia dei cinque musicisti coinvolti siano rimasti intatti a distanza di così tanto tempo, l'operazione non può dirsi che riuscita.

Per Proteggere E Servire

Gabriele Bartolini — Fri, 13 May 2011 14:45:24 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Punk Rock

Rock

Etichetta:

La Tempesta

Anno:

2011

Link correlati:

MySpace Smart Cops

Line-Up:

-Nicolò Fortuni - Voce
-Marco Rapisarda - Basso
-Matteo Vallicelli - Batteria
-Edoardo Vaccari - Chitarra

Tracklist:

01. Realtà Cercami

02. Vesciche in Guerra

03. Il Cattivo Tenente

04. Facile Bersaglio

05. A Gambe Levate

06. Meglio Insabbiare

07. La Legge Del Più Debole

08. Così Inguaiarono La Piramide

09. Nella Giungla

10. La Soffiata

11. Sangue d' Africa

Smart Cops

Per Proteggere E Servire

Un vecchio detto toscano recita così: "Pioggia il terzo aprilante, quaranta giorni durante". Il tre aprile non è piovuto ma, in barba ad ogni detto, La Tempesta è tornata, più lucida che mai. Da segnalare infatti - in prossimità di un' uscita big come lo split dei Massimo Volume con i Bachi Da Pietra - il debutto degli Smart Cops, istrionico quartetto proveniente dal nord Italia. Il loro Per Proteggere E Servire, è bene chiarirlo subito, è un disco ( o dischetto? Soltanto ventitre minuti) che si fà amare facilmente. Per le melodie, i ritmi, la fluidità del cantato e il sound così troppo pulito da definire duro. Mi ricordano molto i Prozac+, per la facilità con cui queste tracce scorrono e per il target cui molto probabilmente si sono proposti. Il fatto poi che il gruppo annoveri persone che con la musica hanno a che fare da diversi anni, chi in veste di musicista e chi di direttore di etichetta, fà pensare a questo album come ad una passeggiata in campagna, più che ad un progetto di dura applicazione.

Il concept, concetto di fondo, invece sono riusciti a trovarlo, e pure adatto. Undici minitracce che, appunto, si incentrano sulle peripezie di quattro sbirri alle prese con problemi e accaduti che hanno del poliziesco, tanto da sembrare una di quelle serie TV in cui più che del lavoro si pensa alle emozioni delle persone. Anche qui, per l' appunto, si viene scaraventati in un set dove si ha a che fare con l' omosessualità, la droga, retate e perquisizioni. La musica, figlia dei soliti vecchi grupponi ma anche di nuovi ( Oblivians e Verme su tutti), si esibisce in numerosi slalom tra punk, garage e rock n' roll. L' equazione quindi è molto semplice, per questo proprio loro, già esperti, non possono sbagliarla. E così una traccia tira l' altra, coinvolgendo l' ascoltatore in scorribande dal sapore primitivo, andando in contraddizione con la figura della panciuta forza dell' ordine americana. Lo spirito, a dirla tutta, punta tutto sul versante germanico, giocando su un impatto duro ma allo stesso tempo ironico del personaggio, sbattutto da una parte all' altra della città grazie a musiche travolgenti, partendo dalle sirene alcoliche di Realtà Cercami e terminando con l' andatura Lo-Fi ( non a caso Marco Rapisarda vanta nel catalogo della sua Hell, Yes! le uscite delle spumeggianti Dum Dum Girls) di Sangue d' Africa. La scelta di un suono così perfetto, nella chiarezza ( e schiettezza) degli strumenti, è da rimandare, costituendo un fattore in contrapposizione con l' idea di avere di fronte elementi abituati a cantare senza peli sulla lingua, e per questo elemento obbligato di discussione per le prossime uscite.

Per il resto, il disco riesce a convincere presto. Certo, il prodotto è di quelli già sentiti, di sicuro appeal con un certo tipo di pubblico che in sede live, ne sono sicuro, assisterà ad uno spettacolo grezzo e senza fronzoli. Soprattutto di fronte a momenti di follia collettiva come Vesciche in Guerra, i ritornelli da karaoke de Il Cattivo Tenente e Facile Bersaglio, le lodevoli parti ritmiche di Così Inguaiarono La Piramide e Nella Giungla... Insomma, ce n'è davvero per tutti. Canterete a squarciagola le canzoni degli Smart Cops, e alla fine nemmeno farete caso al vuoto che Meglio Insabbiare e La Legge Del Più Debole provocano quando la metà del disco è appena passata. E magari un giorno, visto le affinità di contenuti, ce li gusteremo in tour con i Calibro 35.

Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols

admin — Tue, 14 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Marco Maculotti

Genere:

Punk Rock

Etichetta:

Virgin

Anno:

1977

Link correlati:

Sex Pistols Official Website

Line-Up:

- Steve Jones - chitarra, basso, cori
- Paul Cook - batteria
- Glen Matlock / Sid Vicious - basso
- Johnny Rotten - voce

Tracklist:

1. Holidays in the Sun
2. Bodies
3. No Feelings
4. Liar
5. Problems
6. God Save the Queen
7. Seventeen
8. Anarchy in the UK
9. Submission
10. Pretty Vacant
11. New York
12. E.M.I.

Sex Pistols

Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols

How can you ban language, words? How're words offensive? And why should I have to tolerate YOUR interpretation? I'm the one using the word. ASK me how I'm using it, don't TELL me. And if you don't like the way I'm using it, so what? It's my right. It's my freedom of expression. Without that, we're nothing but slaves.

- Johnny Rotten

Correva l'anno 1977 e in Inghilterra, più precisamente a Londra, così come già stava accadendo a New York (grazie alla musica di gruppi come i Ramones), stava nascendo una cosiddetta "gioventù allo sbando" caratterizzata dal rigetto dei precedenti idoli e da una insofferenza per le forme musicali che allora spadroneggiavano: in particolar modo oggetto di bersaglio era il rock progressivo, visto come fastidiosamente tecnicista e manierista, se non addirittura antitetico al rock & roll più puro e tradizionale con il suo La-Re-Mi... ma anche il più grezzo e diretto hard rock per loro suonava vecchio, stantio, se non addirittura modaiolo in certi casi, senza neanche tirare in ballo il mondo pop, detestato per la sua stessa natura.
Questi giovani contestavano apertamente la precedente beat generation, che nel nuovo decennio ormai era stata "contaminata" dagli stessi borghesi a cui un tempo intendevano opporsi (con flower-power e contestazione studentesca ormai divenuti trend generazionali, giochi intellettualoidi su cui speculare o con cui atteggiarsi), e faceva suoi proclami nichilisti e altisonanti fra cui particolare risonanza ebbe il famigerato "no future!". Essi desideravano la ribellione, volevano la non-musica, il caos strumentale. In una sola parola: il punk.

Certamente i gruppi d'oltreoceano esercitarono un appeal irresistibile su questi giovani inglesi, nomi come Ramones, New York Dolls o Voidoids furono influenti al quadrato per tutto il punk inglese e definire la loro musica seminale sarebbe un eufemismo.
Ma ad accorgersi di cosa stava bollendo in pentola nel Regno Unito in quel periodo, per poi abilmente servire il tutto, fu un manager, Malcolm McLaren, che già era entrato in contatto in America con i New York Dolls e che in quel periodo possedeva una boutique di nome "SEX", offrente abbigliamento ispirato al punk americano e al sadomasochismo, in cui lavorava il bassista Glen Matlock e che era frequentata dal chitarrista Steve Jones e dal batterista Paul Coock.
I tre formarono un gruppo, gli Strands, con cui all'epoca si divertivano a suonare un rock & roll grezzo, feroce e rumoroso, senza troppe pretese se non di essere diretto, essenziale e a suo modo viscerale; successivamente, proprio in quel negozio comparve un "tipo strano", come qualcuno lo definirebbe, tal John Lydon, incisivo, arrogante quanto basta, un pizzico strafottente, trascinante. E, sotto l'egida di McLaren, che aveva fiutato qualcosa di interessante, si unì al gruppo, a cui diede tutta una nuova caratterizzazione con linee vocali abrasive e scioccanti testi che parlavano di anarchia, ribellione, mancanza di emozioni, mancanza di futuro, tematiche "calde" che ai perbenisti non piaceva fossero menzionate; nei suoi testi si proclamava anarchico e anti-cristo e la sua immagine provocatoria fu il quid decisivo per il gruppo.
Erano nati i Sex Pistols.

McLaren intuì sia ciò che la gioventù inglese stava cercando sia ciò che, prendendo spunto dai gruppi statunitensi, i Sex Pistols potevano offrire loro. Così li guidò e supportò in tutto e per tutto per la pubblicazione di Never Mind the Bollocks, unico vero disco dei Sex Pistols nonchè album-simbolo del punk '77 "made in England" al punto da far coincidere il gruppo con l'essenza stessa della frangia britannica del movimento. Perché? Vediamolo insieme.

Ad essere obiettivi, non si può certo affermare che esso sia il miglior disco punk mai realizzato, forse nemmeno quello più riuscito per quanto riguarda la profondità dei testi, nè tantomeno a proposito della parte strumentale, il che suggerisce che ci sarebbe da discutere su quanto effettivamente sia stato importante per lo sviluppo del punk rock soprattutto risalendo fino al proto-punk e al garage rock (le mazzate soniche degli MC5 e la "poesia decadente" di Iggy Pop con i suoi Stooges su tutti).
Ma sta di fatto che i Sex Pistols hanno saputo impersonare alla perfezione la figura dei "punk" che stava emergendo in quel periodo tanto buio della storia inglese, grazie soprattutto alla secessione all'arricchimento della borghesia ai danni del proletariato, e che comunque hanno composto tutta una serie di anthem che hanno ispirato e affascinato decine di gruppi di lì a venire risultando, che piaccia o no, influenti se non seminali.
E così accadde che il lungimirante Malcom McLaren raggruppò quei quattro derelitti incentrandoli sulla figura di Lydon, il cui nome d'arte era Johnny Rotten (soprannominato così per lo stato pietoso dei suoi denti marci), per incidere un disco che tanto avrebbe lasciato spiazzata l'opinione pubblica.
Il titolo è tutto un programma: la leggenda vuole che, avendogli chiesto Rotten quale sarebbe stato il titolo dell'album, Malcom rispose "sbattitene i coglioni!", ovvero "never mind the bollocks", per l'appunto.
Non solo, McLaren fu decisivo, certo ispirandosi molto anche ad un figuro come Richard Hell, nell'impostare l'attitudine, l'iconografia e soprattutto l'abbigliamento (trasandato, trasgressivo, ribelle) di quei giovani, scandalizzando sempre di più la "gente perbene" soprattutto con il lato più "anarchico" ed eversivo dei Sex Pistols. Questa immagine era comunque fine a sè stessa, scelta ad hoc per scioccare, nella realtà non ci sono reali connotazioni politiche, che verranno maggiormente attuate nell'anarcho-punk dei ben più estremisti Crass.

Successivamente il bassista Glen Matlock fu ostracizzato dai Sex Pistols, per via della sua "insana" passione per i Beatles, e sostituito dal ben più "punk" John Simon Ritchie, meglio noto come Sid Vicious, esuberante ventenne che sembrava incastrarsi molto meglio nella formazione e che era stato segnalato dalla moglie di McLaren, Vivienne (pare come cantante, ma dato che si chiamavano entrambi John, "per errore" venne scelto Lydon, o così si racconta).
Ma in realtà la maggior parte delle registrazioni non erano sue e addirittura nei concerti teneva il volume del suo amplificatore molto basso, a volte addirittura spesso. Sul suo ruolo nell'economia del gruppo si è spesso discusso, ma esso andrebbe decisamente ridimensionato e concentrato sul lato extra-musicale. Infatti Sid era una personalità energica, attiva ed espansiva, ma l'ingresso nel gruppo segnò nettamente la sua vita che di lì a poco si tramutò in un avere a che fare con problemi di alcol e droga, dare spettacolo di cattivo gusto, tagliuzzarsi gli avambracci e il petto per "boredom" (ovvero "noia", altra parola chiave del punk settantasettino) e iatture relazionali con la prostituta eroinomane Nancy Spungen.

Dopo essere riusciti a firmare un mare di contratti di fila prontamente rotti dalle label poco dopo, ed aver fatto trasalire la bile ai curatori delle programmazioni radiofoniche BBC con i loro singoli, nel maggio del 1977 venne firmato un contratto con la Virgin con cui finalmente distribuire un album.
Sono queste le premesse che hanno fatto di Never Mind the Bollocks, uno dei primi dischi punk di sempre, forse il più rappresentativo, sia della scena di allora, sia probabilmente della storia intera del genere.

Per quanto riguarda l'aspetto musicale dell'album, le melodie sono alquanto semplici e gli strumenti suonati in maniera grezza, ma d'altro canto la parte strumentale rispetta al meglio sia la figura del gruppo sia le liriche, le quali trattano di anarchia, negazione, uccisione di ogni idolo, "no future", nichilismo e rivolta.
In mezzo a tutto questo svetta fragorosa e dissacrante God Save the Queen, storica e ironica canzone che, insieme all'altro inno Anarchy in the UK, ha fatto conoscere i Sex Pistols a tutto il mondo e rimane negli annali del punk rock.
In realtà non ci sarebbe troppo da soffermarsi sui singoli episodi, un po' perché il risultato (voluto) dell'attitudine musicale di gruppo e genere non genera una grande differenziazione, un po' perché l'intera scaletta del disco andrebbe più che altro assimilata e presa in considerazione nel suo totale.
Si potrebbero menzionare, volendo, No Feelings (irriverente racconto di come Rotten si innamorò del suo riflesso allo specchio), Pretty Vacant (energica, scanzonata ed incisiva rocker), E.M.I. (esplosivo finale dedicato in maniera non proprio lusinghiera alla nota major), l'opener Holidays in the Sun o l'impulsiva Liar in cui addirittura lo stesso McLaren viene definito un bugiardo; ma un album come questo non potrà mai essere considerato un semplice insieme di traccie (per quanto antemiche), si tratta più di un lavoro compatto e costante, sia nell'ispirazione sia nell'estro psicopatico dei testi.
In ogni caso i pezzi, al fulmicotone, rimangono dodici scheggie sparate una dopo l'altra perfettamente rappresentanti di quel punk becero e sguaiato di cui il grupppo inglese si fece portavoce. Trascinanti ed esplosivi, difficilmente si sarebbe trovato un punk rocker che non avesse ascoltato gli anthem aggressivi e sguaiati di Johnny Rotten & soci.

Dopo aver rilasciato quest'album, la band volò negli Stati Uniti per un tour nel gennaio del '78, ma il viaggio durò solo due settimane perché Rotten lasciò la band in seguito allo show al Winterland Ballroom di San Francisco (celebre la frase di congedo: "avete mai avuto la sensazione di essere stati fregati?"), avrebbe poi formato i Public Image Limited dimostrando che era lui lo spirito più creativo del gruppo.
McLaren, che nel frattempo era non solo diventato assieme al suo negozio un punto di riferimento per i punk inglesi ma si era anche arricchito gestendo abilmente i contratti con le case discografiche (che ora fiutavano il potenziale commerciale che quei "giovinastri trasgressivi e sovversivi" esercitavano sui loro connazionali) cercò di raccattare i pezzi e mandare avanti la barca, ma Cook e Jones diventarono insofferenti della sua presenza e, come si suol dire, levarono le tende.

Così finirono i Sex Pistols, una veloce fiammata così come la stessa attitudine del punk voleva, ma che lasciò un segno indelebile nella musica e nella società inglesi.buy Clomid online cheap

Di seguito a quest'album, vennero pubblicati solo antologie, registrazioni live, demo e "rarità" che cercarono di spremere la gallina dalle uova d'oro che rappresentavano, ma ormai il punk '77 stava finendo e cominciava una nuova epoca: si stava entrando nel post-punk, i riflettori si stavano spostando sulla new wave.

Retox

admin — Fri, 18 Jun 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.9 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Punk Rock

Etichetta:

Bitzcore Records

Anno:

2007

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Hank Von Helvete (Hans Erik Dyvik Husby) – vocals
- Euroboy (Knut Schreiner) – lead guitar, piano, backing vocals
- Rune Rebellion (Rune Grønn) – rhythm guitar
- Pål Pot Pamparius (Pål Bottger Kjærnes) – keyboards, guitar, percussion, backing vocals
- Happy-Tom (Thomas Seltzer) – bass guitar, backing vocals
- Chris Summers (Christer Engen) – drums, backing vocals

Tracklist:

1. We're Gonna Drop the Atom Bomb
2. Welcome to the Garbage Dump
3. Hell Toupée
4. Stroke the Shaft
5. No, I'm Alpha Male
6. Do You Do You Dig Destruction
7. I Wanna Come
8. You Must Bleed/All Night Long
9. Hot and Filthy
10. Boys From Nowhere
11. Everybody Loves a Chubby Dude
12. What Is Rock?!

Turbonegro

Retox

Ribellione, anticonformismo, voglia di rivalsa, desiderio di non riconoscersi in quella normalità che la società vuole vestire addosso a chiunque. Esiste un raccoglitore per tutte queste intenzioni, che per alcuni divengono dei razionali esistenziali, e si chiama “Punk”.
Al di là delle origini, al di là della sua natura di genere underground divenuto poi un'icona ed uno status symbol per molti, il suddetto raccoglitore è riuscito a generare tonnellate di nuove emozioni tirando su montagne di fan in giro per il globo e tutt'oggi è in grado, con opportune e non sempre necessarie ritoccatine, di far parlare di sé. La sua longevità è legata alla sua evoluzione ottenuta talvolta fagocitando, altre volte infestando, diversi generi musicali a mano a mano che il tempo passava ed ecco che dalle radici grezze e ruvide è maturata una pianta dalla forma inaspettata, cambiata negli anni come difficilmente si poteva immaginare al suo stato natural-embrionale.

A pensarci bene questo sembra essere anche il percorso di molte, molte band (anche al di fuori della scena punk) ed i Turbonegro rappresentano indubbiamente un esempio tangibile di questa metafora musicale, che nel loro caso vede gli albori con un punk volgare e corpulento capace pian piano di attingere dall'orecchiabilità del rock americano e di perdere mordente.
Party Animals del 2005 aveva rappresentato l'esaltazione di questa tesi soprattutto se paragonato al graffiante Ass Cobra o al magistrale Hot Cars And Spent Contraceptives ed anche questo Retox non ci permette di cambiare idea a riguardo. Certo che la riabilitazione del singer dalla dipendenza alle sostanze stupefacenti e lo stop della band per due anni hanno fornito nuova linfa vitale e già la opener We're Gonna Drop The Atom Bomb risulta impareggiabile se confrontata ai singoli del precedente lavoro.

Ma il punk è ormai mutato, la pianta è cresciuta e la sua forma è visibile da parte di tutti. Pur apprezzando l'indomabile sforzo del quintetto di ritornare al proprio trademark spigoloso e contestatore bisogna riscontrare un risultato abbastanza altalenante: mentre Stroke The Shaft abbraccia il rock del secondo periodo, No, I'm Alpha Male sembra addirittura approdare a lidi heavy metal per sound ed irruenza, fattori questi inseriti parzialmente anche in You Must Bleed/All Night Long. Generalmente possiamo dire che il quadro sembra più piacevole rispetto al predecessore nonostante non si faccia un eccessivo uso dei tempi veloci, ma risulta pur sempre un colpo sotto la media e lontano rispetto agli standard del gruppo.

Talvolta appare un'atmosfera più allegra, più spensierata, che prende corpo prima con Welcome To The Garbage Dump e poi con Do You Do You Dig Destruction, un'atmosfera figlia di Scandinavian Leather quando le capacità tecniche del combo iniziavano a lievitare e ad essere melodicamente finalizzate a qualcosa di concreto. Ma c'è poco da fare: i Turbonegro del XXI secolo sono questi, pronti a cantare il refrain di Hot And Filthy davanti ad un pubblico gremito incitandolo a tenere il tempo con le mani e poco importa del vero appeal nudo e crudo; pubblico che sicuramente valorizzerà questo Retox, soprattutto se ha conosciuto questa band attraverso gli ultimi anni di carriera. A tal proposito giunge l'ultima traccia, What Is Rock?!, che rappresenta il testamento del quintetto, un testamento che intende parlare di sé fin dal titolo e che vuole puntare ad una nuova natura, più matura e realista, meno dura ed intransigente. È così che vorrebbero essere ricordati in futuro i TRBNGR.

This Addiction

admin — Wed, 24 Feb 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Punk Rock

Etichetta:

Epitaph Records

Anno:

2010

Link correlati:

Alkaline Trio Official Website

Line-Up:

:
- Matt Skiba - guitar, vocals
- Dan Andriano - bass, vocals
- Derek Grant - drums

Tracklist:

:
01. This Addiction
02. Dine, Dine My Darling
03. Lead Poisoning
04. Dead On The Floor
05. The American Scream
06. Off The Map
07. Draculina
08. Eating Me Alive
09. Piss And Vinegar
10. Dorothy
11. Fine

Alkaline Trio

This Addiction

Vista l'attuale, clamorosa penuria di formazioni punk rock di un certo spessore artistico, veramente rispettabili o almeno dignitose, il solo riecheggio delle parole Alkaline Trio dovrebbe far letteralmente sussultare ogni punk-addicted che si definisca tale, ridestando in lui quella dipendenza ormai sopita per le succitate cause di forza maggiore. 12 anni di onoratissima carriera, 6 album di assoluto livello, un dominio incontrastato della scena punk prima nordamericana quindi mondiale, una fama acquisita nel tempo e nel tempo ripetutamente confermata: è con queste irreprensibili credenziali che Matt Skiba, voce e chitarra, Dan Andriano, seconda voce e basso, e Derek Grant, batteria, si ripresentano sul mercato discografico con l'obiettivo dichiarato di fare, col loro ultimo This Addiction, un settebello inimitabile. Impresa però amaramente fallita: al di là delle loro tradizionali peculiarità, quest'ultimo lavoro, il primo sotto l'egida della lungimirante Epitaph Records, può sintetizzarsi come l'ideale back to basics di una band alla riscoperta delle proprie radici pop punk, con qualche doverosa divagazione rock ed altrettanto interessanti inserti elettro (l'aggressiva Eating Me Alive, dai deliziosi ricami synth) o persino ska (la scanzonata Lead Poisoning). Nulla di più, nulla di meno.

E' ben difficile riuscire ad identificare qualche pur minimo spunto che, nell'arco dell'intera track list, riesca a spostare gli equilibri nettamente al di là della linea che separa gli album realmente ispirati e coinvolgenti da quelli che lasciano una deludente ombra di compito svolto con sufficienza e per onor di firma: sarà per la consueta auto-derivazione in cui finiscono troppo spesso le formazioni punk, sarà per la difficoltà intrinseca di un genere musicale che ben poco si presta a particolari spunti di originalità e creatività personale (eppure, da questo punto di vista, proprio gli Alkaline Trio hanno ampiamente dimostrato che quanto detto non è sempre vero), anche This Addiction rischia davvero di non emergere affatto dalla mediocrità generale di un stile musicale ormai agonizzante se non nella sue più alte espressioni. Categoria, quest'ultima, nella quale gli Ak3 rientrano honoris causa, nonostante quest'ultimo passo falso...

...che poi passo falso del tutto non è: oltre alle già citate Eating Me Alive e Lead Poisoning, in assoluto le più sperimentali ed azzeccate, si fanno apprezzare parecchio anche la politically uncorrect The American Scream e l'ironica Draculina, senza dimenticare la rockeggiante Piss And Vinegar (nonostante l'imbarazzante somiglianza a We Are Golden di un certo Mika), la più articolata Dead On The Floor, che lascia intuire piacevoli sconfinamenti in territorio emo, o la conclusiva e raffinata Fine. Dispiace soltanto che tutto il resto non presenti nulla di particolarmente rimarchevole, anzi, spesso lasci spazio a melodie piuttosto impalpabili e ritmiche tutt'altro che trascinanti: a partire dalla titletrack, episodio non negativo ma ugualmente insipido, passando per Dine Dine My Darling, forse meno ovvia della precedente ma ugualmente per nulla esplosiva, fino alla convenzionale Off The Map e alla romantica Dorothy, assistiamo ad un susseguirsi ben poco incoraggiante di tracce senza infamia e senza lode, che piaceranno senz'altro ai fans più accaniti della band ma lasceranno del tutto indifferenti o, peggio, sconfortati quanti invece non apprezzassero sin dal principio la formazione originaria dell'Illinois.

Secondo il più tipico dei clichè non ci resta, quindi, che trarre le poche conclusioni finali: This Addiction è, in sintesi, un album che nulla toglie e poco aggiunge, di significativo, alla ricca discografia degli Alkaline Trio, ma semplicemente ripropone, nelle vesti luccicanti di una produzione semplicemente impeccabile, la loro anima nuda, spesso spoglia di quei sapienti artifici (secondo un'accezione tutt'altro che negativa) che hanno fatto degli Alk3 uno degli act più importanti e decisivi del punk rock degli anni 2000; un lavoro che, come anticipato poco fa, potrà essere evitato senza troppi rimpianti dai neofiti della formazione statunitense, cui consigliamo di avvicinarsi gradualmente a partire dalle sue prime fatiche, ma che, soprattutto nella Deluxe Edition Cd + Dvd contenente ben 6 bonus track (di cui 4 acustiche) e l'intero Live At The House Of Blues (Las Vegas, 2008), rappresenta l'ennesimo capitolo imperdibile per chi li ami e li abbia seguiti con interesse e passione finora.

Crimson

admin — Mon, 01 Feb 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Marco Maculotti

Genere:

Punk Rock

Etichetta:

Vagrant Records

Anno:

2005

Link correlati:

Line-Up:

- Dan Andriano - voce e basso
- Derek Grant - batteria e voce
- Matt Skiba - chitarra e voce
- Roger Joseph Manning Jr. - pianoforte e tastiere

Guests:
- Nolan McGuire - chitarra principale su Sadie
- Heather Hannoura - parti parlate su Sadie
- Warren Fitzgerald - strings addizionali

Tracklist:

1. Time to Waste – 4:11
2. The Poison – 2:04
3. Burn – 4:05
4. Mercy Me – 2:49
5. Dethbed – 3:03
6. Settle for Satin – 3:49
7. Sadie – 4:39
8. Fall Victim – 3:18
9. I Was a Prayer – 2:36
10. Prevent This Tragedy – 3:06
11. Back to Hell – 2:54
12. Your Neck – 3:15
13. Smoke – 3:00

Alkaline Trio

Crimson

Il 2005 potrebbe essere l'anno degli Alkaline Trio, l'anno della loro definitiva celebrazione, dopo il successo riscontrato con Good Mourning. D'altra parte, band simili decisamente inferiori rispetto al Trio, come i My Chemical Romance, hanno sbancato le cover delle riviste e hanno guadagnato una serie esagerata di passaggi su Mtv, adottando il look a base di nero e rosso che la band di Matt Skiba utilizza già da molti anni. Ma il Trio, a differenza dei MCR e di altre band alle prime armi in questa scena, ha una cosa preziosa: l'esperienza.
Una band non si giudica infatti solamente dal tempo passato sulla cresta dell'onda durante la sua carriera, né tantomeno da quante volte viene passata su Mtv: uno dei meriti più grandi che vanno riconosciuti ad una band è anche quello di maturare ed evolversi, compito spesso non facile.
Un processo di maturazione che la band di Skiba aveva già iniziato con il precedente album, che introduceva una grande quantità di sonorità dark e si allontanava sempre più dal punk pop canonico (con pezzi come Continental, Blue in the Face, All on Black) che contraddiceva i primi lavori della band.

Crimson rivela tutta la potenzialità della band: è un taglio netto rispetto al passato (meno punk-pop e più rock), ed è incredibilmente compatto, un genere di album che qualunque band rock aspirerebbe a pubblicare.
Il produttore che gli Alkaline Trio hanno scelto per il nuovo album è Jerry Finn, produttore tra l'altro dell'ultimo omonimo lavoro dei Blink 182 (e la somiglianza tra i due album si sente parecchio). Le voci di Skiba e Andriano si intrecciano donando grandi emozioni all'ascoltatore e con il batterista Derek Grant (ritratto in copertina mentre cerca di copiare Mike Ness) danno vita ad un suono così diverso da quello che aveva contraddistinto i loro precedenti lavori, sebbene così simile per via delle solite atmosfere dark.

L'album parte alla grande e spiazza immediatamente l'ascoltatore: Time to Waste, scelto come primo singolo, parte con gli archi per poi mutare all'improvviso in un caos elettronico di chitarre e percussioni. The Poison è l'episodio più veloce dell'album, un incontro tra Social Distortion e new wave.
Burn è con molta probabilità il capolavoro dell'album: la voce di Skiba appare morbida, malinconica, quasi surreale; il testo è una poesia che non si può fare a meno di apprezzare ("Everyone learns faster on fire"), una visione dell'amore come una combustione. Mercy Me è un pezzo pop-rock molto vicino allo standard sonoro di Jerry Finn, in cui il Trio appare sentimentale come non mai con un Matt Skiba ancora una volta ispiratissimo alle liriche: un pugno di versi sono pura poesia in metrica ("I'm lost, so lost, I'm lost at sea, you'll see"). Dethbed è un'altro piccolo capolavoro di morbosità a tinte oscure, mentre Settle for Satin, cantata da Daniel Andriano, pur essendo in linea con il sound generale dell'album, sembra smorzare il coinvolgimento emotivo dell'ascoltatore: appare quasi come un incontro malriuscito di Pennywise e Blink 182. Sadie, l'unico pezzo non inedito dell'album, è dedicata alle famiglie delle vittime di Sadie, una dei Manson ("The sentence may seem like a lifetime, a scream, that curdling the blood they found on you. And your knives and clothing too. Charlie's broken .22"). La voce vellutata di Skiba fa il resto e fa di questa canzone un piccolo gioiello. Anche Fall Victim - altro episodio con un testo che parla di suicidio, sangue e torture - convince appieno, così pure I Was a Prayer, un pezzo punk-pop molto azzeccato, cantato da Andriano.
Prevent This Tragedy è un'arringa di difesa ai tre ragazzi accusati dell'efferatissimo delitto del West Memphis, solamente perchè vestivano di nero e ascoltavano musica metal: bersagli troppo facili adottati per nascondere una triste realtà di periferia e un assassino che è ancora a piede libero.
Nelle ultime canzoni il ritmo cala e l'album si avvia lentamente alla conclusione, chiudendo con Smoke, altro pezzo nel quale, similmente all'opening-track, compaiono gli archi.

In tutto l'album, come nel precedente, sono ricorrenti i temi della morte, dell'inferno, della tentazione, della fede, della preghiera, della malinconia. Poco importa che Skiba e Grant siano adepti della Church of Satan di LaVey, il discorso in questo disco diventa più ampio: Dio e Satana non si annientano a vicenda, ma diventano l'uno il complementare dell'altro, il bene e il male, la felicità e la depressione, l'amore e l'odio, la vita e la morte.
E' questo uno dei punti forti del Trio: le tematiche che si riscontrano nelle loro liriche. E sotto questo aspetto, più che in ogni altro, danno punti su punti a tutte quelle altre band che si vestono di nero e rosso per sbancare Mtv.