Hardcore

Il Sopravvissuto

Giulio Magliulo — Tue, 23 Jul 2013 19:24:36 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Hardcore

Etichetta:

varie

Anno:

2013

Line-Up:

Sopravvissuto I - G.j. Ottone: batteria, wurlitzer, cori con le a
Sopravvissuto II - Sartana Bidonde Sabata: chitarre, gatti
Sopravvissuto III - B.Pastina: basso, synth, acustica, cori con le o
Sopravvissuto IV - John D. Raudo: chitarre, ebow, voci

Sopravvissuti a progetto:
Michele Boldrin: Violino e Viola in Quadrante I e Quadrante IV
Lili Refrain: voci in Quadrante II e Quadrante IV
Alessandro Casolari: voci in Quadrante II
Francesco Zocca: voci in Quadrante IV
Ravelio Fisik: chitarra in Quadrante I

Tracklist:

QUADRANTE I
1.come se non ci fosse un domani
2.(come infatti non c'è)
QUADRANTE II
3.non sono piu il ghepardo di una volta
4.(che non sono mai stato)
QUADRANTE III
5.il porto delle illusioni
6.prologologia
QUADRANTE IV
7.rotta irreparabile
8.zonguldak

Marnero

Il Sopravvissuto

Però! Suoni che intrigano, come quando avevi venti anni. Il post-hardcore che si scrolla di dosso la noia del suo recente passato, che ignora il presente e che è incapace (come tutto e tutti) di guardare al futuro. E ritorna ad essere hardcore per l’urgenza del racconto ancor prima che per la forma, che forse hardcore neanche è. Credo che la musica dei Marnero somigli molto ai Marnero anche se non li conosco di persona. Sa di verità. Quella voce non sembra mentire e la sua intensità si che è hardcore. Almeno per quello che intendo io per hc. Pure se ci sono i violini ogni tanto a drammatizzare ulteriormente questa tragedia.

'Il sopravvissuto’, ancor prima che disco rock (mi scuso per il rock) è un classico letterario innanzitutto. Forse il più classico dei classici, quello che narra del viaggio come necessità di ritrovarsi, del naufragio come possibilità di perdersi (nonché di aver paura che - anche se spiacevole – è pur sempre un indicatore del sentirsi vivi quando non si è sicuri di esserlo). In mezzo l’apatia, il vuoto e tutto il nichilismo che ne deriva.

Non è certamente nuova la metafora nautica (Omero, i Bachi Da Pietra, i Mastodon, Hemingway, Melville, Conrad …) qui arricchita da qualche orpello esoterico di troppo. Tante lune insomma, calanti, nere e così via, ma è pur vero che la luna è la confidente degli uomini di mare e quindi in questa narrazione è anche giusto che ci sia con le sue scansioni temporali e con la sua funzione di specchio dell’anima (in realtà questa è solo un mia piccola insofferenza con i concept dovuta ai retaggi di certo prog sbagliato che i Marnero in questo caso mi hanno fatto superare anche grazie a certe frasi che riscattano alla grande quel piccolo pegno narrativo da pagare).

Frasi che voglio ripetere subito, che nel loro ‘calo lirico’ rendono più potente tutta l’epica (involontaria?) di cui si ammanta ‘Il Sopravvissuto’ ed evitano la stanchezza in cui ci si poteva imbattere (e comunque la musica non l’avrebbe permesso) e che anche decontestualizzate rendono bene il senso dell’opera tutta: “Scusa ho solo poche cose da dire, e in gran parte lo so, sono tutte minchiate, può mai essere che siano tutte sbagliate?”. Ecco, spesso lo penso anche io ed in questo sono i potenti i Marnero, nella capacità che hanno di lasciarti identificare. O ‘ribaltare i cassonetti e ribaltare l’esistente’, meravigliosa immagine di sconfitta, gesto vacuo, inutilmente e visivamente punk ma che aspira a sovvertire le merdose regole che vigono sotto il cielo. Insomma capite che non è grande poesia ma che lo diventa nel suo essere funzionale al contesto sonoro in cui si esprime. Per questo Richard Benson, una delle figure più beffardamente tragiche del nostro tempo e che qui dentro afferma che ‘la vita è il nemico’, i Marnero lo fanno apparire alla stregua di un Carmelo Bene.

Questo disco è stato realizzato grazie ad una cordata di indie label quali Sanguedischi, Escapefromtoday, Dischi Bervisti, Mothership, Fallodischi, V4V Records, To Lose La Track ma potete liberamente scaricarlo da qui e diffonderlo, però con la copertina bella che ha poi vorrete comprarlo.

Volevate il post-hardcore in italiano e ora lo avete. Ma è un’altra cosa.

Bloody Riot

Giulio Magliulo — Mon, 30 Mar 2015 18:31:43 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Hardcore

Etichetta:

Meccano Records

Anno:

1985

Line-Up:

Lorenzo Canevacci - chitarra
Roberto Perciballi - voce
Alex Vargiu - basso
Fabiano Bianco "Master" - batteria

Tracklist:

1. Nervous breakdown
2. Birra
3. Don't think of tomorrow
4. Bloody riot
5. Partisans
6. Polizia
7. Gioventù bruciata
8. Bitch
9. No eroina
10. Teppa life
11. Hear the noise
12. Contro lo Stato / C.I.s.
13. Naja de merda

Bloody Riot

I Bloody Riot si formano nel 1981, l’anno di Land Speed Record degli Hüsker Dü.
Nel 1983, anno del primo omonimo e.p., i Suicidal Tendencies lavorano – tra gli altri – alle basi del crossover hardcore metal.
Nel 1985, anno dell’album che stiamo trattando, ulteriore scarto in avanti della scena hardcore punk in direzioni emo e straight edge grazie a Youth Of Today e Rites Of Spring.
In Italia soltanto qualche anno dopo si romperà una barriera che porterà alla formazione di una vera scena punk hardcore stimata anche all’estero, quella dei soliti nomi quali Kina, Negazione, Raw Power.

Una vera coscienza collettiva hardcore punk in quel 1985 non esiste, meno che mai a Roma. Però, come in tutte le periferie marginali di ogni impero ci sono dei prime movers che restano ineguagliabili. E i Bloody Riot in tal senso hanno significato tanto e di più rispetto ad altri nomi ben più famosi.

Sarà sempre per il discorso delle periferie e degli imperi, non solo geografici ma soprattutto culturali, con i poveri mezzi di diffusione di cui si disponeva allora, perlopiù fanzine e cassette ed occasioni di concerti di un certo tipo solo attraverso i centri sociali che i Bloody Riot arrivarono alle nostre orecchie solo qualche anno più tardi, quando già la scena si era evoluta, e non essendo pervenuti prima dei precedenti degni, con loro è come se avessimo ascoltato punk in italiano per la prima volta.

Dopo trent’anni quell’energia rozza e bestiale, quella violenza e al contempo quell’ingenuità sono rimaste intatte.
Non entriamo nel merito dei testi poiché – come già detto – quelli che oggi possono apparire ingenui o pittoreschi per usare un eufemismo – in realtà allora erano l’unica forma possibile per vomitare in musica sul deserto di valori circostante.
E al netto di certe coloriture, il messaggio di fondo di un certo disagio è transgenerazionale: cambiano le armi, non c’è più la naja ma le entità stato e autorità restano, così come la tirannìa delle droghe che magari non si chiamano più eroina.

I Bloody Riot una posizione l’hanno presa, per certi versi perfino romantica (Gioventù Bruciata, No Eroina), magnificamente apolitica (‘no comunisti no fascisti’) e quindi sinceramente anarchica.
Da qualche giorno Roberto Perciballi voce dei Bloody Riot non c’è più ed è come se un altro pezzo di quella Roma dalle coalizioni politiche scioglilingua che riusciva a cantare solo Rino Gaetano, di quella Roma lontana anche dalle derive post-pasoliniane, sfuma all’orizzonte.
Chi vuole ricordare con rabbia però ne ha ancora di tracce da seguire.

Gioventù Bruciata

Giulio Magliulo — Sun, 15 Jun 2014 19:53:03 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Hardcore

Etichetta:

Brigadisco

Anno:

2014

Line-Up:

Simone: voce

Visper: chitarra

Raffaele: basso

Gianpaolo: batteria

Tracklist:

Lato A - "FURCATIS LINGUA"

Intro/33 giri
Occhio tagliato
Furcatis lingua
Horror vacui
Circolo vizioso
Sessantotto merda
Young 'til I die
Visioni Meccaniche (Khalmo)

Lato B - "ANCORA VIOLENZA"

Intro/Violenza
Elettrodi
Depressiva
Formia
Odio tutto
La mia idea
Siringhe
Gioventù Bruciata (Bloody Riot, con Roberto Perciballi)

Gioventù Bruciata

Fine anni '80, centri sociali, occupazioni, hardcore punk. Questo è lo scenario da cui muove i primi passi la Gioventù Bruciata di Formia.

Probabilmente troppo legati al punk rock per essere considerati credibili dagli ideologi della scena dura e pura, i Gioventù Bruciata allora ci riprovano a inizi duemila con una nuovo demo in cui assecondano le loro tendenze e fino al 2004, tra vari cambi di bassisti, calcano i palchi insieme a tutta la scena punk & hardcore che in Italia ha fatto storia.

Passano altri dieci anni e ai ragazzi gli viene di nuovo la voglia. Con una nuova sezione ritmica però. Voglia di cosa? Di portare a compimento quel che hanno iniziato, di rifare Reazione Violenta un po' meglio, di suonare ancora quel punk hardcore all'italiana semplice e diretto senza tanti fronzoli, senza nessuna volontà di compiacere a nessuno.

Ed il disco suona davvero bene, liscio, divertente ed energico.

Ma forse divertenti non vogliono esserlo, magari si divertono solo loro o addirittura non si divertono per niente. Difficile comprenderlo dalle loro dichiarazioni e dai testi dei brani. Ma niente di difficile o di criptico, anzi, il contrario.

Tutta la dialettica punk rock più rozza e volgare è tutta qui, senza mediazione, senza tenersi, come se il tempo si fosse fermato a 25 anni fa, con le medesime tematiche di allora: odio, eroina, provincia, vuoto, noia e depressione.

Difficile immaginare qualcosa di più anacronistico. Difficile immaginare però anche il lusso di poter permettersi di esserlo.

L'album ad ogni modo riesce a funzionare alla grande poiché l'energia che emana è qualcosa che nel nostro tempo è sempre più raro e quando c'è, è artificiosa. Come quelle cose strane che girano oggi ed osano appellarsi 'punk'.

No, il punk è questo ed è qui. Nel bene e nel male, con tutti i suoi limiti espressivi ma anche con tutta la sua rabbia primigenia.

Oltre al materiale di repertorio quindi, due brani nuovi, 33 Giri e Furcatis Lingua ma anche due cover, Visioni Meccaniche dei Khalmo e la storica Gioventù Bruciata dei Bloody Riot, con lo stesso Roberto Perciballi alla voce: miti di serie B, ma scolpiti nel cuore.

Forward into Battle

Giulio Magliulo — Wed, 25 Sep 2013 22:19:27 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Thrash Metal

Hardcore

Etichetta:

Rot Records

Anno:

1985

Line-Up:

    Adie Bailey - Vocals
    Graham "Gizz" Butt - Lead Guitar
    Jon Murray - Guitar
    Mark "Wattie" Watson - Bass
    Andrew "Pinch" Pinching – Drums

Tracklist:

1. Forward Into Battle
2. The Final Conquest
3. Ultimate Sacrifice
4. Ordeal By Fire
5. False Prophet
6. Wall Of Steel
7. Nosferatu
8. He That Is Bound Shall Be Freed
9. Five Days To Death
10. Brainstorm

English Dogs

Forward into Battle

Strani personaggi gli English Dogs: quando si formano nei primissimi anni ’80 vanno in tour con gente del giro GBH e Discharge. La scena è quella dell’anarco-punk inglese che sbatte la porta in faccia al punk ’77 ed apre la stagione dell’hardcore. Suoneranno anche al 100’s Club, lo stesso locale dove si sono esibiti i Pistols ed i Clash e già questo basterebbe per bollarli a vita come poseurs: in quella Londra in fiamme il primo punk verrà delegittimato dai nascenti collettivi di matrice crassiana, pochi a dire il vero, ma molto motivati e determinanti per il futuro della musica estrema non solo inglese.

Tutto ciò sarà però abbastanza ininfluente per le sorti degli English Dogs poiché con l’entrata nella band di Graham ‘Gizz’ Butt le cose prenderanno un’altra piega. L’orientamento metal del nuovo chitarrista esige anche una voce diversa e a Pete "Wakey" Wakefield subentra Adie Bailey dagli Ultra-Violent e la ‘metal-morfosi’ si può dire compiuta.

L’operazione crossover tra il metal e l’hardcore-punk degli English Dogs è semplicemente perfetta. Lo è perché essi riescono a fondere, ad integrare i generi che più gli interessano pur lasciandoli in qualche misura intatti e visibili rispetto a quanto si sta facendo in quello stesso 1985 dall’altra parte dell’oceano. Con l’hardcore americano della seconda stagione al suo capezzale (un paio di lavori dei Black Flag e gli ultimi due degli Hüsker Dü per la SST) stanno infatti uscendo il primo album dei Megadeth, Animosity dei Corrosion Of Conformity e Spreading The Disease degli Anthrax: la rivoluzione thrash è ormai matura e ora detterà le regole della musica estrema, almeno fino alla nemesi del grindcore che ribalterà le sorti del genere e riporterà paradossalmente al centro della questione le stesse istanze che premevano a chi ha costruito la casa per allevare figli (rivelatisi poi parecchio degeneri) come gli English Dogs.

Allora potremmo semplificare dicendo che anche gli English Dogs fanno thrash ma – per quanto vero - c’è qualcosa di incompleto in quest’affermazione. Ci viene allora in aiuto la scelta dei compari americani con cui i ‘cani’ andranno in tour, proprio due tra i gruppi più atipici del thrash: quei Possessed ultra rozzi, ai confini col death (e spesso associati ad acts europei quali Venom e Celtic Frost, quindi l’heavy metal più deviato del periodo e che sta partorendo altre strane creature) ed i Voivod, per altri motivi (tecno)barbarici. Ed allora il quadro si ricompone.

Solo la copertina di Forward Into Battle, così poco punk e ancor meno hardcore sarebbe già sufficiente a decontestualizzare i Dogs dalla loro originaria scena di riferimento e reinserirli in un’estetica che oggi sarebbe perfetta per gli High On Fire. Il loro orizzonte simbolico infatti è pressochè lo stesso: epic-power-fantasy molto nero, corroso dal fuoco, sacrifici, battaglie e sangue. A confrontare la cover dell’album dell’anno precedente, Invasion Of The Porky Man quasi non ci si crede che è la stessa band. Ma chi non ci crede fa bene poiché al cambio di vocalist e con l’entrata della chitarra metal di Gizz davvero gli English Dogs sono un’altra storia.

Prima di Forward Into Battle (ma con la stessa line-up) c’è però un Ep, To The Ends Of The Earth che anticipa le scorribande a venire ma che non ha la stessa visionaria potenza distruttrice ed è carente di propulsione e cattiveria hardcore, esaltando quindi la sola componente metal e confondendo la band tra le peggiori del periodo (un esempio su tutti i Kublai Khan).

Forward Into Battle invece comincia già minaccioso con la strumentale Forward Into Line, breve presagio di sciagura a base di sinistri scricchiolii e temporali. The Final Conquest non è velocissima ma la voce di Adie Bailey è ora veramente memore di tutto un passato hardcore-punk che si reitererà in tutto l’album. Neanche lui è indenne dalla tentazione metal di far impennare l’ugola in certe enfatiche chiusure di frase ma a differenza di certi eunuchi del metal il risultato è molto più simile a quello di un hooligan ubriaco e disperato.

Veloce è invece Ultimate Sacrifice; ci si butta nella mischia speed-thrash dove guerrieri in acido vincono e muoiono. Ordeal By Fire ha perfino un’intro malinconica molto suggestiva ma la circolarità del brano non alleggerisce minimamente la rabbia repressa che cova ed al terzo minuto la chitarra spara un assolo iperveloce prima che la traccia si riadagi nuovamente nel suo letto di glorie e dolori. False Prophet è la traccia più bizzarra del lotto per la sua velocità folle su una stranissima metrica vocale. Se non fosse per la chitarra ultraspeed il brano sarebbe puro ed oscurissimo hardcore.

Wall Of Steel è il brano che forse meglio caratterizza e riassume questi English Dogs e questo album: intro doom marziale che permette alle chitarre di caricarsi come fionde e poi allo start un punk folle dalla gola scartavetrata che su quel muro d’acciaio dà violente testate. Nella parte centrale del brano l’assolo è pura musica classica nel senso speed-metal del termine. Si finisce sudati e spossati. Ma c’è ancora l’arcigna Nosferatu, la proto-sludge He That Is Bound Shall Be Freed, violenta, fangosa e cadenzata e Five Days To Death, slayeriana per quanto può esserlo una band inglese di metà anni ottanta.

Chiude la strumentale Brainstorm, di nuovo musica classica, sfoggio ed ostentazione per chi afferma che i punks non sanno suonare ma già prassi consolidata nel metallo estremo: un luogo comune che non riesce ad adombrare la sua gotica magnificenza.

Forward Into Battle degli English Dogs, troppo metal per piacere ai punks e troppo hardcore per essere annoverato negli annali del metal, resta un raro esempio di oscuro crossover europeo e fotografa un momento di portata storica per la musica rock, quello del sodalizio di due tribù diversamente antagoniste un attimo prima della fusione totale. Pochissima gloria per questi guerrieri, giusto qualche vessillo, qualche toppa sdrucita sul chiodo di qualche thrasher che la sapeva un po’ più lunga.

Fondamenta, Strutture, Argini

Giulio Magliulo — Fri, 09 Aug 2013 19:36:07 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Noise

Hardcore

Etichetta:

Co-produzione

Anno:

2013

Line-Up:

Gabriele Lugaro: voce, chitarra
Andrea Nocco: chitarra, cori
Manuel Rosso: violino, effetti
Andrea Avalli: basso, cori
Lorenzo Colonna: batteria

Guest:
Roberto Ceruti: voce in "Il mio Solo Spazio Possibile"
Emanuele Cioncoloni: utopia synth & pedal in "La Falena"

Tracklist:

1. Oltre Il Rumore
2. Il Mio Solo Spazio Possibile
3. All'Orizzonte
4. 06:33
5. La Difficoltà Del Volo
6. Istanbul
7. Cera
8. La Falena

Gli Altri

Fondamenta, Strutture, Argini

Formatisi nel 2010 a Savona, Gli Altri debuttano con un e.p. nel 2011 che li porterà a condividere il palco con importanti acts nazionali per arrivare lo scorso anno a registrare questo primo album uscito da qualche mese.

Ma Fondamenta, Strutture e Argini è post-rock? Si! E’ post-hardcore? Si! E’ noise? Si! Generi ampiamente codificati, ampiamente abusati ma che in questa strana estate musicale italiana – come già per i Marnero ma diversamente da loro – ci stanno benissimo perché come per i Marnero non suonano vecchi, stanchi o superati.

Mi piacerebbe davvero una rinascita di formazioni sanguigne in Italia, pur senza illudermi, senza paventare una nuova stagione come quella hardcore italiana che fu; la presenza di bands nostrane che non scimmiottano necessariamente i ‘soliti nomi’ restituisce insomma una bella sensazione.

Gli Altri hanno anche una componente molto ragionata ed in qualche misura riflessiva (abbiamo già detto degli elementi post-rock).

Ciò che mi piace è la produzione pulita (sarà anche una mia ossessione ma in questi ambiti in cui storicamente la voce deve essere parecchi gradini al di sotto del resto della strumentazione, sentirla per me è un vero piacere). Non mi riferisco al sol ‘comprendere bene le parole’ (una volta tanto che sono in italiano poi ..) cioè alla qualità delle liriche che non ritengo particolarmente degne di nota (purtroppo l’oscillare tra il didascalico e l’ermetico riuscito male qui da noi continua ad affliggere troppe formazioni) ma proprio alla voce come presenza, quanto mai necessaria nell’impatto generale in questi ambiti sonori. Tornando brevemente ai contenuti, non che Gli Altri siano i peggiori, soltanto che preferisco più i versi di All’Orizzonte o di Cera, più descrittive di sensazioni rispetto alle altre. Ma è davvero cercare un pelo nell’uovo che lascia il tempo che trova: ripeto – già è bello sentirla questa voce.

Oltre Il Rumore comincia molto carica e prorompente e si sviluppa in un noise serrato ma fluido. Grande adrenalinica prova d’impatto. Segue Il Mio Solo Spazio Possibile che ricorda qualcosa dei Fine Before You Came; anche qui - dopo un inizio quasi maliconico si sprigiona una grande energia forse solo un po’ impercettibilmente allentata dalla parte recitata in cui si sente quasi solo la voce.

Al contrario All’Orizzonte, in cui le parti più riflessive potenziano e rafforzano il brano pervaso da una sana rabbia che è memore anche di nomi più famosi dell’alternative - che alternative non è più - rock italiano.

Ed arriva 06.33 e sembra che il tempo si sia fermato agli inizi dei duemila, quando formazioni come Mogwai e Red Sparowes – ma anche tante altre italiane e non meno meritevoli – ci lasciarono sognare per un po’. Anche qui Gli Altri si dimostrano veramente padroni della materia. E come ci sta bene La Difficoltà Del Volo subito dopo con la sua coda spiraliforme.

Ritorna una strumentale, Istanbul, altra prova post-rock la cui classicità quasi scolastica non toglie nulla alla tensione che riesce a generare.

Cera potete anche provare ad immaginarla come un brano dei Piano Magic che ad un certo punto impazziscono, mentre ne Gli Altri questi stati emotivi contrapposti sono meravigliosamente naturali.

Si conclude con La Falena, che non necessita di descrizione nella parte musicale/strumentale poiché ormai a fine articolo si è capito Gli Altri cosa suonano, mentre un velo cala sulla parte vocale in cui un ‘modello’ fin troppo riconoscibile si affaccia prepotentemente (e anche qui Gli Altri non saranno né i primi né gli ultimi ad ereditare questo fardello). Di certo – almeno loro - non ne hanno bisogno poiché son fin troppo maturi e nessuna delle note critiche in questo disco è così grave da sminuirne il grande valore.

Ottimo disco e band in stato di grazia.

Wreck

Emanuele Pavia — Tue, 27 Mar 2012 19:54:03 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Hardcore

Etichetta:

Alternative Tentacles Recordings

Anno:

2012

Line-Up:

- Chris Spencer - Chitarra, Voce
- Dave Curran - Basso
- Vinnie Signorelli - Batteria

Tracklist:

1. Rat
2. Decay
3. No Chance
4. Pigeon
5. Metropolis
6. Ghost
7. Don't
8. Stuck
9. Roach
10. Ha Ha Ha

Unsane

Wreck

Da vent'anni alfieri del noise e del post-hardcore più intransigente e inossidabile, gli Unsane ritornano sulle scene il 20 marzo 2012 con il loro settimo full-length Wreck, pubblicato per la Alternative Tentacles a cinque anni dalla loro ultima uscita discografica, quel Visqueen che aveva mostrato ancora una volta la furia e la classe di Chris Spencer e soci. E come era accaduto in Visqueen, nemmeno in Wreck la band sembra intenzionata a smorzare l'efferatezza che l'ha caratterizzata e contraddistinta fin dal lontano esordio eponimo nel 1991: gli Unsane infatti si esibiscono nuovamente con il loro tipico e distruttivo magma sonoro, ribollente di riferimenti all'hardcore, al metal estremo, al blues e al rock n'roll distorti e macinati dal burrascoso tessuto strumentale del trio.

E se nella forma gli Unsane appaiono più che mai violenti e distruttivi come negli episodi più felici della loro carriera, lo stesso discorso vale a maggior ragione per la qualità dei dieci brani di Wreck: coadiuvati da una produzione all'altezza (ben superiore a quella di Visqueen, che di contro tendeva ad appiattire le molte e buone idee del disco), i pezzi sprigionano tutto il loro potenziale apocalittico e la loro furia catastrofica senza però rinunciare a una sorta di melodismo (comunque ben sotterrato dalle distorsioni granitiche e dal pulsare ossessivo della ritmica), costituendo quello che potrebbe essere considerato come il miglior capitolo degli Unsane dai tempi del grandioso Occupational Hazard (1998). A testimoniare questa continuità stilistica e concettuale con il passato del gruppo è posto anche il macabro artwork, un'inquietante mano grondante di sangue, diretto discendente delle brutali quanto leggendarie copertine dei vecchi full-length del complesso (specialmente l'uomo decapitato di Unsane).

Rat apre subito l'album con un noise distorto e granitico in perfetto stile Unsane, in cui le percussioni ossessive e il martellante tappeto di basso sostengono il riffing serrato di chitarra e la voce sgolata di Spencer, mentre Decay, senza rinunciare al propellente sostegno ritmico, indulge maggiormente in azzeccati hook melodici.
Dimenticando la lezione più soft (rispetto agli standard mozzafiato della band) del pezzo precedente, gli Unsane si esibiscono quindi nello sludge cadenzato e venato di tinte blues di No Chance, per poi riprendere lo stile proteiforme del metal dei Mastodon e il sound claustrofobico del loro storico debutto nella più violenta Pigeon, nella fulminea scarica di Metropolis e nel devastante tour de force di Ghost, in cui Wreck ritorna nei tracciati del post-hardcore più oltranzista, rumoroso e abrasivo degli anni '90, in un'incessante accumularsi di urla lancinanti, riff taglienti di chitarra e terrorismo percussivo.
L'assordante groove di Don't e la spiazzante Stuck, sei minuti che alternano mormorii slo-core a esplosioni chitarristiche dal sapore southern, preludono infine al fragoroso noise apocalittico di Roach, profondamente radicato nello stile degli esordi della band e dotato della stessa deflagrante energia, mentre la chiusura del full-length è affidata alla cover dello storico singolo Ha Ha Ha dei Flipper, pubblicato nel 1981 dalla stessa Alternative Tentacles, che estremizza ulteriormente l'esecuzione efferata, lo humor sardonico del chorus e il frastuono strumentale del brano originale, a rendere omaggio a una delle band cui più il panorama noise, post-hardcore e sludge deve in assoluto.

Ad una delle poche carriere che possono vantare solo episodi di valore, gli Unsane aggiungono quindi un altro importante tassello, che non si pone solo come un apprezzabile ritorno, ma che rappresenta anche uno degli album più riusciti del combo new-yorkese, nonché il migliore dal loro ritorno sulle scene nel 2003. La furia del gruppo è rimasta intatta e sincera dopo oltre vent'anni, e alla luce di ciò che offre Wreck sembra che serva solo questo al gruppo per rimanere una delle esperienze più eccitanti del panorama rock più estremo e privo di compromessi, senza alcun bisogno di cambiare formula.

Before...and After

Corrado Penasso — Sun, 02 Oct 2011 17:23:49 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Crossover

Hardcore

Etichetta:

Earache Records

Anno:

1988

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Tape Head" Tito Matos - Vocals

Marco "Sharko" Zorich - Guitar

"Booger Bass" Dave Merrick - Bass

"Burger King" Eric French – Drums

Tracklist:

1. Blurr Hogs 02:11

2. Images 02:32

3. ABC's 02:31

4. Spazztic Puke 01:28

5. Fuck Yeah 01:43

6. Bouge Jonzin 02:46

7. Call In Sick 01:36

8. Bedrock Blurr 01:26

9. He-Not-A-Home 03:21

10. Unless.... 00:01

11. Let There Be Blurr 01:14

12. Ace 02:11

13. Def Metal 02:29

14. Mexicalli 06:55

Spazztic Blurr

Before...and After

Portland, Oregon. L’anno è il 1985 ed il personaggio intorno al quale ruota tutto è Mez Matos. Questo pazzo vocalist ha avuto il coraggio di formare in quell’anno ben due tra le più valide (e purtroppo sconosciute) realtà della scena hardcore/crossover thrash: i Wehrmacht e questi Spazztic Blurr, i quali con l’album Before… And After del 1988 diedero un deciso scossone alla scena grazie anche a pesanti infiltrazione grindcore nel loro sound.

La Earache Records decise di produrre l’album, giusto per capirci quanto fosse elevata la qualità del prodotto in un periodo in cui sia l’hardcore che il grind stavano evolvendo perché ormai a corto di idee. D.R.I., Cryptic Slaughter, Suicidal Tendencies e gli stessi Wehrmacht ormai avevano imboccato la direzione del thrash più puro grazie anche ad una tecnica strumentale maggiormente sviluppata. La ruvidezza e l’impulsività degli esordi dei gruppi succiatati non era più fine a sé stessa, tuttavia in soccorso dei fan sfegatati dell’hardcore più diretto arrivarono proprio gli Spazztic Blurr con il loro motto if 'yer serious, you lose!Da queste parole si può evincere la volontà del gruppo di suonare musica esclusivamente per divertimento, invitando l’ascoltatore a rivolgersi altrove se non predisposto a giovare di tale prodotto.

Entrando più approfonditamente nell’analisi dell’album possiamo innanzitutto notare che Before… And After consta di quattordici canzoni per una durata complessiva di trentuno minuti circa. I suoni sono leggermente low-budget, con una chitarra gracchiante e generalmente l’album non possiede volumi alti e raffinatezze varie. Scelta volontaria o no, anche questo particolare conferisce un fascino underground tutto particolare ad una proposta musicale veramente istrionica, innovativa (per il periodo) e schizofrenica. Si parte con la stilisticamente inclassificabile Blurr Hogs, tra voci infantili, fischi, arpeggi portanti melodia stile giostre e veloci sferzate hardcore. Images annovera persino alcuni blast beats durante la sua marcia forsennata tra rallentamenti arpeggiati e velocizzazioni immediate in una proposta sempre più destabilizzante. Le fasi vocali sono tipiche del genere con toni infantili e scherzosi.

Grindcore e hardcore confluiscono nuovamente nella sboccata Spazztic Puke e nella successiva Fuck Yeah, tra veri intermezzi “particolari” per un risultato sempre da ridere ma anche incredibilmente veloce e al limite del caotico. Arrivati a questo punto dell’album sicuramente l’ascoltatore avrà capito di che proposta si tratta anche se continuerà a rimanere spiazzato per i continui cambi di stile di questo prodotto camaleontico. I blast beats su parti arpeggiate di chitarra non sono esattamente quello che ti aspetteresti eppure succede anche questo in una tiratissima Call in Sick, tra miscugli di influenze punk, hardcore, funk, grindcore e thrash metal. Il gruppo nel suo picco massimo di degenerazione mentale trova persino lo spazio per una ballata dal nome He-Not-A-Home prima che il tutto si trasformi in una scheggia impazzita di grindcore con influenze thrash metal.

A conclusione di questo viaggio nella follia umana più pura troviamo Mexicalli, lunga traccia che mostra alcune inflessioni più marcatamente thrash o death metal senza dimenticare alcuni sfuriate proto-grind ed intermezzi classici del genere, tra arpeggi che apparentemente non andrebbero a braccetto con uno stile così ruvido ma che invece ben si amalgamo in questo prodotto totalmente fuori dal comune. A contorno della musica, aggiungeteci tematiche che vanno dal Burger King allo stile di vestire a seconda della musica che si ascoltava al periodo per un risultato (solo sotto questo punto di vista) comune alle tante realtà del genere in quel periodo magico.

Gli Spazztic Blurr nella loro più totale scelleratezza crearono un album che può essere tranquillamente etichettato come il più originale, folle e strambo in un genere di per sé già suonato da persone col cervello montato al contrario. Before… And After non è sicuramente un album da ascolto quotidiano, tuttavia è vivamente raccomandato per farsi venire un bel mal di testa gustando un piccolo pezzo di storia.

Resuscitate

Corrado Penasso — Tue, 10 May 2011 21:56:31 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Hardcore

Etichetta:

P.I.G. Records

Anno:

2010

Link correlati:

My Space

Line-Up:

- Mauro Codeluppi "MP" - voce

- Giuseppe Codeluppi "Junior" - chitarra

- Fabio Ferrari - batteria

- Marco Massarenti - basso

- Tommi Prodi - chitarra

Tracklist:

1. State Depression

2. Resuscitate

3. Diggin' Through My Brain

4. Stop Me If You Dare

5. Crawling

6. Words

7. Don't Rush

8. Talked to You Yesterday

9. Screw Them

10. The Rich Man Sucks and the Poor Man Fucks

11. Desperation

12. Fear of the Dead

13. Vote for Me

14. Left of Your Own

15. I Wanna Be Your Dog

16. Watch Your Step

17. The Fun's Over

18. Do What I Say

19. Freedom at Last

20. Not What I Want

21. Worries

22. What Were You Thinking

23. Eyes on Me

24. Promises

25. Born Under a Bad Sign

26. Raw Power

Raw Power

Resuscitate

I Raw Power sono innegabilmente tra le realtà hardcore di spicco del nostro Paese. La loro storia ha inizio nel lontano 1981 e grazie alla pubblicazione di album immortali quali You Are the Victim (1983) e Screams from the Gutter (1984)i giovani musicisti si ritagliano una vasta fetta di notorietà anche in U.S.A. dove presto vengono accolti con lo stesso calore di altre band crossover-thrash quali D.R.I. o S.O.D.

I tour si susseguono senza sosta e il gruppo arriva a suonare insieme ad importanti realtà della scena d’allora. Ricordiamo che i Raw Power hanno condiviso il palco con bands come Circle Jerks, Adolescents, D.O.A., Minor Threat, Bad Brains, Agnostic Front, Dead Kennedys, Suicidal Tendencies e, in un piccolo club di Seattle nel 1986, con una (a quell'epoca) sconosciuta band chiamata Guns 'n' Roses.

La carriera prosegue bene anche tramite la pubblicazione di diversi album fino alla tragedia del 2002: poco dopo la registrazione del lavoro Still Screaming After 20 Years , all'età di 45 anni, il co-fondatore Giuseppe Codeluppi muore durante una partita di calcio amatoriale. È un colpo pesantissimo che il gruppo patisce ma che non riesce ad arrestare la sua attività e dopo ben otto anni da quell’ultimo album, questo Resuscitate vuole essere un messaggio forte: i Raw Power sono tornati.

Musicalmente parlando, il disco annovera tracce abbastanza brevi e dirette di puro hardcore/punk. L’immobilità stilistica del gruppo è prova della loro passione e coerenza al genere. Chitarra secca e up-tempo quasi continui da parte della batteria sostengono l’ugola sempre infantile ma rabbiosa e decisa nel timbro del mitico Mauro, facendoci fare un bel tuffo nel passato. Tutto richiama i mitici anni 80, in stile, registrazione e suoni. Ovviamente alcune tracce sono più riuscite di altre e solitamente le migliori si distingono anche per un ritornello di facilissima presa ed una leggera fantasia in più nel riffing di chitarra, in taluni casi anche più orecchiabile. Citiamo alcune delle canzoni capaci di racchiudere queste peculiarità: Resuscitate, Stop if you Dare, Talked to Yesterday (dedicata a Giuseppe), la particolarmente oscura Fear of the Dead e la più lenta però possente I Wanna Be your Dog.

Resusciate è un disco dannatamente diretto, impulsivo e nella miglior tradizione hardcore. Il tutto contornato da testi intelligenti e un’attitudine che ormai in pochi posseggono, poi dopo così tanti anni di carriera. Sicuramente i Raw Power si sarebbero meritati molto di più di quello che hanno raccolto ma la loro umiltà e sincerità sia esempio a tutti.

It's Me God

admin — Tue, 09 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

8.9 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Metal Blade Records

Anno:

1997

Link correlati:

Line-Up:

- Tomas - vocals
- Anders - guitar
- Kalle - bass
- Niklas - guitar
- Jejo - drums

Tracklist:

1 Valid 3:15
2 God Forbid Me 2:42
3 Deadheads 3:53
4 Painted Face 2:30
5 Clot 3:20
6 Centre 2:54
7 Replentish The Empty 2:16
8 Presume The Forgotten 8:43
9 Bloodlines 1:36
10 In My Realm 3:01
11 Divine 2:47

Breach

It's Me God

Sono pochi gli amanti del post-hardcore che non amano i Breach, seminale band proveniente dalla fredda Svezia. Eppure, per qualche misterioso motivo, quella fama che meritavano non la ottennero, se non mai del tutto. Erano degli "estranei", dei "ribelli". Relegati ad essere per sempre un gruppo di “culto”, legati alle loro produzioni stile vecchio scantinato ammuffito, amati da chi è in grado di amarli. Perché così fa decisamente più di tendenza, no? Avere un gruppo che rimane lì, per pochi intimi, già, siamo d’ accordo.
Però sopraggiunge un po' di rammarico al pensiero che un gruppo del genere non sia conosciuto da tutti quelli che possono apprezzarlo (e soprattutto al pensiero che ora non potrà più dire nulla: si sono sciolti nel 2002, anche se cinque anni dopo hanno condutto un presumibilmente ultimo live a Stoccolma al termine del quale distrussero i loro strumenti...).

Dal momento stesso in cui decisero di sciogliersi, i Breach provocarono un vuoto che non sarà più colmabile nel mondo del nuovo hardcore, perché tanti hanno appreso da loro, tanti gruppi che oggi ci sembrano magnifici, certo, ma che per quanto si sforzino non riescono ad emulare la grandezza dei maestri. E proprio questo ci deve far riflettere su che realtà musicale fossero stati, sull’importanza che davvero ebbero i Breach, i “fratellini minori” dei grandissimi Refused.

Nonostante tutta la loro discografia meriti, dall'EP d'esordio Outlines al terremoto sonoro del finale Kollapse, passando per il fondamentale Venom, a svettare in particolare è il loro secondo full-lenght, It's Me God, fondamentalmente per due ragioni: la prima è che non ha avuto una grande fortuna mediatica. Spesso capita che certi dischi diventino popolari mentre altri ben più meritevoli ricevono scarsa considerazione da parte della critica (che dovrebbe scriverne con fiumi d'inchiostro e che invece li lascia con poche righe) e della maggior parte degli ascoltatori anche italiani; l'esempio per eccellenza nella storia del rock sono i Velvet Underground, dei quali ormai tutti conoscono lo scarso successo iniziale e la successiva "riscoperta".
La seconda ragione è di carattere tecnico/ideologico: It’s Me God è, con tutta probabilità, l’album più rappresentativo dei Breach, anche più dell'acclamato Kollapse (che certo rimane un ottimo album, ma forse un pelino più di maniera, e con un po' troppi interludi e meno "sostanza hardcore").

Il titolo mette subito le carte in tavola: "Dio sono io; adesso vi spieghiamo NOI come si fa". Ed essi lo fanno, ci spiegano davvero come deve suonare un disco post-hardcore nel modo più puro e coerente possibile, e visto che ci stiamo, all’ importanza tecnica e storica che può avere un album del genere (ne ha influenzati di gruppi), essi pensano bene di affiancargli una validità artistica oltre misura che permette di definire It’s Me God come un autentico capolavoro.
In che senso? Nel senso che basta ascoltare i primi attimi di Valid per capirlo. Lo stile dei Breach cattura totalmente grazie alle distorsioni sinusoidali, alle tentazioni noise, alle contorsioni apocalittiche, all’attesa che cresce e si spegne in spasmodica perdita allucinante di ogni punto di riferimento: solo l'ascoltatore e un muro di suoni in cui ci si perde e da cui non si può più tornare indietro.
E la si riascolta decine e decine di volte, cercando un qualcosa, un come, un perché, cercando di capire dove sia scaturita quella scintilla geniale che dona a una canzone come Valid tutta quella carica eversiva che le esce violenta e travolge, travolge tutti i sentimenti con un impeto pesantissimo. Ma poi ci si rinuncia e la si accetta così com'è. Non puoi capirla; i Breach non sono fatti per essere capiti, sono fatti per smarrirsi nella loro musica e nella loro potenza, senza cercare di disassemblarla per razionalizzarne i contenuti. Ma tanto basta.
E lo stesso vale per una canzone come Bloodlines, dalle distorsioni sature e grasse, dal basso cinico e calcolatore. E poi la ricerca angosciosa che cresce e si perde nel nulla di God Forbid Me, e le architetture sfalsate e schizofreniche di Deadheads, o la violenza fredda e carnosa, tutta intrisa di spirito noise, di Painted Face e così via. E’ inutile descrivere un lavoro simile: bisogna provarlo.
Sarà il vostro animo a descriverlo nella maniera migliore, quello del sottoscritto lo ha fatto e ve ne ho dato uno scorcio, il vostro lo farà per voi.

Non vi consiglio di lasciare un’opera del genere inascoltata; le vostre orecchie potrebbero non perdonarvelo.

I sogni a naufragare

admin — Thu, 21 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2005

Link correlati:

Line-Up:

- Luca - voce e chitarra
- Luigi - batteria voce
- Giggo - chitarra e cori

Tracklist:

1. I Sogni a naufragare
2. Parlami
3. Il mondo illuso
4. Vite rinchiuse
5. Volti
6. Lacrime amare
7. Fino a che Punto
8. Gelo
9. Assente

Hobophobic

I sogni a naufragare

L'hardcore italiano passa anche (e soprattutto) dagli Hobophobic. Il gruppo di Taranto si è rivelato negli anni l'incarnazione del modo più puro ed intransigente di esprimersi attraverso l'hardcore, di usarlo come uno strumento per esprimere il proprio urlo ad uno Stato, ad una società che flagella tutti con un senso di disagio incolmabile ed insanabile. Non è disagio giovanile, è esistenzialismo umano, dell'uomo moderno, e trova una sua perfetta espressione nel loro secondo full-lenght, I sogni a naufragare.

Vite rinchiuse rende esplicito ciò che tutti vorrebbero dimenticare, l'idea di marcire in una gabbia che è la vita stessa, nascosta all'ombra del "quieto vivere" ma costruita di "giorni sempre uguali". L'indifferenza, l'ipocrisia. Uno Stato, un'economia, un conformismo, un intero sistema che rende schiavi del consumismo e della vita fasulla. I testi degli Hobophobic sono sempre stati politicamente impegnati, impregnati di rabbia e disagio, diretti ed espliciti. E la musica non è da meno: un hardcore velocissimo che si districa tra stacchi e cambi di tempo che sembrano essersi creati da soli, tanta è l'armonia che si viene a creare tra le loro note e i loro testi. E poi tanta melodia, ma soprattutto tanto pathos.
Mi trattengo dal commentare le questioni che hanno portato alla composizione dell'album, legata a dei centri di permanenza temporanea a Lecce. Semplicemente perché non ho intenzione di fare politica, ognuno si cerca le informazioni che desidera, qui si desidera parlare di ben altro, del puro talento artistico del combo tarantino, slegato da ogni altra implicazione. Le canzoni degli Hobophobic hanno l'innata capacità di far venire i brividi lungo la pelle per la genuinità e la forza espressiva di cui sono costruite, dove testi, melodia e violenza è un tutt'uno per sfondare l'emotività dell'ascoltatore.

Tutto ciò vale ancor più in quest'album, il secondo della band, dove viene dato il massimo risalto alla parte prettamente musicale. "noi non ne possiamo più di questi grandi sfruttatori, grandi aguzzini e di tutti i loro servi.." e la title-track viaggia rabbiosa e sanguigna come un fiume in piena "basta, basta, basta, ora basta!" fino all'urlo disperato "... i sogni a naufragare!" e la distruzione emotiva è compiuta. Riff che potrebbero far scuola negli Usa tanto acclamati mentre provengono dal Mar Ionio, passione e melodia che sgorga, ed il delirio diventa sublime quando ogni parola riesce a colpire al cuore "remare contro tutti, il tempo che corre come un treno impazzito... e non c'è da fermarsi!".
Impossibile star dietro a tanta classe ed eleganza, tanta quanta la rabbia e la voglia di cambiare le cose, tutte caratteristiche peculiari del gruppo. La tristezza di brani come I sogni a naufragare, Fino a che punto, Lacrime amare, Volti non sono facili da descrivere a parole. Tutto quello che deve essere un disco hardcore passa da qui. Rabbia, rancore, tristezza, dolore, violenza, emotività, genuinità, disagio, passione... poesia.

I sogni a naufragare è probabilmente uno di quei dischi imprescindibili (o perlomeno, davvero degni di considerazione) per la scena hardcore italiana. Gli Hobophobic rimangono un gruppo da supportare aldilà di ogni ideologia, credo politico e direi anche gusto musicale, semplicemente perché amano davvero quello che fanno, a costo di rimetterci (fondi per CD e live non sono andati nelle loro tasche, ma usati per per la solidarietà dei "compagni leccesi"), amano la gente per cui lo fanno e soprattutto lo fanno dannatamente bene.

"... e non c'è da fermarsi!"

A Dead Sinking Story

admin — Tue, 12 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Level Plane/Rock Action

Anno:

2003

Link correlati:

Line-Up:

- Dairoku Seki - drums
- Tetsuya Fukagawa - sequencer, vocals
- Nobukata Kawai - guitar
- Masahiro Tobita - guitar
- Manabu Nakagawa - bass guitar
- Daichi Takasugi - guitar
- Takashi Kitaguchi - engineering
- Tatsuya Kase - mastering

Tracklist:

1. Chain Wandering Deeply – 8:28
2. Distress of Ignorance – 5:54
3. Evidence – 3:16
4. Color of Fetters – 7:19
5. Unrepairable Gentleness – 8:10
6. Go Mad and Mark – 6:35
7. A Conviction that Speeds – 5:27
8. Reasons and Oblivion – 5:05
9. A Will Remains in the Ashes – 12:44

Envy

A Dead Sinking Story

"The sound of words so quiet and mellow.
A dead sinking story we can't take back."

Esiste una linea che separa la concezione dell'arte dalla superficie dell'anima umana, e questa linea è sottile, molto sottile. Talmente sottile che la prima spesso può sfondarla e toccare la seconda. Occorre scomodare la sindrome di Stendhal e il sublime kantiano per descrivere quello che un disco può evocare nell'ascoltatore? Fortunatamente no, quindi ricorrerò a parole più semplici per esternare ciò che ho provato ascoltando gli Envy, e quest'album in particolare.
Quello che al sottoscritto preme sottolineare è il concetto di coinvolgimento emotivo. A chi non è mai capitato di commuoversi davanti un film fino a sentire i propri occhi luccicare? A chi non è mai capitato di sentire nel profondo del proprio cuore che la canzone che si sta ascoltando in quel preciso momento è diventata un tutt'uno con il cuore stesso? Eppure noi possiamo vedere un film al cinema mangiucchiando pop corn e possiamo ascoltare una band dal vivo, come anche un bel CD, comodamente seduti in un locale a bere birra con gli amici. Quando, allora, il coinvolgimento emotivo diventa così forte che non riusciamo a considerare la creazione artistica come qualcosa di esterno da assimilare distaccati? Quando la sentiamo divenire parte di noi, quasi come se fosse una traduzione nel concreto (musica, immagini) di quelle emozioni non-concrete e indefinibili che proviamo e che sentiamo il bisogno di esternare? Bene, succede quando quella sottile linea di cui parlavo prima viene spezzata. E mai ciò mi è stato reso in maniera più lucida di quando si ascolta A Dead Sinking Story dei giapponesi Envy.

Come volete chiamarlo? Screamo? Emo-violence? Hardcore? Post-Hardcore? Post-Rock? Questa è musica emotiva nella sua concezione più pura, e non esistono aggettivi né parole al mondo in grado di descrivere le emozioni a un essere umano che non le ha mai provate. Ma una recensione è costruita da parole e descrizioni, e sarò costretto a usarle se voglio tentare di esternare a chi legge quello che ho provato durante l'ascolto.

Partiamo dal principio: la prima canzone dell'album, Chain Wandering Deeply. Inizialmente sembra di ascoltare una arpeggio di chitarra che cerca di creare un'atmosfera decadente, mentre un rumore di sottofondo si innalza sempre di più come fosse una nube nera che oscura pian piano un cielo cristallino in una notte d'inverno. Ma da questa nube, a un certo punto, parte un fulmine: il bagliore del lampo, il rumore del tuono, la terra che trema, tutto è sconvolto dall'arrivo di qualcosa che turba la pace che si era creata. Ecco, questo è quello che succede dopo i primi secondi di canzone. Appena si avverte la voce di Fukagawa e le chitarre del duo Kawai/Tobita che intonano la prima nota, già tutto è chiaro, lucido, inevitabile.

Il disco è diventato parte di te. Non puoi scappare, non c'è via di fuga dalle proprie emozioni. Rimanere insensibili sarebbe come negare sé stessi. La canzone è iniziata solo alcuni secondi e già si avverte un brivido freddo che parte dalle orecchie e arriva al cuore. "Atemo naku samayou kotoni tsukare / motome iku jijitsu dakare ushinai"... Non importa quanto sia ostica ed incomprensibile la lingua giapponese, i versi di Fukagawa (di cui è comunque presente la traduzione in inglese nel booklet del CD) diventano un tutt'uno con noi, raschiano la superficie dell'anima, mentre un riff di chitarra si ripete attorcigliandosi su sé stesso, costruendosi avvolto nell'emozione, sembra di vedere la band che si accascia per terra e noi insieme a loro, sanguinanti come se fossimo stati colpiti da un proiettile al cuore scagliato dal cielo per renderci vulnerabili e coscienti della nostra natura umana. Si tratta di un riff spiazzante, mai chitarre e voce sono state così abrasive e invadenti nel farsi largo nell'inconscio dell'ascoltatore, irrompendo con violenza e distruggendo ogni distacco e preservazione di sé che ci si era costruiti di fronte all'opera d'arte.

Se un disco in grado di far provare tali emozioni non è un capolavoro, allora cosa lo è? La canzone va avanti e le chitarre rallentano, la voce si rilassa e disegna scenari di pura decadenza post-rock, ma poi il riff si ripete, ancora più pericoloso e distruttivo, un urlo straziante scagliato al nostro petto che coinvolge cuore, mente e anima, rendendo tangibile la disperazione in un' urlo che si staglia al cielo senza nessuno ad accoglierlo. E il riff a un certo punto si spezza, acquista colore hardcore, prima di ributtarsi in un nuovo oceano di note che si accavallano su sentimenti contrastanti, come se volessero urlare la confusione a cui sono costretti dalla vita, che non rende mai le cose semplici e non ci fa mai capire cosa proviamo davvero. Tutto è lucido, si tocca con mano l'emozione, la musica è solo uno strumento che serve a tradurre un sentimento in qualcosa di concreto, esternabile. Prima il riff di chitarra sembra infondere speranza e le tonalità maggiori si alzano sempre più, sembra quasi ci sia una dolcezza di fondo in mezzo alla violenza sonica, ma poi ci si accascia su tonalità minori e sembra come se tutta quella speranza costruita prima fosse stata spezzata da un colpo di vento, dalla prima grande difficoltà; ci ritroviamo nuovamente di fronte al dolore, alla disperazione più cupa, in un tornado viscerale che coinvolge ogni parte del nostro corpo.

Sembra di assistere a un film, ad un affresco di emozioni, come un padre che gioca nel parco con la sua bambina e avverte di essere davvero felice, di aver trovato il senso della vita, finché le risate non sono rotte dallo sparo di un colpo di pistola, e irrompe il silenzio di un viso insanguinato e del corpo della bambina che si accascia sulle braccia del padre paralizzato dal dolore che ha colpito improvvisamente. Come una freccia assassina che distrugge e fa avvertire la vulnerabilità di una gioia che credevamo essere concreta. Spero di non aver creato un'immagine troppo fuori luogo, ma non ho trovato paragone migliore per descrivere ciò che questa musica può far provare, se chi l'ascolta è disposto a donarsi completamente ad essa. Tutto è estremo, tutto è portato all'eccesso, tutto è rosso sangue. Si avverte quella passionalità giapponese che ritroviamo nei manga, negli anime, nel cinema asiatico e in tutte quelle opere dove l'esagerazione della passione è il perno su cui si muove la creazione artistica, veicolata con violenza hardcore nella nostra anima come un fiume in piena che si tuffa nell'oceano.

L'atmosfera post-rock creata sulla chiusura di Chain Wandering Deeply si evolve in Distress Of Ignorance, continuando sull'alternanza dei sentimenti, attraverso note che evocano malinconia come anche dolcezza, sensazioni di smarrimento ma con qualcuno che ci indica la via. La brutalità emotiva riesplode in Color Of Fetters: Fukagawa urla una parola per ogni accordo di chitarra, e così il riff si eleva e si avvolge in una spirale distruttiva, un tornado di emozioni che trascinano a forza mente e cuore prima di svilupparsi in qualcosa di più, in un'atmosfera penetrante che sembra incontrollabile. Tutto è talmente veloce che non si fa nemmeno in tempo a capire quali emozioni si provano all'ascolto: è ovvio che la mia descrizione è stata fatta con il senno di poi. I riff suonati a inizio canzone vengono recuperati ma presentati in una nuova veste, con una consapevolezza del proprio potere viscerale.
E così si trasformano in un arpeggio delicato che ci chiude gli occhi e ci invita a sognare. Tutto prima che lo screamo selvaggio di Unreparaible Gentleness faccia la sua comparsa maciullando i nostri sensi già affaticati e cantando dolore e confusione. Ma poi ecco che uno spiraglio di luce compare all'orizzonte e avvolge i sensi con morbidezza. Il dolore quindi cede il passo alla speranza, o almeno ad una poetica malinconia, che si esprime nelle atmosfere di Go Mad and Mark e soprattutto negli arpeggi di Reasons And Oblivion. Ed è proprio con quest'ultima canzone che ci si accorge di come lo screamo sia un genere capace di esternare le emozioni meglio di tanti altri, per come le note diventano tangibili di fragilità umana, una simbiosi mistica tra l'opera ed il creatore/fruitore, tra cioè che appare fuori e ciò che sentiamo dentro, disegnando un'eterna equazione dolore = poesia.

Anche il finale A Will Remains in the Ashes sembra voler continuare il percorso di malinconia già avviato, ma poi ci si accorge che non è nulla di così banale. I riff che chiudono il disco sono come ventate di freschezza, come due mani che spalancano le imposte della finestra e fanno entrare il sole nella stanza. Raccolgono i vetri distrutti dal tornado delle prime canzoni, e con tanta speranza dentro di sé ricompongono il quadro, chiudono il cerchio. Tutte le cose hanno una fine, e anche questo viaggio è terminato.

Tanti dischi, fin troppi, hanno generato in me sentimenti contrastanti ed emozioni distruttive, coinvolgendomi da capo a piedi. Però bisogna chiarirlo: un coinvolgimento emotivo così violento come quello che genera A Dead Sinking Story è qualcosa di raro nel mondo della musica, e per questo una perla del genere va preservata e fatta conoscere il più possibile in giro (chi ha detto "Italia"?). Persino la voce, che a prima vista mi era sembrata noiosa e monotona, sempre urlata e con lo stesso timbro, diventa fondamentale a livello concettuale, accompagnando i riff di chitarra per dare una forma tangibile alla straziante disperazione che sono capaci di provocare. Un disco cupo e doloroso, che spezza la distanza tra noi e ciò che ascoltiamo, rendendoci una cosa sola, come se fosse entrato a far parte della nostra anima in modo permanente. Una maestria insuperabile e tutta giapponese nel giocare con l'emotività umana in modo dilaniante e destabilizzante.

Siate coraggiosi e spezzate anche voi questa linea. Un disco in più per rendersi conto (ma davvero) di come siano sorprendentemente simili due concetti come musica ed emozione. Pura contemplazione e simbiosi mistica.

Prayers and Arsons

admin — Sat, 02 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Get a Life! Records

Anno:

2008

Link correlati:

Line-Up:

- Michael - Vocals, Guitar
- Alexandre - Guitar
- Mathias - Bass
- Mario - Drums

Tracklist:

1. Continental Breed
2. Hide Your Anger, Give Your Mouth
3. Poisons and Blades
4. The End Within
5. Travel With the Night
6. As We Kneel
7. Cover Me With Kindness
8. The Rope
9. Drift

Impure Wilhelmina

Prayers and Arsons

Ginevra: città europea per eccellenza, svizzera nell'animo ed mittel-europea nel cuore, incastonata in uno stretto lembo di terra che la separa dalla Francia, con una qualità della vita tra le più alte al mondo. La scena hardcore svizzera è sempre stata sorprendente: se il mondo negli ultimi anni si è riempito di band cresciute come funghi, tutte che si tuffano a pesce nel grande calderone post-hardcore/sludge/post-metal/post-qualsiasicosasia, quel pezzetto di terra nel cuore dell'Europa, immerso in laghi splendenti e montagne verdi e imperscrutabili è sempre stato come una garanzia di qualità, dalle trame complesse dei Kehlvin al nichilismo simil-Breach degli indimenticati Vancouver, passando per gli Unhold e il tornado sonoro dei Knut. Ma se c'è una band che può elevarsi al di sopra di tutti, sono gli Impure Wilhelmina.

E' difficile dire se il loro ultimo disco Prayers and Arsons sia la loro uscita migliore, in primis perché se la gioca alla grande con le precedenti sfuriate del combo ginevrino (in particolare L'Amour, La Mort, L'Enfance Perdu e I Can't Believe I Was Born in July) ed in secondo luogo perché potrebbero ugualmente risultare pedanti, complessi e indecisi su cosa suonare.
Cosa c'è di straordinario comunque in questo disco? Difficile spiegarlo a parole... forse il loro essere così sottilmente schizzati, la loro capacità di creare strutture complesse eppure dirette e immediate come molti loro colleghi non potranno mai fare, la loro bravura nel comporre canzoni memorabili, pe(n)santi e ragionate. Si, forse. Ma quello che probabilmente si ama di più di questi ragazzi è la loro estrema originalità, che li rende davvero una realtà a sè stante nel pur variegato calderone del "post" hardcore metallico. Il loro modo di suonare e di comporre è unico e inconfondibile. Ed è anche abbastanza difficile riuscire a descriverlo.

Quando parte Continental Breed salgono le fitte al cuore e quando termina si freme per premere il tasto per far ricominciare la canzone, ascoltarla meglio, memorizzarne ogni passaggio. Prayers And Arsons è uno di quei rarissimi dischi che, nonostante riescano a colpire dritto a segno già al primo ascolto, allo stesso tempo vanno assimilati, ascoltati con attenzione, e poi riascoltati fino alla totale goduria uditiva.
Continental Breed, dicevamo. Si sono perse le tracce dei brani così lenti e opprimenti dei precedenti dischi (chi ha detto January?). La cupezza ha lasciato il posto ad un'ombra di solarità. Sono più solari, ma forse per questo più cattivi. Non dovete immaginarvi più strade innevate e ragazzi che suonano musica ossessiva in una sala prova fatiscente, immaginatevi musicisti che vanno in skateboard in giornate soleggiate (più europee che californiane), e grandi concerti all'aperto dove la gente, poga, suda, vive, si incattivisce e al contempo si sente più buona perché più felice. Questo brano si nutre di un riffing diretto improntato sul saliscendi emotivo, sostenuto da una voce strascicata che tenta di essere melodica nella sua romantica disperazione. Si intravede un tocco di ruffianeria punk molto più elegante del normale, pennate di chitarra che risalgono il manico e poi riscendono giù vorticosamente in un tornado, oh si, un vero tornado di note che vanno avanti senza guardarsi indietro e non riescono a bloccarsi, note come un treno che percorre una galleria e poi esce fuori inondato dal cielo, e poi queste note ritornano al riffing iniziale con una naturalezza disarmante, come se il brano fosse stato progettato nella classica forma-canzone, come se la sua complessità fosse solo un "errore di percorso".
Gli Impure Wilhelmina suonano roba tosta e complicata con un'innocenza unica, come se invece di bearsi della loro inventiva urlando "guardate quanto siamo fighi e bravi!", siano lì a farsi trascinare dalla musica e quando hanno finito di suonare non si sono nemmeno accorti di quello che hanno combinato, come se fossero strafatti di marijuana e si fossero dimenticati tutto. E così il pezzo si chiude in giri di chitarre sostenuti, ora veloci ora lenti e sempre trascinati dalla voce tesa e vibrante di Michael Schindl. Si vede che i loro brani sono ragionati e strutturati con un certo studio, eppure li suonano quasi come se stessero improvvisando, e questa cosa a me piace troppo, eccome se mi piace!

E poi Hide You Anger, Give Your Mouth attacca senza preavviso, come se fosse uno stacco metal di Virgin Radio tra una notizia e l'altra, e si trascina in schitarrare tra la furia dei Converge, l'intellettualismo dei Mastodon e la psichedelia un po' sludge un po' post-rock di tante band che circondano le nostre orecchie e che credo sia inutile citare. Loro sono così, a volte dritti al punto, a volte si prendono una pausa meditativa, ma sempre, e dico sempre, riescono a stupire. Stupiscono con riff ispirati e pensati per entrare nell'animo, sorprendono con aperture melodiche sempre in bilico tra due estremi, sorprendono con pezzi stupendamente efficaci e mai banali. Non credo che valga nemmeno la pena citare tutti i brani perché questo disco è un'esperienza che va vissuta nel suo complesso.
Poisons and Blades inizia dolce e pacata, forse leggermente malinconica, ma poi si alza il vento della distorsione e la mente viene come ipnotizzata prima di esplodere. Furia hardcore ma tanta melodia, pezzi che ipnotizzano letteralmente (The End Within, con la sua lentezza e la sua marcia sostenuta da una batteria martellante e da una chitarra eccentrica), pezzi che meditano, pezzi che calpestano, pezzi magari a volte un po' lamentosi (la strascicata conclusiva Drift), pezzi che entrano dentro e non escono più nei loro chiaroscuri che sono un vero susseguirsi di emozioni (As We Kneel e la metallusissima Cover Me With Kindness), ma tutti che (e c'è da ripeterlo fino alla noia) sorprendono, facendo credere qualcosa e mostrandone un'altra (come quella melodia solenne e quasi "piratesca" di The Rope, aggettivo che mi sembra tanto ridicolo quanto adatto a descrivere il brano).

Per questo non si capisce mai che diavolo suonino, perché passano con naturalezza e semplicità dal "metalcore" più dissonante alle meditazioni psichedeliche, dal dolce post-rock al melmoso sludge, dall'alternative rock più immediato alle sfuriate post-hardcore di un cuore metropolitano disperato e pulsante, senza dimenticare qualche bella spruzzata punk e doom. E tutto scorre senza intoppi, senza un calo di tensione che sia uno, senza mai contraddirsi o venir meno a quella che è la loro natura. E questo perché questi ragazzi la loro personalità se la costruiscono semplicemente suonando, senza nessuno schema precostituito. Loro semplicemente imbracciano gli strumenti, e quello che ne esce fuori li identifica come "Impure Wilhelmina". E questa è una piccola impresa che poche band sono in grado di fare oggigiorno.

Senza esagerazione gli Impure Wilhelmina sono i nuovi sovrani dell'hardcore svizzero. Sinceri, passionali, originali e soprattutto intelligenti. Disco che è tra i più splendenti gioiellini del 2008.

Keepers of the Faith

admin — Mon, 20 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Century Media

Anno:

2010

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Scott Vogel - Vox
- Jordan Posner - Guitar
- Martin Stewart - Guitar
- David Wood - Bass
- Nick Jett – Drums

Tracklist:

1. Your Enemies Are Mine
2. Stick Tight
3. Return To Strength
4. The Struggle
5. Shattered
6. You're Caught
7. Dead Wrong
8. Keepers Of The Faith
9. Stay Free
10. Hell And Back
11. Only Death
12. The New Blood
13. Defiant
14. T.T.I.H. (bonus track)
15. Boxed In (bonus track)

Terror

Keepers of the Faith

I Terror sono una band conosciuta nell’ambiente hardcore odierno e la loro fama sicuramente è dettata dai successi dei loro album. Nati nel 2000 a Los Angeles, già col loro secondo album, One with the Underdogs (2004), i cinque musicisti vendettero la bellezza di 40.000 copie e con il lavoro successivo, Always the Hard Way (2006), raggiunsero la posizione numero 10 nella Heatseekers di Billboard e la numero 19 nella Top Independent Records. Risultati meritatissimi a sentire la loro maturità musicale che anche con questo Keepers of the Faith viene allo scoperto, accompagnata da un brutalità difficile trovare in un gruppo hardcore oggigiorno. Le influenze thrash metal sono maggiormente presenti con questa uscita, tuttavia esse sono sempre miscelate in modo sapiente e posizionate nei punti giusti per donare potenza e dinamicità ad uno stile di per sé già vario e competitivo.

La breve durata delle canzoni e la loro struttura lineare fanno molta presa sull’ascoltatore, incitandolo a scatenarsi grazie a riffs dinamici alternati a sezioni groove incalzanti e massicce. I Terror hanno colpito nel segno e hanno prodotto un album che sicuramente si farà ricordare per le molte composizioni facilmente memorizzabili che possiamo trovare, evitando abilmente fillers ed momenti di calo. Si sa che oramai il genere in questione soffre da anni di un certo immobilismo, il quale porta inevitabilmente ad una sorta di crisi dalla quale è dura rialzarsi; tuttavia il gruppo non ha mai passato un tale momento e la brutale, thrashettona nel riffing e negli up tempo, Your Enemies are Mine ce lo dimostra subito. Scott Vogel dietro al microfono si riconferma come una delle migliori voci nel genere e trascina tutto il gruppo dietro alla sua ugola roca, brutale e potente. Si continua in velocità, come uno stile più classico per il genere, con Stick Tight, la quale annovera anche momenti rallentati con ottime idee e gang vocals potenti in occasione del refrain. L’emblematica Return to Strenght viaggia sui binari del groove con un ritornello immediatamente memorizzabile e tanta grinta. Le chitarre macinano una grande quantità di riffs e la batteria martella che è un piacere, raggiungendo uno dei suoi apici con la tagliente e veloce The Struggle.

Ottime le melodie appena accentate negli arpeggi iniziali di You’re Caught ed alcune sue soluzioni “alternative” nel riffing, più orientato al punk questa volta. Ottima anche l’alternanza di riffs profondi ad up tempo violenti di Dead Wrong, per proseguire con la grande, grooveggiante e bellicosa title-track dove i chorus si fanno minacciosi ed i riffs neri come la pece. Un bell’ attacco “in your face” ci va ed ecco che Stay Free ci soddisfa in pieno con un ritornello facile e tanta velocità da opporre al groove più presente di Hell and Back e Only Death. Una struttura più dinamica ed alcuni riffs più votati al classico hardcore/punk sono riscontrabili in The New Blood per poi terminare il disco la grinta groove e alcuni momenti melodici dell’ottima Defiant.

L’edizione con bonus tracks contiene anche la lentezza potente di T.T.I.H. ed il tappeto di doppia cassa in occasione della successiva Boxed In, entrambe ottime composizioni ed adatte per chiudere un disco veramente valido e consigliato a tutti gli amanti del genere.

Can't You Take a Joke?

admin — Tue, 07 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Roadracer

Anno:

1987

Link correlati:

Fan Site

Line-Up:

Chris Milnes - Vocals
John Milnes - Drums
Dan Nastasi - Guitar
Scott LePage – Bass

Tracklist:

1. Knock Knock
2. Nazichizm
3. Caddy Killer
4. M.B.
5. Innocents
6. Daddy’s boy (Theme Song)
7. F.U.C.K.
8. U-R Nothing
9. A.I.D.S.
10. Life 4 Def
11. Laughing in Your Face
12. Woody
13. Bushpigs
14. Mr. President
15. I.R.S.
16. Shumbluh

Mucky Pup

Can't You Take a Joke?

Nell’affollato panorama hardcore/thrash americano di metà anni 80, i Mucky Pup hanno forse rappresentato al meglio la frangia più umoristica del genere. Formatisi nel 1985 nel New Jersey grazie al chitarrista Dan Nastasi, i nostri musicisti hanno subito sviluppato uno stile che prendeva ispirazione da tutto quel calderone di band che proprio in quegli anni stava dando il meglio. Citiamo a dovere, D.R.I., S.O.D., M.O.D., Cryptic Slaughter, Suicidal Tendencies e Agnostic Front.
Quello dei Mucky Pup è uno stile che attinge a piene mani da vari generi: il thrash metal è ben riscontrabile in molti riffs di chitarra (tanto che la band è stata meritatamente inserita nel 1988 nella compilation della Roadrunner Stars on Thrash), mentre le influenze punk/hardcore si trovano nel timbro infantile della voce, nella struttura delle canzoni e nei testi politicizzati. Ciò fa sì che rientrino nell'insieme del cosiddetto "crossover thrash" (da non confondere con il crossover inteso come rock/metal unito a funk o rap).

Dopo la pubblicazione di due demo, Live And Mucky e Greatest Hits, che vendettero ben 1.200 copie insieme, la band venne messa sotto contratto dalla Roadracer Records, sorella della Roadrunner, per poi accordarsi con la Torrid Records per la distribuzione del primo album, questo Can’t You Take a Joke?.
L’anima “politically incorrect” e tanta voglia di divertirsi sono le basi per creare un buon album, troppo spesso sottovalutato o sin d’allora, forse, mai considerato veramente. A torto.

I suoni essenziali ma sempre abbastanza puliti e le veloci partenze in brevi canzoni creano un buon impatto musicale, senza tralasciare i vari intermezzi pieni di vocalizzi strani, versi, rumori vari e chi più ne ha più ne metta. Lo stile ci è subito chiaro grazie al minuto scarso di una punkettara Knock Knock e le sue velocizzazioni improvvise tra stacchi umoristici. L’anima più thrash rivive nella seguente Nazichism o nella mitica Lie 4 Def, non a caso inclusa nella succitata compilation ad opera della Roadrunner. In questi due casi in particolare, la band sa quando deve farsi più “matura” e buttarsi a capofitto nel ricreare riffs pesanti e taglienti.
A dir poco esilarante nel suo stile punk – Oi! Il ritornello di una grottesca M.B., passando per l’infantile (in senso buono) Daddy’s Boy o la tirata F.U.C.K., anch’essa molto legata al thrash metal come stile. Le sfuriate di batteria si susseguono per sostenere linee vocali impazzite ma mai squillanti e di conseguenza, noiose o fastidiose. Esse conservano sempre un timbro roco e veramente adeguato ad un genere che funge da ponte perfetto tra vari generi.
Analizzando la seconda parte del disco, possiamo notare l’incipit lento e pesante di una successivamente veloce Laughing in Your Face o il gioco tra strumenti e intermezzi di una massiccia Bushpigs. La critica sociale raggiunge il picco nella graffiante, acida e divertente Mr Prezident, concentrato di umorismo e rabbia tipico del genere volto ad attaccare direttamente la carica più alta degli U.S.A., per continuare con la veloce I.R.S. e gli stop and go della finale, strumentale, Shumbluh.

Le canzoni sono scorse veloci, facendomi divertire ma senza scelte eccessive che avrebbero potuto condizionare la bontà di un prodotto genuino, semplice e spontaneo da parte di quattro ragazzi ancora in preda agli sfoghi adolescenziali. Il loro amore per il punk old-school (il loro moniker deriva direttamente dal singolo pubblicato nel 1977 dalla English punk band Puncture e ripreso successivamente anche dai The Exploited) e per l’allora sano thrash metal, sono alla base di quest’album.
Peccato che la band successivamente avrebbe puntato su un suono maggiormente improntato al groove, facendo sì che tutto ciò che di bello che avevano creato svanisse, e con sé il ricordo di una band che forse raccolse troppo poco nella sua carriera.

Hardcore Attack of the Low Life Dogs

admin — Fri, 03 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Hardcore

Etichetta:

Farewell/Straight Up Records

Anno:

2010

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Quarto Split in casa Extreme Noise Terror con questo Hardcore Attack of the Low Life Dogs, solito concentrato di brutalità crust/hardcore. Stampato in sole 500 copie, la collaborazione in questione vede anche due canzoni dell’hardcore band Slang, dal Giappone, oltre che altre due composizioni della storica band inglese, per un totale di neanche dieci minuti di musica veloce e senza compromessi.

Per chi non fosse tanto avvezzo al genere, Gli E.N.T. sono tra i padrini del grindcore poiché nati in Inghilterra in un periodo molto importante per il movimento crust/punk. Successivamente anche essi avrebbero dato un contribuito a creare quel genere che prendeva il miscuglio di punk, crust e hardcore per velocizzarne le strutture, tenendo inalterata la rabbia contro la società che caratterizzava i testi. Degli Slang invece non sappiamo molto, a parte che sono in fase di pubblicazione del loro quinto album proprio quest’anno.

Ad ogni modo, lo Split in questione apre con le due composizione ad opera degli E.N.T., inaugurando un vero e proprio massacro. Cage Paralysis sfocia immediatamente in rullate violente ed una serie di up tempo da brividi. La voce (in costante bilico tra scream punk-style e growl) e le chitarre fanno il resto, tra una marea di riffs senza compromessi, votati a ricreare un muro sonoro che sembra uscire direttamente dagli anni 80. La produzione sporca, la distorsione degli strumenti e lo stile con cui essi vengono massacrati fa ritornare indietro nel tempo, proprio nel periodo in cui crust e grind stavano per miscelarsi insieme. Anche la successiva Think Outside The Box segue lo stesso stile, ma anche questa volta, senza velocizzazioni estreme. Non troverete, quindi, blast beats perché i riffs essendo tipici dell’hardcore/punk non necessitano di strutture esageratamente impulsive. Direi che la scelta risulta decisamente azzeccata e c’è da divertirsi per i fan del genere qui proposto.
La seconda parte del disco si apre con gli Slang ed il loro stile tipicamente hardcore, senza troppe contaminazioni. I suoni sono leggermente più corposi e potenti per canzoni che continuano sulla strada dell’up tempo, come già testimoniato dalla buona World of Lunacy. La finale Black Rain mostra un riffing incalzante ed alcune strutture leggermente più elaborate che viaggiano su tempi medi, mostrando l’anima più groove del combo dagli occhi a mandorla. La fase solista delle chitarre è buona ed in rilievo, tra decisi palm muting ed alcune contaminazioni che strizzano l’occhio anche all’Hard Rock.

Spesso e volentieri ci si trova a che fare con Split inutili che non aggiungono nulla a quanto già fatto molte altre volte, ma in questo caso questo Hardcore Attack of the Low Life Dogs ci ha dato modo di scoprire una band Giapponese molto valida, oltre che riconfermare la bontà della proposta dei massacratori Inglesi. Consigliato a tutti gli intransigenti della fascia più incontaminata dell’hardcore.

Tracklist:

:
1. Cage Paralysis 02:28
2. Think Outside The Box 01:34
3. World of Lunacy 00:57
4. Black Rain 03:20

Extreme Noise Terror / Slang

Hardcore Attack of the Low Life Dogs

Quarto Split in casa Extreme Noise Terror con questo Hardcore Attack of the Low Life Dogs, solito concentrato di brutalità crust/hardcore. Stampato in sole 500 copie, la collaborazione in questione vede anche due canzoni dell’hardcore band Slang, dal Giappone, oltre che altre due composizioni della storica band inglese, per un totale di neanche dieci minuti di musica veloce e senza compromessi.

Per chi non fosse tanto avvezzo al genere, Gli E.N.T. sono tra i padrini del grindcore poiché nati in Inghilterra in un periodo molto importante per il movimento crust/punk. Successivamente anche essi avrebbero dato un contribuito a creare quel genere che prendeva il miscuglio di punk, crust e hardcore per velocizzarne le strutture, tenendo inalterata la rabbia contro la società che caratterizzava i testi. Degli Slang invece non sappiamo molto, a parte che sono in fase di pubblicazione del loro quinto album proprio quest’anno.

Ad ogni modo, lo Split in questione apre con le due composizione ad opera degli E.N.T., inaugurando un vero e proprio massacro. Cage Paralysis sfocia immediatamente in rullate violente ed una serie di up tempo da brividi. La voce (in costante bilico tra scream punk-style e growl) e le chitarre fanno il resto, tra una marea di riffs senza compromessi, votati a ricreare un muro sonoro che sembra uscire direttamente dagli anni 80. La produzione sporca, la distorsione degli strumenti e lo stile con cui essi vengono massacrati fa ritornare indietro nel tempo, proprio nel periodo in cui crust e grind stavano per miscelarsi insieme. Anche la successiva Think Outside The Box segue lo stesso stile, ma anche questa volta, senza velocizzazioni estreme. Non troverete, quindi, blast beats perché i riffs essendo tipici dell’hardcore/punk non necessitano di strutture esageratamente impulsive. Direi che la scelta risulta decisamente azzeccata e c’è da divertirsi per i fan del genere qui proposto.
La seconda parte del disco si apre con gli Slang ed il loro stile tipicamente hardcore, senza troppe contaminazioni. I suoni sono leggermente più corposi e potenti per canzoni che continuano sulla strada dell’up tempo, come già testimoniato dalla buona World of Lunacy. La finale Black Rain mostra un riffing incalzante ed alcune strutture leggermente più elaborate che viaggiano su tempi medi, mostrando l’anima più groove del combo dagli occhi a mandorla. La fase solista delle chitarre è buona ed in rilievo, tra decisi palm muting ed alcune contaminazioni che strizzano l’occhio anche all’Hard Rock.

Spesso e volentieri ci si trova a che fare con Split inutili che non aggiungono nulla a quanto già fatto molte altre volte, ma in questo caso questo Hardcore Attack of the Low Life Dogs ci ha dato modo di scoprire una band Giapponese molto valida, oltre che riconfermare la bontà della proposta dei massacratori Inglesi. Consigliato a tutti gli intransigenti della fascia più incontaminata dell’hardcore.

TRACKLIST:
1. Cage Paralysis 02:28
2. Think Outside The Box 01:34
3. World of Lunacy 00:57
4. Black Rain 03:20