Grunge

Anuseye

Giulio Magliulo — Tue, 01 Nov 2011 17:24:03 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Stoner

Hard Rock

Grunge

Etichetta:

Interbang

Anno:

2011

Line-Up:

Claudio Colaianni (chitarre, vocals)

Luca Stero (chitarre)

Michele Valla (basso)

Antonello Carrante (batteria)

Tracklist:

Side A

01. The Girl At The Corner Of My Heart 3:50

02. Head 3:34

03. Au Dela Du Ciel 5:01

04. Voodoo Lesson #1 2:46

05. All Is In Your Eyes 9:50

Side B

06. Fine Needle 3:55

07. Still 4:15

08. The Betryal 3:27

09. Song For The Trees 4:41

10. Primary Love Blues 5:43

Anuseye

Vent'anni fa furono i That's All Folks, seminale cult band barese a lasciarci intendere che anche noi potevamo dire la nostra in termini di rock and roll. Il termine 'stoner' ancora non lo avevamo mai sentito che i That's All Folks lo avevano già superato con la loro mistura psicotropa a base di hard-rock blueseggiante e psichedelia garage.

Non è possibile ora ricostruire analiticamente la loro carriera perchè è giusto lasciare spazio alla nuova creatura Anuseye, ma pochi semi gettati lì a caso - Nebula, Nasoni Records, Beard of Stars, Sun Dial, Malleus - basteranno a far germinare lussureggianti piante allucinogene nel vostro giardino.

Gli Anuseye nascono da una costola di quei That's All Folks e son qui per illuderci – con somma gioia ed al contempo con una vena di amarezza - del ritorno di certo rock in Italia.

Tempi di batteria secchi e squadrati; riffs stoogesiani drammatici, avviluppati in soliste serpentine, ossessive nella loro simmetricità; voce fredda, utilizzata per affrancarsi dalla stessa noia bipolare che affliggeva l'iguana e che nasce da quello stesso substrato emotivo riletto sotto la luce più moderna del grunge psicotico dei '90 degli Skin Yard, dei My Sister's Machine e – definitivamente – del post-metal dei Tool.

Intro acustiche e ipnotiche per ballate malsane, arpeggi che lasciano le dita sporche ed odorose, smarriti in un sogno 'garage' multicolor che culmina nel nero più nero; contemplazioni acido-psichedeliche su una mappa della California incisa su lastra di metallo; anatemi di proto-punk votato ai culti più oscuri delle musiche heavy degli ultimi 40 anni.

Scosse violente interrotte da pause riflessive di voci filtrate, trame circolari e wah hendrixiani collocati su possenti muri chitarristici di calde vibrazioni valvolari; poi la fuga verso lo stesso deserto mentale dei fratelli di fede Fu Manchu ed Atomic Bitchwax ed un veloce ritorno al chaos urbano tutto neon ed eroina dei fratelli Asheton (per gli orecchi più fini anche un bellissimo richiamo ai mai troppo incensati The Bags di Chicago).

Fino ad oggi pochi son riusciti ad esprimere con convinzione quel 'missing link' tra grunge e stoner (gli statunitensi Abdullah si sono avvicinati abbastanza, ma la loro bilancia pendeva troppo vistosamente verso gliAlice In Chains); gli Anuseye non solo ci riescono pienamente, ma, come in passato con i T.A.F., superano questo traguardo andando ad inglobare nel loro suono tutta una serie di ricordi garage ed underground dei decenni passati che riusciranno finalmente a colmare spazi vuoti ed inguardabili nello scaffale "rock italiano altro", quello in cui coesistono Not Moving ed Ufomammut come se in mezzo non ci fosse stato altro.

Rispolverate quindi il piatto dell'hi-fi per questi 180 gr. di spesso vinile, bellissimo anche nella grafica dell'artista Gurnari: Interbangs non sbaglia un colpo!

#1

Giulio Magliulo — Sat, 16 Aug 2014 06:20:09 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Grunge

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2014

Line-Up:

Antonio Capra - Voce e chitarra

Paolo Russo - Chitarra

Giacomo Ferrari - Piano e tastiere

Alberto Casartelli - Basso

Riccardo Monzeglio - Batteria

Tracklist:

1. Wake Up

2. City Lights

3. New Order

4. Are You Ready

5. Silence

6. When You'll Be Gone

7. It's Winter

8. Falling Skies

9. Collapse

10. Fast Food

11. I Can't Wait

12. Turn On The Sun

13. With You Tonight

Stereocut

#1

Anche Above dei Mad Season cominciava con un brano dal titolo Wake Up.

E come i Mad Season anche i milanesi Stereocut affondano le loro radici musicali nei novanta del post grunge, anche se nel 2014 questo comporta dei rischi.

Il più evidente è nella percezione immediata dell'ascoltatore ignaro che dopo il primo play viene investito da questa pioggia di suono nineties. Se è un motivato amante del rock, del grunge e dei novanta tutti, ne sarà conquistato; diversamente, non ha ragioni per proseguire perché il suo intuito gli suggerirà che Stereocut questo è ed altro non ci troverà. L'inizio dell'album è quindi una dichiarazione di intenti ed in questo gli Stereocut sono molto chiari ed onesti.

Poi si sa che a 'ciclare' troppo sulle proprie passioni musicali, per quanto si possa essere bravi ed appassionati, rende difficile evitare l'effetto gabbia e venirne fuori.

Può succedere che tra un brano e l'altro prenda il sopravvento una sensazione di deja vù quando lo schema, l'impianto generale utilizzato nelle tracce è un pò troppo simile.

L'ultima – e forse più importante – controindicazione, non è tecnica, ma di senso.

Se quel filone musicale nasceva per dare una forma all'angst giovanile dell'epoca, oggi la necessità di fuga, la fragilità delle relazioni, la difficoltà di comunicazione ed il disagio esistenziale han trovato altri contesti sonori per manifestarsi. L'urgenza di graffiare e far sanguinare era insomma una prerogativa.

Eppure questo bel compitino, preciso e ben fatto dice molto degli Stereocut, soprattutto che son bravi ed ostinati. Nel loro mondo, nel loro 'schema', non sono secondi a nessuno.

La tripletta iniziale Wake Up, City Lights e New Order è perfetta nel suo equilibrio di potenza e melodia e dopo tanta 'forza' arriva incredibilmente una Are You Ready? che dispensa ancora più adrenalina.

Non c'è una sola canzone brutta, la qualità è davvero alta ed il controllo totale. Forse troppo. Un esempio? La linea di piano, così classica, in It's Winter. Non si poteva sporcarla in qualche modo? Un effetto? Una nota in meno?

Di contro, laddove c'è la 'variabile umana', più difficile da gestire - in questo caso la voce di Antonio Capra -, quando si sa che non si è e non si può essere perfetti, ecco che viene fuori il meglio; fregandosene delle asperità che pur incontra, essa assume colori diversi che possono ricordare ora Chris Cornell, ora Maynard James Keenan. E questo merito è giusto riversarlo su tutta la band, poiché gli Stereocut non si rifanno direttamente a nessun grande nome ed è solo in un modo molto personale che nel loro stile rientrano gli ascolti che hanno sicuramente perpetuato, i gruppi che probabilmente hanno amato, dai Soundgarden agli Alice In Chains, dai Tool ai Perfect Circle. O almeno così ci sembra.

Forse solo Collapse è stilisticamente po' diversa e tradisce ascolti più mainstream che guardano indietro, all'hard rock da classifica anni ottanta, poi, perfino una traccia all'apparenza diversa come Silence, che sembra più riflessiva, alla fine dispensa ceffoni (per quanto graditi) con i suoi serrati incastri ritmici.

Sperando sia chiaro che queste considerazioni non inficiano affatto sul godimento ultimo di chi cerca un buon album rock da spararsi in auto a tutto volume con quella sacra e beata ignoranza che permette di godere pienamente di certo rock and roll al di fuori di qualsiasi retropensiero sociologico o pseudo tale, possiamo augurare agli Stereocut solo di perdersi un po', di smarrire la via di casa, perché solo tradendo una certa idea di se stessi come musicisti potrebbero scoprire che ci sono belle cose fuori ad attenderli, e che le meritano tutte. Ma bisogna un pò sanguinare.

King Animal

Giulio Magliulo — Sat, 08 Dec 2012 14:34:03 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Hard Rock

Grunge

Etichetta:

Universal

Anno:

2012

Line-Up:

Chris Cornell – voce, chitarra

Kim Thayil – chitarra

Ben Sheperd – basso, voce

Matt Cameron – batteria, percussioni

Tracklist:

Been Away Too Long- 3:36
Non-State Actor- 3:57
By Crooked Steps- 4:00
A Thousand Days Before- 4:23
Blood on the Valley Floor- 3:48
Bones of Birds- 4:22
Taree- 3:38
Attrition- 2:52
Black Saturday- 3:29
Halfway There- 3:16
Worse Dreams- 4:53
Eyelid's Mouth- 4:39
Rowing- 4:12

Soundgarden

King Animal

Fino a qualche anno fa la notizia di un nuovo album dei Soundgarden ci avrebbe scosso nel profondo, oggi ci lascia pressoché indifferenti e forse qualcuno in cuor proprio avrebbe preferito anche che questo King Animal non fosse mai uscito.

Il motivo è presto detto: se Chris Cornell - sia da solo che con le sue tante collaborazioni - ha incrociato ed abbracciato le varie strade del mainstream, a volte centrando il bersaglio, altre deludendo, con il nome Soundgarden che è stato tra i promotori della restaurazione del rock in quel decennio di confine tra tante cose, un certo target di pubblico, quello adulto, non vuole scherzare.

Perché decidere di giocarsela sul terreno dell’hard rock moderno, mainstream (si, diciamolo ancora), da stadio, più popolare del pop (che alla fine è lo stesso terreno dei Foo Fighters e dei Queens Of The Stone Age) può essere una scelta economicamente vincente, ma sul piano artistico è possibile che oggi quel match i Soundgarden lo perdano. E che già da Badmotorfinger i Soundgarden fossero diventati altro da ciò che sono stati prima è un conto, forse inevitabile, forse necessario, in una certa misura anche giusto, ma che diventassero poi gli alfieri della volgarità spiattellata dell’iniziale Been Away Too Long è altro. Come a dire che si comincia molto male.

Parlare così di coloro che hanno insinuato il dubbio ‘alternative’ nel doom con Beyond The Wheel e Gun, che hanno trasformato in acido puro sia il blues di Smokestack Lightnin’ che l’hardcore di Full On Kevins’ Mom e che sono stati la nemesi ‘plantiana’ con Ugly Thruth è un paradosso anche per chi scrive, ma vediamo cosa si può salvare da cotanto amore anche perché se continuiamo a considerare come pietra di paragone il passato della band, la recensione di questo album diventa del tutto inutile.

Non-State Actor ad esempio conserva una buona dinamica, le chitarre sono spiraliformi quanto basta ed il ruggito del leone sembra ancora quello. Anche in By Crooked Steps c’è una discreta prova vocale (con quel po’ di ottave di cui è capace quell’ugola del resto non è difficile) ma quella chitarra è così retorica che la metà basterebbe.

A Thousand Days Before si sforza di apparire innovativa nel trasformare in ‘elettrico’ l’anima country del brano e Blood On The Valley Floor invece ha un piglio epico che in questo caso si traduce sostanzialmente in noioso: tra le peggiori sequenze dell’album.

Bones Of Birds è il classico ‘lento’ alla Soundgarden, scontato quanto si vuole, ma è proprio in questo tipo di tracce che essi dimostrano che in un’altra vita sono appartenuti ad una casta superiore ed è qui che – vostro malgrado - vi ritroverete ad alzare il volume dello stereo e a canticchiarla, cosa che potrebbe succedere anche con la ‘catchy’ Worse Dream, brano tra i più divertenti dell’album.

Taree, con quel suo mood un po’ Alice In Chains è forse tra le migliori del lotto perché è in questi oscuri midtempo che i Soundgarden di oggi riescono a dare il meglio.

Poi ci sono Attrition che vuole essere il brano stoner del disco ma che a causa del fastidioso groove diventa traccia inutile e l’interessante parentesi semiacustica di Black Saturday con i suoi intermezzi di chitarra un po’ spettrale. Ambedue i brani, senza quella manciata di piacioneria di troppo, sarebbero stati migliori.

Halfway There rappresenta la senilità dei Soundgarden: se ritornassero ancora, tra venticinque anni, suonerebbero un disco tutto così.

Ci sono infine la barocca Eyelid’s Mouth condannata dalla dura legge di gravità del riff a trasformarsi in qualcosa di molto ampolloso, quella è la sua intenzione e molti troveranno in ciò il suo fascino e Rowing, una delle cose più distanti dalla natura dei Soundgarden (se si eccettuano i divertissement dub del Fopp e.p.) ma è anche una delle tracce più riuscite (del resto dopo tutte le esperienze extrafamiliari di Cornell cosa si può ormai dire distante dalla natura dei Soundgarden?).

Se pensate che in qualche modo questo disco possa ancora darvi qualche sussulto hard, acquistatelo pure, sapete di cosa stiamo parlando (manierismo!) e non resterete delusi ma sappiate che i brividi ‘grunge’ - oggi che tra l’altro sta ritornando di moda poiché il giusto numero di anni è trascorso per far si che acquisisca il fascino del vintage - li proverete nel ‘sottobosco’, non certamente qui.

Per quanto mi riguarda, immaginavo che il disco ‘suonasse’ esattamente così come è ancor prima di ascoltarlo e questa non è cosa buona.

Superkala

admin — Wed, 29 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Grunge

Etichetta:

Lava/Atlantic

Anno:

2002

Link correlati:

Line-Up:

- Mark Wilkherson - rhythm guitar, vocals
- John "Fish" Milldrum - bass, guitar
- Rick Shelton - drums

Tracklist:

1. Wall of Shame
2. Caught in the Sun
3. Difference of Opinion
4. Someone Else to You
5. Remain
6. Gain
7. 1000 Times
8. Could I've Been
9. Better Part of Me
10. After the Fall

Course of Nature

Superkala

Gli americani Course of Nature vengono formati da Mark Wilkerson e da John Milldrum dopo aver lasciato la loro precedente band Cog, scegliendo il nome da una dal titolo di una delle loro canzoni. Dopo che a loro si è unito il batterista Rick Shelton, proveniente dai Dust for Life, firmano per la Lava Records e registrano nel corso del 2001 il loro album d'esordio Superkala, pubblicato poi nel febbraio 2002.

Il gruppo si posiziona senza ombra di dubbio all'interno del saturo calderone di gruppi post-grunge che non fanno altro che riciclare stilemi stra-abusati, seguendo la scia di gruppi come 3 Doors Down, Nickelback, Creed ed in parte gli Staind del secondo album: ecco qui infatti l'ennesimo gruppo rock melodico tutto basato su schemi triti e ritriti senza assolutamente nulla di nuovo da dire. Duole ammetterlo, ma le debolezze di questo Superkala sono troppo evidenti.
La proposta del gruppo si rivela talmente derivativa che persino chi di musica rock è completamente a digiuno potrebbe accorgersi che la band in questione non solo non ha un briciolo di personalità, rifacendosi a sonorità strausate da chissà quanti gruppi, ma dispone anche di un songwriting non tanto scontato quanto ridicolo. Sembra quasi che dei Creed in pessima forma avessero deciso in comune accordo di creare il disco più brutto e insensato della loro carriera.

In fondo, se proprio vogliamo salvarli in qualche modo, possiamo dire che le melodie non sono poi così male e si lasciano ascoltare ma... diamine, è il minimo per canzoni rock di questo tipo! Forse l'opening Wall of Shame è la traccia che potrebbe convincere di più, ma già dalla successiva Caught of the Sun, primo singolo rilasciato, si nota tutta la banalità del gruppo. Difference of Opinion, poi, non so perchè ma più l'ascolto e più la trovo patetica... al limite potremmo salvare un altro paio di canzoni, ma in ogni caso il disco non riesce a sollevarsi in nessun modo da terra, purtroppo. Il cantante, poi, è così freddo che sembra quasi cercare d'impedirti di provare qualche emozione ascoltando il tutto!

Un vero peccato per una band che forse, impegnandosi maggiormente, avrebbe potuto tirar fuori qualcosa di almeno decente.

Dopo il rilascio di questo disco, Milldrum e Shelton lasciano il gruppo perché insoddisfatti dai problemi che il gruppo aveva con il management e la label.

Superfuzz Bigmuff + Early Singles

admin — Thu, 22 Jul 2010 22:00:00 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Grunge

Etichetta:

Subpop

Anno:

1990

Link correlati:

Line-Up:

- Mark Arm - vocals, guitar
- Matt Lukin - bass
- Dan Peters - drums
- Steve Turner - guitar

Tracklist:

1. Touch Me I'm Sick
2. Sweet Young Thing (Ain't Sweet No More)
3. Hate the Police
4. Burn It Clean
5. You Got It (Keep It Outta My Face)
6. Halloween
7. No One Has
8. If I Think
9. In 'N' Out of Grace
10. Need
11. Chain That Door
12. Mudride

Mudhoney

Superfuzz Bigmuff + Early Singles

Quando si parla di nordovest americano dalla fine degli anni ottanta a quasi tutti gli anni novanta, i nomi che saltano fuori sono Nirvana, Soundgarden e Alice in Chains. Non si parla quasi mai di Tad e Skin Yard, formazioni dalle cui fila non sono fuorisciti personaggi che avrebbero portato il grunge a livelli di mainstream (lo stesso Jack Endino, figura chiave nella propagazione di queste sonorità, è più conosciuto come tecnico e produttore che non come frontman di Skin Yard) poiché questi gruppi non offrirono all’orecchio ineducato le possibilità melodiche dei loro più fortunati colleghi.

Ma perché si parla poco anche dei Mudhoney? Come sono andate le cose? L’occasione per ribadire ancora una volta che il fenomeno ‘grunge’ da quando ha preso tale denominazione sia stato un trend come tanti, da cavalcare per vicissitudini perlopiù geografiche e temporali, ci è confermato dalla diversità delle bands accomunate. I Mudhoney, appunto, sebbene avessero quell’attitudine selvaggia e pesante, poco mediata, non subirono però incondizionatamente le strutture di certo hard rock cupo e claustrofobico come alcuni loro colleghi. Di tutti i gruppi di Seattle, anzi, sono stati forse quelli più vicini allo spirito del rock n’ roll. Ma andiamo per ordine soffermandoci sulle tappe significative della band.

Tutto comincia con i Green River, formazione seminale che comprendeva oltre a Mark Arm e Steve Turner (voce e chitarra), Stone Gossard e Jeff Ament, poi nei Mother Love Bone e attuali Pearl Jam. Nei Green River è la voce psicotica di Mark Arm l’elemento caratterizzante che resterà pressochè immutata nel tempo. La musica invece, già anticipatrice delle scorribande a venire resta però ancora avviluppata in filamenti metallici (poi tessuti sapientemente dai Soundgarden e raffinati nelle pieghe più heavy dei Pearl Jam).

E’ da queste premesse che nel 1985 per Homestead esce Come on Down, anche se il grande riconoscimento sarà con Dry As a Bone del 1987 su Sub Pop. L’emissione sul mercato dei lavori dei Green River coincide sempre con fuoriuscite dal gruppo di membri dei futuri Mudhoney, prima Steve Turner, poi Mark Arm: era evidente che il ‘fiume verde’ volesse sfociare in mari diversi. I due transfughi, reclutati l’allora bassista dei Melvins Matt Lukin e il batterista Dan Peters formarono finalmente i Mudhoney che diedero alla luce due singoli: Touch me I’m Sick/Sweet Young Thing Ain’t Sweet No More e You Got It/Burn It Clean.

E’ il 1988 ed i tempi ormai son maturi per entrare in modo più incisivo sul mercato; esce su Sub Pop Superfuzz Bigmuff (la label farà poi in seguito un ottimo lavoro di accorpamento degli Early Singles con il primo e.p. ufficiale, cosa che farà anche con gli altri famosi gruppi del rooster, dando un quadro sufficientemente completo della situazione del gruppo a quel momento).

Candidamente cinici e violentemente ormonali i quattro rielaborano lezioni di rock da fonti storiche proponendosi come fatto inedito nelle cronache musicali di quei giorni. Touch Me I’m Sick comincia con un riff asciutto, un urlo malsano ed una risata demente che possono essere considerati l’essenza stessa dei Mudhoney. Provocazione ed ironia nei testi: “…toccami, sono malato, vieni con me baby, altrimenti morirai sola…” con la stridula voce di Arm non possono non far pensare al primo punk di Johnny Rotten, anche se il punk a cui guardano i Mudhoney (sarà più evidente nei dischi successivi) è quello di oscuri combi dei sixties legati ad un immaginario deviato da teenagers cresciuti a b-movie.
In Sweet Young Thing… già si intravede chiaramente questa propensione ad una psichedelia malata fuori dai tunnel colorati del flower-power e che ha a che fare piuttosto con le anfetamine che con gli acidi; nelle note finali di ogni strofa c’è dilatazione e tormento vocale. Hate The Police dei Dicks è una smaccata dichiarazione d’amore verso il garage rock più vandalico di tutti i tempi. Ancora storie di figli degeneri e incattiviti da genitori ancora più subdolamente incarogniti. Stabilito quindi questo legame (anche geografico) con la decade sixties i Mudhoney ampliano il raggio d’azione ed i riferimenti della loro musica per arricchire e completare il loro anarchico orizzonte sonoro.
Il riff finale di Halloween dei Sonic Youth può senza dubbio far pronunciare il nome che per molti versi sarà (e per qualche anno ancora) indissolubilmente legato ai Mudhoney, come una paternità a figli bastardi, The Stooges, proprio quelli che hanno definitivamente seppellito il sogno multicolore degli anni sessanta. La velocità, il riffing scarno di Ron Asheton, la carica provocatoria dell’Iguana, la distorsione da incubo con quel wha-wha insistente ed il senso di peccato e trasgressione ma anche noia dominante rivive nei Mudhoney, ed il riff è quello di I Wanna Be Your Dog. Detroit ritorna anche con MC5, l’altro gruppo storico della città, per quel modo esplosivo in cui Arm canta, sempre al limite, a squarciagola, urlando qualunque sia lo stato d’animo, sempre riottoso e su di giri, con una forma di carica iniziale, quasi gioiosa, che per gli eccessi diventa rovinosa ed incontrollata.

E sembra davvero che i Mudhoney in certe parentesi acustiche, in certi accordi gentili (Need, If I Think) soffrano di una nostalgia, di una perdita per qualcosa di buono, di pulito (In ‘n’ Out Of Grace) e da bravi ragazzi americani quali sono, subìta la frustrazione, aprono gli occhi e si disperano contorcendosi in un rock altamente tossico. La finale Mudride, più che una cavalcata è uno strisciare nel fango della psichedelia più allucinata, con tentativi falliti di uscirne con adrenaliniche accelerazioni dalla palude di fuzz nella quale si annegherà.

Asciutto

admin — Tue, 17 Mar 2009 23:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Grunge

Etichetta:

Autoproduzione/Kproduction

Anno:

2008

Link correlati:

Cronofobia@MySpace.com

Line-Up:

- Eddy - voce, chitarra
- Fausto – basso
- Michele - Batteria

Tracklist:

1. L’abitudine
2. Essenza
3. Ninfa e l’amore
4. Spettro
5. Sovverti
6. Si e no
7. L’ultima sigaretta
8. Rum
9. Lei è
10. Quando puoi
11. Light out

Cronofobia

Asciutto

Eccoci nuovamente qui.
Ancora chitarre distorte che macinano riff assemblati con rabbia e furore giovanile, ancora voci graffianti che slittano tra urla sguaiate e melodia, ancora semplicità ad impatto diretto.
In una parola, ancora Grunge.
Lungo l’italico stivale sembra siano in pochi ad essersi stancati della sporcizia importata da Seattle ormai 20 anni or sono, a giudicare dal gran numero di band tutt’oggi in circolazione che sguazzano tra la nostalgia e l’impossibilità (o non voglia) di rinnovarsi che affliggono questo genere.

I Cronofobia da Brescia, dopo un solo anno di attività come band decidono che è già il momento per licenziare il primo capitolo discografico, e in Asciutto le converse rovinate, i capelli unti e i jeans sdruciti si sentono tutti.
Il trio ha dalla sua parte il cantato in italiano espresso attraverso una voce capace di assumere con agilità tinte Hard Rock (Lei è, Spettro), dote che aiuta a rendere le canzoni molto più dinamiche di quanto in realtà non siano, squagliandosi talvolta in ubriachi lamenti alla J.Mascis che impreziosiscono brani come Rum.
Chitarre senza personalità né sfumature trainano con foga rabbiosa una batteria violenta ma priva di slanci e personalizzazioni degne di nota ed un basso come al solito praticamente inesistente, totalmente messo in ombra dalla copiosa distorsione dello strumento principe di questo genere.
Anche in questo caso il tradizionalismo di chi suona Grunge stupisce per la sua proverbiale continuità, chiudendo le porte al rinnovamento senza troppo indugiare.
Saltuariamente emergono tuttavia piacevoli diversivi come L’ultima sigaretta, brano sciolto in un chorus invadente ma caratteristico che aggiunge nuovi colori alla viscida melodia seguita dalla voce, riuscendo a farsi notare in mezzo al furore che attraversa la tracklist.
L’autoproduzione purtroppo non aiuta i brani a risultare convincenti, finendo per indebolire l’impatto sonoro che questa band può sicuramente offrire in sede live, rendendo fiacca l’intera sezione ritmica (ad eccezione dei piatti, che curiosamente suonano bene) e concentrandosi sul protagonismo di chitarre e voce, alle quali non nuoce particolarmente il suono grezzo di questo disco.

Purtroppo il difetto più destabilizzante ed influente sul giudizio finale rimane la scarsa personalità dei brani, che non riescono ad introdurre nulla all’infuori di una cantato tecnicamente valido rispetto alla media di questo genere, cadendo in tutti cliché a cui il Grunge ha abituato i suoi ascoltatori nel corso degli anni.
Ai Cronofobia, come alla stragrande maggioranza dei gruppi italiani che cavalcano il revival dei primi anni ’90, manca l’effettiva voglia e capacità di mettersi in gioco, introducendo in questo genere qualcosa di inusuale, innovativo, rinfrescante, che porti nuovamente il pubblico ad interessarsi per certe sonorità ruvide e taglienti.
Ora come ora, la noia viene a galla troppo in fretta.

14 Shades of Grey

admin — Mon, 16 Feb 2009 23:00:00 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Grunge

Etichetta:

Flip/Elektra

Anno:

2003

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Aaron Lewis - voce, chitarra
Mike Mushok - chitarra
Jon Wysocki - batteria
Johnny April - basso

Tracklist:

1. Price to Play – 3:35
2. How About You – 3:57
3. So Far Away – 4:04
4. Yesterday – 3:46
5. Fray – 5:03
6. Zoe Jane – 4:36
7. Fill Me Up – 4:24
8. Layne – 4:25
9. Falling Down – 3:55
10. Reality – 4:37
11. Tonight – 4:24
12. Could It Be – 4:43
13. Blow Away – 6:14
14. Intro – 4:28

Staind

14 Shades of Grey

Reduce dal successo planetario dell'album Break the Cycle, la band di Aaron Lewis torna sulle scene con il suo nuovo lavoro. Anche se "nuovo" non può certo definirsi il contenuto del suddetto, dato che anche stavolta, come nel precedente disco, la band si prodiga nel mettere assieme un collage di soluzioni grunge vecchie di un decennio; e, come nel precedente disco, il più grosso aggiornamento che vi innesta è quella frustrazione egocentrica adolescenziale tipica di un certo nu-metal.
Inutile quindi aggiungere che il target di pubblico sia stato ben deciso già in fase pre-compositiva, e la band si sia comportata di conseguenza.

In 14 Shades of Grey è comunque presente un sostanziale cambiamento: la componente heavy, che sosteneva Dysfunction e che pur affiorava sporadicamente anche lungo Break the Cycle, è quasi totalmente scomparsa, eclissata in favore di un rimaneggiamento pop-rock del sound complessivo del gruppo.
14 Shades of Grey si potrebbe dunque etichettare ironicamente anche come un disco "heavy pop".

Se l'opener Price to Play convince e trascina, pur ripetendo una formula già sentita, ci si rende presto conto che essa è anche l'unica traccia dal sound fresco e coinvolgente in tutto il disco; How About You attinge nel chorus persino dall'emo (altro segno di svendita del sound da parte della band), mentre So Far Away, modello musicale poi ripreso e fotocopiato in molti episodi successivi, è una ballata discreta ma fin troppo radiofonica e innocua; Yesterday fa emergere ancora qualche debole ispirazione hard-rock, mentre l'insipida Fray non aggiunge nulla, e Zoe Jane arriva addirittura a toccare i confini di mielosità della tipica love-song popolare.
Il resto dell'album suona interamente come un'imitazione trita della precedente So Far Away; qualche ventata di freschezza, forse, si può ancora trovare nella discreta Tonight e nella finale (!) Intro, immersa nei delay, ma non basta per risollevare le sorti di un disco decisamente innocuo, stanco e poco ispirato.
Certo, è comprensibile che Lewis si trovi in una fase positiva della propria vita (la nascita di sua figlia, alla quale è tra l'altro dedicata Zoe Jane) e quindi abbia abbandonato le abrasioni pessimistiche, ma gli Staind di 14 Shades of Grey suonano anche logori, stantii, e molto più ripetitivi che influenzati.

Chupacabras

admin — Fri, 26 Dec 2008 23:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Grunge

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2008

Link correlati:

Boda @ MySpace.com

Line-Up:

- Davide Calabretti - voce, chitarre
- Federica Ornaghi - basso, metallofono
- Jacopo Moriggi - batteria, percussioni

Tracklist:

1. Chupacabras
2. Acre
3. Sottovuoto
4. Neve
5. Ametista
6. In Fondo
7. Ali Di Cartone
8. Erba
9. Fantasmilandia
10. 30 Minuti Di Dissolvenza

Boda

Chupacabras

Non è ancora ben chiaro se il Grunge sia tutt’ora vivo e vegeto o siamo solo noi italiani che come al solito arriviamo ad assimilare con anni di ritardo ciò che nasce e cresce all’infuori dei confini nazionali, sta di fatto che ciclicamente si presentano ondate di gruppi italici devoti a questo genere che ne reinterpretano leggermente la formula integrandola (quasi sempre in modo discutibile ed approssimativo) con tutto ciò che è successo dalla prima metà dei ’90 ad oggi.

I Boda rientrano in questa tipologia di band proponendo un rock grezzo e abrasivo cantato in italiano, chitarre distorte e particolarmente ruvide vengono rinforzate da un basso privo di personalità che si limita a ricalcare i giri armonici, mentre una batteria anch’essa legata indissolubilmente agli standard del genere si concentra sul risultare potente e precisa, evitando ritmi inusuali o improvvisazioni di ogni sorta.
Stando così le cose, per stimolare l’interesse nell’ascoltatore le canzoni contenute in questo Chupacabras dovrebbero necessariamente risultare ben costruite e capaci di coinvolgere per ovviare all’evidente scarsità di originalità che penalizza già in partenza la musica dei Boda.
Purtroppo il tutto suona già vecchio ancor prima di arrivare a metà disco, a causa di melodie poco incisive e i troppi evidenti cliché che costellano l’intero lavoro, partendo dalla voce forzatamente arrabbiata, sguaiata e rauca che urla facendosi strada tra testi manifestanti il solito disagio post adolescenziale, la solita alienazione e la solita rassegnazione alla realtà.
Tutto ciò 10 anni fa avrebbe ancora potuto avere senso dato che l’onda lunga del Grunge influenzava ancora pesantemente la musica Rock nazionale e non, ma oggi tutto questo suona noioso e banale, come qualcosa di cui si può tranquillamente fare a meno dal momento che certe atmosfere, certi suoni e certe idee risultano troppo debitrici da ciò che successe nella Seattle di Pavitt e Poneman anni addietro.
La negatività ed il pessimismo espressi attraverso questo tipo di musica hanno ormai perso la loro ragion d’essere, sia per via dei tempi fortemente cambiati, sia per via della musica stessa che nel frattempo ha visto avvicendarsi panorami musicali fortemente eterogenei apparentemente quasi ignorati da band come i Boda.
E’ pur vero che tracce di Stoner e Hard Core possono essere scovate in brani come Ali Di Cartone, e siano presenti episodi “relativamente” sperimentali come la strumentale Neve, psichedelia grossolana eseguita con approccio Punk, ma questo non basta a risollevare le sorti di un disco che soffre di una mancanza cronica di originalità.
Ciò di cui avrebbero bisogno i Boda è la sfrontatezza necessaria per poter “osare” musicalmente, lasciando che suoni ed idee nuove si integrino con la matrice Grunge allargando così i propri orizzonti stilistici.

Purtroppo le canzoni contenute in Chupacabras risultano essere troppo approssimative e acerbe, troppo imbrigliate ed imprigionate in qualcosa che ormai puzza di vecchio già da anni. La grinta e la convinzione, le capacità per risultare incisivi ed appassionanti non sembrano mancare, ma occorre al più presto dar loro una più originale e personale via d’espressione che possa aiutare questa band a far venire a galla le proprie qualità.

Ombre

admin — Sat, 18 Oct 2008 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Grunge

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2007

Link correlati:

Borderline@MySpace.com

Line-Up:

- Angelo Gentile - Voce, chitarra
- Antonio Spina - Batteria
- Fulvio Cirace - Basso, voce

Tracklist:

1. Paranoia
2. Ombre
3. Esigenze e Differenze
4. Spleen
5. Candida

Borderline

Ombre

Si formano nel 2005 a Napoli, città natale insolita per un band dedita a sonorità prettamente nord americane come sono i Borderline, un tipico power trio (da poco diventato un quartetto) che non si rassegna alla ormai consolidata morte del Grunge, proponendo una commistione di chitarre ruvide e grezze, batteria semplicistica ma picchiata con rabbia e liriche in italiano urlate con gola infiammata e voce graffiante, come tradizione impone da più di un decennio a questa parte.

I cinque brani componenti questo Ep si susseguono senza troppe difficoltà rientrando completamente nei canoni del genere, non stupendo ma nemmeno annoiando eccessivamente: schivando cliché che avrebbero reso il tutto particolarmente prevedibile, la band adotta uno stile sporco ed oscuro per l’intera durata dei primi tre pezzi, filtrando il segnale della chitarra attraverso un distorsore perennemente acceso eccetto rari e brevi intermezzi, evitando così la struttura più classica e prevedibile dell’alternanza tra strofe tranquille e ritornelli rabbiosi.
Paranoia, la traccia d’apertura, contiene infatti tutti gli elementi tipici del Grunge meno commerciale, anche se l’interpretazione velenosa della voce e i ritmi relativamente sostenuti del brano aiutano a mantenere viva l’attenzione, comunque minacciata da una sensazione di “già sentito” decisamente invadente.
Ombre non aiuta certo a migliorare la situazione con i suoi ritmi lenti e regolari, che martellano su due accordi stoppati prima di evaporare in un ritornello molto melodico ma ingenuo, che diviene ricordabile solo per le continue rime e per il suo ossessivo ripetersi.
Una scarna introduzione di basso è l’introduzione di Esigenze e Differenze, brano finalmente dotato di un riff riconoscibile di stampo Hard Rock spezzato da passaggi più o meno selvaggi, in cui gli strumenti sembrano ribellarsi al regolare incedere della canzone precedente rivelando nuove influenze e soluzioni non scontate.
Con Spleen la band decide di adattarsi alla classica formula che rese famoso questo genere, affidando l’apertura del brano ad un arpeggio dai toni malinconici e rassegnati, che rapidamente muta in una cavalcata gonfia di suoni distorti e densi, rivelandosi una base perfetta su cui far crescere urla di disagio adolescenziale ed alienazione. Efficace ma già sentito fino alla nausea in migliaia di gruppi più o meno famosi, e per questo, noioso.
La traccia conclusiva, Candida, si rivela la migliore del disco, ma dopo una manciata di secondi mi accorgo che somiglia fin troppo a Nuotando Nell’Aria dei Marlene Kuntz: sebbene la ritmica adottata dalla batteria sia (fortunatamente!) diversa, la sequenza e la metrica degli accordi è la stessa, così come la linea di voce richiama in modo abbastanza palese la storica hit della band di Cuneo.
Avvicinandosi alla sua conclusione il pezzo si evolve in modo comunque più personale allontanando i pesanti sospetti iniziali, tuttavia non risolleva le sorti di un lavoro complessivamente mediocre, afflitto dalla cronica mancanza di spunti interessanti.

Risulta fin troppo evidente quanto il Post-Grunge italico di stampo adolescenziale iniziato dai Verdena nel 1999 ed protrattosi fino ad oggi attraverso gruppi dal talento altalenante necessiti di uno strutturale rinnovamento, e questi Borderline ne sono la prova inconfutabile: prima di poter licenziare un lavoro maturo occorre quindi impegnarsi con costanza sotto l’aspetto creativo del processo di scrittura, facendo emergere le doti personali e l’originalità che questo gruppo quasi sicuramente possiede, ma che nasconde all’ombra di soluzioni davvero troppo scontate e prive di mordente.

Le Muse Di Siva EP

admin — Thu, 14 Feb 2008 23:00:00 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Grunge

Etichetta:

Autoproduzone

Anno:

2007

Link correlati:

Enive @ MySpace.com

Line-Up:

- Alberto - Voce, chitarra
- Gianfranco – Voce, chitarra
- Alessandro – Batteria
- Davide - Basso

Tracklist:

1. Noyah
2. Le Muse Di Siva
3. Eiffel
4. Calinicta
5. Ganes
6. Narkama

Enive

Le Muse Di Siva EP

Le Muse Di Siva è il primo EP autoprodotto e distribuito dagli Enive, gruppo Pesarese di dichiarata ispirazione Seattleiana, durante il Dicembre 2007 e preceduto dalla partecipazione ai concorsi di routine, spesso unica opportunità per un gruppo giovane di farsi ascoltare da un discreto pubblico, e conseguente registrazione di un demo nel Gennaio dell’anno appena trascorso.

Quando parte Noyah, prima traccia della tracklist, sembra di ritrovarsi alle prese con l’ennesimo gruppo irriducibilmente convinto della sopravvivenza del Grunge attraverso tutto ciò che è passato nelle nostre teste e nelle nostre orecchie dal 1990 ad oggi: chitarre gonfiate da distorsioni poderose ed impugnatura power-chord perennemente frustata, batteria pestata con consona cattiveria e voce post adolescenziale languida ed infetta di rabbia allo stesso tempo.

Ma questo sarebbe un discorso superficiale e troppo affrettato, soprattutto se riguarda gli Enive.

Il loro lavoro infatti sembra maturare e guadagnare sempre maggior personalità con l’avanzare delle tracce, rimanendo sicuramente impostato su determinati registri, ma comunque protagonista di una evoluzione stilistica abbastanza pronunciata.
Archiviato il primo pezzo (Noyah rimane comunque un buon pezzo, sia chiaro, ma priva di personalità a mio parere), si passa alla titletrack, che fina dai primi secondi mi richiama alla mente il demo omonimo dei Verdena, anche se questo pezzo pare più curato nei dettagli, arricchito di qualche accennato fraseggio della chitarra solista ed un impostazione meno “Anni ‘90” , quasi Hard-Core in alcuni (brevi) passaggi.
Eiffel, sebbene si dimostri ancora troppo vicina ai Verdena, si fa notare grazie ad una melodia arrabbiata ma ricordabile ed una struttura accattivante ed originale, più elaborata dei precedenti brani ed impreziosita da un testo ( gli Enive, dopo un inizio in lingua anglosassone, cantano ora solo in italiano) originale, che infila frasi slegate tra loro ma velenose, che ben evidenziano i passaggi dalle parti più “tranquille “ della canzone a quelle più infiammate.
Con Calinicta le chitarre distorte iniziano a lasciare più spazio alla melodia pura, alternando arpeggi che fanno da piedistallo alla voce a ritornelli irrobustiti da cori e suoni corposi ma non furiosi come prima.
Ganes ritorna ad una dimensione più basata sull’impatto strumentale, ma è caratterizzata da un buon riff d’introduzione, molto Nu-Metal ed Americano, che presenta bene la canzone rendendola più riconoscibile ed originale. Ma è la parte centrale del pezzo che si apre a sonorità completamente differenti da quelle che l’ascoltatore pensa di aspettarsi da questo tipo di gruppo: un arpeggio sporco e stoppato dal palm muting si intreccia con la seconda chitarra e la batteria, sempre ben suonata, creando un effetto di controtempo che si trascina fino a lasciar risuonare lunghe note profonde e filtrate dal distorsore che mi hanno richiamato alla mente i Tool.
La struttura classica del pezzo è ormai abbandonata e (finalmente!) la musica scorre tra rabbia e tecnica senza restrizioni o impostazioni stilistiche forzate, equilibrando molto bene i passaggi, lasciando che tutto maturi istintivamente, ma con attenzione per il dettaglio, verso l’inevitabile conclusione di questo ottimo pezzo.
Narkama, ultimo episodio dell’EP, si presenta come ancora più etnica e sperimentale della canzone che l’ha preceduta, chitarre pulite e sottili intessono sequenze melodiche dal leggero sapore mediorientale accompagnate da una nudo tamburo in sottofondo, prima di incendiarsi in un riff possente ma incline ai medesimi richiami sonori, per poi rituffarsi dopo un paio di minuti nelle atmosfere di sabbia ed incenso dell’inizio.
Un pezzo molto sperimentale, ma ben suonato e molto personale e coinvolgente, talmente valido a livello strumentale che forse sarebbe stata una buona scelta escludere addirittura la voce.

Se tutto il disco fosse stato al livello degli ultimi 2, o anche 3, pezzi sarebbe risultato un lavoro di grande qualità per un band giovane come questa, con suoni che richiamano si il Grunge, ma solo di striscio, lasciando spazio ad influenze di ogni genere e rimodellandole seconda la propria personalità, come gli Enive hanno chiaramente dimostrato di saper fare con l’ultima parte di questo EP.

Spero continuino seguendo la direzione di questi ultimi pezzi, perché le idee ci sono, sono buone e questa band sa come esprimerle con tecnica, istinto ed energia.
Basta non perdersi nella eccessiva glorificazione di suoni ormai passati.

Liquirizia Brain

admin — Mon, 04 Feb 2008 23:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Grunge

Etichetta:

Mizar

Anno:

2008

Link correlati:

Marydolls Official Site

Line-Up:

- Paolo Morandi – voce, chitarra
- Michele Bertoli – batteria
- Lorenzo Toninelli - basso

Tracklist:

1. Fuori Di Testa
2. Perso
3. Pezzo Intelligente
4. Svaghi Di Massa
5. Tempesta
6. Muezzin
7. Lontano
8. Gabbie
9. My sharona
10. Come Se
11. Domani
12. Q.Lenta
13. Bidone

Marydolls

Liquirizia Brain

Nasce nel 1998 questo power trio Bresciano sotto il nome Plasivo e dopo la pubblicazione del demo Psychobambola e la vittoria ai Vitaminic Awards 2001, diventa ufficialmente Marydolls, band visceralmente influenzata più che dal Grunge anni ’90, dalla sua re-interpretazione ad opera di alcuni gruppi nostrani, primi fra tutti i Verdena.

La pesantezza di ciò che fu lo spartiacque musicale nord-americano è qui solo un eco, un debito che è necessario pagare considerato l’umore vocale e strumentale con sui è stato inciso l’intero lavoro, ma che in fondo viene messo notevolmente in ombra da una sensibilità melodica semplice ma acuta, una qualità che aiuta inevitabilmente le canzoni dei Marydolls, mescolando e mascherando furore ed ingenuità attraverso una forma canzone stabile e collaudata.
Basta ascoltare pezzi come Fuori Di Testa o Perso per afferrare immediatamente l’anima di questa band, la sequenza piano/FORTE/piano sulla quale vengono costruiti versi e ritornelli sembra non arrugginire mai, soprattutto se, come in questo caso, è irrobustita da melodie ricordabili, cantabili, e suonate con convinzione.
La voce dalle tonalità molto “post-adolescenziali” non riesce a ruggire, ma ringhia, graffia e scalcia con forza sufficiente ad attirare l’attenzione dell’ascoltatore, complice un talento melodico invidiabile che rende ogni pezzo più assimilabile di quanto permetta la sola parte strumentale.
Riff più spietatamente oscuri e dalle sonorità più opprimenti, tipiche del Grunge classico, si ritrovano in Muezzin e nel rifacimento di My Sharona, completamente stravolta e prosciugata della sua naturale ballabilità, qui filtrata attraverso accordi densi e distorti, che appesantiscono notevolmente l’effetto finale senza comunque riuscire a sotterrare completamente l’anima Pop della canzone.
L’altra faccia della medaglia è occupata dai classici pezzi lenti e vertebrati da una sorta di sofferenza malinconica che attenua l’effetto sorpresa e contrasto che si dovrebbe ottenere attraverso questo tipo di episodi inseriti nella tracklist. Con Pezzo Intelligente questo avviene, grazie alla sottile ironia che trasmette il testo e alla (relativamente) originale struttura della canzone, che parte timida e trattenuta, quasi sussurrata, per poi incendiarsi una manciata di secondi prima della fine.
Purtroppo non si può dire lo stesso di Bidone, pezzo che chiude il disco in modo un po’ banale, troppo “alla Something In The Way” di Nevermind, se proprio vogliamo collegarci nuovamente al Grunge, con chitarra stanca e lenta accompagnata dal violoncello a creare un’ atmosfera di solitudine.

Questo Liquirizia Brain si può definire senza dubbio un buon disco, in particolar modo considerando il “fattore debutto”. Le canzoni sono ben scritte e ben suonate, dotate di un’importante anima Pop che le rende immediatamente ricordabili senza tradire lo spirito alternativo e rabbioso con cui sono state evidentemente concepite. Purtroppo il disco suona veramente troppo simile al primo lavoro dei Verdena in diversi punti, dal tipo di suoni al modo di cantare, anche se i testi dei Marydolls sembrano indubbiamente più curati e meno ripetitivi.
E’ comunque vero che questo genere offre ben poche alternative e possibilità di sperimentare, a meno che la band non decida a priori di abbandonare parzialmente i binari del Grunge puro introducendo elementi innovatori con il rischio di sbilanciarsi troppo.

Detto questo il disco rimane ciò che è: un buon lavoro colmo di spunti interessanti, rabbia controllata e alcune ottime melodie, ma originalità e personalità sono elementi fondamentali e in questo lavoro, purtroppo, scarseggiano.

Crisedelia

admin — Thu, 12 Jul 2007 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Grunge

Etichetta:

Autoproduzione/Kick Agency

Anno:

2007

Link correlati:

Crisedelia @ MySpace

Line-Up:

- Massimo aka Cow – voce, chitarra
- Valentina – basso
- Nicola – batteria

Tracklist:

1. Oggi
2. Fix Your America
3. Vieni Con Me
4. Why Not?

Crisedelia

I Crisedelia, band formatasi nel 2003 e distribuita nella classica e compatta formazione power-trio, dopo aver prodotto una manciata di demo ed aver macinato le solite date live di rodaggio, approda alla realizzazione di questo EP omonimo contenente quattro canzoni vagamente oscure e catramose, di chiara ispirazione nord-americana.

Musicalmente i tre ricalcano infatti le trame e le atmosfere che resero famoso il Grunge, alternando brevi battute secche e relativamente pulite ai classici assalti furiosi gonfiati da una batteria feroce e da una chitarra grondante di distorsione. Il risultato da loro ottenuto è comunque più accostabile a gruppi che negli anni ’90 emersero “fuori tempo massimo” come i Verdena di Into The Pink, essendo evidenti alcune influenze nel loro suono che non rientrano tra gli ingredienti del Grunge.

Canzoni come Oggi o Fix Your America godono comunque di una discreta forza d’impatto basata come già detto sulla chitarra sempre in primo piano inseguita parallelamente da una basso anonimo, atto alla sola funzione di irrobustire ulteriormente il suono. La batteria circoscrive con agilità e sicurezza il flusso di sferragliante distorsione generato, mostrandosi a proprio agio in ogni passaggio, senza strafare.
Vieni con me è un pezzo che si presenta inizialmente come una sequenza di banalissimi accordi accompagnati da una testo in italiano da terza elementare, ma passato il primo minuto la canzone si trasforma completamente, affondando nuovamente nel denso oceano del rock di matrice spietatamente indie. Chiude questo EP Why Not?, pezzo che sembra uscito da uno dei primi demo dei nostrani Verdena, strofe veloci e melodiche alternate ai soliti ritornelli pesanti ed incomprensibili che uccidono la canzone.

Complessivamente ne esce un lavoro mediocre, modesto per chi ama il genere, ma che per tutti gli altri passerà tranquillamente inosservato. L’originalità della proposta è infatti pari a zero, purtroppo i Crisedelia si aggrappano ad un genere che sarà pure suonato con genuina convinzione, ma che sfocia sempre nelle solite soluzioni ascoltate e riascoltate migliaia di volte in centinaia di gruppi, imboccando un senso unico musicalmente suicida.

Oltre all’originalità, altro loro punto debole sono la voce e i testi: se si vuole rendere giustizia a questo genere è necessario almeno “saper urlare”, cosa che al cantante riesce evidentemente faticosa.
Seconda cosa, i testi, che in ogni caso possono ricoprire un ruolo assolutamente marginale, sono veramente privi di un qualsiasi sentimento o impegno o desiderio di comunicazione, ruotando attorno a frasi scorrevoli ma banali, che sembrano semplicemente voler intervallare gli stacchi strumentali.

Come inizio non c’è male, ma è ovvio che questo genere è stato iniziato e concluso da gruppi di enorme caratura ai quali si sono accodati con il passare degli anni innumerevoli ed anonimi cloni, e se i Crisedelia non vogliono essere gli ultimi della lunga serie devono trovare il modo di rivoluzionare decisamente il loro lavoro, trovando un proprio stile ed una propria dimensione a loro più congeniali.

Sixteen Stone

admin — Fri, 01 Jun 2007 22:00:00 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Salvo Sciumè

Genere:

Grunge

Etichetta:

Atlantic

Anno:

1994

Link correlati:

Bush Official Site

Line-Up:

- Gavin Rossdale - voce, chitarra
- Nigel Pulsford - chitarra
- Dave Parsons - basso
- Robin Goodridge - batteria

Tracklist:

1. Everything Zen
2. Swim
3. Bomb
4. Little Things
5. Comedown
6. Body
7. Machinehead
8. Testosterone
9. Monkey
10. Glycerine
11. Alien
12. X-Girlfriend

Bush

Sixteen Stone

Proprio nel momento in cui nel Regno Unito imperversava il brit-pop e tutte le attenzioni si concentravano sul dualismo Oasis contro Blur, nel 1994 si affacciarono con il loro esordio Sixteen Stone i londinesi Bush, tra le prime band ad esportare il grunge al di fuori dei confini nord-americani. Il leader della band Gavin Rossdale viene più facilmente ricordato per avere sposato la bionda Gwen Stefani che non come leader di questo gruppo, che in patria inizialmente passò quasi inosservato prima di essere rivalutato nel nuovo continente, dove la veloce quanto breve ascesa del grunge era già alle sue battute finali ed i Bush rappresentarono quasi un ultimo appiglio cui aggrapparsi per tenere in vita queste sonorità.
Essi proponevano infatti un grunge molto simile a quello di Nirvana ed in parte Stone Temple Pilots, con un'accentuata componente noise ed una melodicità tipicamente brit-pop, in cui chitarre distorte, riff sporchi e semplici e la voce roca di Rossdale ridiedero nuova linfa vitale al sound di Seattle trasportandolo nel vecchio continente, il quale tuttavia si mostrò parecchio indifferente verso questa proposta, rimproverando loro la banalità dei testi e la struttura scarna ed essenziale dei brani.

Per capire quanto i Bush attingano a piene mani dal sound dei Nirvana, basta ascoltare l'inizio di Little Things, che in maniera evidente si rifà a quello di Smell Like Teen Spirit, ma nel complesso il brano si rivela formidabile nel saper dare un'evidente ed azzeccata impronta melodica che rappresenterà un imprescindibile punto di partenza per lo sviluppo del futuro ed ormai prossimo filone post grunge, mentre le atmosfere ansiose, depresse ed ossessive tipiche del sound di Seattle si riscontrano in brani come Swim e Bomb.
L'album viene però aperto dall'ottima Everything Zen, che fu anche il primo singolo estratto, e vive i suoi momenti migliori con la stupenda Comedown, in possesso di strofe ossessive in tipico stile grunge e refrain più ariosi e melodici, e soprattutto Glycerine, ballata impreziosita dall'interpretazione del singer e dal sottofondo atmosferico ricreato dal violino, certamente la migliore canzone composta dall'act londinese ed indubbiamente tra le più belle dell'intero movimento grunge, nonostante mostri ancora una volta quanto il sound di Rossdale & Co. sia debitore dei Nirvana di Nevermind.
Anche le varie Body e Machinehead, distorte ed incalzanti ma sempre melodiche, la lenta e sommessa Alien, penalizzata però da testi troppo banali, il noise di Testosterone o il breve tributo al punk inglese di X-Girlfriend, sono tutti pezzi che contribuirono a rendere quest'album particolarmente piacevole.

Come già detto Sixsteen Stone riscosse ampi consensi negli Stati Uniti, e solo dopo fu accolto positivamente, pur se accompagnato da una consistente dose di indifferenza, anche in patria. Rossdale comunque riuscì perfettamente nel suo intento di plasmare il grunge più pop-oriented di Nevermind con la melodicità del brit-pop, esportando così il suddetto genere dai ristretti confini del nord-ovest statunitense al Regno Unito.

Bleach

admin — Wed, 20 Dec 2006 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Salvo Sciumè

Genere:

Grunge

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

1989

Link correlati:

Line-Up:

- Kurt Cobain – voce, chitarra
- Krist Novoselic – basso
- Chad Channing – batteria
- Jason Everman – chitarra

Tracklist:

1. Blew
2. Floyd the Barber
3. About a Girl
4. School
5. Love Buzz
6. Paper Cuts
7. Negative Creep
8. Scoff
9. Swap Meet
10. Mr. Moustache
11. Sifting
12. Big Cheese
13. Downer

Nirvana

Bleach

Sul finire degli anni '80 un gruppo di giovani ventenni registra un album con un risicato budget di appena 600$ anticipati dal chitarrista Jason Everman, che in realtà diede uno scarsissimo contributo musicale a quello che sarà considerato il primo vero album Grunge nella storia della musica, cioè Bleach. Nella stessa Seattle, da cui provenivano Cobain e soci, si respirava già aria di cambiamento, gruppi come Green River, Melvins, Tad, Mother Love Bone, avevano già iniziato a porre le basi per la nascita di un genere tutto nuovo, ma nessuno avrebbe mai potuto immaginare che questo trio di allora sconosciuti ventenni, capitanati da Kurt Cobain, avesse radicalmente mutato, nel giro di un paio di anni, il modo di fare Rock nell’America degli anni ’90.

Il loro sound in realtà è molto derivato, infatti elementi direttamente derivanti dal Punk, dal Noise e dal Post/Punk come velocità, immediatezza e soprattutto una certa e voluta approssimazione tecnica venivano ad incontrarsi con elementi propri dell’Hard n’Heavy, come la pesantezza e la durezza, e nel caso dei Nirvana anche con evidenti richiami melodici alla corrente Pop, cosa che permise agli stessi di divenire ben presto i più celebri esponenti della corrente Grunge, e naturalmente fu anche la band che diffuse tale corrente su tutto il globo terrestre con impressionante celerità. L’estrazione Noise, Alternative e Post/Punk del trio di Seattle è facilmente individuabile in questo loro esordio, nella forte influenza esercitata dai Pixies e dai Melvins, questi ultimi in realtà più duri e legati alla tradizione Heavy di derivazione sabbathiana, elemento anche questo comunque rintracciabile nell’impronta cupa data alle varie canzoni. Le loro chitarre suonano sporche e distorte, le liriche spesso autobiografiche e scarne esprimono l’animo tormentato di Cobain, insieme a Jim Morrison uno dei pochi autori capaci di trasferire nelle proprie composizioni il proprio malessere esistenziale, la sezione ritmica è pesante e la batteria sempre in risalto, la forma-canzone viene rispettata con elementare semplicità, alternando strofe sofferte a ritornelli rabbiosi, mentre la tecnica viene accantonata per favorire invece l’immediatezza.

Bleach, il cui titolo si riferiva ad una pubblicità che consigliava di lavare con candeggina gli aghi prima di drogarsi, fu registrato in una manciata di ore, e presenta tredici brani ancora acerbi, tutte canzoni che presentano un suono grezzo, teso, quasi ostile, sofferto ed aggressivo. Si apre con Blew, introdotta da un giro di basso e caratterizzata da un riff monotono e da un forte sapore Punk, Floyd The Barber era dedicata ad un serial-Tv e presenta ancora riff monotoni e quasi ossessivi con ritornelli urlati da un Cobain ancora immaturo. About The Girl, che divenne nota dopo essere stata eseguita nella futura versione Unplugged, è sicuramente la canzone più rappresentativa del lotto e della musica dei Nirvana, infatti la sua vena pop e melodica che mostra l’evidente influenza di Pixies e Beatles sarà la base su cui Cobain e soci costruiranno il loro successo già dal successivo Nevermind. School si ricollega ancora alle sonorità Punk già intraviste nell’opener, ha un testo scarno ed autobiografico, Love Buzz è una cover degli Shockin Blue rivista in una sorta di Punk rallentato e psichedelico, Paper Cuts rende omaggio ai Melvins di cui Kurt era amico ed estimatore, suona più lenta e particolarmente tesa, mentre anche Negative Creep è di chiara impostazione Punk e racconta di un ragazzo antisociale in cui non è difficile intravedere lo stesso cantante. Ma l’album inizia a diventare un pò pesante, ripetitivo ed ossessivo, già dalla spigolosa Scoff, a cui seguono l’ironica Mr. Moustache, dove l’autore usa l’immagine-metafora dell’uomo baffuto e muscoloso per schernire il machismo del Nord-Ovest statunitense, ed anche Swap Meet e Big Cheese non si discostano da quanto precede.

L’album non ebbe certo il successo dei suoi successori, ma mostrava forse i Nirvana più autentici e primitivi, quelli non ancora contaminati dal successo ottenuto ricorrendo, con l'approvazione anche delle case discografiche, a dosi di Pop melodico che si andavano meravigliosamente ad intrecciare nelle trame delle loro composizioni, che qui invece sono ancora acerbe e superficiali, con un Kurt Cobain ancora immaturo e fortemente influenzato dalla scena Post/Punk, poco attento ai testi che spesso contengono poche frasi ripetute più volte, così alla fine il tutto risulta un pò confusionario e ripetitivo. Nonostante ciò Bleach può considerarsi il primo vero album Grunge, da cui ha in seguito preso spunto gran parte del filone Alternative successivo alla sua venuta, e persino Josh Homme ammetterà l’influenza esercitata da quest’album sulla sua musica e sullo Stoner in genere.

Buzz Factory

admin — Thu, 30 Nov 2006 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Salvo Sciumè

Genere:

Grunge

Etichetta:

SST

Anno:

1989

Link correlati:

Line-Up:

- Mark Lanegan - voce
- Gary Lee Conner - chitarra
- Van Conner - basso
- Mark Pickerel - batteria

Tracklist:

1. Where The Twain Shall Meet
2. Windows
3. Black Sun Morning
4. Too Far Away
5. Subtle Poison
6. Yard Trip #7
7. Flower Web
8. Wish Bringer
9. Revelation Revolution
10. The Looking Glass Cracked
11. End Of The Universe

Screaming Trees

Buzz Factory

Tra i gruppi più importanti, anzi fondamentali, ed al tempo stesso sottovalutati per il movimento Grunge vi furono gli Screaming Trees, formatisi nel 1984 nello stato di Washington, precisamente ad Ellensburg, dall’incontro tra i fratelli Conner ed il cantante Mark Lanegan, una delle voci più calde ed apprezzate dell’intera scena di Seattle. Essi furono tra i pochissimi gruppi a vivere pienamente entrambe le fasi che portarono all’ascesa e al successo del Grunge, quella preparatoria degli anni ’80 e quella dell’affermazione e del consolidamento avvenuta invece negli anni ’90, attraversando naturalmente nel corso di queste due decadi una profonda evoluzione sonora, pur mantenendo una base portante costituita da un’alchimia di Rock psichedelico, Punk e Garage Rock, che prendeva spunto da Stooges, Cream e Black Fag. Così, se Alice In Chains e Soundgarden rappresentarono la corrente Grunge più legata all’Heavy Metal, se i Nirvana sembravano prediligere le sonorità Post/Punk e Pop, e i Pearl Jam facevano discendere il loro sound direttamente dall’Hard Rock e dal Rock tradizionale, invece gli Screaming Trees erano fortemente influenzati dal Rock classico degli anni ‘60 e più in particolare da quello psichedelico.

Anche il loro nome, “alberi urlanti”, sembra chiaramente richiamare sia le montagnose e fredde terre di provenienza sia l’urlo desolato della loro musica, che dopo Other Words, EP uscito nel 1985, prende consistenza nel 1986 con Clairvoyance, album quasi anacronistico che mostrava sonorità fortemente derivate dagli anni ’60, ben marcate in brani come You Tell Me All These Things, I See Stars o Strange Out Here, che sembra quasi una canzone dei Doors, ed anche il successivo Even If And Especially When non si allontana da tali coordinate stilistiche, e lo dimostrano brani come Cold Rain e In The Forest, anche se il Punk di Don’t Look Down sta a manifestare il mutamento in atto, mutamento ancora poco evidente ma sicuramente già avviato in Invisibile Lantern del 1988, dove fanno ingresso sonorità più votate all’alternative, come in Grey Diamond Desert, mentre altri pezzi ci ricordano ancora la forte base psichedelica, è il caso di Ivy o Shadow Song, ma anche Garage e Punk, come avviene con She Knows e Line & Circles.

Buzz Factory quindi è il loro quarto album ed esce nel 1989, quasi in contemporanea con Bleach dei Nirvana, ed è il loro primo lavoro che mostra un effettivo quanto evidente cambio di rotta, accentuando il lato più alternative e moderno del loro sound, senza tuttavia rinunciare alle sonorità che li avevano contraddistinti ad inizio carriera, ora rimescolate e riproposte in chiave più moderna ma mai poste in disparte. L’accoppiata Black Sun Morning, pezzo lancinante ed intenso arricchito da piacevoli stacchi psichedelici e dall’interpretazione calda e sofferta di Lanegan, e Too Far Away, bellissima ballata dal retrogusto psichedelico e folk, mostrano tutta l’abilità compositiva del quartetto di Washington ed il loro immenso contributo all’affermarsi del Grunge, di cui questo disco può cronologicamente considerarsi uno dei primi esempi. Rimasugli di Garage Rock nell’opener Where The Twain Shall Meet o in Subtle Poison, evidente qui la similitudine con I Wanna Be Your Dog, mentre la più scansonata e distorta Windows o le cadenzate sonorità da profondo sud di Yard Trip #7 donano eterogeneità all’album, del quale possiamo anche menzionare il Grunge psichedelico di Wish Bringer, la punkettara e melodicamente beatles-iana Revelation Revolution, e la lunga closer End Of The Universe, caratterizzata da un continuo intricarsi ed aggrovigliarsi di chitarre distorte e psichedeliche.

Sottovalutati, ma riscoperti e rivalutati in seguito, gli Screaming Trees rappresentarono una delle band più influenti e fondamentali per la scena Rock di Seattle, e Mark Lanegan, frontman e loro esponente di maggior carisma godeva di grande stima nell’ambiente, nonostante ciò Buzz Factory ebbe scarso successo al di fuori dei propri confini, mentre gli alberi urlanti i loro momenti migliori li regaleranno con i successivi lavori.