Post Metal

Heed

Stefano Pentassuglia — Fri, 04 Sep 2015 18:39:56 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Progressive Metal

Post Metal

Alternative Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2015

Link correlati:

Pagina Facebook della band

Line-Up:

Alessandro Ciccolella: Voce

Giordano Bufi: Chitarra

Gabriele Terlizzi: Basso

Gilberto Bufi: Batteria

Tracklist:

1. The Second Fish Curse

2. The Elephant Walk

3. E(b)sence

4. Inverse

5. Chirals

6. Doppelganger

7. Complexion (ft. Glanko)

8. Heed

Ginkgo Dawn Shock

Heed

Sembra che la Puglia non abbia alcuna intenzione di fermarsi. Dopo aver dato i natali a un’infinità di band tra le migliori del panorama metal nostrano (Cast Thy Eyes, Nontoccatemiranda, Natron, Disguise, Dewfall… la lista è lunga) nuove formazioni continuano a nascere, senza mai cedere a compromessi a livello compositivo e dimostrando come la qualità della musica proposta sia il dogma assoluto a cui rifarsi prima di imbracciare gli strumenti.

La prima edizione del Breaking Sound Metal Fest di Mesagne è stata emblematica in tal senso. Un festival metal è sempre un’occasione per fare il punto sulla situazione, nonché un laboratorio di osservazione sulle nuove realtà musicali della regione che l’organizza. Così, forte della partecipazione dei parmensi Dark Lunacy, chi ha partecipato a quel concerto ha potuto spulciare alcuni tra i gruppi più interessanti in ogni città del tacco d’Italia: Brindisi si è data al nu metal con gli Headaxe, Lecce è restata fedele al post metal con le atmosfere sludge degli Izo, Taranto ha puntato sull’estremo con il black/death degli Alldead, mentre la proposta della provincia barese ha saputo destreggiarsi in un territorio originale come quello del progressive che sposa l’alternative rock. Molfetta non è solo Caparezza, a quanto pare: proprio dalla città del simpatico rapper riccioluto arrivano infatti i Ginkgo Dawn Shock, band dal nome impronunciabile che a una prima analisi superficiale si potrebbe definire come “la risposta italiana ai Tool”, ma che ad un ascolto più attento rivela molte altre qualità che la rendono particolarmente interessante e degna di attenzione.

“Heed” è il primo album della band e segue l’EP “3:24”. Registrato a Lecce nel “Sudestudio” di Angelo Buccolieri e forte di una produzione di alto livello, questo delizioso platter viene pubblicato nel Marzo del 2015 e inizia timidamente a farsi conoscere nei mesi successivi, grazie a una serie di concerti in giro per la Puglia; così, proprio in occasione del Breaking Sound Metal Fest, la band sembra avere finalmente un’ottima occasione per farsi conoscere dagli addetti ai lavori e per uscire da quell’anonimato che sembra star stretto a composizioni di questo calibro.

In effetti, ciò che più stupisce di questo disco è proprio il fatto che si tratti di un esordio, vista la maturità che sprigiona da tutti i pori. A dispetto del minutaggio non proprio elevato, la carne al fuoco è davvero tanta e sembra adatta a soddisfare sia i palati più avvezzi alla distorsione facile che quelli in cerca di un metal più raffinato e intellettuale, senza dimenticare i patiti della sperimentazione e delle atmosfere più ipnotiche e ammalianti.

Ma che genere suonano questi ragazzi? Loro lo definiscono “Post Progressive Rock” (o forse “Progressive Post Rock”?), e se ai più questa definizione potrà sembrare inconsistente, bisogna ammettere che ritrae in maniera coerente la valanga di note che provengono da “Heed”. I Ginkgo Dawn Shock sono infatti “post” nel modo in cui sanno rimodellare l’attitudine post metal di certe band (Russian Circles su tutti), trasportandoli su territori più propriamente rock; sono “progressive” per come piegano la tecnica al servizio della creazione artistica, in un’evoluzione continua del suono alla ricerca della costruzione più adatta, fatta di riff che si intersecano con le melodie in modo del tutto inaspettato, con buona pace della forma canzone; sono “rock” quando stuprano l’alternative più semplice (melodia) per piegarlo alle forme della sperimentazione (tutto ciò che non è melodia); sono “post rock” nel sapiente dosaggio delle atmosfere e delle sensazioni emotive che scaturiscono da certi passaggi del disco d’esordio.

Non si può descrivere la proposta dei Ginkgo in maniera efficace senza citare il nome della band che più di tutti ha ispirato la loro musica: Tool, Tool e ancora Tool (e in misura minore, anche degli A Perfect Circle). L’ombra della band di Maynard Keenan aleggia su ogni composizione del lotto e la sua influenza è palese già a partire dalla graffiante voce del cantante Alessandro Ciccolella, autore di un timbro caldo e avvolgente che tanto ricorda quello dello stesso singer californiano. Non che questo sia un demerito, anzi: Ciccolella sa il fatto suo e sembra reinterpretare alla perfezione quella straordinaria voce che ogni fan dei Tool sa riconoscere alla prima nota, modulandola e ben adattandola a quelle che sono le dinamiche compositive dei suoi Ginkgo. Allo stesso modo, il basso pulsante di Gabriele Terlizzi e la tecnicissima chitarra di Giordano Bufi riescono a creare atmosfere avvolgenti che ben si sposano con le melodie e gli intrecci progressive che le accompagnano. In tutto questo, la batteria di Gilberto Bufi si destreggia egregiamente tra cambi di tempo continui e ritmiche che fanno il bello e il cattivo tempo, senza mai perdere la concentrazione e muovendosi in un labirinto di sensazioni chiaroscurali, sempre in bilico tra riff cervellotici e refrain quasi catchy nella loro immediatezza.

L’influenza dei Tool, dicevamo. Il fatto che questo non sia un indice di scarsa originalità ma, al contrario, della voglia di uscire dagli schemi, possiamo trovarla proprio nella particolarità insita nella musica del quartetto di Los Angeles. A tal proposito potremmo scomodare le illuminanti parole di Martin Lopez, ex batterista degli Opeth; nel rispondere alle accuse che volevano la sua nuova band, i Soen, talmente simile ai Tool da ritenerli quasi dei cloni, Lopez replicò “Ci ispiriamo ai Tool, ma più che una band, noi li consideriamo come un genere musicale a sé stante.”

Se questa affermazione sembrava perfetta per rispecchiare i Soen, è anche altamente rappresentativa del sound dei molfettesi (che molto hanno in comune anche con il sound degli stessi Soen): più che cullarsi tra le braccia di una band importante come quella di Keenan, infatti, i Ginkgo Dawn Shock sembrano piuttosto voler approcciarsi a qualcosa di più “difficile” e ricercato, come impone ogni sonorità che voglia anche solo vagamente ispirarsi a quella dei Tool. Non si tratta quindi di suonare “come una band”, ma di suonare un preciso genere musicale, talmente particolare che nessun’altra band può essere usata come termine di paragone all’infuori di chi l’ha creata, o di chi ad essa si ispira.

Proprio per questo motivo è difficile trovare altre band a cui il lavoro dei molfettesi possa essersi ispirato, a eccezione degli A Perfect Circle (che altro non sono se non un prolungamento degli stessi Tool) e dei Soen (che per molti sono quasi dei "cloni" dei Tool). Possiamo tentare di cercare qualche termine di paragone in base ai richiami vari che si possono percepire nel disco. L’anima prog del combo sembra avere una sua matrice nel gusto delicato dei Porcupine Tree, mentre le atmosfere post rock hanno un incedere che qualcuno potrebbe ritrovare nell’appeal mistico dei Godspeed You! Black Emperor. Forse potremmo addirittura scomodare i Mars Volta per le meccaniche particolarmente intelligenti di certe composizioni, gli Audioslave per le parti più immediate e catchy, o magari anche i primi Russian Circles per il rincorrersi incessante dei giri di chitarra più post metal. E se poi vogliamo proprio cercare il pelo nell’uovo, potremmo dire che la band sembra in parte ammantata di una certa poetica deftoniana, per quanto si tratti più di un approccio di forma che non di sostanza (niente nu metal o suoni simili, ma solo una vaga ispirazione di intenti al mondo di Chino Moreno). Tuttavia, una volta che mettiamo da parte i Tool, ogni altro rimando ad altre band sembra superfluo, in quanto la personalità dei Ginkgo Dawn Shock emerge prepotente dal loro songwriting: qui abbiamo a che fare con una band che “suona lo stesso genere musicale dei Tool”, ma che lo fa sempre e comunque a modo suo.

Musica di qualità, prima di tutto. Se non possiamo affermare che i Ginkgo siano una band del tutto originale, è opportuno quantomeno riconoscere la grande ispirazione che pervade ogni minuto di “Heed”, in un turbinio di note che non annoiano mai ma anzi esaltano, sorprendendo l’ascoltatore sempre in modo ragionato e con cognizioni di causa, con cambi di tempo piazzati strategicamente nei punti giusti e la voce di Ciccolella che avvolge il lavoro di una profondità non indifferente.

Composizioni come Chirals e soprattutto l’iniziale The Second Fish Curse (da cui è tratto un videoclip) sono testimonianze di un particolare gusto nella ricercatezza melodica: non appena parte l’album, gli intrecci chitarristici di Bufi si rincorrono tra loro, prima di distendersi su un letto di distorsioni e di saliscendi tra note basse e note alte, su cui la voce si stende languida prima di sfociare in una squisita apertura melodica. La prima traccia è quindi già sufficiente per intuire la maturità del combo, prima che la successiva The Elephant Walk sfoghi sull’ascoltatore i suoi impulsi post metal, fatti di una chitarra mai sazia di note nuove, con l’accoppiata basso/batteria che non cede un filo di tregua all’ascoltatore.

Eb(s)ence è forse il pezzo più propriamente “post rock” del disco, per i suoi arpeggi autunnali e profondamente emotivi, sapientemente sostenuti da un Ciccolella che si stacca per un po’ dalla pesante influenza keeniana per mostrare la sua anima più malinconica e sognante. L’esplosione finale del pezzo avvolge e prepara il terreno per Chirals, una delle migliori canzoni del platter (preceduta dall’interludio Inverse), per quanto sia anche quella dove l’impronta dei Tool è più marcata: alternative rock della migliore qualità, quello colto e intelligente che può far breccia nel cuore dei metallari più raffinati, sia che lo si ascolti su disco sia dal vivo, dove può sprigionare un’energia non indifferente. Davvero un brano notevole.

Tool a palate anche su Doppelganger, pezzo forse un pochino più debole e ruffiano dei precedenti, ma che tuttavia compiace le orecchie con le sue schitarrate al limite dello stoner. Cambi di tempo, tecnicismi e melodie rockeggianti fanno il loro dovere egregiamente, sfornando un’altra traccia interessante e coinvolgente.

I fan della sperimentazione saranno felici di sapere della partecipazione del producer Glanko nel brano Complexion, dove l’elettronica più ipnotica funge da pausa ideale per rilassare le membra prima di chiudere in bellezza il trip. La title-track, posta strategicamente a conclusione del disco, rappresenta la summa ideale di quello che è il suono della band: senza scomodare per l'ennesima volta i Tool (ormai abbiamo capito quanto conti la loro influenza sul sound dei molfettesi), basti dire che Heed (la canzone) conclude l’album con un concentrato di distorsioni, ritmiche serrate e melodie sognanti, tutto al servizio di un’atmosfera profondamente emotiva e quasi catartica.

In definitiva, “Heed” è un disco maturo per una band matura, una gran bella realtà che vale la pena continuare a seguire e sostenere. Se per ora i Ginkgo Dawn Shock sembrano essere una delle band tra le più interessanti della nuova scena musicale pe(n)sante pugliase, li aspettiamo ora al varco del prossimo disco (o meglio, dei prossimi dischi): se sapranno plasmare ancora meglio la loro personalità, togliendosi un pochino di dosso la (troppo) pesante influenza dei Tool e gestendo in maniera ancora più matura la loro ispirazione, avranno tutte le carte in regola per diventare uno dei nuovi orgogli nazionali nel panorama rock e metal. Pochi dubbi su questo.

Speriamo in bene nel futuro. Nell’attesa, continueremo a far girare “Heed” nel lettore. E a godere.

Black Honey

Stefano Pentassuglia — Wed, 09 Apr 2014 10:49:13 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Sludge

Etichetta:

Hummus Records

Anno:

2014

Link correlati:

Sito web della band

Line-Up:

Michael Schindl - Voce, Chitarra

Diogo Almeida - Chitarra

Sebastien Dutruel - Basso

Mario Togni - Batteria

Tracklist:

1. The Enemy

2. Submersible Words

3. Chest

4. Grand Gendarme

5. Black Horse

6. Joseph

7. Mute

8. Uncomfortable Life

9. Courageous

10. For The Man That I Love

11. God Rules His Empire

Impure Wilhelmina

Black Honey

Sei lunghi anni: tanto hanno dovuto aspettare gli Impure Wilhelmina, prima di veder pubblicata la loro nuova fatica discografica e dare un taglio più o meno netto al passato. Quasi sconosciuti qui nel Bel Paese, nella natia Svizzera la band di Michael Schindl rappresenta un punto fermo nella cosiddetta “scena di Ginevra e dintorni”, quella che vede le sue colonne portanti in un fermento di band che hanno contribuito a creare un certo modo di intendere il post metal: dai Rorcal ai Vancouver, dagli Abraham ai When Icarus Falls, dai Khelvin agli Elizabeth, passando per band come i Knut che sono riusciti a uscire dall’anonimato svizzero per guadagnarsi una solida base di fan anche all’estero, o gruppi non propriamente ginevrini come gli Unhold (di Berna) o i Geneva (di Valence), che rispecchiano comunque quel determinato modo di sentire e concepire la scena “post”.

Un taglio con il passato, dicevamo. In effetti basterebbe notare come la band non sia più inclusa tra le fila del sito MetalArchives (dove appariva come “sludge”) e alla line up completamente stravolta per capire come il sound del nuovo disco rappresenti qualcosa di diverso e una naturale evoluzione della band. Forse anche a causa degli sfoghi post-black metal di Schindl con il suo progetto Vuyvr, un nuovo sound pervade ora le tracce dei nuovi brani, grazie soprattutto all’addio del caro vecchio Christian Valleise (già ascia nei Knut) e all’arrivo alla seconda chitarra del simpatico Diogo Almeida, già membro dei Rorcal e con una visione della musica leggermente più pesante e distruttiva. Se questo possa essere finalmente il disco della consacrazione per il quartetto di Ginevra non ci è ancora dato saperlo (sempre ammesso che loro stessi vogliano uscire dal caldo underground in cui sono inevitabilmente rinchiusi), di sicuro però si tratta di un’ulteriore maturazione e rivisitazione di un sound che già fin dagli esordi aveva in sé una fortissima dose di personalità.

Prima grande novità dell’album è la voce: per quasi la totalità del disco Schindl decide di esprimere i suoi demoni interiori con un cantato pulito e lamentoso, che mette quasi completamente da parte il lacerante screaming dei lavori precedenti. Non che questo sia un lato positivo di per sé (soprattutto se consideriamo che il leader degli Impure stona un bel po’ quando canta sul registro melodico), tuttavia è uno degli aspetti più controversi di Black Honey che possono far riflettere sul cambio di rotta intrapreso dai quattro. Se il gruppo già prima godeva nel rendere disomogenei i suoi lavori, in un’orgia di generi che si accavallavano tra di loro, ora tutto è ancora meno omogeneo e straniante, dove sludge profondo e post metal sognante si uniscono ad un’attitudine talmente rock e “romantica” da risultare quasi una forzatura del loro stile.

La personalità della band si intravede ancora tutta nei ritmi e nelle distorsioni di The Enemy, che parte con delle strofe dissonanti e si ritrova invischiata in riff pesanti ed emotivi. L'emotività, appunto: uno degli aspetti da sempre più caratteristici del combo viene ora rielaborata in modo da permeare ogni brano, sempre però in favore del continuo cambio umorale. Submersible Words è un perfetto esempio sotto questo punto di vista, con il suo incipit drammatico che tenta di fare il verso al math rock e alle sue strutture complicate, prima di sfociare in un finale che stravolge completamente quello che era il mood iniziale del brano. Stessa cosa, anche se all’inverso, succede con Joseph, che parte semplice e ruffiana, con i suoi ritmi quasi punk, per poi evolvere in atmosfere lugubri che ricordano da vicino l’operato di colonne portanti dello sludge più malsano come i Rwake e forse persino i Minsk. Del resto, la ruffianeria della band rimane solo un aspetto della loro sfaccettata personalità, se consideriamo l’eleganza di brani come Chest e Uncomfortable Life, costruiti su riff raffinati e aperture sonore viscerali ed emotive; per non parlare poi di un brano come Corageous, che cerca di mostrarsi il più epico e trascinante possibile, distaccandosi dallo stile del precedente album Prayers And Arsons, dove l’epicità era un tratto solo tentato e abbozzato ma mai raggiunto a livello di forma canzone. Lo stile sonoro della band, tuttavia, continua a far sentire la sua presenza in ogni brano (e altri brani dell’album, come Mute, mantengono ancora solido quel cordone ombelicale che lega la band allo stile dei suoi primi lavori): non ce n’è nemmeno uno che possa essere stato scritto da un’altra band e una recensione non può spiegare quello che le orecchie hanno capito dopo tanti ascolti della loro intera discografia confrontata con quella di tante altre band della stessa scena. Per essere più chiari, non esistono altre band che suonano quella particolare tipologia di riff, che concatenano in modo così genuino quell’attitudine ruffiana e caciarona con la drammaticità e l’emotività dell’alternative rock, sotto lo sfondo di pesanti riffoni post metal e lezioni prese dalla scuola sludge della Georgia. Volendo fare un paragone per tentare di chiarire meglio il concetto, gli Impure Wilhelmina potrebbero essere definiti come “i System Of A Down del post metal”, tanto la loro proposta è originale e variegata, pur senza mai tradire realmente il codice stilistico del genere da cui provengono.

Se tutto sembra così ispirato al rock e al post metal più emotivo e più vicino alla forma canzone, la granitica God Rules His Empire viene emblematicamente posta alla fine del disco, quasi a confermare quali sono le vere origini del gruppo. Questa canzone, dalla durata di ben 11 minuti, per quanto possa risultare un po’ troppo di maniera e sembri fare direttamente il verso ai Neurosis più accessibili, rappresenta in qualche modo quanto di meglio ha saputo offrire la scena sludge negli ultimi anni, almeno simbolicamente: con il suo concatenarsi di riff, di voci spezzate e di melodia malsana che avvolge l’ascoltatore in un distruttivo turbine di autodenigrazione (“We are weaklings and cowards, just ordinary men”), questo brano potrebbe davvero essere l’esempio perfetto da far ascoltare a chiunque voglia capire quali siano gli stilemi stilistici di un genere come lo sludge metal.

Dopo l’ascolto attento di “Black Honey”, di una cosa divento sempre più convinto: gli Impure Wilhelmina sono una di quelle band che è riuscita a crearsi uno stile estremamente personale che rende riconoscibili le loro canzoni in mezzo a miliardi di altre composizioni dello stesso genere. Solitamente le band che appartengono a questa categoria, sempre più rare in verità, o si amano o si odiano; tutto dipende da un indiscutibile de gustibus ma, al di là del fatto che uno possa preferire voce lamentosa e drammaticità rock a pesanti riffoni figli della scuola di Scott Kelly, di sicuro la band svizzera ha dato vita a qualcosa di diverso, di unico ed inimitabile, che oltre a rappresentare un punto di riferimento per la scena “post” di Ginevra, potrebbe in futuro rivelarsi fondamentale per lo sviluppo di un genere che già dallo scioglimento degli Isis sembra procedere sempre di più verso la sua naturale decadenza.

Affermazioni esagerate? Forse, e solo i posteri potranno dirci se questo sound avrà fatto proseliti e dato alla vita nuove band nella scena. Per ora poco ce ne importa, se possiamo infilarci le cuffie e godere ancora delle insane composizioni di una band genuina e veramente di talento. Che questo sia il disco della consacrazione o meno.

Yellow & Green

Stefano Pentassuglia — Thu, 25 Oct 2012 21:09:35 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Psychedelic Rock

Post Metal

Alternative Rock

Etichetta:

Relapse

Anno:

2012

Line-Up:

John Dyer Baizley: voce, chitarra

Peter Adams: chitarra

Summer Welch: basso

Allen Blickle: batteria

Tracklist:

Disc 1
1. Yellow Theme
2. Take My Bones Away
3. March to the Sea
4. Little Things
5. Twinkler
6. Cocainium
7. Back Where I Belong
8. Sea Lungs
9. Eula

Disc 2
1 Green Theme
2 Board Up the House
3 Mtns. (The Crown & Anchor)
4 Foolsong
5 Collapse
6 Psalms Alive
7 Stretchmarker
8 The Line Between
9 If I Forget Thee, Lowcountry

Baroness

Yellow & Green

Tanti, forse troppi, hanno scritto la loro opinione sul nuovo disco dei Baroness. Ci sarebbe da chiedersi come mai, dal momento che la band di Savannah (ma originaria di Lexington, in Virginia) è una realtà ancora relativamente giovane, con soli 2 album e sue Ep all’attivo prima di questa uscita, nonché una band considerata fin troppo debitrice alla scuola dei maestri Mastodon e, più in generale, all’intera scena georgiana. In realtà, un così vivo interesse nei confronti del loro nuovo album è del tutto giustificato, ed è presto detto il motivo.

Innanzitutto, abbiamo a che fare con album diviso in due parti, o meglio, un vero e proprio doppio album. Chi conosce bene i Baroness sarà sicuramente già avvezzo ai loro titoli cromatici, che legano indissolubilmente una loro creatura ad uno specifico colore. Come ben sappiamo, se il rosso porpora del Red Album sguinzagliava uno sludge metal di matrice rigorosamente georgiana (ma non privo di una certa fantasia), il successivo blu acceso del Blue Record si muoveva invece su lidi maggiormente creativi, forse più heavy metal ma non per questo meno sporchi.

Bene, se ora i nostri hanno deciso di abbandonare la violenza di quei colori così forti e vividi, per abbandonarsi alla rilassata pacatezza del giallo e del verde (“Yellow & Green”), che guarda caso sono proprio i colori base per la formazione del blu, non è affatto una scelta casuale dettata dalla mancanza di colori in repertorio, ma una vera e propria scelta stilistica, fortemente legata alla nuova musica incisa in questo platter .

I Baroness, in una parola, sono cambiati, per quanto le fumettose copertine del leader John Baizley non abbiano subito mutazioni di sorta. Ora di sludge ce n’è poco e, a dire il vero, lo stesso si potrebbe dire per il metal in senso stretto. I suoni del nuovo album, infatti, sembrano avvicinarsi molto di più ad un certo alternative rock d’autore, legato a doppio filo sia al grunge robusto degli indimenticabili Alice in Chians o Pearl Jam, sia al post/alternative metal più melodico di band come City of Ships o, perché no, Oceansize. Queste considerazioni, tuttavia, si limitano al “disco giallo”; il suo “fratello verde”, infatti, sembra infinitamente più debitore all’intera scena psychedelic rock degli anni ’70, quella che dai Pink Floyd in avanti, ha fatto proseliti un po’ ovunque con le sue atmosfere liquide e lisergiche.

Era prevedibile, quindi, che un disco del genere abbia diviso completamente i fan. Da un lato, vediamo i vecchi ammiratori “duri a morire”, indissolubilmente legati allo sludge più viscerale, che proprio non riescono ad accettare un tale cambiamento di rotta. Le critiche più comuni? Nuovi Baroness venduti, commercializzati, senza idee, lagnosi, intellettualoidi, pallosi e così via.

Dall’altra, abbiamo non solo una nuova fetta di fan, che sicuramente si avvicinerà alla band grazie alla loro rinfrescata presa commerciale (più all’estero che in Italia, a dire il vero), ma anche una rinnovata selezione di vecchi fan che hanno compreso fino in fondo la nuova scelta stilistica della band e che hanno apprezzato e rispettato la loro evoluzione musicale, promuovendo quest’album a pieni voti. Personalmente, non posso far altro che aderire a quest’ultima visione del quartetto di Savannah e bandire ogni pregiudizio nei confronti di questo splendido doppio disco, mettendo subito in chiaro una cosa: “Yellow & Green” è un grande album, creativo, maestoso e coinvolgente, e se non è un capolavoro, poco ci manca.

Qualcuno potrà dire: ma non parliamo forse della stessa situazione vissuta dai Mastodon con “The Hunter”? Assolutamente no, rispondo io: se l’ultimo lavoro del combo di Brent Hinds dimostrava una vera e propria mancanza di creatività e inventiva, oltre che ad una commercializzazione dei suoni tutto sommato criticabile, lo stesso non accade per i Baroness, che al contrario sfoggiano un’ispirazione fuori dal comune proprio attraverso il cambiamento e “l’ammorbidimento” delle loro composizioni.

In ogni caso, se c’è qualcosa che la maggior parte dei detrattori e dei sostenitori del nuovo album ha dimenticato di sottolineare, se mai l’avesse notata, è proprio il fatto che l’evoluzione e il nuovo volto dei Baroness non costituisce affatto un cambiamento stilistico tout-court, ma rappresenta piuttosto una vera e propria continuazione con l’immagine che hanno saputo ritagliarsi in passato. Infatti, una volta superata l’introduzione del “Yellow Theme”, l’energia di “Take My Bones Away“ (non a caso estratto come primo singolo dell’album) non può non ricordarci quella di Blue Record e di Red Album. L’attitudine è diversa, certamente: la band è più melodica, più morbida, più orecchiabile e più “live” di quanto non fosse prima; eppure, è sempre lei, perfettamente riconoscibile, e la sua nuova musicalità sembra essere molto più un’evoluzione ragionata e coscienziosa, che non piuttosto una svolta assennata dettata dal successo e dalla voglia di conquistare nuovi fan. I riff circolari conquistano e gli assoli ammaliano, mentre le tastiere offrono un tappeto ideale per l’energia del combo. Lo stesso si può dire per la successiva “March To The Sea”, forte di un hard rock nervoso e di un accento bluegrass tipicamente Baronessiano, mentre la splendida “Little Things” è semplicemente ammaliante, nelle sue tinte chiaroscure, supportate da riff eleganti e psichedelici, ma che cedono volentieri anche all’insegnamento post-hardcore dei Fugazi. La delicata e soffusa “Twinkler”, perlopiù acustica, è l’introduzione migliore per la corale psichedelica punk di “Cocainum”, brano semplicemente travolgente. “Back Where I Belong” mi ha convinto un po’ meno, forse perché mi ha ricordato troppo alcuni riff di “Silent Waters” (Waeving the Incantation?) degli Amorphis, ma del resto il suo incedere melodrammatico ha sicuramente la sua presa sull’ascoltatore, soprattutto nella parte finale. I riff rockeggianti “alla Thin Lizzy” di “Sea Lungs” mettono la carica, sebbene siano più manieristici, ma la vera e propria sorpresa arriva con “Eula”, forse il brano migliore del lotto: una canzone lenta, malinconica e avvolgente, che si insinua lentamente nel cervello e lo ammalia senza via di scampo, fino ad un emozionante e sostenuto finale. Una chiusura con i fiocchi.

Arrivati a questo punto, abbiamo solo analizzato “Yellow”. Ma il platter non finisce qui: cosa dire del suo fratello gemello “Green”? Affamati di nuovi riff, lo adagiamo nel lettore ed ecco che il “Green Theme” ci sommerge con la sue atmosfere psichedeliche, mentre il riff iniziale di “Board Up The House” ci risveglia dall’incanto, catapultandoci nuovamente nelle sonorità più tipiche dei Baroness, che però diventano ora più melodiche e orecchiabili, stampandosi immediatamente in testa. La splendida “MTNS” avvolge con il suo ritmo sostenuto e “Foolsong” non è da meno, pacata, ondeggiante, nostalgica e così squisitamente retrò. Le divagazioni acustiche di “Collapse” sono una piacevolissima pausa per la psiche, nonché la preparazione migliore per la strana “Psalm Alive”, dai ritmi bizzarri e da un’insolito uso dell’elettronica. Infine, i ritornelli hard rock di “The Line Between”, orecchiabilissimi e ipermelodici, tengono per mano, conducendo l’ascoltatore fuori da questo incredibile e lunghissimo viaggio, che si risolve nella purificazione catartica di “If I Forget Thee, Lowcountry” (usata anche come colonna sonora per il teaser dell’album).

Baroness, quindi: band talentuosa e, soprattutto, band coraggiosa. Hanno saputo prendersi i loro rischi e creare alcuni tra i pezzi sicuramente più belli e coinvolgenti della loro discografia, cambiando il loro modo di pensare e di comporre e spingendosi molto più oltre di quanto i loro “colleghi” Mastodon non abbiano saputo fare. Il tutto messo in risalto dalla produzione cristallina di John Congleton (Explosions In The Sky).

Un disco meraviglioso e coinvolgente, che ho ascoltato fino allo sfinimento come una vera e propria droga, imparando a memoria ogni sua singola traccia. Era da tanto, troppo tempo, che non succedeva una cosa del genere, e spero che la raffinata ispirazione di Yellow & Green sappia conquistare voi come ha saputo fare con me.

Per quanto mi riguarda, tra i top album del 2012.

The Destroyers of All

Emanuele Pavia — Mon, 12 Sep 2011 14:03:55 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Metal

Death Metal

Etichetta:

Willowtip Records

Anno:

2011

Link correlati:

Ulcerate Official Site

Line-Up:

- Paul Kelland - Basso, Voce
- Michael Hoggard - Chitarra
- Jamie Saint Merat - Batteria

Tracklist:

1. Burning Skies
2. Dead Oceans
3. Cold Becoming
4. Beneath
5. The Hollow Idols
6. Omens
7. The Destroyers of All

Ulcerate

The Destroyers of All

I neozelandesi Ulcerate si sono affermati negli ultimi anni come una delle più capaci e innovative band death metal nella frangia più brutale del genere. Dopo il più tradizionale debut Of Fracture and Failure del 2007, che ripercorreva la scia di quel death metal violento quanto sofisticato e cerebrale inaugurato dai Gorguts dieci anni prima, il gruppo si era infatti fatto notare nel 2009 con il di gran lunga superiore Everything Is Fire, in cui questo tessuto brutal dissonante veniva rivisto e filtrato sotto un'ottica post-metal figlia di Isis e Neurosis (e probabilmente rifacendosi anche all'approccio "post-" del black metal dei francesi Deathspell Omega).

E dopo quasi due anni esatti dal loro secondo full-length (e dopo circa un mese dall'uscita del secondo chitarrista Olivier Goater dal gruppo), gli Ulcerate tornano nel 2011: il terzo The Destroyers of All, pubblicato nuovamente sotto l'egida della Willowtip Records, vede la luce il 25 gennaio e subito porta il gruppo tra i massimi esponenti metal (estremo e non) da un lustro a questa parte. L'album segna un ulteriore passo avanti nel song-writing del gruppo, non solo per via di un netto aumento della lunghezza media dei brani: l'aspetto più importante è infatti il livello di maturità che gli Ulcerate hanno raggiunto nella loro commistione di post-metal e death metal, ancora più radicale e ben congeniata rispetto all'album precedente (complice forse anche una produzione migliore). Quello di The Destroyers of All è un sound maestoso quanto imponente, in cui il riffing erede degli Immolation, le dissonanze dei Gorguts e la straripanza ritmica dei Nile vengono ricoperti da una coltre fumosa, sontuosa e ineffabile secondo la tradizione post-metal (seppur in tale monumentalità vi sia una vena decadente e desolante che ricorda la musica esistenzialista dei Death), risultando il perfetto veicolo per il messaggio misantropo degli Ulcerate (che non mancano di sottolineare come il titolo si riferisca all'umanità che distrugge e corrompe ciò con cui viene a contatto). La brutalità della loro musica non risulta invariata rispetto alle precedenti release (e anzi, The Destroyers of All è sotto certi aspetti ancora più violento di Everything Is Fire), ma appunto per il sound post-metal più radicato nella matrice musicale della band tale efferatezza risulta meno sanguigna rispetto a quella dei primi dischi.

Già l'opener Burning Skies riassume tutte le diverse tendenze dell'album, con il suo progressivo oscillare tra granitici muri chitarristici, atmosferiche distorsioni post-metal e brutali sfuriate death metal, il tutto condito dallo straripante buongusto dei fill ritmici del batterista Jamie Saint Merat. L'opera prosegue su questa scia in modo piuttosto omogeneo, senza mai venire meno alla commistione di eleganza e violenza che contraddistingue il sound degli Ulcerate: gli struggenti fraseggi della chitarra di Michael Hoggard, accompagnati dal gutturale growl di Paul Kelland (quasi sepolto dall'impasto strumentale del trio) e dal motore propellente della base ritmica, compongono in Dead Oceans complesse strutture armoniche che donano dinamicità all'innesto sonoro del gruppo, mentre nella chiusura di Cold Becoming si trasformano in riff trascendenti che coronano i pattern batteristici di Saint Merat.
Arpeggi distorti aprono invece la spiccatamente post-metal Beneath, che intraprende un passo lento e cadenzato, scandito da tormentati riff chitarristici ma talvolta spezzato dai fill della batteria che riprendono il brutal death metal, cui segue l'ulteriormente desolante The Hollow Idols, nella cui prima metà viene ripresa la componente estrema per poi obliarla nella seconda, sostituita da stordenti distorsioni post-metal che segnano l'apocalittica conclusione del pezzo.
Ulteriori distorsioni (che riportano alla mente i giochi armonici degli Atheist nell'introduzione di Unquestionable Presence) introducono Omens, uno degli apici di tutto The Destroyers of All, che si muove su cupe coordinate post-metal prima di ritornare - con l'entrata in scena del growl di Kelland - su binari più brutali e tra i più dissonanti dell'album, con continue pause e ripartenze a sconvolgere la struttura del brano, per poi chiudersi in una frastornante outro giocata tra vocalizzi rabbiosi e complessi arrangiamenti ritmici. A chiusura del disco, come nel precedente Everything Is Fire, è incastonata la lunga title-track, altro capolavoro dell'album con Omens, nuovamente costruita tra dissonanti intrecci chitarristici e schemi batteristici cerebrali ad accompagnare l'aspra accusa filo-estinzionista di Kelland, summa di tutto ciò che ha rappresentato il viaggio di The Destroyers of All nelle sue molteplici sfaccettature e atmosfere.

Feroce e angosciante, The Destroyers of All è un opprimente attacco all'umanità, incapace di comprendere ciò cui sta portando la sua condotta e il suo sfruttamento del pianeta, ma soprattutto rappresenta uno dei dischi di death metal brutale e tecnico più innovativi dai tempi dell'immenso In Their Darkened Shrines che aveva portato una nuova ventata d'aria fresca in un genere che annaspava in una situazione di stagnazione creativa da prima del nuovo millennio. Gli Ulcerate, con questo ultimo capitolo discografico, hanno partorito una delle più interessanti proposte dell'anno non solo nell'ambito metal, imponendosi tra i massimi esponenti del loro genere nella scena musicale attuale.

Edge of the Earth

Damiano Cembali — Thu, 21 Apr 2011 12:10:27 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Post Metal

Thrash Metal

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2011

Link correlati:

Sylosis @ MySpace.com

Line-Up:

Josh Middleton – lead guitar, lead vocals
Alex Bailey – rhythm guitar
Carl Parnell – bass
Rob Callard – drums, percussion

Tracklist:

01. Procession – 6:45
02. Sands Of Time – 5:07
03. Empyreal (Part 1) – 4:52
04. Empyreal (Part 2) [Instrumental] – 1:07
05. A Serpent’s Tongue – 5:23
06. Awakening – 3:59
07. Kingdom Of Solitude – 5:37
08. Where The Sky Ends [Instrumental] – 3:56
09. Dystopia – 5:44
10. Apparitions – 7:15
11. Altered States Of Consciousness – 5:31
12. Beyond The Resurrected – 5:10
13. Eclipsed – 4:46
14. From The Edge Of The Earth – 7:38

Sylosis

Edge of the Earth

Reduci dal sorprendente successo del debut album, quel Conclusion Of An Age che ancora oggi è a parere nostro grandemente sopravvalutato, i Sylosis si ripropongono al grande pubblico in vesti decisamente rinnovate, rigenerate e, quel che è meglio, clamorosamente differenti dal loro unico e precedente lavoro. Punto di svolta probabilmente decisivo per le sorti della band originaria di Reading, nel Berkshire, è stata la dipartita del loro vocalist Jamie Graham, per il quale non si è deciso di cercare un rimpiazzo, temporaneo o definitivo che fosse: a prendere in mano il microfono, così come ad incaricarci del pesante fardello della composizione strumentale, è stato il carismatico leader Josh Middleton, anima e corpo di un act quasi certamente sconosciuto ai più ma autore di un’opera ai limiti del sensazionale che certamente saprà regalare loro la notorietà che realmente meritano. Edge Of The Earth, pubblicato lo scorso 14 marzo per Nuclear Blast, è senza dubbio la migliore pubblicazione metal di questi primi 3 mesi del 2011, un concentrato stupefacente di idee chiare e abilità compositiva nettamente sopra la media che si distende in tutti i suoi 72 minuti senza soporifere diluizioni ma, al contrario, con una ricchezza creativa talvolta stordente, persino asfissiante, che all’inizio complica non poco la comprensione intellettiva delle strutture sotterranee, rischiando seriamente di allontanare gli ascoltatori meno tenaci e curiosi.

Proprio questo è il primo pregio che traspare in tutta la sua evidenza da questa funambolica sfida: Edge Of The Earth, infatti, cresce esponenzialmente ascolto dopo ascolto, insinuando con sempre meno delicatezza la curiosità febbrile di capire di soppiatto i rimandi, scovare sottotraccia i collegamenti, intuire anzitempo i passaggi più arditi. La complessità appena evidenziata denota una crescita artistica saggiamente pianificata che, a partire dal thrash metal fortemente groovy dell’esordio del 2008, ha condotto il quintetto britannico a saggiare le proprie ambizioni prog/post, a tutti gli effetti confortate da una fantasia compositiva non del tutto originale ma certamente intrisa di una personalità già forte e scolpita. Questo non ha significato affatto un immediato abbandono, da parte del quartetto inglese, delle proprie origini thrash in versione Bay Arena old school, al contrario gli ha consentito di ispessire e completare il proprio sound secondo quelle che erano le sue prerogative iniziali, ovvero l’incorporamento, all’interno di questa base più tradizionale, delle tessiture più varie e degli stili più diversi: è per questa ragione che Edge Of The Earth spazia con così forte convinzione dagli incalzanti ritmi del groove metal firmato Machine Head al riffing corposo e potente del melodic death metal riconducibile alla prima stagione degli In Flames, passando per le feroci accelerazioni del deathcore di matrice nordamericana (e non inglese, è bene sottolinearlo), break down marziali post-hardcore e voluminosi stacchi mid-tempo secondo le più recenti formulazioni post-metal, perfetta sublimazione dei rabbiosi segmenti introduttivi. A dispetto dell’ardua compatibilità di tutti questi elementi così eterogenei fra loro, la sapiente mano di Josh Middleton ha saputo offrire loro una coerenza e una linearità semplicemente esaltanti, come se ogni singolo soggetto espressivo trovasse una sua collocazione ideale, abilmente predefinita e sapientemente incastonata in quel mosaico caleidoscopico di sonorità prevalentemente moderne che è a tutti gli effetti Edge Of The Earth. Non si può certo negare che i primi impatti sembrino divergere sensibilmente dalle precedenti considerazioni, ma si tratta di sensazioni temporanee e ampiamente giustificate dalla mole impressionante del disco, forse persino eccessiva; tuttavia, passaggio dopo passaggio, anche le partiture più impervie rivelano la loro piacevole semplicità ed è ancor più entusiasmante immergersi completamente nelle sue onde tumultuose e rincorrerle una dopo l’altra con quell’avidità spontanea che è propria soltanto di chi si innamora.

Proprio questa spontanea infatuazione non deve però minare la lucidità necessaria ad evidenziare anche i difetti, per lo più formali, di questo portentoso album. Come già accennato in precedenza, la durata complessiva di Edge Of The Earth non costituisce di per sé un limite intrinseco alla sua riuscita, né tanto meno può considerarsi un’esagerazione fine a sé stessa, dal momento che le idee partorite dalla mente illuminata di Josh Middleton che riescono a riempirla con una ricchezza persino esasperante; al contrario, sarebbe il caso di complimentarsi sinceramente con la formazione inglese, sia per aver dato alle stampe un’opera totale e totalizzante che meritatamente esige giorni e giorni di passaggi stereo per farsi addomesticare completamente, senza quindi consumarsi a mo’ di candela come tanti dischi ricchi di successo ma poveri di contenuti, sia per non aver affatto giocato al risparmio mettendo nel cassetto parte del materiale composto (pratica fasulla e nefasta, a parere di chi scrive) così da averne di già pronto per il seguito, dimostrazione palese di come Edge Of The Earth sia la rappresentazione fedele di un preciso momento storico della band e come tale, nella sua interezza, andava (ed è stato) pubblicato.

E’ altrettanto vero, però, che in alcune circostanze i Sylosis compiono scelte decisamente irritanti, a partire all’assurdità totale di Empyreal part 2, vale a dire un minuto di inutile ripetizione strumentale, per arrivare alle superflue introduzioni semiacustiche o alle noiose conclusioni in fading di alcune tracce quali Awakening, Altered State Of Consciousness o la furiosa Dystopia, addirittura slegata dalla propria breve ouverture, che avrebbero avuto senso logico soltanto qualora si fossero ripetute per tutti i singoli episodi dell’album, come a costituire un’unica lunga suite narrativa, ma così non è. Più in generale traspare da alcuni precisi momenti musicali una voglia di strafare certamente ammirevole e comprensibile ma dagli effetti deleteri: fra sciocche forzature (l’assolo iniziale di Sands Of Time, ad esempio), qualche rielaborazione fuori contesto (su tutti il fastidioso crescendo epic/power di Kingdom Of Solitude) e cambi di tempo eccessivamente ravvicinati, talvolta al limite dell’incomprensibile, la conseguenza peggiore è che viene seriamente compromesso il mood generale del disco e l’ascoltatore fatica seriamente a restare immerso nel flusso dello sviluppo narrativo.

Un ultimo aspetto capace di sollevare qualche perplessità di troppo è la performance vocale dello stesso Josh Middleton, al quale, sebbene vada tributato grande merito nell’essersi assunto la difficile responsabilità di cantare, non si può rimproverare il grave difetto di risultare dannatamente calante in alcuni frangenti di massima esplosività canora, producendo così un doloroso effetto-contrazione che finisce per penalizzare sensibilmente la riuscita complessiva di alcuni brani che avrebbero potuto compiere un salto di qualità ancora superiore. Detto che null’altro gli si può effettivamente addebitare e che si tratta per lo più di imperfezioni facilmente eliminabili (o, almeno, limitabili) con opportuni esercizi canori, è altrettanto importante sottolineare come le linee vocali predisposte dallo stesso Josh Middleton lascino intravedere una contraddizione quasi masochista ben difficile da spiegare: se da un lato, infatti, i Sylosis sembrano trovare la propria dimensione naturale nei ritmi più solenni e cadenzati, laddove il sound si trasforma da crudo a corposo e si predispone a sublimare lo scioglimento finale del discorso narrativo, dall’altro l’espressione vocale sembra rifuggire la modalità clean, decisamente più appropriata in quel preciso atto narrativo, come se nascondesse il timore di cedere (talvolta in maniera perfino indispensabile, si ascolti A Serpent’s Tongue) al compromesso storico fra metal estremo e voce piena e chiara – come se si volesse, insomma, dosare cautamente le concessioni alla voce piena e chiara a scopo precauzionale, quasi, onde evitare il rischio di suscitare malumori reazionari in una fan base forse più orientata alle frange estreme piuttosto che ad attenzioni post/prog.

Pur tuttavia, non si può negare che la varietà allucinante di idee creative e la generosa passionalità con la quale sono state realizzate all’interno delle sue 14 tracce facciano di Edge Of The Earth un esempio perfetto di metal moderno e classico allo stesso tempo, potente ed arioso, accattivante ma non frivolo, cerebrale eppure espressivo – materia viva e fumante, sebbene ancor priva di quelle raffinatezze sottili ma estasianti che sono frutto della pura e semplice esperienza piuttosto che di conoscenze acquisite o talento specifico. Pertanto, se è vero che la prima arriverà col tempo e che di quest’ultimo hanno dimostrato di abbondare, i Sylosis di Josh Middleton si pongono oggi come una realtà assoluta del metal alternativo – una speranza inattesa e grandiosa che, in punta di piedi, ha già segnato distintamente questo promettente 2011.

Secret Youth

Stefano Pentassuglia — Mon, 02 Feb 2015 21:36:00 +0000

Voto:

7.6 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Etichetta:

Svart records

Anno:

2015

Link correlati:

Sito ufficiale dei Callisto

Line-Up:

Jani Ala-Hukkala - voce
Ariel Björklund - batteria
Tero Holopainen - chitarra
Arto Karvonen - tastiere
Markus Myllykangas - voce, chitarra
Juho Niemelä - basso
Jani Rättyä - percussioni (live)

Tracklist:

1. Pale Pretender
2. Backbone
3. Acts
4. The Dead Layer
5. Lost Prayer
6. Breasts of Mothers
7. Grey Light
8. Ghostwritten
9. Old souls
10. Dam’s Lair Road

Callisto

Secret Youth

“Providence” si è rifatto il look. E si è involuto (o evoluto?).
Uscito nel lontano 2009, quel lavoro rappresentò un vero e proprio spartiacque per la band di Turku, Finlandia, che aveva esordito nel 2004 con la viscerale emotività dell’ottimo debutto “True Nature Unfolds”, per poi proseguire con le tinte post-rock e vagamente gotiche dello splendido “Noir” nel 2006. Il motivo di tale separazione fu dettato dal radicale cambiamento di rotta della band, che sembrava aver abbandonato per strada i retaggi post metal del passato per dedicarsi un approccio musicale totalmente nuovo, che prediligeva un tappeto psichedelico di melodie oscure e ipnotiche, su cui far svettare la suadente voce del nuovo singer Jani Ala-Hukkala.
Dopodiché, il vuoto cosmico. La band è rimasta impantanata nel silenzio più assoluto per ben 6 anni, fino a stupire tutti con la notizia che in fondo speravamo, ovvero che un nuovo disco fosse in preparazione per il 2015. E quindi eccolo qui, nuovo di zecca.

Come anticipato in precedenza, questo nuovo “Secret Youth” potrebbe essere visto da alcuni come una sorta di “involuzione” del precedente “Providence”, mentre altri al contrario potranno piuttosto intenderlo come una “evoluzione” nelle sonorità del combo finlandese. Questione di punti di vista: se da un lato è innegabile che il nuovo gioiello di casa Callisto risulti meno sperimentale e azzardato del disco precedente, in quanto recupera parzialmente alcune sonorità degli esordi da cui sembrava che il gruppo si fosse ormai allontanato, è anche vero che, semplificando le strutture e utilizzando schemi compositivi più freschi e coinvolgenti, i nostri siano riusciti a sfornare un lavoro ispirato che fa un deciso passo in avanti rispetto al cammino un po’ troppo incerto di “Providence”.
Già con Pale Pretender il ritorno a certe sonorità post metal appare evidente, grazie a un riff iniziale coinvolgente al punto giusto che prepara verso un cammino in territori più melodici e atmosferici. Il singolo Backbone appare poi come uno dei brani decisamente più ispirati del lotto, grazie al suo clima oscuro che cresce pian piano, per poi immergersi in uno dei giri armonici migliori che la band abbia mai composto, su cui svetta la voce di Jani a rimarcarne ancora di più la melodia.

Vale la pena soffermarsi un attimo sulla voce di Ala-Hukkala e spenderci su due parole. La sua comparsa su “Providence” fu forse l’aspetto più rivoluzionario nel suono dei finlandesi: se da un lato la sua voce è carismatica e talentuosa, il suo timbro nasale e arcigno c’entra con il post metal quanto i cavoletti di Bruxelles in una colazione all’italiana, motivo per cui non si può fare a meno di riflettere se l’assunzione di questo nuovo cantante sia stato un bene o un male per i Callisto. L’opinione di chi scrive è: dipende dal brano. Quando le soluzioni adottate sono quelle tipiche del post rock più atmosferico o del post metal più aggressivo, è innegabile che la costante presenza delle linee vocali di Jani possano risultare addirittura fastidiose, in quanto spezzano la tensione emotiva che gli strumenti riuscivano a creare così bene. Tuttavia, non si può fare a meno di render merito a un timbro vocale che arricchisce di sensazioni i brani più sperimentali, melodici e influenzati da generi più lontani come il dark, lo stoner o il rock psichedelico.
Quindi la questione rimane aperta: Ala-Hukkala è un singer talentuoso e la sua voce è piacevole, peccato che purtroppo non si adatti a molte delle soluzioni usate dai Callisto e che la sua presenza risulti troppo costante e incisiva. Sarebbe stato meglio affidare più parti urlate al chitarrista Markus Myllykangas, il cui growl, per quanto di maniera, risulta perfettamente godibile su ogni riff post metal che si rispetti.

A volte la scelta delle voci risulta perfettamente azzeccata anche all’interno dello stesso brano. Ghostwritten ha dei ritmi ricchi di groove, che grazie alla voce di Ala-Hukkala ricordano addirittura una band lontana chilometri come i Sahg, mentre la sua notevole conclusione rende al massimo proprio grazie alla voce di Myllykangas, le cui urla si ergono su un sublime tappeto sinfonico di tastiere e chitarre viscerali. Un brano come Grey Light, invece, ammalia con il suo basso pulsante che si arricchisce di sensazioni chiaroscurali e di un’anima melodica darkeggiante e dall’attitudine fortemente rock.
Uno dei picchi compositivi del disco è poi rappresentato da Breasts of Mothers, brano dall’attitudine squisitamente Cult of Luna, dall’inizio magari non originale ma senz'altro emozionale e coinvolgente come pochi. Acts mette invece la forma canzone al primo posto, grazie a una melodia riuscita e convincente, mentre Lost Prayer sembra un brano dallo spirito quasi indie rock, per non dire pop, dove linee di chitarra dolci e tentacolari si immergono in un mare di bassi post metal, connubio che seduce e spinge così a sognare a occhi aperti.
Ma in tutto questo i Callisto non si fanno mancare nemmeno due begli interludi strumentali, prima con la soffusa e sospirata The Dead Layer e poi con la malinconica Old Souls, fatta di arpeggi appena accennati che cullano spezzati dalle rabbiose urla di Myllykangas, in una spirale tenebrosa e molto suggestiva. E a chiudere il tutto c’è infine la bella e ispirata Dam’s Lair Road, le cui melodie imbastardite riassumono alla perfezione quanto detto in precedenza e pongono la parola fine con intriganti arpeggi che si accavallano in un oceano di distorsioni.

In definitiva, a soluzioni ispirate e viscerali si collegano scelte non proprio azzeccate che rischiano di spezzare la tensione emotiva, cosa che rende “Secret Youth” un disco delizioso ma comunque non privo di difetti, che bene o male potrà piacere sia a chi ha già apprezzato il precedente “Providence”, sia a chi segue il gruppo fin dai suoi esordi. La speranza è che, sia con questo piccolo riavvicinamento alle origini che con queste nuove strutture più fresche e coinvolgenti, il nuovo nato in casa Callisto possa far riavvicinare alla band coloro che non avevano digerito la novità di “Providence”, storcendo il naso alle soluzioni psichedeliche che sembravano non appartenere più di tanto all’identità post metal della band.

Ultima nota di merito va poi alla bella (doppia) copertina, in un elegante bianco e nero che riporta alla mente le terre innevate in cui è nata la band, sfondo ideale per la loro musica avvolgente come una coperta calda d'inverno.
Un gradito ritorno.

Tantrum

Giulio Magliulo — Sun, 14 Dec 2014 18:41:52 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Metal

Alternative Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Eve Recordings

Anno:

1991

Line-Up:

Vic Kemlicz – guitar, vocals

Duncan Brown - bass

Chin Keeler - drums

Tracklist:

1. Claws

2. Is That It?

3. Surgery

4. Girth

5. Hot Seat

6. Billy and Bobby

7. Gregor

8. Book One, Page One

9. Pyrosulphate

Milk

Tantrum

Meno di duecento km. quelli che separano Norwich, capitale della contea del Norfolk, dai colorati mercatini londinesi di Camden.
Quanto basta per lasciar perdere il jangle pop che ben ha attecchito nel nord del Regno Unito e far posto alla rivoluzione che nello stesso periodo negli U.S.A. ha un solo nome.

Siamo nel 1991 ed i Milk approdano dopo un paio di e.p. e diversi cambi di formazione a quello che potremmo definire un pefetto power trio.

Non sono soli i Milk a sperimentare soluzioni a cavallo tra l'alternative americano e le forti pulsioni art-rock tipiche delle terre di Albione. Purtroppo non riusciranno a far parte della schiera dei fortunati che svetteranno in alto nelle classifiche indie come i troppo filoamericani Therapy? o i leggendari prime movers God Machine, che per risapute ragioni preferiamo considerare parte del contingente inglese sebbene fossero californiani. Perfino i più noisy e caotici Silverfish ebbero maggiori riscontri commerciali.

I Milk vengono ricordati tra i minori del periodo, come i Jacob's Mouse, decisamente più variegati e schizzati nei suoni, o gli Scum Pups, completamente assorbiti dal grunge imperante oltreoceano.

Un'altra band che è bene citare per avere una piena comprensione di questo complesso quadro sono i Fudge Tunnel, che finirono poi per firmare per Earache.

Decisamente spostati quindi verso quello che potrebbe essere etichettato come art-metal o post-metal o più semplicemente alternative-metal, con Tantrum il trio realizza un lavoro definibile monolitico nel senso migliore del termine, cioè compatto e coeso, coerente ed onesto, potente ed ispirato.

L'album si apre con Claws, livido affresco metal tutto bagliori, chitarre tirate, stoppate e convulse con un chorus magnificamente romantico che non preclude chiaroscurali sospensioni, arpeggi in penombra ed esplosioni noise.
La voce di Vic Kemlicz è forse persino più graffiante e scorticata di quella di Dan Kubinski dei Die Kreuzen.
La seconda traccia, Is That It? lascia intravedere le influenze industrial della band tra le sue ritmiche serrate e le sue geometrie dissonanti.
Surgery riapre scenari decadenti all'interno di suoni oscuri e metallici e ricchi di isterici feedback in un brano che lascia ipotizzare una versione inglese dei Soundgarden.
Girth è la traccia che sancisce un legame con l'hard rock storico britannico.
Pensare ai Led Zeppelin non è però un fuorviante tentativo di far passare i Milk come dei nostalgici, quanto un ribadire che la musica heavy inglese di tutti i tempi ha sempre saputo comprimere un enorme potenziale elettrico, una carica fortissima in toni drammatici e perfino tragici. E chi meglio dei Led Zeppelin, della chitarra esoterica di Page o del teatrale Plant ha saputo far di meglio nell'assecondare quest'idea?
Hot Seat è una delle vette del disco: una cavalcata irruenta, veloce e dissonante; è l'heavy metal che anticipa il post-hardcore senza averne però nessuna cognizione.
Billy and Bobby è l'altro capolavoro: appassionata ed incredibilmente eterea per essere una traccia in cui il batterista Keeler picchia come se stesse scolpendo granito.
Gregor è poco più di un intermezzo di un minuto, la cui unica particolarità consiste nel fatto d'essere una traccia in reverse.
Nella penultima Book One Page One ritornano i Milk più cattivi, dalle impennate quasi voivodiane; ed infine c'è Pyrosulphate, ancora grumi di rabbia e gioia per uno degli album più sottovalutati e dimenticati di quell'eccitante spaccato dei primi nineties britannici.

I Milk, piuttosto che accomodarsi nella retorica grunge o cavalcare l'onda alternative a base di Hüsker Dü, Dinosaur Jr. e Sonic Youth, han preferito realizzare un disco per molti versi più vicino a quanto facevano band quali Helmet e Prong, aggiungendo però fuoco a quelle fredde collisioni post-metal e riuscendo inconsapevolmente anche a superare gli album meno ispirati di questi ultimi. Peccato che a ricordarlo siano rimasti in pochi.

Last City Zero

Emanuele Pavia — Fri, 27 Dec 2013 21:52:12 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Metal

Industrial

Etichetta:

Neurot Recordings

Anno:

2013

Line-Up:

- Mike IX Williams - Voce
- Scott Kelly - Chitarra, voce
- Bruce Lamont - Sassofono, voce
- Sanford Parker - Tastiere, drum programming

Tracklist:

1. Serve or Survive
2. Bullets and Graves
3. Party Leg and Three Fingers
4. Run Through the Night
5. Dirt Poor and Mentally Ill
6. Hallows of the Stream
7. Last City Zero
8. Drapes Hung by Jesus

Corrections House

Last City Zero

I Corrections House sono un supergruppo formato nel 2012 da alcuni dei nomi più altisonanti della scena metal sperimentale, vale a dire Mike IX Williams, cantante degli Eyehategod, Scott Kelly, chitarrista dei Neurosis, Bruce Lamont, mastermind degli Yakuza, e Sanford Parker, bassista dei Minsk (qui addetto agli interventi elettronici di tastiera e al programming della drum machine).

Pubblicato per la Neurot Recordings il 28 ottobre 2013, Last City Zero ne segna l'esordio su full-length. L'album sembra quasi un'ucronia dell'evoluzione stilistica dei Neurosis, e un antidoto al sound innocuo sviluppato negli ultimi anni (culminato nel mediocre Honor Found in Decay). Ciononostante, è fallace ridurre l'opera dei Corrections House a un mero spin-off della musica dei Neurosis. Last City Zero è infatti una vera e propria somma diretta delle esperienze dei quattro musicisti: i Corrections House sfoderano qui un sound monolitico e oscuro, che assorbe sì il senso di incombente apocalisse dei Neurosis, ma anche il cantautorato intimista e tragico degli album solisti di Kelly, le collisioni metalliche sludge degli Eyehategod, il fatalismo dell'opera di Lamont (invero mutuato maggiormente dal notevole Feral Songs for the Epic Decline del 2011 piuttosto che dal sound degli Yakuza) e gli arrangiamenti esotici dei Minsk, dovuti principalmente alle tastiere e all'elettronica di Parker, che conferiscono un'atmosfera industriale (piuttosto che psichedelica) al sound dei Corrections House.

Già con l'apertura dell'album, la band sfodera uno dei numeri più creativi e intensi che qualsiasi membro dei Corrections House possa vantare nel proprio repertorio da almeno un lustro: la mesmerizzante trenodia di Serve or Survive riassume già tutti i diversi umori esibiti da Last City Zero, dapprima immergendo il soliloquio di Scott Kelly in un tessuto di rumori, effetti e atmosfere elettroniche pennellate dalle tastiere di Parker, per poi evolversi in una granitica marcia industrial/sludge metal che, con il passare dei minuti, si dirige sempre più verso lo spettro Godflesh.
Merito soprattutto dell'alchimia tra i quattro membri del progetto, che riescono a convogliare in un unico organismo coerente e ben congeniato le diverse strade intraprese negli anni nelle loro carriere, dando vita a un disco dall'impronta riconoscibilissima eppure estremamente fresco e originale.
Questo aspetto è particolarmente evidente in Party Leg and Three Fingers, trionfo definitivo dell'operazione Corrections House, in cui le apocalissi post-sludge dei Neurosis vengono tempestate dai turbinii e dalle distorsioni cataclismatiche delle tastiere di Parker, su cui aleggiano, in secondo piano, le evoluzioni spettrali del sassofono di Lamont, nella migliore tradizione Yakuza; o, ancora, in Dirt Poor and Mentally Ill, dal baricentro questa volta più spostato sul versante sludge di Eyehategod e Melvins, ma sempre irrimediabilmente compromesso dagli arrangiamenti quasi cosmici di Parker (qui improvvisandosi novello Noah Landis) e da una ferocia nichilista che rievoca i fantasmi dei primi Swans.

A questi incubi di post-metal industriale, i Corrections House alternano sfuriate elettroniche di scuola Ministry e Nine Inch Nails (Bullets and Graves) a numeri di folk e americana intimisti presi in prestito dalla carriera solista di Kelly (Run Throught the Night, dalle invadenti intermittenze di tastiere e conclusione con catartici riff a cascata di chitarra, la polverosa title-track e soprattutto la morriconiana Hallows of the Stream, accompagnata da sax e percussioni ossessive verso il tramonto). L'album si conclude degnamente con la funerea Drapes Hung by Jesus, che tra droni di tastiere, ritmi cibernetici di drum machine, cadenze industrial/sludge asfissianti degne di Justin Broadrick, motivi metafisici di sassofono e agghiaccianti latrati distorti e mutilati dall'elettronica, ribadisce nuovamente la coesione e la lucidità creativa del supergruppo.
Last City Zero entra così di diritto tra i titoli di metal estremo migliori dell'anno.

Intersubjectivity

Emanuele Pavia — Thu, 20 Dec 2012 22:39:20 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Metal

Death Metal

Etichetta:

The Path Less Traveled

Anno:

2012

Line-Up:

- Garett Bussanick - Voce, chitarre
- Eric Rizk - Basso
- Brian Corcoran - Batteria

Tracklist:

1. A Living Sundial
2. The Petrifaction Lottery
3. Intersubjectivity

Flourishing

Intersubjectivity

Nonostante abbiano solo un full-length all'attivo, i Flourishing possono definirsi comunque uno dei più importanti progetti estremi degli ultimi anni.
Dopo la pubblicazione di un solo EP di sedici minuti (l'interessante ma non esaltante A Momentary Sense of the Immediate World, del 2010) e un album (The Sum of All Fossils, pubblicato per la The Path Less Traveled Records l'anno successivo), il trio new yorkese ha subito attirato l'attenzione degli amanti delle scene più eversive del death metal grazie a uno stile eclettico e sofisticato reminiscente tanto del classico death metal e grindcore quanto delle propaggini più sperimentali dell'industrial metal, dello sludge e del post-metal, fino ad avvicinarsi al post-hardcore e al noise.

La terza prova discografica del combo statunitense arriva il 13 novembre 2012, con la pubblicazione del secondo EP Intersubjectivity (ancora una volta rilasciato tramite The Path Less Traveled), che conferma con decisione lo spirito di The Sum of All Fossils dichiarando al contempo di voler proseguire su nuove strade nelle future uscite.
Come intenti, i Flourishing si avvicinano molto a ciò che attualmente stanno facendo gli australiani Portal e Ulcerate, donando nuova luce al genere estremizzandone i connotati e rendendo i tessuti musicali ulteriormente massicci, ma ciò che scaturisce da questo amalgama sonoro si discosta tanto dall'opprimente compattezza dei primi quanto della decadenza tragica dei secondi. Destreggiandosi tra lo spirito romantico dei Death, le singolari armonie degli Atheist e le composizioni atonali dei Gorguts (queste le tre influenze classiche più lampanti nel sound dei Flourishing), la band ricama intricati e densi strati di distorsioni e dissonanze che strizzano l'occhio tanto al noise-rock quanto al post-metal, adagiandole su possenti linee di basso provenienti direttamente dagli ambienti più degradati del post-hardcore e del noise-rock new yorkese (Unsane, Helmet) e violente scariche percussive di scuola brutal/grindcore (Brutal Truth).
A Living Sundial apre l'EP in maniera apocalittica: un death metal violento e monolitico viene bombardato da deflagrazioni industriali, riverberi chitarristici e cacofonie strumentali, in un sound che fagocita Immolation, Neurosis, Glenn Branca e Gorguts dipingendo desolati scenari catastrofici. Il meglio però arriva con The Petrifaction Lottery, un devastante aggiornamento di Clouded tramite la lezione del post-death metal degli Ulcerate, ma suonato con l'impatto emotivo dei Death (con climax in uno splendido assolo di chiara influenza schuldineriana a sovrastare il possente muro sludge metal eretto dalla base ritmica), che degenera presto in un turbinio di foga post-hardcore, atonalità industriale e evoluzioni strumentali death metal.
Quando infine giunge la lunga title-track, i Flourishing hanno ormai allestito uno stile death metal visionario e annichilente, di cui vengono preservati solo il growl e le distorsioni ma che è concettualmente più vicino agli incubi degli Swans più distruttivi, alle sperimentazioni rumoristiche di Glenn Branca e alle apocalissi post-industriali di Godflesh e Neurosis.
Queste ultime due tracce rappresentano, senza ombra di dubbio, due delle più terrificanti interpretazioni del death metal dell'anno.

Honor Found in Decay

Emanuele Pavia — Sat, 27 Oct 2012 21:15:57 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Metal

Etichetta:

Neurot Recordings

Anno:

2012

Line-Up:

- Scott Kelly - Voce, chitarra
- Steve Von Till - Chitarra, voce
- Dave Edwardson - Basso
- Jason Roeder - Batteria
- Noah Landis - Synth, pianoforte, sample

Tracklist:

1. We All Rage in Gold
2. At the Well
3. My Heart for Deliverance
4. Bleeding the Pigs
5. Casting of the Ages
6. All Is Found... in Time
7. Raise the Dawn

Neurosis

Honor Found in Decay

Dopo il carismatico capitolo di Given to the Rising, il ritorno sulle scene dei Neurosis (intitolato Honor Found in Decay e pubblicato per la Neurot Recordings il 26 ottobre 2012) rappresenta invece una delusione e un importante passo indietro nel percorso stilistico del complesso californiano.
La band che si esibisce su questo nuovo full-length non ha nulla a che vedere con i monolitici Neurosis degli anni Novanta, a differenza di quanto facesse presagire l'ultimo lavoro che aveva recuperato e iniettato l'imponenza apocalittica dei grandi classici del gruppo nel tessuto musicale sviluppato nelle opere più recenti; piuttosto, sembra di ascoltare un (poco fantasioso) tributo ai Neurosis del nuovo millennio svolto tramite la meccanica ripetizione dei clichè introdotti proprio dai Neurosis dieci anni prima, svuotando però la formula di ogni contenuto e dando forma a un disco vacuo e privo di mordente.

Le sette composizioni di Honor Found in Decay sono lunghe marce di sludge atmosferico, stilisticamente vicine a quelle di The Eye of Every Storm, condite dalle distorsioni celestiali di chitarra, dalle tastiere e, occasionalmente, anche dagli spunti folk che A Sun That Never Sets aveva inserito nel bagaglio musicale dei Neurosis e che Scott Kelly e Steve Von Till avevano approfondito con i loro progetti solisti. Ma i brani appaiono triviali, monocordi e ripetitivi nelle strutture, se non addirittura sconclusionati quando il minutaggio aumenta (e non è un caso che spesso durante l'ascolto dell'album si abbia la fastidiosa impressione di essere alle prese con pezzi che, dopo minuti di calma piatta e di pallide imitazioni degli schemi del passato, si svegliano per pochi minuti dal torpore creativo prima di ricadere in letargo): dal lavoro ritmico, spesso relegato a ruoli banali ed estremamente lineari, fino alla voce di Kelly, che si rivela per la maggior parte del disco inadatta sia dal punto emotivo che dal punto di vista melodico, la prestazione dei Neurosis è probabilmente la peggiore mai mostrata su full-length. Anche le partiture chitarristiche di Von Till hanno perso molta della loro efficacia, lontane ormai dalla portata catastrofica dei primi album dei Neurosis, ma svuotate anche della componente quasi metafisica dei lavori più recenti, per quanto molte delle intuizioni che rendono digeribile l'ascolto dell'album si debbano anche alla sua prova esecutiva (così come a quella di Noah Landis, che spesso conferisce ai pezzi le atmosfere e gli arrangiamenti più interessanti di tutto l'album).
Tuttavia, nemmeno questi elementi riescono a salvare dal baratro composizioni monocordi come l'opener We All Rage in Gold (che se per la prima metà è una versione edulcorata del post-metal del passato salvato solo da alcune sporadiche ma affascinanti cadenze slintiane, nella seconda risulta debitrice alla lezione dei Black Sabbath ben più di quanto i Neurosis non lo fossero mai stati in passato) e My Heart for Deliverance (che invece alimenta false speranze grazie a un'ipnotica introduzione industriale e un'entrata in scena imponente e melodica nella miglior vena di Given to the Rising, prima di arenarsi in un tessuto inconcludente fatto di strutture stucchevoli e spunti folk totalmente estranei all'atmosfera del pezzo iniziale). In At the Well e soprattutto in Casting of the Ages è ancora più evidente l'influenza che il lavoro solista di Kelly e Von Till ha avuto su Honor Found in Decay, ma mentre la prima di fatto prende vita solo nella seconda metà del pezzo, quando il solo di chitarra e il vortice di percussioni si contendono la supremazia del brano in un miasma catartico, la seconda è una lunga marcia che ad eccezione dei due minuti conclusivi - dominati dagli effetti elettronici che manipolano il tessuto musicale distorcendolo in maniera sinistra - scorre via in modo scialbo senza lasciare alcuna traccia.
Solo Bleeding the Pigs (tra alienanti tappeti elettronici di sample e rumori, possenti distorsioni di chitarra e ritmi tribali di batteria memori del capolavoro Enemy of the Sun) e le conclusive All Is Found... in Time e Raise the Dawn (che sfoderano in assoluto la prova migliore del quintetto, ricordando i migliori episodi di Through Silver in Blood anche grazie a una prova vocale finalmente efficace di Kelly) riescono a rifulgere di luce propria e a risultare interessanti uniformemente dall'inizio alla fine - e non è un caso che tutt'e tre non superino i dieci minuti di durata . Ma tre composizioni su sette non possono placare il sentimento di delusione che Honor Found in Decay provoca nell'ascoltatore: questo nuovo lavoro dei Neurosis, per quanto sicuramente non sia totalmente da buttare, è senza alcun dubbio la prova peggiore che la band abbia mai esibito su full-length dalla sua formazione.

The Essence Remains

Stefano Pentassuglia — Tue, 10 Apr 2012 21:13:15 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Gothic Metal

Etichetta:

My Kingdom Music

Anno:

2012

Line-Up:

Voce e Chitarra : Ugo Ballisai

Basso: Alessio Caruso

Batteria: Luca Costanzo

Tracklist:

01. Snowstorm
02. The Fairies’ Circle
03. Silence
04. Lilith
05. Holy Mountain Pt1 (The Alkemist’s Frode)
06. Holy Mountain Pt2 (The Rebirth)
07. 24 Megatons
08. Equilibrium
09. The Essence Remains

L'Alba Di Morrigan

The Essence Remains

Dev’esserci qualcosa, nell’aria di Torino, che infonde sensazioni profonde e malinconiche mentre si attraversano i suoi portici e le sue vie solenni, o si osservano le foglie gialle dell’autunno confondersi con il colore di palazzi e monumenti. Non mi meraviglierei che una città affascinante come questa possa ispirare anche la musica delle numerose band che vi risiedono e che ne traggono giovamento per le proprie opere. Il fatto che, in Italia, fosse Roma ad attirare il maggior numero di gruppi dediti ad un gothic metal estremamente intimista e melanconico (e, su tutti, penso ai Klimt 1918, ai The Foreshadowing e soprattutto ai fenomenali Novembre) non ha impedito che fosse proprio la ex capitale dell’800 la culla di una nuova promessa per questo sempre più interessante filone musicale tipicamente italiano.

L’Alba Di Morrigan, infatti, è una realtà tutta torinese che aveva già mostrato le unghie nel 2009 con l’album “The Circle” (che a suo tempo ascoltai e di cui mi innamorai al primo ascolto). Non abbastanza, evidentemente, dal momento che i tre ragazzi hanno deciso di ri-registrare il vecchio demo aggiornandolo, ri-arrangiandolo e rendendolo degno dell’attenzione di un’etichetta non da poco come la My Kingdom Music come il loro primo esordio ufficiale vero e proprio.

Fatta eccezione dell’inedita e notevole title track, le canzoni sono rimaste quelle di “The Circle” ma si sente che questa volta qualcosa è cambiato. I vecchi brani, che all’epoca erano contornati da quel tipico fascino che si deve alle registrazioni autoprodotte, sono stati ripuliti e ridefiniti con una luce nuova e sonorità finalmente in grado di far risaltare la bellezza delle composizioni. Questa volta la chitarra graffia sul serio, la voce riscalda, il basso avvolge e la batteria è potente e fa finalmente il suo lavoro come si deve (parole di Ugo: “nel vecchio disco la batteria sembrava quella dei Beatles!”).

I brani sembrano seguire un filo conduttore che li lega attraverso le emozioni iniettate nelle vene dell’ascoltatore. Quando inizia “Snowstorm”, tutto si placa, il basso disegna linee nell’aria che si sposano con una chitarra delicata e una voce sommessa, che sembra introdurci nell’antro di un mondo decadente. Presto però si rintraccia anche la variabilità delle strutture e un approccio che non scade mai nell’autolesionismo del gothic metal ma, al contrario, rimane sempre ancorato alla dinamicità di un rock visionario e ispirato. Arpeggi, assoli, cambi di tempo e melodie suadenti che non annoiano mai e inducono piuttosto a riascoltarle con piacere.

Lo stesso discorso vale per tutte le canzoni qui presenti, con una “The Fairies’ Circle” grintosa ed estremamente emozionante nelle sue divagazioni post-rock, o una “Silence” che avvolge i sensi e se ne impossessa, rilassando le membra, la testa ed il cuore. La successiva “Lilith”, isola felice con il suo testo in italiano, si avvicina maggiormente alla drammaticità dei Novembre, mentre la coppia “Holy Mountain” Parte 1 e 2 scatenano tutto l’estro creativo del combo: basso pulsante e chitarre variegate, in un rock intenso ed estremamente coinvolgente che spinge più volte a ripremere il tasto play per riascoltare determinati passaggi e certe melodie che meritano particolarmente.

“24 Megaton” preme sul pedale dell’acceleratore senza aggiungere molto a quanto ascoltato in precedenza, mentre “Equilibrium” placa i sensi in una suite di sensazioni soffici da trip mentale che si sposano ad un post metal intenso e decadente. Con la conclusiva “The Essence Remains”, i tempi rallentano e si dilatano, regalando momenti di musica intimista e melodie che mi hanno ricordato molto da vicino i migliori Katatonia.

Si chiude così un vero e proprio viaggio, avvolgente e delicato, che sembra quasi riassumere quello che è l’approccio italiano alla materia gothic metal di terra scandinava. Tutto questo, però, senza dimenticare un concetto importante: la forza di questi ragazzi sta anche nel non avere una sola ma più fonti di ispirazione che si completano, ed è un piacere osservare come l’amore per la band di Jonas Renkse possa unirsi a tonalità post-rock o a sonorità che ricordano da vicino il post metal autunnale dei Callisto… Un dettaglio non da poco per chi è affamato di questo tipo di sound e apprezza tanto “Viva Emptiness” e “Tonight’s Decision” quando “Providence” e “Noir”.

Unica pecca dell’album: il fatto di essere ancora acerbo per ovvie ragioni, essendo il primo (seppur notevole), induce il gruppo ad adagiarsi molto nelle strutture che gli sono più congeniali, con il risultato che a volte le canzoni tendono ad assomigliarsi un po’ troppo le une con le altre. Se non fosse stato per questa omogeneità di fondo, probabilmente un disco del genere, pur essendo un debutto, avrebbe meritato addirittura un 9 pieno! In ogni caso, i margini di miglioramento e progresso sono ampi e ciò non può far altro che farmi incuriosire e sperare nella futura pubblicazione di un vero e proprio capolavoro, dal momento che i requisiti per farlo ci sono tutti.

Ugo, Alessio e Luca, i tre ragazzi dei L’Alba Di Morrigan, ho avuto il piacere di conoscerli dal vivo e devo dire che non me li aspettavo così affabili e simpatici come poi si sono dimostrati; ma, andando al di là del loro lato meramente umano, si tratta di persone che credono davvero nella musica che suonano e che, a mio parere, meritavano che qualcuno si accorgesse di loro e non posso far altro che ringraziare la My Kingdom Music se ora posso godermi in pieno il loro disco. Tra l’altro, uno dei brani inediti che ho ascoltato durante il loro ultimo concerto nella città di Cavour mi ha fatto davvero ben sperare che il prossimo album possa raggiungere, se non superare, le vette raggiunte dal questo esordio.

Un gruppo che può fare la differenza in questa Italietta dove le band talentuose si contano a centinaia ma sono poche quelle che davvero riescono ad affermarsi. Se saranno una band fondamentale per il futuro della scena metal italiana, questo potremo capirlo solo con i successivi album; sicuramente, per ora, si tratta di una realtà importante e da tenere assolutamente d’occhio.

Preziosi.

Silhouettes Lay Waste to the Living

Alessandro Mattedi — Thu, 15 Dec 2011 09:58:28 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Post Rock

Post Metal

Shoegaze

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

- M. Bochnig - drums, additional guitars & recording
- C.Holler - guitars
- J. Wulfheide - guitars
- L. Jahns - bass

Tracklist:

1. Sunshine

2. The Moon Is a Cold Light

3. When Hills Call Back

Líam

Silhouettes Lay Waste to the Living

In attesa del loro prossimo full-lenght, i tedeschi Liam ci anticipano questo EP intitolato Silhouettes Lay Waste to the Living con cui enfatizzano il loro appartenere alla frangia più post rock della corrente cosiddetta "metalgaze", in opposizione alle radici depressive black metal da cui provengono; come se la tristezza che causò la decadenza sonora dei primi tempi in gruppi come questi, ora venga espressa tramite una malinconia evocativa e, a suo modo, dolceamara, fatta di impressioni delicate, sogni mesti, voglia di genuinità e al tempo stesso di conforto dal dolore.

L'iniziale Sunshine si conforma ai canoni del genere, con un una lunga sezione arpeggiata dal sottofondo atmosferico e la batteria che si fa via-via più intensa, in un leggero crescendo che poi sfocia nel consueto climax sonoro del post-rock più canonico, solo che in questo caso l'esplosione è decisamente metallica, con chitarre abrasive e ronzanti discendenti in linea diretta dal black metal, ma armonizzate come le farebbe uno shoegazers. La coda finale sfuma in dissonanza, aumentando i tratti più atmosferici del gruppo. Ovviamente la traccia è puramente strumentale, come le successive. E' evidentemente un brano di maniera, scritto in modo da aderire perfettamente ai canoni formali di un genere da pochi anni "esploso" fra i gruppi di mezza Europa.

The Moon Is a Cold Light inizia in maniera simile a Limbs degli Agalloch, ma prosegue invece seguendo i sentieri di un placido pezzo ambient/post rock, con sezione ritmica appena accennata, chitarre riverberate in lontananza, giochi sonori con gli arpeggi a ricreare atmosfere malinconiche e dolcissime, un retrogusto di etero che fa vagamente Sigur Ròs a momenti. Solo la sezione finale è un'esplosione distorta, con delle chitarre in tremolo come un dream pop/shoegaze maggiormente corrosivo sovrastanti dei droni chitarristici cupi e bassi.

Infine abbiamo When Hills Call Back che rimescola tutto quanto già presentato, senza sorprese.

Non c'è molto da dire, i pezzi sono tutti bene arrangiati e certosinamente congegnati perché seguono pedissequamente uno standard ormai consolidato, il che li rende anche intrinsecamente "banali". Anche per questo motivo non vengono certo raggiunte le vette di espressività di gruppi come gli Alcest, nè i giochi sonori sono paragonabili alle raffinatezze dei vati del post rock a schema soft/loud come gli Explosions in the Sky o i Mogwai. Si tratta insomma di un post rock come diecimila altri, a cui è stata aggiunta un pizzico di evocatività eterea e di bruciantezza metallica nei climax sonori.

Demo 2011

admin — Thu, 03 Mar 2011 22:00:00 +0000

Voto:

6.9 / 10

Autore:

Matteo Manfredini

Genere:

Post Metal

Shoegaze

Black Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

- A.N. - guitar, vocals, programming
- Samigina - bass
- Marco - drums

Tracklist:

1. La Ville des Rêves

La Ville des Rêves

Demo 2011

Nel 2007 il mondo della musica è stato innovato dal primo full-lenght effettivo degli Alcest: Souvenirs D'un Autre Monde. Neige, fondatore e unico membro del progetto Alcest, con quell'album coniò una formula stilistica che amalgamava l'effettistica e le timbriche tipiche dei gruppi definiti come shoegazers con le chitarre brucianti ed efferate del black metal (un ibrido che alcuni critici avrebbero poi chiamato "metal-gaze"); e che poi portò avanti nel secondo, ottimo, LP, cioè Ecailles de Lune.

Da quel momento vari gruppi si sono ispirati ai lavori targati Alcest, rimanendone fortemente influenzati e raccogliendone l'eredità stilistica. Fra questi, troviamo questo nuovissimo complesso multi-nazionale, La Ville Des Reves, composto da membri provenienti dalla Bielorussia, dalla Francia e dall'Italia. Il gruppo ha recentemente reso disponibile per il download la prima demo omonima.

Il lungo brano che compone la demo, in realtà senza ancora un titolo ufficiale, è completamente strumentale. Aperto da un fumoso arpeggio, al quale si aggiungono presto altri strumenti, raggiunge una melodia quasi sognante (ma dal forte retrogusto di malinconia dolente), fino a circa metà canzone, quando si aggiunge la batteria ed il suono generale si fa più distorto. Da qui in poi è tutto un crescendo: la batteria ha degli sprazzi di doppia cassa, che però, nonostante rendano più aggressiva l'atmosfera, non distolgono dal mood di base.
Dopo poco fa il suo ingresso un'altra, distortissima chitarra, mentre il batterista inscena una tipica cavalcata in stile black, fino a quando la canzone raggiunge il suo culmine e sentiamo il lavoro sulle pelle fermarsi e la chitarra distorta scemare, lasciando spazio all'arpeggio iniziale.

La demo in questione si ispira visibilmente al sopracitato gruppo francese, ma pare comunque abbastanza ispirata, lasciando sperare nel futuro e in qualche altra uscita.

Anthropocentric

admin — Fri, 31 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Post Metal

Etichetta:

Metal Blade Records

Anno:

2010

Link correlati:

The Ocean @ MySpace.com

Line-Up:

- Loic Rossetti - vocals
- Robin Staps - guitar, electronics
- Jonathan Nido - guitar
- Louis Jucker - bass
- Luc Hess - drums

Tracklist:

1. Anthropocentric (9:24)
2. The Grand Inquisitor I: Karamazov Baseness (5:02)
3. She Was The Universe (5:39)
4. For He That Wavereth... (2:07)
5. The Grand Inquisitor II: Roots & Locusts (6:33)
6. The Grand Inquisitor III: A Tiny Grain Of Faith (1:56)
7. Sewers Of The Soul (3:44)
8. Wille Zum Untergang (6:03)
9. Heaven TV (5:04)
10. The Almightiness Contradiction (4:34)

Ocean, The

Anthropocentric

"[...] And even in these days and age some people still believe that Earth is at the centre of God's own universe and that man was made the 7th day - evolution is a myth - and that even bones of ancient creatures are no evidence of the fact that we are not the end of the chain, and they won't leave their ship that is sinking; they refuse to leave their ship.

[...] The myth that man is the crown of God's creation supports our present anthropocentric misconception."

Dopo aver indagato, appena 6 mesi or sono, le meraviglie della Creazione e le feroci conseguenze derivate dalla loro negazione scientifica in quello che oggi, 31 dicembre, può certamente definirsi vertice assoluto della produzione musicale mondiale di questo misero 2010, ovvero l'affascinante Heliocentric, i The Ocean completano la loro straordinaria opera esplorando con rinato ardore le contraddizioni dogmatiche della Cristianità, le sue velleità reazioniste, la cecità fideista che pone l'uomo e la Terra al centro dell'Universo secondo un progetto divino che ha visto sgretolarsi una dopo l'altro tutte le sue manifestazione terrene. Gli strali feroci del filosofo nichilista Friedrich Nietzsche, i sillogismi retorici del teorico Richard Dawkins o del mentore greco Epicuro in relazione alle contraddizioni fra onnipotenza e onniscienza e onnipotenza e volontà (The Almightiness Contradiction),le concrete perorazioni dello scienziato scozzese David Hume: fra brillanti citazioni ed ispirazioni più o meno malcelate, Anthropocentric si dipana traccia dopo traccia con quella lentezza e quella lucidità che sono proprie di un trattato filosofico, di una dimostrazione matematica, di un saggio breve scritto e interpretato secondo la veste ardita e ammaliante di concept album, in un intreccio luminoso di musica, storia, filosofia, religione e...

...letteratura. Il nucleo fondamentale di Anthropocentric, costituito dai tre lunghi momenti de The Grand Inquisitor, si erge sull'omonimo capitolo del poema storico I fratelli Karamazov, celebre opera del romanziere russo Fedor Dostoevskij, ed in particolar modo sull'accesa conversazione fra i fratelli Ivan, ateo, e Alyoscha, monaco: il primo racconta infatti a quest'ultimo la storia (bizzarra) della Seconda Venuta di Gesù Cristo sulla Terra, nella Siviglia del XVI secolo, durante la quale lo stesso Gesù Cristo sarebbe stato arrestato dall'Inquisizione Cattolica ed il Grande Inquisitore che lo avrebbe interrogato lo avrebbe accusato di aver tradito l'umanità intera privandola della salvezza in cambio dell'offerta di libertà. Quest'ultimo, cruento dialogo rispecchia in un certo senso la conversazione precedente fra i 2 fratelli Ivan e Alyoscha, "che per la maggior parte è un monologo di Ivan - sottolinea il creatore, compositore e chitarrista dei The Ocean Robin Staps - ed è così complesso e profondo che vi si potrebbe trovare ispirazione per almeno una decina di concept album sulla Cristianità".

Dinanzi a questa straripante ricchezza culturale, entro la quale la band tedesca pare muoversi con estrema naturalezza e disinvoltura lasciando giustamente trasparire anche un pizzico di sano autocompiacimento, le scelte musicali passano erroneamente in secondo piano. Al contrario, anche sotto questo profilo i The Ocean si pongono all'avanguardia assoluta e, con abile alchimia, riescono a superare sé stessi e i limiti relativi ai propri generi di riferimento senza incorrere in sperimentazioni fini a sé stesse o manierismi auto-indulgenti: sludge, post-hardcore, post-rock, più semplicemente post-metal, Anthropocentric alterna lunghi episodi di crudeltà ferina a brevi intermezzi di delicatezza angelica (For He That Wavereth...), per la maggior parte orchestrati da chitarre acustiche, non più da pianoforte o sezione d'archi come accadeva invece nel precedente Heliocentric. Registrato e mixato allo Studio Mecanique in La-Chaux-de-Fonds, in Svizzera, e masterizzato ad Helsinki da Svante Forsback, esattamente come Heliocentric, Anthropocentric risulta, nella sua altera complessità, decisamente più corposo e pesante del suo predecessore, "più denso e forse persino più grezzo" se riprendiamo i termini esatti del chitarrista Jonathan Nido, e allo stesso tempo meno aulico, meno etereo, meno soffice e voluttuoso ma, parola di Robin Staps, "più terreno e (biologicamente, n.d.r.) organico": è la natura umana ad esigere un approccio più rude, più duro, più rigido e forse incostante, così come era l'inconsistenza fisica del cosmo intero ed il suo fascino distante e ineluttabile, con quella sua sensualità oscura e sottile a pretendere la dolcezza intermittente e la determinazione riottosa di Heliocentric.

A differenza di quest'ultimo, del resto, Anthropocentric risulta decisamente più scarno e paga l'assenza quasi totale di pezzi immediatamente identificabili e riconoscibili quali Firmament o Swallow By The Earth: ad eccezione, per l'appunto, del primo singolo estratto She Was The Universe, tutti gli altri episodi si richiamano sì reciprocamente seguendo un filo logico predeterminato, quasi alla stregua del modello antico dei dialoghi platonici o, per richiamarci ulteriormente ad Heliocentric, di Galileo Galilei, ma richiedono uno sforzo nettamente superiore ai casi precedenti per essere effettivamente assimilati e compresi e talvolta vanno incontro a pause improvvise che lasciano ahinoi un forte amaro in bocca. Inoltre, a tutto discapito dell'elevatissima qualità complessiva, va segnalata la presenza scomoda di un momento a nostro avviso deludente qual è Sewers Of The Soul, buco nero che, al di là della divertita metafora citazionista, non era assolutamente presente all'interno di Heliocentric. La sensazione finale, pertanto, è quella di un lavoro al solito raffinato, squisitamente pregevole e ricco ma, allo stesso tempo, forse incompleto, un poco approssimativo, sicuramente meno ammaliante dell'illustre predecessore. Detto ciò è bene chiarire che, al di là di queste poche critiche costruttive, ci troviamo di fronte ad una assoluta eccellenza: i The Ocean sono senza ombra di dubbio la band rivelazione di questo avaro 2010 e tanto Heliocentric quanto Anthropocentric si ergono a nuovi pilastri di un genere affascinante e dalle potenzialità ancora inesplorate qual è il post-metal che, dopo aver perso i capostipiti Isis, aveva certamente bisogno di nuovi e validi interpreti; un'eredità pesante e una sfida ardua che i The Ocean hanno saputo meritare, accettare e, grazie a queste due opere totali, vincere.

Sails on Suds

admin — Mon, 27 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

8.3 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Metal

Etichetta:

Trendkill Recordings

Anno:

2010

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- Charles Debeaux - vocals, guitar
- Alex Soler - bass
- Rémi Dulaurier - drums

Tracklist:

1. And Dust My Sugar From The Fold
2. Drivin' Across The Sky
3. All In All
4. Echoes Wine
5. On My Own
6. Opposite/Attract 1
7. Opposite/Attract 2
8. Hope

Geneva

Sails on Suds

Nell’aria risuonano alcune note del classico L’Appuntamento di Ornella Vanoni, ma l’atmosfera è cupa, la luce è fioca, e l’aria inizia a diventare sempre più tesa sotto il vibrare di un suono di chitarra ancestrale che sembra provenire dall’inferno, o qualcosa del genere… e la cara Vanoni, a dispetto del genere che il gruppo ostenta sul suo myspace ufficiale (“chansonne italienne”, canzone italiana), viene distrutta da un riff post che più post non si può, annichilente nella sua semplicità, nel suo incedere figlio dei Neurosis ma alleato del post-hardcore più moderno.
Sigaretta in bocca, capelli arruffati, un’aria un po’ brilla e una passionalità fuori dal comune, così si presenta Jean-Charles Debeaux, cantante/chitarrista francese (ma di origine palermitana) e principale compositore di questo trio di Valence (quella francese, non spagnola!). Questi sono i Geneva, così come si sono presentati nel loro ultimo concerto a Lione, di supporto ai colleghi ginevrini Knut (una formazione che, mi auguro, i lettori di questa recensione conoscano bene) e per presentare il loro da poco pubblicato esordio, intitolato Sails on Suds.

Prima cosa: l’intro della Vanoni in studio non c’è, e questo è già un gran vantaggio. Al suo posto, la chitarra di And Dust My Sugar From the Fold esplode in un impeto post-hardcore di efficacia straordinaria, con una freschezza che non si sentiva da tempo in un genere come questo. Per quanto i Geneva non siano originalissimi (recuperano un’etica che è appartenuta a molti gruppi prima di loro, ad iniziare dai Breach per arrivare ai Cult Of Luna), riescono con maestria ed eleganza a comporre riff che, sì, sono veri “riff”, non giri a vuoto e perdite nell’infinto di tanti gruppi come loro. Sono abili, plasmano la materia post-metal come un saggio scultore fa con il marmo, riescono a dosare rabbia e melodia sopra un sostrato di passionalità forte ed incisivo.
Ecco perché Sails on Suds potrà regalare più di qualche emozione: è semplice, diretto, è costruito in maniera tale da indurre l’ascoltatore in una sorta di ipnosi che quasi gli impedisce di interrompere l’ascolto una volta che un brano è iniziato.
Questa incisività così dirompente, unita alla freschezza dei loro intenti, si può ritrovare proprio nella traccia d’apertura, con alcuni riff che mille band come loro avrebbero voluto comporre senza riuscirci. Un oceano di suoni, sensazioni, emozioni dirompenti, forte, passionale, atmosferico sì ma che sfrutta tale atmosfera per esprimere quello che ha dentro, non per vagare nel nulla. Questo è il post-hardcore come lo intendono i Geneva: i chitarroni e le urla di Charles, uniti al basso viscoso di Alex e alle percussioni atmosferiche di Rémi, si perdono in un incedere greve, che trasforma la sua drammaticità iniziale in luminosa speranza, anche solo al cambiare di una nota, scorrendo liscio come l’olio in un pantano sonoro in cui è una goduria abbandonarsi.

Le altre canzoni non fanno altro che riprendere la scia della prima, sviscerando tutto quello che i Geneva hanno dentro come in un nero affresco di emozioni: Driving Across the Sky inizia con un arpeggio per poi evolversi in riffoni sostenuti che poi si contorcono a si feriscono a vicenda. I Geneva qui rientrano appieno in ogni canone del post-hardcore più tradizionale, eppure lo rielaborano con una tale perizia e passionalità che si rimane affascinati dal loro modo di suonarlo; ecco perché gli si perdona senza remore la mancanza di originalità. Breach e Cult Of Luna, come già detto, ma anche i suoni grassi degli Isis e dei Minsk, così come l’atmosfera di Mogwai ed Explosions in the Sky, l’apocalisse dei Neurosis… sono molte le influenze ostentate dal trio, eppure, lo ripeto, non se ne sente il peso.
A parte qualche episodio un po’ meno scorrevole (All in All, comunque grandiosa) e qualche pausa che, seppur leggermente fuori luogo, aiuta a spezzare un po’ la tensione (On My Own, supportata da una buona voce pulita e da limpide melodie “mogwaiane”), il disco scorre che è un piacere, facendo emozionare e divertire. Non si possono non citare i riff iniziali di Echoes Wine, un vero colpo basso per un cuoricino delicato, più unici che rari in questo genere, e la doppietta Opposite/Attract divisa in due parti, con il supporto vocale di Pierre Vigueir dei Tantrum: l’inizioricorda un po’ quello di By the Gallows dei Khoma, ma il pezzo forte sono i suoi riff spezzati e apocalittici che, se dal vivo farebbero sbattere con la testa contro il palco per il coinvolgimento, su disco coinvolgono e distruggono tutto ciò che hanno attorno, ogni distrazione esterna. Una ferita che però viene subito sanata dalla successiva parte del brano, molto più lenta, con un incedere post-rock nell’animo e sludge nei suoni, probabilmente influenzato da certe cose composte da act come Minsk e Rwake.
Chiudendo la recensione citiamo l’ultima traccia, Hope, quasi 13 minuti di scavo nell’interiorità dell’ascoltatore, in un mare profondo dove affogare con estremo piacere. Uno dei brani migliori dell’album.

Prodotto da Serge Morattel (Knut), Sails on Suds è indubbiamente uno dei dischi post-hardcore più tremendamente efficaci del 2010. Quando ascolterete questo disco sarete solo voi e lui. Premete play e non riuscirete più a staccarlo dalle vostre orecchie per settimane, garantito.
Auguriamo un futuro radioso a queste promesse del post francese!