Gothic Rock

Algiers

Giulio Magliulo — Wed, 19 Aug 2015 08:41:50 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Blues

Alternative Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2015

Line-Up:

Franklin James Fisher - lead vocals, backing vocals, guitar, piano, rhodes, cello, drums, percussion, sampling
Ryan Mahan - bass, synthesisers, piano, backing vocals, percussion, drum programming
Lee Tesche - guitar, prepared instruments, percussion, loops, backing vocals
Matt Tong - drums, backing vocals

Tracklist:

1.	"Remains"	3:05
2.	"Claudette"	3:31
3.	"And When You Fall"	3:41
4.	"Blood"	5:38
5.	"Old Girl"	4:24
6.	"Irony. Utility. Pretext."	4:30
7.	"But She Was Not Flying"	3:58
8.	"Black Eunuch"	3:39
9.	"Games"	3:49
10.	"In Parallax"	8:20

Algiers

Il soul apocalittico degli Algiers è l'ultima new thing foriera di entusiasmo collettivo nella comunità internazionale della musica indipendente.
Questo unanime giudizio positivo non può che essere condivisibile data l'oggettiva forza espressiva che promana da quest'album.

Se nuovi non sono i riferimenti musicali, facilmente intuibili in Algiers, rinnovato è lo spirito con cui il trio americano originario del sud degli States (Atlanta) ma operativo tra New York e Londra li gestisce.
Innanzitutto la musica afroamericana al di là della sua spettacolarizzazione, intesa come strumento di protesta, come verbo che incarna tutto il dolore eterno di una razza che parte dai campi di lavoro e arriva all'ultimo morto ammazzato di colore per mano di un poliziotto bianco.

Tematiche non nuove se si pensa a tutta la storia del soul di rivolta (dal gospel all'avant-hop è solo la direzione stilistica a mutare, quasi mai i contenuti).

Eppure gli Algiers non sono una band 'politica' in senso stretto, nei loro testi non ci sono proclami e non si sbandierano messaggi ma le ideologie più o meno sottese di cui si sente forte più di un alito sono tutte quelle che in qualche modo contrastano (o hanno cercato di contrastare nel corso della storia) questa immutata condizione, questo status di minoranza con le sue odiose conseguenze.

E' l'energia, anche oscura, cupa e negativa dunque la grande novità che Franklin James Fisher, Lee Tesche e Ryan Mahan (dal vivo è Matt Tong di Bloc Party ad accompagnarli alla batteria) veicolano nel mondo moderno e urbanizzato da un profondo sud magico, rituale, già metabolizzato in post-punk era da chi ha voluto codificare anche in musica certe pieghe del gotico americano.

Di quel periodo gli Algiers prendono però in prestito anche le nevrosi wave-industriali, i lampi intermittenti e le affilate chitarre per fendere l'indifferenza mediatica.
Se gli Algiers rappresentino il possibile mattone di nuovo edificio musicale/ideologico non si sa, ma la spallata che danno all'utopia post-colonialista è davvero potente.

Wash the Sins Not Only the Face

Giulio Magliulo — Wed, 27 Feb 2013 20:01:16 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Dream Pop

Gothic Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2013

Line-Up:

Thomas Fisher: electronics, keys, guitar

Daniel Copeman: electronics, guitar

Rachael Davies: vocalist, percussionist

Tracklist:

Iceland Spar
Slow Wave
When The Head Splits
Shimmering
Deathwaltz
Yellow Wood
Despair
Putting Down The Prey
The Fall of Glorieta Mountain
Smashed To Pieces In The Still Of The Night

Esben and the Witch

Wash the Sins Not Only the Face

Uscire dal loop degli ascolti compulsivi che scatena Wash The Sins Not Only The Face, ultimo lavoro di Esben And The Witch, forse è anche possibile; cercare di uscire da quella foschia, da quella nebbia onirica che durante quegli ascolti tutto avvolge, proprio non si può.

Il trio di Brighton, qui alla seconda prova su lunga distanza dopo Violet Cries del 2011, compie un passo di grande valore artistico ma con grazia ed in punta di piedi, senza destarci da quel dormiveglia dorato in cui colmi di speranze, paure e desideri, ci confondiamo.

Abbiamo così lasciato quei paesaggi oscuri ed affascinanti, densi di suggestioni post-punk e di riferimenti ad un passato dark wave (comunque già allora metabolizzati in un presente sonoro lontano da tentazioni revivaliste) per addentrarci in un’altra foresta apparentemente meno spettrale ma non meno ricca di simboli.

Se prima le lezioni dei maestri del gotico (soprattutto musicale) erano già ben presenti nelle trame dei brani di Rachel, Thomas e Daniel, ora, in chiave più letteraria, poetica e fors’anche filmica, continuano lo stesso ad esserlo, ma con più grande respiro. Ora si comprendono meglio le differenze tra gotico e goth cui alludono i ragazzi. Meno Cranes e più David Lynch per esemplificare in qualche modo.

Già lo spumeggiare impetuoso di Iceland Spar sembra significativo per inaugurare questo nuovo corso: finalmente si riutilizza una grammatica shoegaze senza fini retorici, senza la necessità di glorificare alcunché. Le successive Slow Wave e When That Head Splits fanno ancora meglio con il loro vocabolario dream-pop dal quale sottraggono le pagine più tronfie per restituirci una versione asciutta e disincantata dei Cocteau Twins.

In questo percorso la vegetazione che si incontra ed i cieli che sovrastano queste distese non hanno i colori acidi del primo album; tutto sembra piuttosto stemperarsi nelle calde tonalità seppiate, quasi ruggine, della copertina e negli smalti blu che riflettono preziose screziature nella voce di Rachel.

Il primo episodio sensibilmente più cupo, Shimmering, è al contempo anche il più etereo fin’ora e quell’arpeggio struggente che lo sorregge, se da un lato non può non far pensare alle vestali del dark rock di ogni tempo, dall’altro rimanda ai mondi lontanissimi di Meg Baird e dei suoi Espers, a quella narrazione fiabesca e silvestre dagli antichi toni folk, con il vantaggio che Esben and The Witch lo fanno qui ed ora, senza perdersi in nessun remoto bosco della memoria.

Deathwaltz a dispetto del nome ha un’anima quasi pop talmente ben velata che la struggente cavalcata in cui viene abilmente condotta dai nostri allontana da ogni cattivo pensiero. Si arriva senza fiato nello Yellow Wood che è invece un giardino delle delizie, un posto stregato in cui sembra di scorgere le sagome dei Black Tape For A Blue Girl e dei Pink Industry fare capolino dai rami; saremo poi risvegliati dalla lieve rugiada elettronica, björkiana di Despair e di nuovo inquietati dai grandi spazi vuoti di Putting Down The Prey che sospendono in un silenzio gravido di presagi il lamento di Rachel.

The Fall Of Glorieta Mountain è forse l’episodio più convenzionale dell’album poiché la sua struttura semplice e scarna può ricordare più di una songwriter contemporanea del panorama alt-folk, ma il suo grado di dolcezza è tale da amalgamarla perfettamente nel contesto del disco.

D’accordo, non c’è ‘nuova musica’ in Wash The Sins Not Only The Face, album dal titolo draconiano, ma c’è finalmente una raccolta di canzoni che rapisce dall’inizio alla fine in uno stile sobrio ed essenziale che non rinuncia ad una narrazione sognante.

C’è poi – come valore aggiunto - l’idea che l’asfittico linguaggio dark ottantiano che fino ad oggi ha campato di rendita dovrà (finalmente) confrontarsi con qualcosa ed al momento non trovo nulla di più appropriato di quest’album. Allo stesso modo le pulsioni passatiste di shoegazers impenitenti e pop-dreamers fuori tempo massimo, grazie agli Esben dovrebbero (almeno lo si spera) essere ridimensionate.

Guardare sì alle vestigia del passato, alla casa Usher che non crolla perché è dentro di noi, ma da lontano.. possibilmente.

A Monument

Matthias Stepancich — Mon, 24 Dec 2012 18:24:25 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Pop

Indie Rock

Gothic Rock

Etichetta:

City Slang

Anno:

2012

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Joe Haege - voce, chitarra, piano, samples, batteria, percussioni
Corrina Repp - voce, chitarra, batteria, piano, percussioni
Liza Rietz - piano, violino, cori, percussioni
Toussaint Perrault - tromba, trombone, cori, percussioni

Tracklist:

1. Anchor
2. Blood Stains
3. Wager
4. A Pose For No One
5. Build A Great Cliff
6. Skin and Bone
7. In The Center Of Powder White
8. To Break Into
9. Bones

Tu Fawning

A Monument

Il quartetto dei Tu Fawning ritorna due anni dopo il full-length d'esordio Hearts on Hold (uno degli album migliori del 2010, e allo stesso tempo uno dei più incomprensibilmente ignorati dalla critica: potere del non preoccuparsi di pompare hype ma solo della qualità) con il secondo A Monument (City Slang, 2012), disco che mantiene tutte le promesse e gli standard del primo.
Le atmosfere sono addirittura più intense e gotiche, e anche se ciò ha comportato il sacrificio di parte del loro spirito giocoso (che si traduceva anche nella mitraglia di arrangiamenti e bizzarrie ritmico-sonore di pezzi come I Know You Now), allo stesso tempo equivale ad un evidenziare stavolta inequivocabilmente il legame della band con il mondo della musica d'avanguardia, il cui spirito impregna da inizio a fine il loro caleidoscopio pop inclassificabile.
Ancora una volta, vi sono idee prese dai territori più vasti di pop, indie rock, elettronica, folk, classico, e stavolta anche darkwave e post-punk, conviventi perfettamente in impasti sonori coerenti, melodici e sempre orecchiabili.

Il battito percussivo sordo e cupo che apre il disco, con Anchor, funge da metronomo per vellutati synth e un sognante chorus in falsetto che sbucano direttamente dal miglior dream-pop (Cocteau Twins) e synth-pop dei 1980s, finché l'orizzonte si espande con il canto di Corrina Repp nelle strofe, che danno l'inizio ad una coda di polifonie, e all'ingresso di batteria e percussioni caotiche nello stile perfezionato con Hearts on Hold.
Secca, minimale e più ritmata la base di Blood Stains, che parte ancora una volta in sordina (ossessivo ritmo alla batteria, basso elettronico pulsante, sommessi cori filtrati e poi languida voce cantata in stile lounge-jazz, ma distorta), per poi aprirsi ad un mesmerizzante amalgamarsi di frasi pianistiche grevi e acute, comparsate di fiati, avvolgenti stratificazioni vocali. Un pezzo come questo prende tanto dalla tradizione del jazz vocale dei 1950s quanto da quella del dark cabaret dei 1970s, al solito fondendoli, senza che sia percepibile una linea di separazione tra gli elementi dell'uno e dell'altro: ecco cosa significa avere vero talento.
Wager inizia con percussioni e lamenti vocali sbucati da una colonna sonora di Ennio Morricone, mentre la chitarra elettrica segue giri molto più vicini alla tradizione indie rock dei passati 10 anni; la voce cerca una dimensione più intimista e introversa delle prime due tracce nelle strofe, per poi tornare ad un intenso chorus; dopo un altro momento di quiete, con in primo piano solo i fraseggi rock della chitarra, si torna ad una stratificazione che traghetta nuovamente verso il chorus: la chitarra prende il sopravvento, e sembra di stare ascoltando una versione più noise, distorta e controllata dei tipici momenti corali ed "epici" degli Arcade Fire.
Molto più facilmente identificabili sono le radici di un pezzo come A Pose for No One: si tratta di una vibrante e decadente confessione intrisa di droni gotici, penetranti violini e intensità vocali, con contrappunto di percussioni e leggeri strimpelli di chitarra, che rimanda agli albori del gothic-rock e dell'avant-pop, Nico e John Cale, e ad alcuni dei suoi figli diretti, in primis Nick Cave.
L'influenza di Morricone pervade anche Build a Great Cliff, che, sebbene inizi come al solito in maniera più quieta e minimale, esplode in due chorus strumentalmente usciti direttamente dalle colonne sonore di Sergio Leone, su cui gorgheggia la Repp, inframezzandoli con un breakdown più rockeggiante.
L'anima dura e post-punk di percussioni e piano in Skin and Bone riesce a fondersi magicamente ai campionamenti vocali morbidi e ipnotici in stile shoegaze, e si apre a metà in una sezione di grandiose polifonie vocali a metà tra il gospel e il rarefatto celestiale dell'ultima Julianna Barwick, sfociando poi in una breve serie di fraseggi post-rock in stile Explosions in the Sky alla chitarra, prima della chiusura più calma.
Il momento più riflessivo e malinconico arriva con In the Center of Powder White, che prende in piccole dosi idee dal post-rock, dall'indietronica, dal gothic-rock e dal folk intimista per costruire un lento minimale di rara bellezza: avvolgente, struggente; questo è forse l'esempio più chiaro della nuova dimensione aggiuntasi allo stile del quartetto rispetto al primo disco, in cui un pezzo del genere sarebbe risultato fuori posto, e invece qui suona come il culmine delle tensioni gotiche presenti in tutte le tracce precedenti.
Il folk minimale e intimista torna anche nella seguente depressa To Break Into, in cui le percussioni quasi svaniscono (pochi battiti lontani, ma soprattutto note al piano tengono il ritmo); è dapprima la voce di Joe Hage a cantare, in strofe che ricordano gli Eels, per poi passare il microfono alla Repp, e tornare in un chorus condotto assieme.
Il pezzo più lungo (7 minuti e mezzo), Bones, funge da chiusura, e ancora una volta non fa calare l'elevata qualità sorprendentemente costante lungo tutto il lavoro: un pattern percussivo agitato e continuo, tendente all'ipnotico (come si è sentito spesso nel filone indie-rock), trafitto da potenti colpi sul pianoforte e da un fraseggio quasi orientaleggiante ripetuto alla chitarra elettrica, domina per circa 3 minuti, per poi calmarsi, far entrare la voce e le melodie, e riprendere accompagnandole in maniera morbida; il risultato è un tramutarsi in una ballad d'atmosfera dicembrina, che chiude su una nota sentimentale, leggermente malinconica ma positiva e speranzosa, la carovana sonora dell'album.

Poison Gown

Giulio Magliulo — Sun, 27 Nov 2016 09:37:47 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Minotauro

Anno:

2016

Line-Up:

Ayla Holland: Guitar/ Bajo Quinto,

Myles Donovan: Viola/ Harp,

Jennifer Christensen: Cello

Tracklist:

1. Impaled Matador

2. La Folia

3. That is the Head of One Who Toyed with My Honor

4. Phantom Limb

5. Year of the Horse

6. Styx

Disemballerina

Poison Gown

Formalmente Disemballerina da Portland, Oregon, è un trio di chamber music che ha imbracciato gli strumenti della tradizione classica per non finire nei calderoni neofolk, ethereal metal o funeral doom, anche se certe affinità elettive con le suddette scene restano evidenti.
Ayla, Miles e Jennifer sono stati dunque molto maturi nel fare delle scelte stilistiche che sulla lunga distanza meriterebbero di essere premiate; del resto questa assoluta immersione in atmosfere arcane, di passaggio tra un mondo terreno e quello ultraterreno non è certo prerogativa della modernità.
Il loro impegno da un punto di vista estetico può ricordare quello dei simbolisti francesi per cura e attenzione ai dettagli, per la capacità di descrivere i vari momenti in cui la grande mietitrice è protagonista, concedendosi soltanto minime digressioni quali lame di coltello per affilare il sentimento della vendetta.
Disemballerina ha definitivamente catturato l'essenza della musica gotica; tale è il livello di tristezza e malinconia di cui il trio è foriero, tale l'inquietudine e la pazzia nascosta nelle sue corde dai riflessi andalusi o lusitani.
Gronda un veleno letale dai pesanti drappi viola che adornano queste stanze destinate ad esser chiuse per sempre.

Abyss

Giulio Magliulo — Sat, 26 Sep 2015 08:09:08 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Gothic Rock

Etichetta:

Sargent House

Anno:

2015

Line-Up:

Chelsea Wolfe (voce, chitarra)

Ben Chisholm (synth, basso)

Dylan Fujioka (batteria)

Ezra Buchla (viola)

Mike Sullivan (chitarra)

D.H. Phillips (chitarra)

Tracklist:

1. "Carrion Flowers"

2. "Iron Moon"

3. "Dragged Out"

4. "Maw"

5. "Grey Days"

6. "After the Fall"

7. "Crazy Love"

8. "Simple Death"

9. "Survive"

10. "Color of Blood"

11. "The Abyss"

Chelsea Wolfe

Abyss

Abyss segna un punto di non ritorno per Chelsea Wolfe.

L'artista di Sacramento dal gloomy mood, in questo disco raccoglie tutte le sue fascinazioni estetiche e le condensa in un simbolismo all'ennesima potenza che ci sprofonda in un incubo swansiano ad altissima densità.

La produzione di John Congleton e l'esperienza live con i Russian Circles - il cui chitarrista Mike Sullivan qui è della partita - influiscono profondamente sul suono che ora va oltre quel masochismo suadente, sublimato, romanticamente contemplato e perché no, subdolamente pop che ha fatto grande un lavoro come il precedente Pain Is Beauty; allo stesso modo le dolenti derive folk di Unknown Rooms sono ormai solo un lontano ricordo.

Perduti dunque quei tratti un pò naïf che talvolta caratterizzano certe espressioni del gotico americano – e questo un pò dispiace - , la dark lady presenta oggi un album degno di un trattato di psicoanalisi, centrato sul difficile rapporto tra la veglia e la fase onirica, nel momento in cui esse si confondono e quando i fantasmi che ne affiorano appartengono tanto alla realtà quanto all'inconscio.

Litanie che si srotolano lente su disturbanti tappeti industrial-electronici, ossessive, ipnotiche, scandite da pesantissimo doom e dal ferale rintocco di campane; striscianti e asfissianti tricks di coiliana memoria che si sgretolano sotto il peso di chitarre che accendono fuochi fatui di rarefatto post-core: questo è ciò che offre il platter.

La dark music credeva di aver trovato la sua PJ Harvey o la sua Cat Power ma Chelsea Wolfe si è incamminata verso un lontano empireo oscuro nel quale – a parte Nico e Diamanda Galas - e con il dovuto rispetto – non ci sono molte presenze femminili.
La strada è molto lunga, il sentiero imboccato potrebbe essere quello giusto ma la bambolina infernale un pò ci mancherà.

Kocytean

Alessandro Mattedi — Fri, 19 Dec 2014 14:27:42 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Peaceville Records

Anno:

2014

Tracklist:

1. Unfurl

2. Sold Heart

3. Ashen

4. Second

5. Code Against the Code

6. The Act of Darkening

Katatonia

Kocytean

Dopo aver rilasciato una versione riarrangiata acustica del loro ultimo album, intitolata Dethroned & Uncrowned, gli svedesi Katatonia rilasciano la raccolta ad edizione limitata Kocytean nella primavera 2014 a raccogliere i principali inediti scritti nel periodo degli ultimi tre album (da The Great Cold Distance nel 2006 a Dead End Kings nel 2012, passando per Night Is the New Day nel 2009).
Si tratta di canzoni comparse o in altri EP, o come bonus tracks degli album ufficiali nelle edizioni limitate. Bene o male tutte si differenziano dallo stile principale degli album a cui erano associati, motivo per cui vennero pubblicate a parte – avrebbero altrimenti stonato nell’equilibrio generale dei full length effettivi.

Si inizia con Unfurl, proveniente dall’EP July del 2006, un’interessante divagazione inedita nel trip hop da parte degli svedesi. Le atmosfere e gli arrangiamenti sono però prettamente di stampo gothic e risentono della particolare sensibilità scandinava dei Katatonia e del loro background musicale. Complessivamente è un brano d’atmosfera e decadente, molto malinconico, anche se un po’ monotono. Non farà gridare al miracolo né gli ascoltatori dark né gli appassionati del battito downtempo, ma per i fan del gruppo è un’interessante divagazione fuori dagli schemi soliti.

La successiva Sold Heart proviene dall’EP The Longest Year del 2010, è un goth molto tenue, funereo, lievemente effettato e depressivo che scorre imperturbato come se Jonas Renkse camminasse nella notte solo con i suoi pensieri e la sua tristezza che lo accompagna inesorabile. Ma è un po’ troppo ripetitiva.

Ashen è un inedito pubblicato nella ristampa di Night Is the New Day del 2011, assieme a Sold Heart. Alterna distensioni tenui e depressive, come nel consueto trademark del gruppo, a schitarrate più dure ed energiche, anche se senza mai raggiungere i picchi di esplosività alternata ad oscurità ed emotività del disco. In effetti tutta la raccolta si mantiene su binari complessivamente soft (eccetto per qualche riff magmatico occasionale), oscuramente atmosferici e dagli umori cupi.

Second è invece una bonus track senza lode e senza infamia dell’edizione digitale di Dead End Kings. Tragica e dolente, si incentra su fraseggi di arpeggi clean che servono ad introdurre un chorus intenso e sentimentale, alternato a parentesi soft nei quali si incastra in maniera continua, nel quale la voce di Renkse raggiunge i consueti picchi emotivi accompagnato da una tastiera blanda e dalle chitarre, mentre l’aria viene scandita dall’intensa batteria. Il lirismo coniuga la sensibilità svedese, l’umore della darkwave e l’emozionalità del rock alternativo americano.

Veniamo ora a Code Against the Code, un goth rock ostinato e lievemente allucinato, proveniente direttamente dal singolo Deliberation e dalle bonus tracks dell’edizione in vinile di The Great Cold Distance. Il riff lievemente saturato e ripetuto del chorus ha un effetto lievemente psichedelico, unito agli inserti melodici e alle tenui atmosfere elettroniche di riempimento.

Infine, The Act of Darkening ritorna alle sessioni di DEK, presentando un brano semiacustico dalle tonalità relativamente allegre rispetto a quelle degli altri brani, tutto sommato il più blando e monotono del lotto, con filtri vocali da pop malinconico, effettistica sognante e piccole percussioni che però stonano un po’ rispetto alle altre canzoni.

In conclusione, Kocytean è sicuramente una proposta interessante per i fan del gruppo dato che raccoglie inediti che altrimenti sarebbero stati reperibili solo cercando dei mini separati probabilmente non più reperibili oppure le edizioni limitate dei dischi completi. In realtà il discorso ha una utilità relativa, dato che fra Youtube, p2p o semplice acquisto digitale delle canzoni è tutto tranquillamente reperibile da tempo, la proposta quindi si rivolge esclusivamente ai collezionisti di supporti fisici in vinile. La raccolta comunque non mostra nulla di sconvolgente per i non fan del gruppo, che saranno più interessati ai dischi completi che ad ascoltare i brani tramite “mezzi alternativi” via rete.

Non si tratta però delle sole tracce inedite di questi anni. Nel 2006, nell’EP My Twin erano presenti anche due altri pezzi, Displaced e Dissolving Bonds, che però consistono in pezzi più metal, in piena linea con le caratteristiche di TGCD, che forse sono stati giudicati troppo diversi per ben amalgamarsi nella raccolta. A nostro parere però ai fini collezionistici si sarebbe potuto chiudere un occhio e includerli, anche perché presentano comunque brevi inserti soft ed elettronici che si adattano all’atmosfera, ma si trovano comunque nelle ristampe dell’album del 2006.
Gli inediti precedenti al 2006 invece si possono trovare su altre raccolte come le Black Sessions.

In ultimo luogo, gli appassionati degli artwork di Travis Smith diano uno sguardo a tutti i singoli e gli EP pubblicati dai Katatonia negli ultimi dieci anni, dalle copertine come al solito suggestive e psicologicamente inquietanti.

Post-Krieg

Giulio Magliulo — Sat, 23 Mar 2013 14:56:22 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Blinde Proteus/Disco Dada Records

Anno:

2013

Line-Up:

Simona Darchini – basso e voce
Silvia Valtieri – piano
Lorenzo Montanà – chitarre
Paolo Mongardi – batteria
Paolo Raineri – tromba
Sabina Spazzoli – voce

Nicola Manzan - arrangiamenti (tr. 4 e tr. 7)

Tracklist:

In
Post-Krieg
Hydrophobia
Enoch
Pro(e)vocation
Everted (part I)
Everted (part II)
Everted (part III)

Simona Gretchen

Post-Krieg

Sapere anzitempo che questo è l’ultimo disco di Simona Darchini con il monicker Simona Gretchen pone l’ascoltatore in un particolare stato mentale quanto mai appropriato ai contenuti del disco, lo stesso con cui ci si predispone ad un funerale.

Una lunga e lenta marcia quindi, nella quale a prevalere sono i sentimenti di mestizia e di ineluttabilità. Ma come spesso avviene ai funerali, essi non sono gli unici a coesistere in quegli angusti spazi dell’animo. E come non è solo la gamma cromatica che spazia dal grigio al nero a dipingere i fondali di un luttuoso evento, allo stesso modo in Post-Krieg irrompono dei fiotti di carminio e di vermiglio come squarci di coscienza.

E se Post-Krieg rappresenta ciò che sopravvive, ciò che resta dopo un conflitto qualunque esso sia, al di là dell’annunciato scioglimento alchemico di Simona, noi qui non ravvisiamo tracce di pacificazione alcuna. C’è una sorta di rassegnazione nella narrazione, precisa come lo stiletto di un chirurgo, contenuta, molto compressa ma altrettanto chiara nei suoni lividi che informano il disco. Per quanto riguarda le memorie poi, sembra che la nostra non serbi alcun moto nostalgico, almeno nelle sue parole: semmai lo affida agli arrangiamenti.

Suoni post-punk che si gonfiano a dismisura, che diventano post-core e doom, che suonano apocalittici e persino medioevali, come certi girotondi dark, come il Giovanni Lindo più ieratico.

Hanno combattuto, tra gli altri, i seguenti valorosi mercenari: Lorenzo Montanà, Nicola Manzan (Bologna Violenta), Paolo Mongardi (Fuzz Orchestra/Zeus!/Ronin/Fulkanelli).

E se da un lato sono sempre i migliori ad andarsene per primi (anche se questa volta intendiamo solo simbolicamente), dall’altro siam certi che le attività della ventiseienne faentina richiameranno ancora i nostri interessi (come nel caso degli Herba Mate, ad esempio) e poi trovo molto bello - in quest’epoca di presenzialismo a tutti i costi - l’idea di una forma di dissoluzione (foss’anche solo artistica) in uno dei momenti più alti nella parabola creativa di un’artista. ‘Chapeau’ Simona.

Everything Is Changing

Alessandro Mattedi — Mon, 04 Feb 2013 17:28:30 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Pop

Hard Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Agua Recordings/PIAS

Anno:

2012

Line-Up:

Anneke Van Giersbergen - vocals, piano, guitar
Daniel Cardoso - keyboards, guitars, bass

Rob Snijders - drums
Dennis Leeflang - drums on track 5, 9, 11
Rudolf "Ruud" Adrianus Jolie - guitars on track 1, 2, 4, 7, 12
Ferry Duijsens - guitars on track 9
Joost Van Haaren - bass on track 2
René Merkelbach - keyboards on track 9, grand piano on track 6
Camilla Van Der Kooij - violins on track 6

Tracklist:

1. Feel Alive
2. You Want To Be Free
3. Everything Is Changing
4. Take Me Home
5. I Wake Up
6. Circles
7. My Boy
8. Stay
9. Hope, Pray, Dance, Play
10. Slow Me Down
11. Too Late
12. 1000 Miles Away From You

Anneke van Giersbergen

Everything Is Changing

Dopo l'uscita di In Your Room (che se non fosse per l'eccellente voce della cantante risulterebbe uno dei dischi pop-rock più scialbi degli ultimi anni) e alcune collaborazioni con nomi blasonati (come Danny Cavanagh degli Anathema, Devin Townsend o gli Ayreon) ritorna nel 2012 l'ormai frizzante Anneke van Giersbergen.

L'ultimo suo album si intitola, nomen omen, Everything Is Changing, a imporre con forza il fatto che la vita, musicale e non, della cantante olandese è ormai drasticamente diversa rispetto al passato.
E che tutto sia cambiato rispetto al passato (anche prossimo!) della cantante è evidente fin dalla copertina. Oltre alla presenza del solo nome della cantante, senza il monicker Agua de Annique ad accompagnarla, c'è da chiedersi: davvero quella stessa donna, che un tempo provò disagio per il tentativo dell'etichetta Century Records di promuoverla come ragazza-immagine, ora scende in primo piano giocando sul contrasto fra i nuovi eleganti boccioli d'oro e i vecchi tatuaggi sul braccio?
Ancor più emblematico il video del singolo d'apertura I Feel Alive, tutto un primo piano del suo mezzo busto (scoperto dal cuore in su, è un trucco visivo dei video musicali per dare l'illusione della nudità e fascinare senza scadere in facile erotismo gratuito), con gli occhioni azzurri penetranti, il rossetto brillantissimo, la gamma espressiva imbarazzata ma entusiasta che suscita una tenerezza un po' furbetta...

Non c'è dubbio che Anneke si trovi a suo agio e spigliata come non mai, ciò si riflette nella vena solare e aperta delle sue ultime pubblicazioni. Ma se in precedenza aveva peccato d'ingenuità, ottenendo risultati privi di vèrve, per questo disco riscopriamo una cantante molto ispirata nelle melodie ed estramemente spontanea, che riesce a non rinunciare all'attitudine radiofonica e a tradurla in un'opera dal forte impatto melodico. In realtà, il disco è stato scritto in collaborazione con il produttore Daniel Cardoso; e questo ci lascia ancora qualche dubbio sulle doti compositive da solista di Anneke.
Il risultato rimane comunque un estroverso insieme di canzoni molto orecchiabili e d'impatto, che possiamo a grandi linee suddividere in due parti: la prima, più "hard pop", composta principalmente da anthem frizzanti e gioiosi, la seconda che si orienta invece verso certo goth un po' commerciale. Nel mezzo troviamo alcune digressioni più soft, ballate di pianoforte e momenti più distorti che confondono ancora un po' le idee per il contrasto che generano. Ed è significativo notare come le chitarre elettriche siano abbondantemente presenti con le loro distorsioni, seppure con poca attitudine riffocentrica, piuttosto accompagnando le riuscite melodie vocali di Anneke.

Se la già citata I Feel Alive è un singolone che sprigiona felicità da tutti i pori, in aperta opposizione a canzoni come These Good People che la stessa Anneke cantava una decina di anni fa (ma anche solo a Beautiful One, con cui ha ufficiosamente esordito come solista), la successiva You Want to Be Free entusiasma con schitarrate ottantiane a stelle e striscie ed uno dei ritornelli più efficaci mai cantati dall'olandese; questa enfasi antemica prosegue con Take Me Home, che però suona più anni '90 e cita l'Inghilterra anche nell'effettistica. In mezzo però c'è la parentesi della titletrack, che imita i Massive Attack del periodo di 100th Window in una versione più "mild", e subito dopo abbiamo I Wake Up che sembra coniugare il big beat britannico con i chitarroni di certo metal melodico nord europeo. L'energia viene interrotta con Circles, una classica ballata di pianoforte malinconica ed abbastanza dozzinale, ma viene ripresa da My Boy (sic), con brucianti chords chitarristici a sostenere l'intenso impatto vocale della Van Giersbergen, veramente trascinante ed entusiasmante.
La sensazione è che si tratti tutti di brani facilmente assimilabili e perfetti per l'esecuzione live, dove promettono cori partecipati da parte del pubblico.
La parte finale dell'album si fa più metallica e vagamente "gotica", però nel settore di certi gruppi più mainstream come gli Evanescence: Stay, Hope Pray Dance Play, Slow Me Down e Too Late sono tutti brani corposi ma molto melodici, che però abusano troppo dei cliché del genere, risultando prevedibili e davvero stereotipati, più che nel resto dell'album; la stessa Van Giersbergen risulta poco credibile in questa sua evoluzione.
La conclusiva 10000 Miles Away from Home segue le stesse atmosfere dei brani immediatamente precedenti ma mettendo un po' da parte le chitarre per concentrarsi sulle atmosfere, sempre con poca originalità.

Everything Is Changing è un album scorrevolissmo che si lascia ascoltare tutto d'un fiato, ma superato l'entusiasmo per la grinta e l'energia dimostrate da Anneke, si rivela minato da una mancanza di personalità non indifferente.
Ma anche se non rimarrà certo negli annali, di certo si canticchierà ancora a lungo dal lettore portatile o in macchina...

Dead End Kings

Alessandro Mattedi — Thu, 31 Jan 2013 13:40:52 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Gothic Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Peaceville Records

Anno:

2012

Line-Up:

Jonas Renkse – vocals, guitar, keyboards, production, mixing
Anders Nyström – lead guitar, keyboards, backing vocals, production, mixing
Daniel Liljekvist – drums
Per Eriksson – guitar, engineering
Niklas Sandin – bass

Guests:

Silje Wergeland – vocals (track 2)
Frank Default – keyboards
JP Asplund - percussions

Tracklist:

1. The Parting
2. The One You Are Looking for Is Not Here
3. Hypnone
4. The Racing Heart
5. Buildings
6. Leech
7. Ambitions
8. Undo You
9. Lethean
10. First Prayer
11. Dead Letters

Katatonia

Dead End Kings

Dopo tre anni ritornano i Katatonia con il loro nuovo album Dead End Kings, seguito ed ideale proseguimento degli ultimi dischi, Night Is the New Day e The Great Cold Distance, dei quali è emanazione diretta, senza svolte come era anche lecito aspettarsi.

Rispetto all’ultimo, stilisticamente DEK si configura come una sua evoluzione più goth rock e meno metal, soprattutto più slegata da quei marcati elementi doom che ogni tanto tornavano a fare capolino anche in maniera diretta: l’album tende a mettere in secondo piano l'elemento “metallico” (almeno sul piano ritmico e atmosferico) per concentrarsi sul lato soft e “gotico”, a sua volta dal piglio leggermente meno drammatico, più intimista e malinconico. In effetti in alcuni frangenti sembra vengano ripescati certi elementi della parte centrale della carriera del gruppo – ma con l’ottica attuale più disillusa e decadente che depressiva. La differenza principale risiede più che altro nell’economia complessiva della tracklist, con canzoni un po’ più lineari e omogenee, anche se priva dei picchi più emozionanti e diretti.

Eppure l’opening track, The Parting, sembra suggerire qualcosa di diverso, con i suoi riff brucianti intervallati da digressioni melanconiche di tastiera minimale, strings e batteria cadenzata. Ricorda come struttura la precedente opening Forsaker, ma meno funerea. Ma addentrandosi nell’ascolto, con pezzi ben caratterizzati come l’alienante Hypnone, l'introversa ed effettata The Racing Heart (uno dei brani più riusciti ed espressione di un senso di solitudine molto malinconico) o Leech con il suo contrasto dolceamaro fra melodia e oscurità, si percepisce come gli elementi gotici siano più amalgamati e quelli metallici meno marcati e più sfumati. Altri momenti, come il riuscito trip mentale di Undo You, sono totalmente extra-metal, senza però porre le premesse per considerare i Katatonia in fase di “distacco” (analogo a quello di altre formazioni un tempo metal) e mantenendo i legami con il loro retaggio.

Rispetto a TGCD invece, l’eredità maggiore è nei riff corposi e bassi, ma l’attitudine nel songwriting è palesemente più dipendente dagli umori crepuscolari di NITND.
Naturalmente è immediatamente riconoscibile l’impronta del gruppo svedese, con la sua orecchiabilità oscura e la cura certosina riposta negli arrangiamenti, sempre suggestivi, graffianti e molto ben curati. Parte delle atmosfere è merito anche della collaborazione tastieristica di Frank Default, non preminente, ma un ottimo complemento alle sonorità che Renkse (autore di quasi tutte le canzoni dell’album da solo) e Nystrom intendevano evocare. Il ruolo più importante però è proprio quello di Renkse, sempre estremamente emozionale ed espressivo, nonché autore di testi molto vissuti - anche se un po' meno profondi che negli ultimi album e a volte un tantinello prevedibili nelle sensazioni che vorrebbero trasmettere.

Il lato che forse delude un po’ è la mancanza di grossi sussulti, in parte per la mancanza di sorprese (ma questo è accettabile, dopo 20 anni di carriera con già molti cambiamenti affrontati durante il percorso), in parte per l’omogeinizzazione prima menzionata che ha come rovescio della medaglia la tendenza a livellare le canzoni e appiattire i picchi. In particolare, nel tratto finale del disco subentra un pizzico di ripetitività, che però non impedisce allo stesso di essere nel complesso scorrevole e godibile… la chiusura affidata a Dead Letters è d’altronde ben congegnata con il suo altalenarsi di riff rabbiosi e digressioni cupe, riepilogando la tensione psicologica insita nell’album.
Il pezzo più debole è forse l'alternative orecchiabile di The One You Are Looking For Is Not Here (con backing vocals di Silje Wergeland dei Gathering), molto catchy ma un po’ grossolano. Controverso è invece dare un parere su Ambitions, che coniuga durezza decisa e trascinante, atmosfericità molto avvolgente ed elementi elettronici suggestivi, ma minata da una intrinseca banalità nei singoli elementi messi assieme e da un velato ricalco di brani già scritti in passato. Effettivamente, ogni tanto compare un minimo di “dejavù”, come in Lethean, molto incalzante e avvolgente ma che sembra una The Longest Year pt. II; fortunatamente ciò non è mai incisivo.

In definitiva Dead End Kings è un album di per sé ben scritto di un gruppo maturo e spontaneo, anche se rimane comunque un compitino che non segnerà la storia del gruppo.
Porta con sè dei difetti che gli impediscono di risultare uno degli album migliori della loro discografia e di svettare fra le uscite dell’anno, ma rimane certo portatore di quelle caratteristiche che non mancheranno di essere apprezzate da chi gradisce la particolare, personale formula stilistica degli svedesi.

Precisiamo infine una cosa: se è vero che nel corso dell’ultimo decennio i Katatonia hanno avuto qualche influenza (soprattutto sul piano ritmico) dai Tool, si tratta comunque di un elemento ben amalgamato in uno stile molto personale e che (ormai?) non si può tanto estrapolare. Si dovrebbe pertanto prendere con le pinze quei commenti, soprattutto del pubblico metal, che per quest’album citano i Tool un po’ a caso come “ispirazione” dalle modalità non meglio specificate in non meglio precisati punti, perché spesso si tratta più di un “sentito dire” senza tanti chiarimenti e che rischia di sminuire una formazione fondamentalmente del tutto diversa dal progetto di Maynard James Keenan.

The Laughing Stalk

Giulio Magliulo — Fri, 28 Sep 2012 11:42:42 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Glitterhouse

Anno:

2012

Line-Up:

Dave Eugene Edwards -Vocals

Chuck French - Guitars

Gregory Garcia Jr. - Bass

Ordy Garrison –Drums

Alexander Hacke – Mix, Various Strings

Tracklist:

01 LONG HORN

02 THE LAUGHING STALK

03 IN THE TEMPLE

04 KING O KING

05 CLOSER

06 MAIZE

07 COUP STICK

08 AS WOOL

09 GLISTENING BLACK

Woven Hand

The Laughing Stalk

‘Un’ottima annata’ - per citare un famoso film – per i tanti, troppi ritorni, questo 2012, tra i quali anche quello del nostro ‘preacher’ preferito, WovenHand, cioè Dave Eugene Edwards.

Tale è la densità di questo disco che è meglio entrare subito nei dettagli senza troppi preamboli (del resto le prerogative del nostro sono esattamente le stesse di quando ha cominciato diciotto anni fa e non potrebbe essere diversamente) a parte le dovute informazioni sui cambi nella formazione che vedono Chuck French alla chitarra e Gregory Garcia Jr. al basso, mentre la produzione è affidata ad Alexander Hacke (Crime & City Solution, Einsturzende Neubauten e Bad Seeds).

La traccia iniziale, Long Horn,è un voodoobilly alla Jeffrey Lee Pierce (chi ricorda Stranger In This Town?) ma infarcito di effetti tremolo come avrebbero fatto i vecchi Cramps, ululati garage compresi. I consueti toni biblici verranno subito ripresi nella successiva The Laughing Stalk, brano che - traslato in acustico - potrebbe benissimo far parte del miglior repertorio dei suoi vecchi 16 Horsepower. Il tono epico che si solleva – come anche in In The Temple - ha più che mai un richiamo diretto a certa dark music e non dovrebbero esserci ormai più dubbi sul fatto che David sia stato capace di fondere in maniera ineccepibile e cinematografica il gotico americano dei suoi sermoni con il gotico del rock inglese degli eighties: quelle chitarre e quel tono enfatico non sono affatto lontani dai primissimi Cult, quelli stranamente legati a certi culti indiani, quelli di Resurrection Joe e lontani dalla svolta mainstream che il loro hard avrebbe preso nella grebo era e volendo potremmo pure chiamare in causa gli australiani The Church quando erano ancora lontani dal successivo pop accomodante ed erano inizialmente artefici di una wave a tratti oscura e psichedelica capaci di creare distese di suoni azzurri ed oro. Dave Eugene Edwards prende tutta questa materia e la ricopre con i pesanti arazzi della sua personalissima santa inquisizione dai toni westernati.

E poi c’è sempre lo spettro di Ian Curtis che si aggira fiero come mai avrebbe potuto in vita, privato del guinzaglio divino del Signore che invece continua ad attanagliare il collo di Dave Eugene Edwards: il drone di In The Temple è un falso allarme che preannuncia questa presenza prima che la parabola si tinga di un cupo rosso sangue dai riverberi desertici.

King O King, programmatica nel titolo, è selvatica come un coyote affamato che vaga nella scura notte dell’anima in cerca della luce e di una fede che può mordere ed essere tagliente, che può soffocare. L’alto grado di ossessività della traccia richiama il Nick Cave più invasato.

Closer è una marcia wave claustrofobica e ansimante: ancora Joy Division quindi (ma anche Xiu Xiu) a partire dal nome, ma è Maize che coniuga la desolazione urbana a quella degli spazi sconfinati di certa ‘wild America’, rivelando che infine è la stessa, quella celata in fondo al cuore e che ‘la divinità’ non allevia mai privandoci di qualsivoglia forma di conforto o di speranza; la religione di Dave Eugene Edwards è quella votata al culto di un Dio arcigno e bastardo che ci ha scagliati su questa fredda pietra nera senza alcuna possibilità di affrancamento dal peccato (al di là delle convinzioni religiose del nostro, a livello di immagini, egli dovrebbe rientrare nel novero dei grandi narratori della tradizione americana).

As Wool poi è un esempio superbo di ‘resistenza’ rock and roll nel nostro tempo: una cavalcata apocalittica con la voce lontana, filtrata da uno di quei vecchi microfoni utilizzati nel blues, con una batteria crudele ed una forte suggestione a dominare: quella di una versione stoner dei Gun Club! Il riff è velenoso ed il brano termina – come da tempo non si sentiva - con le chitarre in feedback.

Il fangoso girotondo Birthday Party di Glistening Black chiude le danze di questi grotteschi fantasmi di epoche lontane e potrebbe essere un suggerimento per Jamie Stewart nel caso in futuro volesse dare una svolta meno intimista e cerebrale ai suoi Xiu Xiu.

Quando sulla scena irrompono personaggi con l’enfasi e la possessione di Dave Eugene Edwards c’è il rischio che di colpo tutto intorno sembri piatto, che gli altri artisti diventino un pò nani, ma si fa strada anche la falsa illusione che sarà qualcosa di simile alla fede – qualunque essa sia – a salvare ancora una volta le sorti del rock and roll.

Ninth

Matteo Trapasso — Fri, 10 Jun 2011 09:11:58 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Matteo Trapasso

Genere:

Hard Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Nettwerk

Anno:

2011

Link correlati:

Peter Murphy Official Site

Line-Up:

- Peter Murphy - voce

- Mark Gemini Thwaite - chitarra elettrica

- John Andrews - chitarra acustica, chitarra elettrica

- Jeff Schartoff - basso

- Nick Lucero - batteria

Tracklist:

1. Velocity Bird

2. See Saw Sway

3. Peace To Each

4. I Spit Roses

5. Never Fall Out

6. Memory Go

7. The Prince & Old Lady Shad

8. Uneven & Brittle

9. Slowdown

10. Secret Silk Society

11. Creme De La Créme

Peter Murphy

Ninth

E' possibile invecchiare male e Peter Murphy ne fornisce una dimostrazione concreta con il suo nuovo Ninth, album che appare vecchio e già sentito. Eppure l'ex leader dei Bauhuas ci prova in tutti i modi, furbamente, sin dalla prima traccia. La prepotente Velocity Bird fa rammentare quanto siano lontani i cardiopalmi offerti negli anni Ottanta e infatti Ninth appare come un disco che mira a tratti verso un bolso e stereotipato Hard Rock, quello privo di segnali di vita.

La mancanza di idee restituisce all'ascoltatore i primi dubbi che questo sia un album mal concepito: See see Sway, pezzo che fa tirare un'altra volta un'occhiataccia verso l'oggetto che restituisce il suono all'ascoltatore. Peter Murphy si fa ancora più cattivo nella traccia seguente, Peace to Each, pezzo ancora dal dubbio valore: batteria sostenuta e chitarra che ogni tanto svolge il compitino, con sterzate e cavalcate oggettivamente insignifcanti. I Spit Roses ricorda a tratti, grazie alle urla di Murphy, qualche pezzo andato a male degli U2, mentre Never Fall Out è angoscia, ma nel senso lato del termine. Tutta la povertà del disco è racchiusa in questo misero pezzo; le idee mancano e, già a metà album, la veloce Memory Go ne è la prova, poiché non vengono elaborati nuovi elementi rispetto alle precedenti.

The Prince & Old Lady Shad cerca di far cadere maggiormente l'album nel baratro delle tenebre e ci riesce attraverso un ritornello da giovane artista che si cimenta per la prima volta con il proprio debutto. Appare quasi che sia il disco di un musicista insperto, poiché praticamente nullo è il valore di pezzi sì ascoltabili, ma insostenibili nella capacità di poter trasmettere emozioni e soddisfazione. Uneven & Brittle si apre con una chitarra quasi metal e con la solita voce di Murphy da cinquantenne ormai finito, evolvendosi poi nei riff ordinari e nel vociare possente.
L'incipit di Slowdown cerca di attirare l'attenzione, ma la traccia presto si rivela come uno dei pezzi più sgradevoli dell'album.
Secret Silk Society, forse il pezzo più tenebroso e probabilmente più riuscito dell'album, crea un'atmosfera accettabile, priva di quel piglio ridicolo delle canzoni precedenti. La conclusiva Creme de la Crème parte con il dolce suono di un pianoforte, ma dopo pochi attimi questo viene investito dal giovane e vecchio Peter Murphy, che esegue cover su cover in un album di inediti.

Una povertà musicale inaudita, quella del nuovo Murphy. Una discografia da solista molto acerba e questo Ninth ne è la prova lampante. Un album che stanca molto, privo di genialità e di classe. Ormai il cantautore britannico è giunto al crocevia della sua carriera da solista a causa di un nono album che fa scomparire la personalità splendente e cupa di trenta anni fa.
Riprovarci adesso, sarebbe solo l'ennesimo tentativo fallito.

Fallen

Gioele Nasi — Wed, 13 Apr 2011 20:43:06 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Spinefarm Records

Anno:

2003

Line-Up:

Juha Kylmänen – Vocals
Lauri Tuohimaa – Guitars
Olli-Pekka Törrö – Guitars
Altti Veteläinen – Basso
Tuomas Holopainen – Keyboards
Petri Sankala – Drums
Miriam Renvâg - Female vocals (On track 1,2,3)

Tracklist:

   1. My Wound is Deeper than Yours - 3:43
   2. Dancer in the Dark - 3:42
   3. Queen Misery - 5:23
   4. Sea of Emotions - 3:55
   5. Rapture of Lust - 3:52
   6. Broken Days - 4:01
   7. Dear Carniwhore - 3:54
   8. Bed of Dead Leaves - 5:00
   9. Autumn Harmony - 4:43
10. Tomorrow is a Closed Gate (Dead for So Long) - 4:49

For My Pain

Fallen

Fallen è il primo album dei finlandesi For My Pain.

Il gruppo nasce come side-project del bassista e del batterista degli Eternal Tears Of Sorrow, cui si aggiungono il chitarrista sempre degli EtoS, il cantante dei Reflexion e il tastierista dei Nightwish. Inizialmente potrebbe sembrare un lavoro interessante, ma più lo si ascolta e più ci si rende conto del contrario. Fallen è uno di quegli album che più si possono allontanare dal concetto di "interessante".
Il fatto è che stroncarlo del tutto è difficile. Insomma, le melodie accattivanti ci sono, così come la perfetta qualità di produzione, e anche l'abilità tecnica non manca di certo...

Il fatto è che Fallen, oltre a non essere per niente originale, si presenta come un lavoro piatto, noioso, senza personalità, in grado di girare tranquillamente nel lettore per una settimana e di rimanere poi nello scaffale per il resto dei suoi giorni. Più lo si ascolta e meno convince, ecco la verità, gli unici difetti sono questi, dato che a livello di tecnica, produzione, è tutto a posto. "Unici" per modo di dire, dato che possono far cadere tranquillamente tutto il valore cui un disco cerca di arrivare tramite alternative fisiche, esterne. Apparire più che essere, per i For My Pain... infatti. Le sonorità si rifanno, come in molti casi, agli immancabili H.I.M., e anche agli ultimi Sentenced, anche se le melodie sono sicuramente più accattivanti, semplici e dirette, per evitare di usare un termine che personalmente odio ("commerciali"). Ma questo è un lato positivo o negativo? Il problema è che i For My Pain... stancano in fretta, rischiando così di finire nel dimenticatoio molto presto. Insomma, al limite possono piacere a chi è in cerca di una band semplice per ascoltare qualche bella e immediata canzone sul filone del gothic rock a tinte metal a cui la Finlandia ci ha abituati da un po', ma non riesco proprio a trovare una loro utilità nel mondo della musica che, inutile dirlo, è vastissimo. Magari qualche ascoltata se la meriterà pure, ma non vale tanto la pena di prestargli molta attenzione.

Promo 2010

admin — Wed, 05 Jan 2011 23:00:00 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2010

Link correlati:

Line-Up:

- Venus - guitar, vocals on tracks 1, 4, 6
- Cassandra - guitar
- Samantha - keyboards, vocals on tracks 2, 5
- Lorelei - bass
- 5 - drums, percussions, keyboards, programming

Tracklist:

1. You Can Dance in Mist
2. Take My Heart to the Oblivion
3. Away
4. Fairy Tale
5. Surgery

Egodrama

Promo 2010

Gli Egodrama (da non confondere con la band electro-goth di Rimini) sono un giovane progetto abruzzese con radici musicali nella dark-wave britannica e nell'elettronica cupa; il nome però viene da un brano dei Dark Tranquillity di metà carriera.
Dopo qualche concertino come gavetta, il gruppo registra rapidamente un demo promozionale che mette fortemente in risalto le loro influenze gotiche, in particolar modo dai Sisters of Mercy (per il suono oscuro ma "duro"), dai Joy Division (per il pessimismo e l'aura esistenzialista che permeano i brani), dai Clan of Xymox (molte soluzioni di tastiera e sintetizzatore) ed in parte da Siouxsie (le linee vocali della tastierista e seconda cantante Samantha) e Black Sabbath (per qualche riff più granitico e cadenzato).
Inoltre i membri del gruppo si presentano con nomi mitologici come pseudonimi, citando Aegis dei Theatre of Tragedy, ad eccezione del batterista "5" a sottolineare in una maniera disumanizzata che si tratta del quinto membro. Curiosamente, tranne la già citata tastierista, anche se i nomi sono femminili si tratta tutti di maschi.

Tutto sommato non si tratta di un banale riciclo dei soliti cliché goticoni, anzi è palpabile con mano una certa solidità di fondo iniettata nel songwriting per cercare di personalizzare la proposta, sempre in bilico fra un dark malinconico e depressivo, escursioni più oniriche che rievocano l'idea di un viaggio contemplativo nella psiche umana e stacchi aggressivi che sembrano invece comunicarne il lato più alienato e tragico. Purtroppo a mancare è l'effettiva incisività delle canzoni, eccessivamente prolisse e ripetitive, con pochi spunti interessanti annacquati dal girare attorno esclusivamente ad essi, a volte anche facendo assomigliare fra loro le canzoni. Il lato elettronico inoltre è sottosfruttato, le tastiere vengono relegate a semplice pattern di sottofondo su cui far emergere il canto più lagnoso che angosciato.

L'iniziale You Can Dance in Mist inizia con un arpeggio arabesco che sembra citare, assieme al titolo, i Dead Can Dance, ma rapidamente esso svanisce lasciando spazio a cupi riff intermittenti sovrastati da leggeri giri di note melodiche. Tutto però, come anticipato, viene ripetuto per 6 minuti senza troppe variazioni, che portano alla lunga a stufare - ed è un peccato che l'introduzione non venga più ripresa, suona solo sprecata e fuori luogo così.
Non migliora la situazione Take My Heart to the Oblivion, in certi momenti quasi un doom alla Katatonia misto ai Depeche Mode più oscuri, con un ritornello particolarmente dolente ed enfatico condotto dalla voce femminile, ma dopo poco finisce per stancare e risultare noiosa.
Per fortuna l'interessante strumentale acustica Away non si dilunga, intreccia chitarre classiche e tenui inserti ambientali ricreando l'atmosfera di una foresta buia e solitaria, dando la sensazione di essere proiettati via lontano dalla civiltà urbana (come il titolo suggerisce); nel finale le chitarre spariscono lasciando spazio solo a percussioni ossessive e ad un breve crescendo emotivo di tastiera che tramutano il brano in un confino agghiacciante.
A dispetto del nome, Fairy Tale è il brano più duro e aggressivo del mini, con riff a tratti hard rock occasionalmente tramutanti in muri sonori abrasivi e accompagnati da bassi pulsanti e da un pianoforte solenne che introduce un ritornello raggelante. Il pezzo non è tirato molto per le lunghe, ma l'elettronica rarefatta lo rende un po' spoglio, mentre la poca melodicità del lato chitarristico fa un po' stonare i refrain.
Infine la timida e particolareggiata Surgery, la canzone più atmosferica e malinconica di tutte, con riff ridotti al minimo, occasionali spunti acustici e duetto vocale conclusivo fra i due cantanti (in realtà più un monologo maschile con in sottofondo la voce femminile che ripete le parole conclusive di ogni frase).

In definitiva gli elementi di base su cui concentrarsi ci sono eccome, ma al momento gli Egodrama sono ancora troppo acerbi. Giustamente va detto che sono giovani e avranno di sicuro molto tempo per crescere, focalizzandosi sugli aspetti positivi della loro proposta, quindi auguriamo loro buona fortuna.

La copertina è una versione disegnata del celebre Viandante sul mare di nebbia.

Work of God United Entertainment

admin — Mon, 06 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Lucifer Rising Records/Self

Anno:

2010

Link correlati:

Opus Dei @ MySpace.com

Line-Up:

- Steve Sylvester - voce
- Ele Matteucci - chitarra
- Jjm - basso
- Freddy Delirio - tastiera
- Carranza - batteria

Guests:
- Romina Malagoli - cori
- Gherardo Monti - chitarra aggiuntiva
- Leonardo Guarducci - chitarra aggiuntiva
- Marzio Manni - chitarra aggiuntiva
- Max M. Toy - chitarra aggiuntiva

Tracklist:

1. My Goddess
2. Bleeding
3. Mesmerized
4. Where Love Has Gone
5. Liar
6. Blow My Mind
7. Shock Me
8. Hold Me, Touche Me, Heal Me
9. Falling Into You
10. Desperation
11. Out Of Time
12. Sometimes

W.O.G.U.E.

Work of God United Entertainment

Enigmatico e misterioso, il moniker W.O.G.U.E. si staglia già sulla copertina nera dell’album di esordio (già rilasciato a maggio come Opus Dei, ma in seguito alle proteste dell'omonima prelatura vaticana il gruppo ha dovuto cambiare nome) della nuova creatura di Steve Sylvester, leader degli ormai defunti Death SS; sebbene il pubblico italiano ed europeo possa ricordarsi del carismatico musicista come uno dei rappresentanti più celebri del filone occulto dell’ambiente Heavy Metal di ottantiana memoria, il progetto W.O.G.U.E. (che sta per "Work Of God United Entertainment") sorprende in modo positivo con i suoi toni diametralmente opposti al genere tessuto dai Death SS 0 fino al loro scioglimento.
W.O.G.U.E. è una realtà che trae origine dal panorama Dark-Wave inglese di metà anni Ottanta, poiché chiari sono i riferimenti ai Sisters Of Mercy di Andrew Eldritch nell’intero album di esordio: chitarre magiche e intrise di oscurità, gusto per l’esoterismo e ritmiche dalle sembianze meccaniche.

Fin dalla traccia d’apertura, My Goddess, emerge il tratto gotico di Steve Sylvester e compagni, trainati da splendidi arpeggi di chitarra che appare tratta dal capolavoro First And Last And Always; nonostante l’influenza principale rimanga appunto la Dark-Wave d’oltremanica, non mancano reminescenze più contemporanee, quali la vena più Synth-Pop della scuola tedesca che ha interpretato i canoni impartiti da Depeche Mode e Pet Shop Boys, così come una venatura elettronica cara ai frammenti industriali dei Nine Inch Nails.
Quello dei W.O.G.U.E. è un registro stilistico variegato e capce di rompere gli schemi tipici del Dark d’autore; nonostante il passato di Steve Sylvester possa far vagare la mente dell’ascoltatore verso un’idea di Goth Rock d’immagine come quello degli storici Christian Death, le dodici tracce di cui si compone il platter spaziano attraverso sonorità più contemporanee, mantenendo comunque un certo trend tenebroso.
Accanto all’opener, tra gli episodi più meritevoli si possono rammentare la successiva Bleeding, abbastanza fuori dagli schemi per il suo approccio, o la canonica ma gradevole Where Love Has Gone.

La voce di Steve Sylvester risulta a volte acida e a volte melodica, non giungendo mai però ai lidi profondi e avvolgenti del timbro ottantiano di Eldritch o di altri significativi esponenti della scena inglese; il punto di forza dell’architettura strumentale dei W.O.G.U.E. è rappresentata dalla chitarra, suonata dalla cantautrice lucchese Ele Matteucci: i temi esibiti in Blow My Mind ne sono la testimonianza più evidente, poiché conservano un fascino estraneo a gran parte del sottobosco italiano che ha tentato di emulare i classici del genere.
La nota negativa dell’album è da ricercare invece nell’ampio uso dell’elettronica in capitoli come Mesmerized o Shock Me, che non si adattano al contesto raffinato plasmato nelle sezioni squisitamente Wave; allo stesso modo appaiono difficili da comprendere a fondo i pezzi più irruenti come Liar o Falling Into You, in quanto sembrano oltrepassare i meandri timbrici interpretati nella maggior parte dell’album, puntando a una discutibile commistione con venature Metal.
Fortunatamente giunge la conclusiva Sometimes a risollevare le sorti dell’opera, grazie al convincente binomio chitarra-tastiera, intriso di influenze Synth Pop.

Si può pertanto ritenere degno di nota il neonato progetto W.O.G.U.E. di Steve Sylvester, poiché riesce a conciliare i trascorsi Dark-Wave degli Ottanta con una rinnovata tendenza buia e cupa; ci si auspica che il talento compositivo di Steve Sylvester e degli altri musicisti che lo affiancano nella realtà W.O.G.U.E. possa essere sfruttata in modo più consapevole, abbandonando quelle sfaccettature elettroniche poco convincenti e privilegiando il feeling spettrale dell’intreccio chitarra clean-tastiera.

Love Is Gone

admin — Tue, 16 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Gothic Rock

Etichetta:

Roadrunner Records

Anno:

2010

Link correlati:

Dommin @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Kristofer Dommin – vocals, guitar
- Billy James – bass
- Konstantine – keyboards
- Cameron Morris - drums

Tracklist:

:
01. My Heart, Your Hands
02. New
03. Evenfall Hollow
04. Tonight
05. Love Is Gone
06. Dark Holiday
07. Without End
08. Within Reach
09. Closure
10. Making The Most
11. One Feeling
12. I Still Lost
13. One Eye Open
14. Honestly
15. Remember

Dommin

Love Is Gone

Che il panorama gothic rock necessitasse di nuove leve, era una constatazione equivalente a quella già sviluppata nel caso del gothic metal: al di là di un certo vecchiume ormai stantio e derivativo, da tempo nessuna formazione riusciva a proporne una benché minima innovazione, non tanto nella forma quanto nell’attitudine, talvolta votata ad un certo glam piuttosto prevedibile, talvolta sedotta da un fascino commerciale che ben poco dovrebbe sposarsi con le atmosfere cupe e decadenti che ne sono certamente l’emblema. Uno slancio deciso, tanto inatteso quanto benaugurato, lo offre uno dei recenti acquisti di casa Roadrunner Records, molto attenta a scovare formazioni in grado di coniugare qualità, originalità e una certa dose di appeal mediatico: sono proprio queste le caratteristiche principali dei Dommin, giovanissima band californiana, che si presenta al grande pubblico con suo secondo album, intitolato Love Is Gone.

Va precisato che la formazione nordamericana, che deve il proprio nome al suo leader Kristofer Dommin, non fa mistero delle proprie coordinate stilistiche, anzi, va promuovendo un’etichetta precisa che, sebbene apparentemente commerciale, in realtà si rivela piuttosto emblematica e significativa: stiamo infatti parlando di un rock romantico per “cuori spezzati”, caratterizzato da un sound essenziale, minimalista, talvolta rafforzato da effetti sonori profondamente atmosferici, su tutti quegli assidui rintocchi di campana che, di fatto, rappresentano l’appiglio più illuminante per caratterizzare i Dommin come gothic band. Il punto di forza di questa originale proposta musicale risiede in 2 aspetti fondamentali e strettamente correlati fra loro, ovvero la voce calda, pastosa, dal timbro incredibilmente presleyiano, che si accompagna perfettamente a vere e proprie canzoni old style, semplici ed intuitive ma di rado eccessivamente banali o radio-friendly.

In sintesi, Love Is Gone altro non è che una raccolta di tracce anthemistiche dal fascino settantiano, ovviamente provocato dal personalissimo colore vocale del singer, che, nelle liriche soprattutto ma anche in certe particolari sfumature melodiche, si nutre delle esperienze gotiche. Fra melodie avvolgenti, come My Heart, You Hands, primo singolo estratto, e la titletrack Love Is Gone, o anche la gradevole Without End, e soluzione più dinamiche, come nei casi di New o Tonight, esaltate da un brillante lavoro di tastiere, si individuano senza dubbio alcuni momenti diversi da quanto appena suggerito, come nel caso dell’alt rock più atmosferico di Making The Most, o nella svolta hard rock della più ruvida One Feeling (con tanto di sorprendente assolo di chitarra), o nelle sensazioni più cupe e massicce che dominano l’aggressiva I Still Lost, senza dimenticare la ballad semi-orchestrale, fra pianoforte e violini, posta in chiusura di platter.

Tuttavia, se a queste variazioni, più nominali che effettivamente rappresentative, si aggiungono ben 3 intermezzi, del tutto inutili alla luce della loro totale inconsistenza (con la sola eccezione di Within Reach, sintetico ma convincente), del tutto superflui in virtù della loro pessima collocazione, si potrà facilmente ravvisare come la vera pecca di questo album consista in un certa ripetitività delle soluzioni adottate, che possono facilmente portare a saturazione anche l’ascoltatore più volenteroso. In altri termini, per quanto lo stile presentato dai Dommin sia piuttosto originale, per certi versi addirittura unico, non riesce ugualmente a reggere sulla lunga distanza, scadendo in episodi francamente noiosi quale One Eye Open, elettronico sì ma nettamente inferiore ai precedenti.

Ecco allora palesarsi un elemento fondamentale che certamente avremmo dovuto considerare in precedenza e sin dall’inizio, ossia la giovane età dei membri della band, e una discografia ancora limitata, e quindi quell’inevitabile mancanza d’esperienza che, pur rendendo ancora acerbi i frutti dei loro primi sforzi, ugualmente è foriera di buone speranze per il loro futuro artistico. Proprio da questo punto di vista ci sentiamo in dovere di segnalare una canzone particolare ed affascinante come Dark Holyday, in cui i Dommin rivelano un’attitudine swing che va ben oltre una voce evocativa o una capigliatura facilmente associabile: se decidessero di trarre maggior linfa da questa stuzzicante vena creativa, siamo certi che ne vedremmo davvero delle belle.