Folk Rock

S/T

Giulio Magliulo — Fri, 23 Oct 2015 05:30:25 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Folk Rock

Etichetta:

I Dischi del Minollo

Anno:

2015

Line-Up:

Matumaini - Vocals, Uke, Mandolin, Banjo
Michele Venturi - Guitars, Vox
Gherardo Zauber- Bass, Theremin

Tracklist:

Mohawk

Mandala

Gentlemen Suits

Grow Up

Migrating Whales

RWD

Confusing

Rumpleskin

Bending

Pristine Moods

S/T

Corde magiche, la purezza dei suoni cristallini, l'ukulele e il banjo, il mandolino, naturalmente la chitarra e un magnetico theremin.

Il sottobosco folk inglese dei seventies che incontra la lezione dei primitivisti americani per poi svincolarsi dai trend di ieri e di oggi. Ipotesi di movimenti acustici nuovi dal cuore antico.

Quando il termine folk va oltre il senso comune.

Ai formalismi new-age, Pristine Moods contrappone il calore di voci che si intrecciano, memorie prewar, veli di mediterraneo e inquietudini chasnyane, sciogliendo tutto in ipnotico e dolcissimo mood.

Mandala e Gentlemen Suits le tracce che ci preme segnalarvi e Laura 'Matumaini' Masi, Gherardo Zauber e Michele Venturi i nomi del trio bolognese che dopo varie esperienze individuali in altre formazioni approdano a questo debut che promette grandi cose.

From Scotland With Love

Giulio Magliulo — Sat, 23 Aug 2014 10:22:48 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Folk Rock

Etichetta:

Domino

Anno:

2014

Line-Up:

King Creosote (Kenny Anderson) - Voce, chitarra acustica, fisarmonica

Derek O'Neill - tastiere

Andy Robinson - batteria

David McAulay - Banjo, citarra acustica ed elettrica, tastiere, synth, mandolino

Pete MacLeod - Bass

Kevin Brolly - clarinetto

Pete Harvey - violoncello, arrangiamento archi

Grant Keir - Percussioni

Amy MacDougall - Backing Vocals

Tracklist:

Something To Believe In
Cargill
Largs
Miserable Strangers
Leaf Piece
For One Night Only
Bluebell, Cockleshell, 123
One Floor Down
Crystal 8s
Pauper’s Dough
A Prairie Tale

King Creosote

From Scotland With Love

Se di Kenny Anderson, nonostante la sua produzione impressionante ed il suo fittissimo curriculum, soltanto oggi si parla di un po' di più, è forse grazie al passaggio alla Domino e alla sua collaborazione di qualche anno fa con Jon Hopkins valsa una nomina al Mercury Prize.

In ogni caso, qualunque sia la strada che ha portato King Creosote fin qui, sia essa benedetta, poiché un album quale From Scotland With Love non poteva restare confinato in quei circuiti così underground in cui l'artista si è mosso finora: esso merita davvero tutta la luce possibile.

Un altro nome che bisogna ringraziare per quest'album è quello della regista Virginia Heath poiché From Scotland With Love è stato realizzato per musicare l'omonimo documentario presentato questa estate per i Giochi del Commonwealth. E non si tratta di un film in cui è la narrazione lineare o il racconto di qualche protagonista a condurre le immagini, ma al contrario, sono esse a determinarne tutta la poetica attingendo ad un repertorio d'archivio che vuole mostrare la Scozia in una prospettiva che intreccia storia, sentimento ed emozione.

Immaginare a questo punto quanto la musica di King Creosote possa aver svolto un ruolo chiave è alquanto semplice, considerando che già l'ascolto da solo è sufficiente a creare un film mentale di alta regia.

L'altro miracolo che compie King Creosote, dopo averci fatto assaporare l' 'ancestrale' fin dall'iniziale Something To Believe In è quello di non relegare tutte le atmosfere del disco in una dimensione folk arcaica, né retrò, né vintage, sebbene una consapevolezza di 'antico' possa spesso affacciarsi tra le tracce, e Cargill ne è il miglior esempio.

Sarà anche merito della meravigliosa formazione che lo accompagna, che strabilia nel veloce tempo in levare di Largs, prima con l'intervento jazz del clarinetto di Kevin Brolly e poi con una sezione di archi i cui arrangiamenti sono affidati al violoncellista Pete Harvey.

E poi ci sono ancora tutte le suggestioni più legate al mondo indie, folk o meno che sia, di cui King Creosote fa pur sempre parte; Miserable Strangers potrebbe essere una sortita folk dei Sophia di People Are Like Seasons, così come For One Night Only dopo un' intro di chitarra acustica dall'ampio respiro che può ricordare certe cose del Naevus più solare, si lancia a rotta di collo in un pop orchestrale e magnetico alla Stephen Merritt (o anche l'ultimo Ariel Pink).

Come utilizzare un coro di voci giovani con tanto di handclap senza risultare stucchevoli, Kenny Anderson ce lo dimostra in Bluebell, Cockleshell, 123, episodio che per le sue caratteristiche in qualsiasi altro album non avremmo esitato a definire poco più di un divertissement, mentre qui perfino gli elementi più in ombra come la nervosa chitarra elettrica alla Tom Verlaine che lo puntella tutto, sono magistrali.

One Floor Down ci spalanca le porte di una sala da ballo d'altri tempi dove tutto è perfetto ed irradiato da una malinconica luce dorata, come su un Titanic che non affonderà: a noi resta solo da invitare la più bella tra le ragazze.

Crystal 8s è poco più di un intermezzo ambientale con una componente drone delicata in un clima a cui ci ha già abituati in passato Gravenhurst, poi segue la cartolina di Pauper's Dough i cui colori non sono sbiaditi come si potrebbe immaginare, ma così vividi da rappresentare la Scozia in una chiave a suo modo epica.

Arrivati alla conclusiva A Prairie Tale, ci si può immergere totalmente nelle atmosfere folk acustiche old time, magari concedendosi quel meritato quartino di whisky per 'stare sul pezzo' e realizzare nel frattempo che l'album appena ascoltato volerà alto nelle classifiche di fine anno.

Whipping the Devil Back

Giulio Magliulo — Wed, 16 Jul 2014 13:11:20 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2014

Tracklist:

Lonely And Happy Night
Lovely People
Cedar Forest
Maybe
Deep Enough
Whipping The Devil Back
Waiting For My Shift To Start
Every Tiny Drop Of Light
Is It Right
Need You, Have You
You Disturb The Light

Guy Littell

Whipping the Devil Back

Whipping The Devil Back è il secondo full-length di Guy Littell che conferma il talento compositivo ed il songwriting cristallino del precedente Later, nonché le 'presenze' che albergano nel suo animo artistico; Neil Young su tutti, che, se già in passato si delineava tra le influenze principali del nostro, ora sembra essere quasi la cifra stilistica unica.

Perché disperdersi tra mille rivoli – sembra chiedersi Guy Littell - quando si può risalire direttamente alla fonte? Forse perché a volte la scalata dritta è ardua (vedi le asprezze vocali di Lovely People), potrebbe essere la risposta; in ogni caso questa essenzialità è la forza di Guy Littell.

Questo apparire nudi e crudi, questo rivelare sé stessi disegnando poche quanto efficaci linee è arte rara di questi tempi se si eccettuano alcune frange estreme del folk americano troppo marginali al mercato per non essere definite weird o freak. E poiché non ci sembra quello al momento l'orizzonte simbolico di Guy Littell (benchè un certo minimalismo lunare sia già ben presente in brani come You Disturb The Light o nella coda di Cedar Forest che potrebbero essere deliziose anticipazioni di possibili risvolti futuri) restiamo con un certo languore alla fine dell'ascolto dovuto alle scelte di produzione e di suono. Viene naturale chiedersi quanto potenziale inespresso c'è indossando questi abiti, quanti dettagli e particolari potrebbero essere esaltati con un sound meno homemade, quanto più appeal potrebbe esserci nei confronti di un mercato e di un pubblico che sembra fagocitare al contempo tutto e niente.

Certo, i soliti vecchi discorsi della critica supponente, la stessa che però riconosce anche quanto sia infinatamente vero questo Guy Littell nel suo aderire a questa sorta di codice interiore (ci piace immaginare queste canzoni quasi uguali alle corrispettive versioni di quando son nate) dettato da un percorso costellato di tante ombre, almeno quanto le luci che in esso baluginano.

Del resto ogni scelta qui dentro deve essere stata ponderata e voluta; non ci si ritrova infatti così per caso un gigante quale Steve Wynn nella titletrack del proprio album, brano in cui il leader dei Dream Syndicate suona l'armonica per tutta la sua durata e senza manie di protagonismo – da grande qual'è – lo screzia di venature paisley underground fortemente affini allo spettro cromatico su cui si muove Guy Littell. Queste cose avvengono solo per affinità elettive (quanti oggi in Italia possono vantare amicizie tali così evidentemente disinteressate?), le stesse che gli permettono di suonare nella stessa serata sullo stesso palco con Dan Stuart, per fare ancora un altro esempio.

A noi dunque i nostri languori e a Guy Littell tutti gli onori per questo equilibrio artistico che ci appare così fragile e delicato ma che proprio per questo genera poi perle così lucenti.

Wakin on a Pretty Daze

Matthias Stepancich — Tue, 31 Dec 2013 21:37:51 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Cantautorato

Alternative Rock

Folk Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2013

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Kurt Vile & the Violators
- Kurt Vile - vocals, acoustic and electric guitars, lead guitar (1 and 4), electric slide guitar (8 and 11), synths (1, 3 and 10), organ (4 and 11), wurlitzer (8 and 10), keyboards (3), tambourine (4), percussion (9), vibes (11)
- Jesse Trbovich - electric guitar (1, 2, 3, 4 and 9), lead guitar (7), arpeggio guitar (4), slide guitar (11), saxophone (4)
- Rob Laakso - bass guitar (1, 2, 3, 6, 7, 10 and 11), electric 12-string guitar (1), EBow guitar (3), fuzz and swell guitars (4), ambient guitars (7), lead electric guitar (8), baritone guitar (8 and 11), tremolo fuzz guitars (10), tap guitar outro (11), ARP 2600 (1), additional drums (1), percussion (2), drum machine (6 and 10), sequencer (3 and 10), electronics (3)

Additional Violation
- Stella Mozgawa - drums (1, 3, 4, 5, 8 and 11), waltz drums (6), percussion (5 and 8), cowbell (8)
- Vince Nudo - drums (2 and 10)
- Michael Johnson - drums (9), medieval drums (6), synth (9), Korg MS-10 (1)
- Farmer Dave Scher - lap steel guitar (4, 6, 7 and 11), melodica (3, 9 and 11), wurlitzer (4 and 6)
- Jennifer Herrema - backing vocals (7)
- Emily Kokal - backing vocals (11)
- Jeremy Earl - percussion (11)
- Dan Park - percussion (3)
- Alan Pavlica - white noise (4)
- Mary Lattimore - harp (6)

Tracklist:

1. Wakin on a Pretty Day - 9:31
2. KV Crimes - 3:57
3. Was All Talk - 7:42
4. Girl Called Alex - 6:20
5. Never Run Away - 3:25
6. Pure Pain - 5:09
7. Too Hard - 8:04
8. Shame Chamber - 4:47
9. Snowflakes Are Dancing - 3:23
10. Air Bud - 6:30
11. Goldtone - 10:26

Kurt Vile

Wakin on a Pretty Daze

Ancora per la Matador, come il precedente Smoke Ring for My Halo che l’aveva fatto esplodere in popolarità due anni prima, esce nel 2013 Wakin on a Pretty Daze, che in realtà, contando anche le autoproduzioni, è ben l’ottavo (!) full-length del cantautore di Philadelphia Kurt Vile, classe 1980; cantautore che, proprio con Wakin on a Pretty Daze, si rivela essere uno dei folk rockers più interessanti della sua generazione.
Se infatti il buon Smoke Ring for My Halo (così come l’EP poco successivo So Outta Reach, sua, comunque interessante, appendice) non rischiava scommesse nella struttura dei pezzi, e non si allontanava nemmeno così tanto dalle saldissime radici del folk rock più intenso e intimista di fine 1960s-inizio 1970s, particolarmente Fred Neil ma anche Nick Drake, Wakin on a Pretty Daze presente un passo in avanti in maturità e originalità.

Sembra che Vile abbia infatti, nel frattempo, compiuto una full immersion nella discografia dei Sun Kil Moon di Mark Kozelek, ma anche nel jangle pop degli 1980s e 1990s, traendo poi una sua sintesi personale delle due influenze ed applicandovi poi i suoi modelli di riferimento classici (il cantautorato americano 1967-1975).

Vile riprende il jangle tipico dell’alternative rock dei 1980s, ma staccandolo da molti dei debiti col periodo post-punk, e ricollegandolo al calore delle sue originarie radici (i The Byrds), allo stesso tempo spingendo invece sullo sperimentalismo per quanto riguarda la durata dei pezzi, che si dilata in un quadro perfettamente coerente alla voluta morbidezza e liquidità delle chitarre; quadro a cui contribuiscono anche una produzione a più alto budget (maggiore definizione nei suoni, sovraregistrazioni per creare un wall of sound avvolgente, effettistica dosata con attenzione quanto basta per dare sfumature oniriche) e delle scelte di pattern ritmici che, pur tempi non lenti e suoni caldi non post-punk, ripetono se stessi spesso in modo ipnotico (dunque il vero legame forse guarda anche più indietro, verso i Neu!).

L’album scodella alcuni dei suoi capolavori, ovvero la trascinante Pure Pain (con schitarrate quasi orientaleggianti che ricordano, anche se evitandone le prodezze tecniche, alcune idee armoniche in passato ben esplorate da virtuosi come Leo Kottke e Michael Hedges, e che si alternano ad una parte in arpeggiato vicina ai Red Hot Chili Peppers di Californication), la rarefatta Too Hard (con crooning profondo e arpeggianti chitarre alla Fleet Foxes), il grandioso trittico iniziale di Wakin on a Pretty Day (9 minuti e mezzo ricchi di grandi idee melodiche), KV Crimes (con una memorabile strofa) e Was All Talk (quasi 8 minuti, immersi nei riverberi), e la doppietta finale di Air Bud (6 minuti e mezzo) e Goldtone (10 minuti e mezzo).
Qualche momento di stanca si può invece trovare nei restanti, meno riusciti e un po’ apatici, pezzi (in particolare Girl Called Alex e Never Run Away), che frenano dall’eccellenza il disco nel suo complesso.

Il modello vocale di Kurt Vile è invece, ora anche più che nel precedente Smoke Ring for My Halo, decisamente Lou Reed, nel cui stile, anche se ammorbidendolo e avvicinandosi in certi momenti a melodie vocali alla Neil Young di Ambulance Blues, Vile si inserisce nel flusso compositivo in maniera leggermente sconnessa e mormorante, ma soprattutto dal sapore “stoned” (dichiarato anche in alcuni passaggi dei testi, e nello stesso "daze" del titolo) che ben si sposa con la vena a suo modo psichedelica (o semplicemente tendente all’onirico) dei pezzi più lunghi.

Con i suoi pregi e le sue imperfezioni, Wakin on a Pretty Daze resta comunque, e senza dubbio, il miglior disco folk rock del 2013.

The Invisible Way

Giulio Magliulo — Sun, 08 Sep 2013 13:35:27 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Folk Rock

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2013

Line-Up:

Alan Sparhawk - voce, chitarre

Mimi Parker - voce, batteria

Steve Garrington - basso, tastiere

prodotto da Jeff Tweedy

Tracklist:

Plastic Cup
Amethyst
So Blue
Holy Ghost
Waiting
Clarence White
Four Score
Just Make It Stop
Mother
On My Own
To Our Knees

Low

The Invisible Way

Se qualcuno mi chiedesse di citare un disco che all’oggi rappresenti la tradizione musicale americana nel contemporaneo, probabilmente direi che per essa ci sono troppe declinazioni per condensarle in un unico titolo. Ma se così per gioco il mio interlocutore immaginario dovesse insistere allo scopo di ottenere questo titolo, allora io gli direi The Invisible Way, l’ultimo album dei Low.

Nei primi venti secondi di Plastic Cup, traccia che inaugura il disco, c’è già tutto: un accordo di chitarra acustica in maggiore, una batteria tenue ma decisa nella sua scansione metronomica e la voce chiara e forte di Alan Sparhawk. Alla fine di questa prima ‘frase’, subito quindi, già un accordo in minore, già l’abbandono, annullato però dal controcanto di Mimi Parker che doppiando la voce del marito fin dall’inizio si eleva angelica e dona un senso altro alla scarnezza, alla crudezza del testo, degna di un grande romanziere del sud (la tazza di plastica nella quale ci faranno pisciare non è foriera di nessun futuro roseo, ciò nonostante non possiamo esimerci dal muoverci dal nostro torpore e scrivere la nostra fottuta canzone).

Giunti al decimo episodio della loro storia, i Low sembrano ormai irraggiungibili eppure c’è chi ha detto ‘ecco il solito disco dei Low’. Certo, il senso di un album del genere non può essere affidato alla memoria di chi non ricorda che formazioni come i Low (e come i Codeine e come i Karate e come gli Spain e come gli American Music Club e mi fermo qui perché potremmo continuare all’infinito …) in quegli anni ’90 lì hanno scosso il rock indipendente dalla piega machista e tossica in cui si andava incuneando per riportarci alle emozioni ed ai sentimenti, anche quelli più scabrosi magari, ma decisamente più veri di tante proposte del tempo.

Autocelebrazione? Assolutamente no! I Low, non si autocelebrano affatto, semplicemente sono diventati dei classici, dei grandi classici, di quelli immensi e senza tempo, di quelli che essi stessi avranno ascoltato mille e mille volte, senza nessuna pretesa e velleità, con un ‘low’ profile degno del loro monicker.

E questo status i Low se lo son meritati; ammirati persino da grandi artisti che giocano su terreni distanti (leggesi Robert Plant che li coverizza), non sono mai stati un gruppo facile. I Low hanno avuto il coraggio di tirare il freno quando tutti volevano correre e di sparigliare le carte sulla tavola formalmente apparecchiata di un movimento acustico che si andava accomodando, disturbando con le loro malinconiche ombre la quiete conservatrice di tanti ‘new rurals’.

Partendo quindi da quell’assunto slow core visto allora come rivoluzionario, possiamo affermare che i Low hanno fatto un giro largo, un percorso obliquo per ritrovarsi poi dritti in braccio alla ‘storia’. Può sembrare quindi un paradosso questa posizione oggi poco alternativa, ma se si guarda a questa ‘storia’ che è il rock americano, non notiamo forse che le sue pagine migliori son state tutte scritte da artisti off?

Mi piacerebbe quindi pensare ai Low come ai portatori di una nuova forma di Americana, di un’alternativa ad essa e a ciò che rappresenta nel sentimento nazional-popolare di quel paese, ma che a ben ascoltare The Invisible way, troppo alternativa neanche è.

Ed è proprio con quel sentimento che sfilano le grandi canzoni di The Invisible Way come i grani di un rosario recitato nella penombra di una stanza, una dopo l’altra: So Blue, col suo afflato speranzoso, Amethyst, caratteristica della cifra stilistica dei Low, del loro essere magnetici anche quando il contesto è tutto acustico, Holy Ghost che apre scenari soul laddove non lo si credeva possibile, Clarence White ovvero l’inquietudine Low che tutti vogliamo da un loro disco e quindi ponte con i loro più amati trascorsi, Just Make It Stop, nuova e rinnovata e matura coralità, On My Own, decimo brano in un disco di undici ma primo in cui si sente una chitarra elettrica, satura e distorta.

Dal Loft, lo studio dei Wilco, il possibile disco dell’anno.

The Ghost in Daylight

Giulio Magliulo — Wed, 24 Oct 2012 07:54:46 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Dream Pop

Folk Rock

Etichetta:

Warp

Anno:

2012

Tracklist:

Circadian
The Prize
Fitzrovia
In Miniature
Carousel
Islands
The Foundry
Peacock
The Ghost Of Saint Paul
Three Fires

Gravenhurst

The Ghost in Daylight

Dopo una lunga sospensione di cinque anni dalla sua ultima produzione, Nick Talbot resta esponente di rilievo nel passaggio di consegne tra il mondo ancestrale del folk inglese e le più moderne tensioni post rock/dream-pop che di volta in volta si sono affacciate nei suoi lavori, fino a pervenire ad un linguaggio ormai più che ben amalgamato e personale che va a delinearne il suo mondo.

Ed una lunga sospensione è l’impressione che sorregge l’intero impianto dell’album fin dalla iniziale Circadian, rarefatta, lenta, circolare ed ipnotica, inusuale veste sonora per uno slow-core dalle screziature luminose e dolci da folk d’altri tempi ma che sa anche incresparsi nelle sue pieghe elettriche. Come in The Prize, etereo dream-pop tra i Low e certe timbriche vocali proprie del pop britannico che cresce nel finale, prima con profonde volute d’archi e poi con belle chitarre distorte, standard immutabile ma sempre di sicuro effetto.

Ma è nel mood di brani come Fitzrovia l‘anima dell’album, in quell’acustica che procede mesta senza però nascondere quei baluginìi di drones come deboli luci filtrate dai fitti rami di un bosco immerso nella foschia autunnale, sembra sentirne l’odore e ricorda i primi lavori degli Hood come anche il breve intermezzo della spettrale Carousel.

In Miniature è un bozzetto alla Nick Drake, quanto mai appropriato in tale contesto mentre in Islands affiora il retaggio sperimentale di una Bristol immersa in un liquido amniotico, che galleggia in uno spazio occupato da uno shoegaze senza chitarre in cui si cammina rallentati in benzodiazepiniche ritmiche downtempo.

La bellezza triste e drammatica di The Foundry ci riporta a terra prima della chiusura di The Ghost of Saint Paul e Three Fires dall’arpeggio ‘ a tutto tondo’, metà nenie metà filastrocche di gusto arcaico, segno che The Ghost In Daylight sa essere disco ‘senza tempo’ capace di librarsi magicamente e fluttuare a dispetto delle leggi di gravità che ci legano al piombo dell’attualità musicale.

Dopo Broken Man di Matt Elliott, è un un altro artista di Bristol a far uscire uno dei dischi di folk trasversale più interessanti dell’anno, conferma che la città baluardo del trip-hop sa andare oltre e riservare ancora gran belle sorprese.

Metals

Vincenzo Ticli — Wed, 16 Nov 2011 21:50:39 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Indie Rock

Folk Rock

Etichetta:

Interscope

Anno:

2011

Line-Up:

Leslie Feist - Vocals, Arrangements, Guitar, Piano, Organ, Production
Chilly Gonzales - Bass, Drums, Arrangements, Production
Valgeir Sigurðsson - Horn Arrangement, Production

Tracklist:

1. The Bad in Each Other
2. Graveyard
3. Caught a Long Wind
4. How Come You Never Go There
5. A Commotion
6. The Circle Married the Line
7. Bittersweet Melodies
8. Anti Pioneer
9. Undiscovered First
10. Cicadas and Gulls
11. Comfort Me
12. Get It Wrong, Get It Right

Feist

Metals

Il 2011 è stato denso di uscite musicali e molti celebri artisti, nel bene o nel male, sono tornati a far parlare di sè. Tra questi la canadese Feist che, a quattro anni dall'ultimo lavoro, The Reminder, torna col nuovissimo Metals. Il titolo è assolutamente azzeccato poichè le eleganti canzoni sembrano fatte di discrete, intense vibrazioni metalliche, di quelle che turbano appena la quiete con la loro lucentezza tremula.

La voce di Leslie si distende agile sulle melodie scolpendosi in maniera sempre diversa con versatilità: Caught a Long Wind, un assorto pezzo che si destreggia tra chitarre, tintinnii ariosi e pianoforti smorzati riuniti a creare una melodia bruna come una foglia d'autunno, è cantata con una voce che di tanto in tanto si accartoccia in un ringhio soul. Anti Pioneer è un brano crepuscolare immerso in un blues dall'aria antica, colorato sul finale di aperture orchestrali ma dominato da jazzati tempi di valzer e da un cantato sofferto, potente, una voce distesa che sembra duettare con l'implacabile basso che scandisce i suoi battiti per tutta la durata della canzone.
Undiscovered First, dal cuore folk ma dal finale rockeggiante introdotto da un'epica sezione di fiati, fa inevitabilmente pensare a Joni Mitchell, ma la più catchy è la bellissima traccia d'inizio, The Bad in Each Other: introdotta da una scorbutica chitarra del west, procede ondeggiando tra archi e fiati soffusi e cadenzata da una pesante batteria. La voce è ora dura, spietata, e ora improvvisamente dolce e soffusa, come l'amore, che riesce a dare tutto per poi riprenderselo improvvisamente appena un attimo dopo.
Particolari sono pezzi come Graveyard, sui cui tempi dispari sembra gravare una pesante nube grigiastra che incupisce l'atmosfera, rendendola una sorta di elegia cimiteriale, e A Commotion, discontinua e tratteggiata su tocchi di violino incollati insieme da tastiere spigolose, mentre Cicadas and Gulls e The Circle Married the Line spiccano per la loro dolcezza delicata, a tratti quasi stucchevole. Spetta all'intensità di Get It Wrong, Get It Right, sussurrata su una malinconica chitarra che si intreccia a remoti tocchi pianistici e trilli di tamburello, chiudere l'album, lasciandosi dietro un'aria sospesa, sognante.

Dedicandosi ad un morbido rock che si destreggia con eleganza tra suggestioni blues, folk, soul ed altri generi che si rifanno maggiormente alla tradizione musicale americana, l'ultimo lavoro di Feist è un album intimo, sofferto, che dimostra come, anche ai nostri giorni, sia ancora possibile trovare musicisti che realizzano un cantautorato fresco, nuovo e di grande qualità.

Later

Giulio Magliulo — Mon, 10 Oct 2011 19:08:29 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

Guy Littell (Gaetano Di Sarno) - chitarra acustica, voce

Ferdinando Farro - chitarra elettrica, basso,synth, piano

Antonio Marino - batteria

Flora Faglia - violino

Tracklist:

1. TIRED OF TELLIN'

2. WITHIN

3. THE NIGHTMARE CAME

4. NEEDED THAT CALL

5. KILL THE WINTER

6. BLACK WATER

7. SMALL AMERICAN TOWN

8. A GIFTED SUMMER

9. WHAT A WAR (FOR MY SOUL)

10. BEST THING EVER

Guy Littell

Later

Dopo l'e.p. The Low Light And The Kitchen del 2009 ritorna Guy Littell con questo primo album, Later, anch'esso rigorosamente autoprodotto in collaborazione con Ferdinando Farro (mente del progetto alt-blues Maybe I'm).

Later, bisogna precisarlo, nonostante le premesse necessariamente 'underground' in cui nasce e si sviluppa, non è figlio di una generica estetica lo-fi come si potrebbe facilmente immaginare: il concept del songwriting di stampo americano che Guy Littell trasmette è di ben ampio respiro.

Se nel precedente e.p. il nostro celebrava le sue influenze 'di base' con delicati bozzetti che attingevano ad un cantautorato maturo ma contaminato da nobili screziature di pop britannico, ora i riferimenti che si scorgono sono ancora più importanti sebbene nascosti nelle memorie collettive del rock. E sembra che non sia lui a cercarli ma che essi si presentino spontaneamente e miracolosamente visto il modo in cui egli li accoglie e li fa suoi, vista la apparente semplicità della sua scrittura e la fluidità delle composizioni.

La sua voce poi sceglie spesso l'unico tono in cui è possibile raccontare le cose dell'anima, quelle che escono graffiate e sabbiose dopo esser state trattenute a forza in gola; quello basso quindi,fatto di colori scuri anche se - rispetto al passato - ora sembra sapersi anche distendere verso la luce. Resta comunque a sorreggerla un'emotività fragile che si rispecchia anche nei testi, pensieri incompiuti, circolari, spesso solo parole che affiorano e alludono ad un mondo interiore che potrebbe essere stato, o che forse potrebbe ancora essere.

La bellezza che informa questo lavoro è tutta in questi stati d'animo.

L’iniziale Tired of Tellin' procede su un impianto voce/chitarra acustica che era già fondamenta dell'e.p. precedente e che si arricchisce man mano del prezioso supporto degli altri componenti dei Maybe I'm al piano e alla batteria; tutti gli strumenti suonati nell'album provengono da elementi di quella formazione che si è adeguata al songwriting di Guy Littell regalandogli preziosi arrangiamenti (per i quali non si finirà mai di ringraziare Ferdinando Farro) come quelli relativi alle volute di chitarra elettrica urbane e aspre che si avvicinano ad una sensibilità 'moderna' alla Kurt Vile.

Within suggerisce che sarebbe sbagliato pensare solo a Mark Lanegan ascoltando la voce di Guy Littell poichè nel solco profondo in cui affonda la passione del nostro, si diramano rivoli di storia musicale statunitense in cui è possibile incontrare l'intimismo dei Lambchop come l'Eddie Vedder solista più ‘incontaminato’. E’ uno dei punti più alti del disco, impensabile per un primo full-length, allo stesso modo della dolcemente ondivaga The Nightmare Came.

La quarta traccia, Needed That Call ci presenta un Guy Littell tutto in elettrico e questa è una novità che stravolge la struttura delle sue composizioni. Oltre ai Replacements di Paul Westerberg (spesso citato quando si scrive di Guy Littell) qui c'è tutta l'energia grezza, selvatica e insofferente dei Wipers ma al contempo anche l’urgenza pop degli Urge Overkill di Saturation di cui il brano sembra un outtrack: archetipo inconsapevole di inno ‘indie’, di college rock.

E proprio come in quel grande album degli anni novanta che a grandi apertura elettriche seguivano semi-ballads barocchissime, qui segue Kill The Winter, altri due minuti e mezzo in cui si dimostra come la linea di demarcazione tra ciò che potrebbe essere mainstream e ciò che non lo è, resti solo una questione per analisti di mercato.

In Black Water sì che c’è qualcosa di laneganiano, ma il passo sofferto è quello dei Sophia di Ben Sheperd. E’ un funerale in un giorno di sole e la cadenza dettata dalle percussioni non distoglie dal percorso di speranza indicato dalle code di elettrica.

Small American Town è la poesia della grande provincia; immagini sgranate in bianco e nero di teenagers seduti su scalini che pensano ad Alex Chilton e Big Star mentre fuori impazza il punk; le loro canzoni in un universo parallelo avrebbero dovuto incendiare gli stadi mentre non è avvenuto niente di tutto questo; sarebbero stati titani rispetto al piattume indie degli attuali ‘giovani’ e questo Guy Littell lo sa e rende giustizia a tutta una generazione di beautiful losers. Epica!

E’ invece una stramba intro giocattolo di pop-psichedelico a introdurre A Gifted Summer e ci ricorda i Beatles e Robyn Hitchcok. Le antiche passioni british del nostro affiorano e la voce sembra sul punto di spezzarsi. Ma non si spezza e in What a War For My Soul diventa ancora più potente ed oscura come nei migliori Editors.

Best Thing Ever che rispetto a tutto l’album può sembrare più leggera, vuole in realtà proprio diffondere un senso di positività grazie al suo essere corale: qual miglior chiusa con dei violini asciutti a mettere qui il punto?

Contemplare decadi diverse di rock nella musica di Guy Littell non è una forzatura, è una necessità. Come avvenga questo processo è un segreto che solo lui conosce, a noi è concesso solo di ascoltare le sue rivelazioni.

The Whole Love

Gabriele Bartolini — Sun, 25 Sep 2011 15:10:23 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Folk Rock

Etichetta:

dBpm

Anno:

2011

Line-Up:

- Jeff Tweedy
- John Stirratt
- Nels Cline
- Glenn Kotche
- Pat Sansone
- Mikael Jorgensen

Tracklist:

1. Art of Almost
2. I Might
3. Sunloathe
4. Dawned On Me
5. Black Moon
6. Born Alone
7. Open Mind
8. Capitol City
9. Standing O
10. Rising Red Lung
11. Whole Love
12. One Sunday Morning (Song For Jane Smiley's Boyfriend)

Wilco

The Whole Love

Parto gemellare in casa Wilco, che oltre all' importantissima release del nono album ( ottavo contando solamente quelli realizzati in studio) celebrano la nascita di una propria label, la Decibels per Minute, ragionevolmente abbreviata a dBpm. Una chiara salvaguardia della propria musica, quella del gruppo capitanato da Jeff Tweedy, ben comprensibile andando a ritroso nel tempo. Dove potremo scoprire, o semplicemente ricordarci, che Yankee Hotel Foxtrot, il masterpiece dell' avanguardia rock per eccellenza, rischio di non vedere mai la luce per il volere della Warner records, che dopo aver rotto ogni contatto con la band la costrinse a pagare un ingente somma di denaro per riottenerli in dote. Quell' esorcismo orrorifico memore del disastro americano ma anche di una condizione psicologica del proprio leader non proprio al top ha cambiato per sempre la carriera degli Wilco, e forse anche la concezione stessa di un certo tipo di musica.

Per iniziare a parlare del nuovo disco, intitolato The Whole Love, partiamo da un must del gruppo di Chicago, una delle tante cifre stilistiche capaci di amplificare la propria unicità, ovvero l' artwork. Da sempre, infatti, il fulcro di ogni loro lavoro è stato degnamente immortalato nelle stesse copertine ( o addirittura sulla confezione intera contenente il CD), delle quali sorti si sono occupati, alternandosi, Lawrence Azerrad e Peter Buchanan-Smith, oltre che lo stesso Tweedy. Vero e proprio omaggio all' arte moderna, l' immagine realizzata da Joanne Greenbaum scelta per il suddetto lavoro ricalca in tutto e per tutto il processo di "crescita" attuato, qualcosa di estremamente ed attentamente coerente nel cercare di far evolvere un prodotto di cui ancora non si conoscono gli effettivi risultati, partendo dalle fondamentali radici ( come vedremo, non ci sarà alcuna analogia con il roots-rock delle origini, o almeno non in questa parte) ed arrivando alla chioma, che si costituirà in modo del tutto casuale. I colori scelti, tuttavia, potranno apparire fuorvianti se contrapposti alla svolta ottimistica cui si vuole dare all' album; la combinazione di grigio e nero, rimandante tra l' altro sempre alla tristezza di Yankee Hotel Foxtrot, sarà comunque annullata dai colori vivaci dati alle tre lettere O, rappresentanti la vera cartina tornasole del mood di The Whole Love. Da chiamare in causa il tema riguardante la natura, con gli alberi in particolare, da sempre pallino ideologico dell' ensemble, che già in occasione di Wilco ≤ a ghost is born e Sky Blue Sky aveva scelto come artwork, rispettivamente, un uovo ed un nido per l' alquanto creativo primo album ed uno stormo di uccelli creanti un illusione ottica per il secondo lavoro, coincidente con il ritorno al classicismo rock per i Wilco.

Dal punto di vista musicale, The Whole Love si dimostra un disco assai solido, non proprio eccessivamente visionario però credibilmente capace di interporsi tra il vecchio e nuovo corso. Approfittando infatti di un numero di consensi man mano sempre più basso per l' occasione degli ultimi due album, in cui soprattutto nell' ultimo omonimo si faceva ritorno sempre più prepotentemente nelle lande del roots-rock e dell' americana in generale, in The Whole Love paradossalmente il gruppo - Mai così in sintonia, a detta nostra e dello stesso Jeff - intraprende un vero e proprio slalom tra la loro discografia dal duemila ad oggi, esternandosi molto più difficilmente di quanto la loro musica possa lasciare intendere in un folk-rock reso vellutato e pop da una produzione, a carico di Tweedy e Sansone, a dir poco superba. Facendo riferimento ancora una volta alle due pietre miliari da sempre diretta influenza per ogni uscita del gruppo - Stò parlando ovviamente di Tonight's the Night di Neil Young e 1919 di John Cale - i Nostri infatti trovano in ogni episodio di The Whole Love le dosi giuste per rispettare questa nuova ricetta, che prevede il trattamento in chiave melodica di certe solite uscite richiamanti la musica country e in misura minore la bluegrass più schietta. Osservando poi la struttura data al disco stesso, possiamo benissimo accorgerci che l' immediata lettura relativa all' artwork si è rivelata giusta: a parte le radici e la chioma, rappresentate da due pezzi alquanto particolari lunghi più di cinque minuti, la restante parte del lavoro solo in un' occasione riesce a superare i quattro minuti, rinchiusa com'è al caldo del dolce suono di una chitarra acustica che domina in tutto e per tutto sugli altri elementi. I Wilco, poi, ci devono aver preso gusto, man mano che l' opera si costruiva da sola, riuscendo persino a donare una faccia alt-pop mediante sotterfugi provenienti dalla ambient, arrivando a plasmare il disco, in maniera analoga a quanto fatto dal Beck di Sea Change e dal Thurston Moore di Demolished Thoughts, a loro immagine e somiglianza.

Le fondamenta ed il massimo picco espressivo.

Come annunciato in precedenza, la logica del gruppo americano in The Whole Love è degna di coincidere con la massima ascesa intellettuale risalente agli inizi del nuovo millennio, ricca di spunti riflessivi qual'è. Trattiamo in prima istanza degli estremi dell' album, che costituiscono l' inizio e la fine di questa opera da noi configurata e pensata come un albero, due suite che secondo il percorso introdotto dagli Wilco dovrebbero costituire in ordine le radici da cui muoversi per la realizzazione degli altri episodi e la chioma, massimo punto compositivo e tappa fatidica di non ritorno. L' iniziale Art of Almost svela però solo in parte il contenuto di The Whole Love, dispiegandosi lungo i sette minuti di cui è composta in un volo fatto di leggeri rintocchi elettronici vagamente Radioheadiani ed un andamento essenzialmente pop prima, per poi contraddistinguersi grazie all' assolo di chitarra, accompagnata unicamente dai synth e dalla batteria a scandirne il tempo. Questa opener, più che introdurre il lavoro dal punto di vista dello stile adottato, rispecchia in pieno quel mood facilone ma altrettanto sperimentale e per certi versi ostico di cui si appropierà praticamente ogni traccia. La perla conclusiva One Sunday Morning ( Song for Jane Smiley's Boyfriend) invece persegue tutt' altra direzione, sebbene i toni siano ancora una volta piuttosto dimessi, come sommersi in un' oasi di pace: difficile non pensare agli Yo La Tengo, ma bisogna comunque notare che, nonostante ci sia in comune l' ossessione nell' introdurre ogni strumento possibile all' interno del brano, oltre che la stessa ammiccante tendenza alla bellezza, la versione proposta dagli Wilco risente meno di certe precise geometrie derivanti dal post-rock, risultando molto più godibile in ogni suo verso cantato. Cosa aggiungere, i due momenti cruciali di The Whole Love non risentono affatto della staticità di cui erano stati accusati di fronte agli ultimi lavori, ma anzi nel possibile cercano in tutti i modi, seppur mantenendosi su livelli di qualità medio-alti, di raggiungere una punta di autenticità ed assolutezza forse nemmeno raggiungibili. Ma nonostante ciò, lodevole è il tentativo di Tweedy e soci, che hanno provato a toccare gli astri senza però snaturare la pista intrapresa nell' opera in questione.

La corteccia.

Il secondo indispensabile fattore è costituito dalla corteccia, riguardante ovvero la stesura vera e propria dell' album a cui verrà imposta una tendenza che, almeno per minutaggio, è molto simile a quella dei dischi più immediati. L' architrave composta da un soft-rock robusto fatto filtrare attraverso cunicoli di soffice pop-rock assumerà qui innumerevoli espressioni, tramutandosi per lo più in pezzi inaspettatamente melodici oppure in momenti meno ambiziosi dove si farà avanti il suono degli strumenti principali. Altrimenti, tutto potrà sembrare come un perfetto mix tra le due cose. Questo è il caso ad esempio di brani come I Might - Non a caso primo singolo estratto - o The Whole Love, dove a rallentare le arrangiature tipicamente Byrdsiane si mettono di mezzo graziosi strumenti quali il glockenspiel, oltre a languide tastiere elettroniche. Fondamentale è pure il senso di inerme leggerezza provocata da canzoni come Sunloathe e Black Moon, quest' ultima senz' altro più ricca per la buona sezione di archi finali, a cui in contemporanea si aggiungono Dawned on Me e Born Alone, le più efficaci per il buon tiro power-pop. A far da corredo ci sono infine la beatlesiana Capitol City e le svolte folk di Rising Red Lung accompagnata da Open Mind, ma l' impressione è che i Wilco abbiano dedicato in modo particolarmente pignolo maggiore attenzione a non rompere gli equilibri di quest' opera, sagace nel perseguire con ardore un' alternanza convincente tra pop e rock, per quanto gli interventi alla fine possano risultare meno personali.

La verità, anche secondo i Wilco, stà ancora una volta a metà, e The Whole Love rappresenta in questo senso i due modi di agire di Tweedy e soci, bravi nel destreggiarsi sia con le vecchie corpulente esecuzioni sia con i nuovi standard che il sestetto ha saputo introdurre negli ultimi anni. L' album come compromesso non è affatto male: sacrificando qualche sfarzosa uscita che avrebbe sicuramente donato in coppia con l' opener e l' outro, grazie ad un' innata intuizione il tutto riesce a funzionare grazie alle soluzioni ritmiche sempre fatte approdare nel campo del pop tout court. Possiamo eleggere quindi The Whole Love come il primo vero e proprio ibrido in casa Wilco, un disco che riesce a stregare e riservare buone sorprese sia in versione dottor Jekyll sia in quella da Mr. Hyde, elevando il loro nome sopra a tutti gli altri ancora una volta.

Kammerspiel

Paolo Bellipanni — Mon, 06 Jun 2011 16:06:28 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Elettronica

Folk Rock

Etichetta:

Gizeh Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Anneke Kampman - voce, tastiere, arpa
- James Scott - chitarra, basso, programming, violino, ukulele

Tracklist:

1. Maschine
2. Wasp
3. Wild Things
4. Flinch
5. Cheer
6. Bear
7. Crawl
8. Tracer
9. Neanderthal
10. Giant
11. Ira

Conquering Animal Sound

Kammerspiel

Ad oggi, esordire con un buon disco vuol dire aver messo in tasca un buon 50% del proprio futuro musicale. Un mercato cinico e una massa mai appagata come quella contemporanea necessitano di nuove leve con insaziabile crudeltà, ma soprattutto (e questo riguarda in primis il pubblico) desiderano che le realtà esordienti si consolidino e si assestino, onde evitare di perdere quel po’ di buono che raramente viene fuori durante l’anno. I Conquering Animal Sound, duo scozzese (di Edinburgo, per la precisione) che fa capo a Anneke Kampman e John Scott, sono il classico progetto giovane e brillante portato sull’altare del momento da un disco d’esordio piacevole e di qualità. Sperare che possa maturare e migliorarsi è il primo desiderio che la mente produce.

Perché Kammerspiel (titolo preso in prestito dal movimento teatrale e cinematografico tedesco degli anni ‘20) è un disco che sarebbe meglio non perdersi, nonostante si inserisca automaticamente in quel calderone definito folktronica che, più che uno stile, è divenuto un vero e proprio trend. Che la folktronicasia ormai una corrente stilistica globalizzata e profondamente stratificata è cosa nota a tutti ma, sebbene il genere venga spesso preso di mira per incapacità di rinnovamento e per caratteristiche abusate, in interpretazioni come quella dei Conquering Animal Sound tali discorsi cominciano leggermente a perdere peso e importanza. Pur senza rivoluzionare nulla ma portando a termine un piacevole connubio tra strumentazione folk e cornici elettroniche, il duo scozzese è riuscito a rielaborare il genere in chiave molto intima e naturalistica, coinvolgendo soprattutto grazie ad una vena melodica non indifferente.

La qualità c’è e si sente, il songwriting è maturo, i suoni calibrati e ben inseriti nel registro strumentale, le atmosfere dense e pure. Molto, in Kammerspiel, è giocato su lidi indietronici, il tutto arricchito da vaghi sapori post-rock e dalle contaminazioni tra folk e sfera elettrico-elettronica, continue ed intriganti. A colpire è innanzitutto il taglio contemplativo ed onirico scelto dal duo scozzese: i palesi e colti richiami ai vari Clogs, Sigur Ros e Bjork sono infatti filtrati in una sorta di soave meditazione naturalistica, onirica ma asciugata dagli effetti più psichedelici del genere: ne sono esempio Wasp (intervallo elettrico a cavallo tra mùm ed indietronica), Tracer (malinconica perla dell’album), Neanderthale Bear (vere e proprie contemplazioni naturalistiche). A questo va ad aggiungersi la grande ricchezza strumentale del duo, visto che Kammerspiel gioca infatti molte delle sue carte proprio sui contrasti timbrici e sulla varietà sonora di cui è composto ogni singolo episodio del disco. Tra arpe, loop vocali, ritmi sintetici, archi e fiati, a dominare è un onirismo estremamente delicato (i toni circensi e ipnotici di Flinch, la più elettronica Giant, la sospensione atmosferica di Wild Things), che si ripercuote in un immaginario musicale “innocente”, quasi infantile per la leggerezza, la sobrietà e l’atmosfera da casa dei giocattoli che il duo scozzese è riuscito ad evocare.

Un disco che è aria, un canto sinuoso che ha la consistenza del vento e la ruvidità dei rami. Kammerspielè un lavoro da non lasciarsi scappare e, alla stessa maniera, i Conquering Animal Sound sono un gruppo da tenere fortemente d’occhio, soprattutto a causa di un panorama ormai stantio come quello (indie)folktronico che troppo raramente riesce a proporre qualcosa di veramente convincente.

Demolished Thoughts

Gabriele Bartolini — Fri, 27 May 2011 13:48:01 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2011

Link correlati:

Matador records

Line-Up:

-Thurston Moore - Voce, chitarra acustica
-Samara Lubelski - Violino
-Mary Lattimore - Arpa
-Bill Nace - Chitarra
-Joey Waronker - Batteria
-Bram Inscore - Basso
-Beck Hansen - Cori

Tracklist:

1. Benediction
2. Illuminine
3. Circulation
4. Blood Never Lies
5. Orchard Street
6. In Silver Rain With a Paper Key
7. Mina Loy
8. Space
9. January

Thurston Moore

Demolished Thoughts

"Whisper "I love you my darling, life is just a fling" / But I know better than to let her go"

Thurston Moore, il tutto fare della musica rock, dopo nemmeno un anno dall' incisione della soundtrack per il film francese Simon Werner a Disparu torna con un nuovo album, il quarto in veste solista, intitolato Demolished Thoughts. Certamente non è uno di quegli artisti che si fanno attendere nella pubblicazione di nuovo materiale, considerato che fin dagli anni '80 non ha mai nascosto niente ai propri fan, incidendo dischi non appena il numero di brani lo permetteva, riuscendo addirittura a dare alle stampe nel 2006 un lavoro interamente dedicato a b-side e rarità. Così come tanti sono i generi che sono stati suonati ed esplorati dall' artista americano, dai quali gli stessi Sonic Youth sono stati naturalmente influenzati, a partire dalla no-wave di Confusion is Sex per finire con l' indie/rock "pulito" di Rather Ripped, considerando che l' ultimo The Eternal, anche primo con la Matador, ha segnato un ritorno alle origini per il quartetto. Thurston si imbarca verso la via del folk, interpretato sì in maniera acustica, ma arricchito di ulteriori parti sonore a cui non daremo il giusto merito se ci limitassimo ad etichettare Demolished Thoughts come un disco di solo folk acustico. Nella line-up attuale l' unico membro già presente nel suo personale ensemble è la violoncellista Samara Lubelski, per il resto il gruppo è composto da Mary Lattimore all' arpa, il chitarrista Bill Nace più il bassista Bram Inscore e il batterista Joey Waronker, ormai musicisti fissi.

Questa volta Moore decide di interpretare le nove tracce con un mood soffuso e rilassato, senza ovviamente farsi carico di tutti i suoni, ma costruendo come suo solito composizioni notevoli con gli strumenti a sua disposizione, deviando più volte la sua personale narrazione in prima persona con violino ed arpe, facendo rallentare i ritmi ed entrando in una cappa sonora a suo modo tipica delle sonorità dei Sonic Youth, separando quindi con parti strumentali spesso malinconiche parti del cantato, in modo da farlo risultare spontaneo e per niente dispersivo. Un altro grande plauso va indirizzato sicuramente all' altro ingegnere del suono presente in fase di registrazione, che corrisponde al nome di Beck Hansen. Da chitarrista patentato qual'è dimostra una certa mania nel far risaltare le parti composte a dodici corde, ma allo stesso tempo ad inserire a volumi prepotenti le altri parti, dai riverberi controllati provenienti dal basso fino alle orchestrazioni ricche di un' espressività sicuramente fuori dal comune. Rispetto al precedente Trees Outside the Academy il lavoro è spiccatamente più confidenziale, meno attaccato alla band sonica ma suo, in tutti i sensi. Questo approccio più libero e distaccato permette di tornare indietro nel tempo agli album maggiormente sperimentali; in particolare i suoni, meno rock e più curati, sembrano essere quelli di Murray Street, ambizioso ed altrettanto meritevole album del 2002. Il paragone con lo stesso Beck sembra non avere significato per tematiche trattate e percorsi sonori, anche se in un certo senso le versioni più acustiche possono avvicinarsi pure al suo stile.

Entrando nell' ottica di analisi delle tracce di Demolished Thoughts, si nota come i primi quattro brani siano costruiti su una metrica puramente folk e pop, dotati di un ritornello e di una base stabile e adattata, mentre nella rimanente parte Moore imbracci prepotentemente la propria chitarra e si metta a scervellarsi al fine di inventare la melodia da far evolvere e magari mutare a proprio piacimento. Si parte con il suono di Benediction, tutt' altro che complicato ma allo stesso tempo profumato e fragrante, apparentemente animato da sospiri struggenti e tristi. Illuminine presenta invece un aria più sognante, un' atmosfera sospesa tra la pesantezza della Terra e la leggerezza del cielo. La forza di gravità ci spinge giù, evidenziando il suono cinico e rock di Circulation, ma soprattutto le problematiche ( riguardanti l' amore e non) dell' essere umano, qui sintetizzate in un testo che strabocca di buone vibrazioni, in termini qualitativi ed emotivi. Anche in Blood Never Lies il buon Moore ci offre cinque minuti di pura ambrosia, strimpellando e cantando con quella voce da buon saggio, oppure da Dio verrebbe da dire, tanto per concludere con le analogie; in questo episodio il suono è più smunto ed essenziale, solo i violini arricchiscono in maniera evidente la composizione, mentre un timido Beck si fa avanti ai cori. Ma si sa, quando si è fenomeni si può manipolare la propria creatura a piacimento, donando le più disparate sfaccettature, congelando le esecuzioni e giocando a fare melina, ma soprattutto sapendo quando reimpostare la manovra evitando i fischi del pubblico infastidito. Orchard Street è pura energia sonica stranamente in crescendo, lenta ed incisiva, mentre In Silver Rain With a Paper Key riprende le melodie abituali di Demolished Thoughts per andare a comporre un brano che più di tutti evidenzia il lavoro di Hansen. Mina Loy porta in cattedra capacità probabilmente innate, risultando essere una vera e propria calamita per riverberi scuri ed antipatici, seguita da Space, composizione che abbraccia tutti gli strumenti a disposizione, presentando suoni ed echi maggiormente evoluti ma trascinandosi alla fine in maniera piuttosto languida e spenta. Dopo un brano difettoso la chiusura è tutta per January, che suona come qualcosa di puramente etereo, alternando ottimamente la concretezza e l' ermeticità del cantato con la dissolvenza della musica.

In chiusura, cosa aggiungere di nuovo rispetto a ciò che è gia stato detto? Thurston Moore è uno di quei pochissimi artisti capaci di rinnovarsi e migliorarsi cogliendo ogni lato positivo del proprio percorso( non solo musicale) e traendo linfa nuova da questi. Questo suo nuovo disco dimostra perfettamente gli anni che ha, ovvero 52. Dopo una vita passata a suonare rock( di quello sporco, duro e per nulla remunerativo), ad inneggiare contro il nazismo e a far battaglia coi critici svela un lato da cantautore incallito impressionante alle orecchie dell' ascoltatore, letteralmente immerso in questa sorta di personalissimo tentativo di intrattenimento, che abbraccia sì gli stili più popolari della musica ma che sa suonare come qualcosa di innovativo, o perlomeno nuovo. Noi ne prendiamo atto, meravigliandoci di questo Demolished Thoughts, viaggio infelice d' amore tra pianeti, astri e stelle, invitando pure tutti gli appassionati del cantautorato ad avvicinarsi al disco, tutt' altro che un divertissement.

Several Shades of Why

Paolo Bellipanni — Wed, 20 Apr 2011 08:09:35 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Roberto De Medici

Genere:

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2011

Line-Up:

- J Mascis - voce, chitarra
- Kurt Vile - voce, chitarra, piano, optigan
- Pall Jenkins, voce, lap steel, piano, optigan
- Kevin Drew - voce, clarinetto
- Ben Birdwell - voce
- Suzanne Thorpe - flauto
- Sophie Trudeau - violino
- Kurt Fedora - chitarra
- Matt Valentine - chitarra

Tracklist:

1. Listen to Me
2. Several Shades of Why
3. Not Enough
4. Very Nervous and Love
5. Is It Done
6. Make It Right
7. Where Are You
8. Too Deep
9. Can I
10. What Happened

J Mascis

Several Shades of Why

Sino ad oggi era francamente difficile immaginare i Dinosaur Jr. senza il muro sonoro delle chitarre che li aveva resi tanto apprezzati e imitati. J Mascis riesce invece a spogliarli completamente, dimostrando che oltre la potenza, la complessità e l’efficacia dei suoi assoli ci sono testi, melodie ed atmosfere che non hanno nulla da invidiare agli ultimi lavori di Neil Young, al quale è stato spesso accostato. Come già Eddie Vedder aveva fatto coi Pearl Jam nel 2007, l’ex frontman dei Dinosaur Jr. si libera dalle dolci zavorre delle linee di basso di Barlow e dei colpi decisi della batteria di Emmett Jefferson 'Patrick' Murphy, avviando un processo di catarsi e ripulitura al quale sopravvivono le belle melodie quasi sussurrate, la voce che scivola su accordi semplici ed efficaci, la pulizia del suono. Le collaborazioni di Kurt Vile, Ben Bridwell (Band of Horses) e Kevin Drew (Broken Social Scene) impreziosiscono poi l’album e lo attualizzano senza troppi sforzi.

La critica è concorde nell’incanalare questo nuovo bel lavoro ad un filone quasi folk del cantautorato statunitense. In realtà termini come “folk”, “cantautorale”, sembrano quasi riduttivi; di atmosfere folk non è che ce ne siano poi così tante, i paesaggi attraverso cui immaginiamo muoversi le melodie di “Listen to Me” o “Where Are You” non sono né il New Jersey di Springsteen, né l’arioso Canada di Young, ma un piccolo appartamento di provincia, accogliente, a tratti malinconico e desolato.

La prima cosa di cui ci si accorge ascoltando Several Shades of Why è la disarmante semplicità che accoglie l’ascoltatore sin dalla prima traccia; Listen To Me è un complesso di sincere, intime frasi d’amore ("Listen to me, I can't wait to see you, I can't wait to be you") che scorrono leggere sul familiare timbro di voce di Mascis. La maliconia embrionale della prima traccia esplode poi nel testo e nei definiti arpeggi di Several Shades of Why ("Why should I have time an answer? Several shades of why I can't go back").
Not Enough costituisce probabilmente uno dei motivi per cui l’album viene accostato tanto facilmente ad un rock di matrice folk; il tamburello che ci accompagna sino alla fine, la voce femminile di sottofondo, l’atmosfera più rilassata, ne sono la prova tangibile. Very Nervous and Love torna invece alla corda malinconica, ricordando vagamente “Alone” di “Hand It Over” del 1997. La semplicità con cui qui Mascis continua a dipingere i suoi affreschi si manifesta ora in modo completamente evidente per l’uso quasi minimale che viene fatto di tastiere e chitarre secondarie, con un timido banjo che da lontano si avvicina alla chitarra principale.
Is It Done non è memorabile, ma viene impreziosita dall’irrefrenabile voglia di Mascis di distendere un assolo sporco, preciso e melodico. Il gioco è fatto, la distorsione è stata introdotta, e Make It Right è una rilassata melodia che si stende per 3 minuti e mezzo di incastri sonori tra una chitarra acustica e un paio di tracce distorte in sottofondo.
Where Are You è forse il momento più riuscito dell’album, la melodia della voce è orecchiabile, ritmica, semplicemente perfetta, e si alterna ad un riff elettrico che impreziosisce il tutto conferendo alla canzone un taglio più stimolante.
Too Deep è posizionata nella parte finale del lavoro, ed è una scelta felice; il movimento delle dita di Mascis sull’acustica è ipnotico e tiene fermo l’ascoltatore lì dov’è: 2 minuti di parziale incoscienza sonora che fungono quasi da anticamera alla esasperante tristezza di Can I ("Again I'm lonely lonely lonely all the time, can I feel the way but there's no peace to find"). Qui le posizioni si invertono, J Mascis mischia le carte, e mentre la chitarra elettrica spara malinconici accordi minori, quella acustica vi disegna un elengantissimo assolo.
What Happened è un tranquillo pezzo pop, che scorre senza grandi sussulti, forse il pezzo meno interessante dell’album, che però ben si presta alla chiusura per il finale in crescendo, le chitarre che si sovrappongono tra loro e l’assolo di commiato che J Mascis generosamente ci regala.

Il capellone induista scompare così, nascosto tra le sue distorsioni, quasi a voler ribadire che sì, la semplicità affascina e conquista, ma il suo diamante prezioso sarà per sempre una cattivissima Fender Jazzmaster che forse, in fondo al cuore, già rimpiange.

Alonetogether

Giulio Magliulo — Wed, 23 Nov 2016 05:13:28 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Dotto

Anno:

2016

Line-Up:

Michele Sarda: voice, guitars, bass
Enrico Viarengo: guitars on #1 and #5, vocals on #1, #3, #4, #10, synth on #3
Ulisse Moretti: drums on #6, melodica on #5
Loris Spanu: self-built Theremin on #8
Roberto Necco: banjo on #10

Tracklist:

	1.	Ask the stars 04:05
	2.	Better than yesterday, worse than tomorrow 04:10
	3.	November 04:06
	4.	Stranded 02:45
	5.	Christmas eve lonesome bitterness blues 05:41
	6.	Outcast manifesto 01:49
	7.	You & I 03:09
	8.	Girl interrupted 02:00
	9.	One for the missing 03:08
	10.	Scenes from a wedding 03:11
	11.	Winterlight 01:37

Neverwhere

Alonetogether

Capita che a cantare in inglese in Italia - al di là dell'ovvia barriera linguistica - si rischia di essere poco credibili quando è una sensazione di debolezza del progetto artistico a prevalere.
Questo è meno evidente nelle formazioni rock o elettroniche, ma quando ci si mette a nudo come nel cantautorato acustico è più facile che possa succedere.
Insieme a Guy Littell e ai Pristine Moods ora c'è anche Neverwehere ad ambire alle sedie di quelli che invece lo fanno bene.
Neverwhere, nome d'arte di Michele Sarda (bassista dei New Adventures in Lo-Fi e chitarrista degli American Splendor) in questo debutto solista contempla davvero tutte le migliori influenze di 'genere' degli ultimi trent'anni, riuscendo a prendere perfino quel poco di buono che c'era nel New Acoustic Movement di metà anni novanta, unendolo alla levità di certo cantautorato folk di matrice nordeuropea anni zero e andando ancora più indietro, a ripescare la scena intimista di personaggi e formazioni mitiche quali Mark Eitzel o Spain.
Qualche scossa elettrica è mutuata invece dai Replacements che insieme ai riverberi dei R.E.M.chiudono il cerchio.
November e Ask The Stars le tracce che rappresentano al meglio il talento di Neverwhere e le gioie nascoste di un disco come Alonetogether, ascolto ideale per la stagione che stiamo vivendo e per quella che verrà.

LowLife

Giulio Magliulo — Thu, 08 Jan 2015 12:48:18 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Folk Rock

Etichetta:

Granular Skin

Anno:

2015

Line-Up:

Enrico Carrino - Voice, All Instruments

Tracklist:

1 - Come Una Montagna
2 - Nuvole
3 - Anche Gli Scarafaggi Sognano Il Cielo
4 - Onesto Come Un Pugno Sui Denti
5 - Lontani
6 - Conchiglia

Enrico Carrino

LowLife

Vecchia conoscenza Carrino che mette da parte i monicker Ame ed Amepantin pur prendendo l'approccio acustico dal primo e l'italiano dal secondo.

In queste metamorfosi, in questi continui cambi di muta, quello che emerge è una necessità dell'artista di aderire ad una verità - una sua verità – che sovrasta ogni logica di mercato, ogni tendenza, scevra da qualsivoglia calcolo.

Questo è quello che arriva al di là della musica, ad un livello più profondo, perché mantenendosi sulla semplice valutazione estetica possiamo sicuramente dire che questo di Enrico è anche il disco più semplice ed immediato, ma al contempo ricco e completo.

Come un cerchio che si chiude, dopo aver sperimentato in lungo ed in largo, sembra che questa dimensione sia quella che meglio ci permetta di comprenderlo. Un tessuto chitarristico mai così nitido che deve tutto al folk degli anni settanta come a quello dei nostri giorni che a quegli anni guarda.

Gli arpeggi cristallini di LowLife troveranno ampi consensi sia da parte dei fan di Comus, Fairport Convention e Pentangle che di Espers e Circulus. Può sembrare strano che non ci sia nessun elemento schiettamente mediterraneo per un artista campano, ma che il suo spirito sia più affine a quello nordeuropeo, almeno adesso, lo lascia intendere egli stesso nell'incipit di Come Una Montagna.

La malinconia, la nostalgia, gli accordi in minore qui diventano molto più di una denuncia al male di vivere: qui si rasenta una dichiarazione di pessimismo cosmico. Nuvole non è forse una preghiera alla Nick Drake di identificazione nella purezza della natura lontana dai nostri meschini business terreni?

Oltre alla chitarra c'è poi la voce di Enrico, che come già detto per i suoi lavori precedenti, assume dei toni che forse non a tutti possono piacere, sia per quel suo vagheggiare tra il poetico/teatrale come in certo folk/prog nazionale impegnato degli anni delle contestazioni, sia per quella marcata dizione regionale che limita la sua fruibilità in contesti geografici 'altri' ma su cui si può sicuramente lavorare, se si vuole.

In ogni caso parliamo di specie artistica in estinzione e come tale va ascoltato, protetto e salvaguardato che tra poco così non ce ne saranno più.

Dark Mark Does Christmas 2012

Giulio Magliulo — Fri, 14 Dec 2012 15:12:41 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Folk Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2012

Tracklist:

01. The Cherry Tree Carol
02. Down In Yon Forrest
03. O Holy Night
04. We Three Kings
05. Coventry Carol
06. Burn the Flames

Mark Lanegan

Dark Mark Does Christmas 2012

Come già espresso ultimamente in merito alle cover, anche le canzoni di natale sono un bel banco di prova per gli artisti. Le ‘Christmas Songs’, banali per molti, possono essere davvero rivelatrici dell’animo di chi le esegue poiché è la natura stessa dell’evento natalizio ad amplificare certi stati d’animo, euforici e gioiosi per alcuni, tristi e depressi per altri, irritati o distaccati per taluni altri ancora. Va da sé quindi che dal vasto campionario di umani sentimenti potenziati dalla sensibilità artistica dei musicisti se ne possano sentire delle belle.

E che Mark Lanegan abbia fatto il suo e.p. natalizio a noi non può che far piacere. Già sorridiamo al pensiero della sua voce profonda che si confronta con questa tradizione o soltanto con l’idea di questa tradizione. E già sappiamo – al di là delle nostre personali inclinazioni per questa festività – che si tratterà di un ascolto in qualche modo intimo, molto personale, da condividere con pochi o da fare forse anche da soli.

Il primo brano eseguito è The Cherry Three Carol, caròla natalizia la cui musica appartiene verosimilmente al canzoniere folk americano di inizio ‘900 mentre il testo - ispirato da un passo dei vangeli apocrifi - risale alla prima metà dell’800 ed è basato su una diffusa credenza medioevale che voleva che Giuseppe fosse piuttosto contrariato dalla prodigiosa gravidanza di Maria e per questo si rifiuta di prenderle delle ciliegie. Se da un lato il lieto fine è assicurato, Lanegan preferisce soffermarsi sulle parti in cui è l’angoscia del santo a prevalere e nondimeno lo fa con un accompagnamento musicale ‘roots’ ridotto all’osso, degno dei 16 Horsepower di Dave Eugene Edwards. (Curiosità: come ogni ‘traditional’ di questo brano ne esistono centinaia di versioni, la più conosciuta è probabilmente quella degli anni ’60 del trio folk Peter, Paul & Mary ma ne esiste anche una versione italiana, Il Cliegio, ad opera di Angelo Branduardi).

La traccia successivo, Down in Yon Forest è un’altra caròla dell’Inghilterra rinascimentale dai toni febbrili ed apocalittici e se prima il riferimento a Dave Eugene Edwards era solo una suggestione, adesso il legame è ancora più forte poiché ne esiste davvero una versione fatta dalla sua creatura Woven Hand nell’album Consider The Birds del 2004.

Con O Holy Night, canto natalizio francese del 1847 (poi tradotto in Inghilterra qualche anno dopo nella versione universalmente nota)‘Dark Mark’smette i panni del cantore allucinato per restituircelo classico e rassicurante in puro crooning style.

Segue We Three Kings che se non fosse il brano del Reverendo Hopkins conosciuto da circa centocinquanta anni, potrebbe essere ascritto al canzoniere laneganiano grazie ai suoi toni dimessi ma caldi e vibranti.

C’è poi Coventry Carol, del sedicesimo secolo che si incentra su uno dei più oscuri episodi biblici, la strage degli innocenti e qui il nostro rinuncia addirittura a qualsiasi strumento avvalendosi esclusivamente della sua voce.

L’e.p. si conclude tra le candele smorzate, gli scheletri ed i vampiri di Burn The Flames, l’unica vera cover del lotto essendo un brano del guru psichedelico Rocky Erickson, resa già grande dagli indimenticati Thin White Rope. La versione di Dark Mark, la sua profondità vocale per certi versi simile a quella di Guy Kyser anche se meno tagliente, ricorda moltissimo quella della band californiana e per questo ci fa sentire la mancanza di quei solos infuocati (diversamente presenti anche nell’originale) che ci si aspetta da un momento all’altro ma che non arriveranno.

Con questo e.p. Lanegan fa un’operazione per certi versi simile a quanto fatto da Tim Burton nel cinema ed ora anche i più allergici al natale potranno avere il loro disco (ma solo se lo compreranno ad un suo concerto essendo praticamente autoprodotto e al momento non distribuito).