Crossover

The Hunting Party

Matthias Stepancich — Wed, 11 Jun 2014 18:22:29 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Giuseppe Dalicante

Genere:

Punk Rock

Pop

Crossover

Etichetta:

Machine Shop/Warner Bros.

Anno:

2014

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Chester Bennington – vocals
Rob Bourdon – drums, percussion
Brad Delson – lead guitar
Dave "Phoenix" Farrell – bass guitar
Joe Hahn – turntables, sampling, programming
Mike Shinoda – vocals, rhythm guitar, keyboards

Guests:
Page Hamilton - vocals (on "All for Nothing")
Daron Malakian - guitar (on "Rebellion")
Tom Morello - guitar (on "Drawbar")
Rakim - vocals (on "Guilty All the Same")

Tracklist:

1. Keys to the Kingdom – 3:38
2. All for Nothing (feat. Page Hamilton) – 3:33
3. Guilty All the Same (feat. Rakim) – 5:55
4. The Summoning – 1:00
5. War – 2:11
6. Wastelands – 3:15
7. Until It's Gone – 3:53
8. Rebellion (feat. Daron Malakian) – 3:44
9. Mark the Graves – 5:05
10. Drawbar (feat. Tom Morello) – 2:46
11. Final Masquerade – 3:37
12. A Line in the Sand – 6:35

Linkin Park

The Hunting Party

“Oh m***a, le radio rock non passeranno più le nostre canzoni, non è vero?”. È questa una delle domande che Mike Shinoda, la mente dei Linkin Park, ha rivolto al suo manager prima di rivolgerle a se stesso. “Sono pronto comunque ad una sfida e credo nella musica”, la risposta dello stesso Shinoda rilasciata in un’intervista al Rolling Stone.
Al contrario di quanto ci si potesse aspettare però i “nuovi” Linkin Park non hanno continuato a seguire quel sound elettro-pop melodico che aveva contraddistinto i loro ultimi lavori. In particolare A Thousand Suns, l’apice del loro cambio più repentino di stile e dunque di maggiore distanza da ciò che li ha portati ad essere i Linkin Park: l’energia, l’intensità emozionale dei loro pezzi, quel misto di rabbia e malinconia fatta di riff accattivanti, di chitarre, di strofe ritmate e melodiche.

Era quella la direzione in cui stavano andando, conferma Shinoda nella medesima intervista, ma ad un certo punto c’è stato un cambio di rotta. Non erano più sicuri che fosse quella la vera direzione da prendere, e The Hunting Party è il primogenito di quel pensiero insicuro, di quei dubbi che si sono trasformati in certezza: i Linkin Park sono tornati. Non dobbiamo però aspettarci un nuovo Hybrid Theory o un nuovo Meteora, bensì un gran miscuglio di tutto e niente; un sound che non è di certo tornato quello del miglior nu-metal di quella generazione, ma che da quel nu-metal recupera parte dell’energia delle chitarre, lasciando evolvere le batterie, amplificando le urla, incattivendo i ritmi. Influenze fortemente punk rock e dall’hardcore melodico fanno prepotentemente il loro ingresso in quest’opera, alzando notevolmente l’indice tecnico di ciò che vien suonato, rendendo la vita più complicata a Brad Delson ma soprattutto al batterista Rob Bourdon, forse la star emergente di questo album.

“Keys to the Kingdom” mette subito le cose in chiaro, grazie a urla strozzate di Chester Bennington e all’aiuto di Joe Hahn che aggiunge un tocco di elettronica ed effetti, più tardi anche a Shinoda, al suo rap e alla sua performance melodica. Un pugno nello stomaco per coloro i quali si aspettavano i dolci pop di A Thousand Suns. Veloci i ritmi della batteria che varieranno durante la stessa canzone (doppio pedale, esatto, qualcosa che non ci si aspettava di certo, considerando gli ultimi lavori del gruppo a stelle e strisce), chitarre terribilmente aggressive che raschiano il sound incattivendolo più che mai. Il caos esplosivo, probabilmente la canzone più energica che i Linkin Park abbiano mai suonato, qualcosa di assolutamente straordinario.

Dopo essere stati lasciati piacevolmente introdotti al sound del nuovo album grazie a Keys to the Kingdom, Page Hamilton (frontman degli Helmet) mostra subito la sua influenza nelle tonalità di “All for Nothing” intervenendo poco dopo le prime strofe rap di Shinoda. Il pezzo sembra quasi suonare come uno dei brani dei Limp Bizkit (primi album), e il trio Hamilton-Shinoda-Bennington sembra funzionare alla grande. Ancora assoli di chitarra, magistralmente accompagnati dai cambi di ritmo di Rob Bourdon, e il refrain “All for nothing” tipicamente punk rock mostra chiaramente quanto Bennington sia in grado di aggiungere del proprio nella sua interpretazione helmettiana.

È poi il turno di “Guilty All the Same”, il primo vero singolo presentato dalla band statunitense, in collaborazione con il leggendario Rakim, uno dei migliori MC di sempre. Tuttavia, prima di far la sua comparsa nel brano, la band mostra palesi influenze dall’hardcore melodico se non dal metalcore, dunque più lavoro del solito per Bourdon e Delson, che ancora una volta giocano bene mantenendo il ritmo delle chitarre e delle batterie piuttosto alto. È da poco più della metà della canzone che The God MC Rakim fa la sua comparsa, ricordando a tutti chi ha influenzato gente come Shinoda, ad esempio. La canzone termina con uno shredding, uno dei tanti che potranno essere apprezzati lungo il corso dell’album.

Piccolo momento di pausa con “The Summoning”, una sequenza di intermezzo dove dei carillon distorti ed un crescendo d’effetti elettronici tipici dei momenti di tensione di un qualsiasi blockbuster ci introducono al prossimo pezzo: “War”. Qui siamo solo ed esclusivamente sul punk rock, non vi sono altre influenze. Non ci sono effetti di sorta, una totale assenza del DJ Joe Hanh e di Shinoda, spazio per Bourdon ancora una volta, ma soprattutto per lo shredding caotico-punk di Brad Delson, e per aggressività pura nelle urla di Chester verso il finale della canzone. Tuttavia il pezzo non pare incantare, violenza gratuita ma che non sembra lasciare il segno.

Cambio radicale avviene con “Wastelands”, che sembra abbracciare la classica formula rap shinodiano + melodia alla Chester. L’influenza punk è qui minima, un lavoro abbastanza in linea con lo stile dell’ultimo album Living Things, un ritmo piuttosto costante con un momento di esplosione prolungato nei tempi verso i tre quarti del pezzo. Poi un lieve momento di calma, dove Chester pian piano riprende il ritornello, che termina con un ponte-intro per la track successiva.

“Until It’s Gone”, è sicuramente la canzone che rappresenta i Linkin Park melodici modello Minutes to Midnight. Shinoda assente nella canzone, ma enfasi sull’energia delle chitarre, un ritmo lento e gustosamente pop-rock, Joe Hahn che utilizza effetti sintetizzati tipici delle soundboards modello 8-bit, sebbene non prepotenti. Il ritmo della canzone potrebbe essere paragonato a quello di What I’ve Done dell’album Minutes to Midnight, ma più deciso, più energetico, più in stile Linkin Park originali. Per non dimenticare, Chester ci ricorda di essere in grado di urlare rendendo la canzone quasi rabbiosa ma ancora di appeal pop, alla fine del pezzo.

“Rebellion”, una delle track più attese, è in collaborazione con Daron Malakian (chitarrista dei System of a Down nonché Scars on Broadway). Esattamente come con Page Hamilton, l’influenza di Malakian è chiara come il sole, con il sound delle chitarre arabeggianti del maestro armeno-americano. Senza esser troppo scontati, il pezzo suona esattamente come uno dei System of a Down, e Mike Shinoda accompagna perfettamente Chester durante l’intera canzone. Essendo in stile SoaD, la canzone si innesca verso i tre quarti con una dose violenta di “We fall apart”, urlata magistralmente da Bennington.

“Mark the Graves” inizia con il duo Delson-Bourdon, che ancora una volta dimostra di saper alternare ritmi davvero interessanti, ora repentini, ora lenti. Una canzone denotante un Chester melodico che prosegue attraverso i ritmi, spesso cangianti, dettati da una batteria mai così presente come in questo pezzo. Mike accompagna Chester senza mai sovrastare la voce di quest’ultimo, in quello che sembra un festival di cambio di ritmi parecchio amalgamati, sulla (bella) copia di una track in stile A Thousand Suns in quanto a varietà di ritmi, ma con una massiccia presenza di quelle chitarre che in quell’album sembravano quasi assenti.

La nota dolente dell’album è la collaborazione con Tom Morello (celebre chitarrista dei Rage Against the Machine) in “Drawbar”. Un pezzo interessante in teoria, ma che in pratica non mette a frutto alcun potenziale. Dura poco, non esplode, il pianoforte dolce è bello nelle sue note, ma la chitarra pizzicata e distorta da Joe Hanh non rende sfortunatamente giustizia all’immenso groove che avrebbe potuto offrire questa collaborazione. Di Chester e Mike non c’è traccia, non c’è cantato. Concettualmente con parecchio potenziale, sfortunatamente lascia l’amaro in bocca. Una buonissima sequenza d’intermezzo, certo, un po’ come dire di guidare una Ferrari su una pista ciclabile: uno spreco.

“Final Masquerade” continua la scia di dolcezza iniziata da Drawbar portandola ad un livello sicuramente più vicino allo stile melodico del gruppo a cui siamo stati abituati da Minutes to Midnight in poi, ma anche qui con delle chitarre che le rendono giustizia, restituendo quel suono emotivamente intenso firmato Linkin Park che si era perso per strada via via con gli anni. Una ballad di tutto rispetto, la classica track da inserire in un nuovo Transformers. Una canzone che attraverso i dolci e malinconici versi di Chester sembra esprimere alla perfezione concetti come delusione e rimpianto. L’assolo tenue di Delson ad un certo punto connette la canzone in modo esemplare. Un pezzo che, seppur non brillante di originalità, risulta forse uno dei più riusciti nel suo intento: trasmettere emotività, come ai vecchi tempi.

L’album si chiude con la sorprendente “Line in the Sand”, che rafforza il concetto di sorpresa, di piacevole sorpresa che rappresenta l’intera opera. Si apre melodicamente bene, con Mike che sembra introdurre una nuova ballad, ma invece cambia di ritmo in maniera impressionante, spiazzando l’ascoltatore, che si ritrova assalito da una delle oramai classiche alternanze Delson-Bourdon; chitarre veloci, batterie pesanti. Poi ancora la calma, ritmi che cambiano ancora, e Shinoda che pian piano si lascia supportare da Bennington, che prende possesso della track parallelamente a un’iniezione di ritmi chiaramente punk rock. In questa canzone c’è tutto: il canto melodico di Mike e Chester con urla e versi rap dei rispettivi esponenti, l’elettronica di Hahn, le influenze pop-rock, i bassi di Phoenix Farrell, gli assoli di Delson, le esplosioni di batteria di Bourdon. La degna conclusione che meglio rappresenta l’intero spirito dell’album: il vecchio misto al nuovo, il tutto con un unico minimo comune denominatore chiamato “energia”.

I Linkin Park sono tornati? Si.
Sono quelli di un tempo? In parte.
Dopo i primi accenni di un risveglio degno di nota nell’ultimo Living Things, il gruppo dimostra di essere in grado di fare cose straordinarie, e The Hunting Party esprime un lavoro certosino che eleva ogni singolo membro del gruppo.
A parte qualche lieve incertezza in War e la deludente Drawbar, The Hunting Party si piazza di diritto negli album top in uscita quest’anno (e non solo).

Siamo davanti al nuovo Hybrid Theory? No, siamo tecnicamente su di un livello superiore.

Bentornati Linkin Park.

2+2=8

Giulio Magliulo — Sun, 27 Sep 2015 18:20:48 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A.Giulio Magliulo

Genere:

Crossover

Alternative Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2015

Line-Up:

Lorenzo Lemme

Jacopo Ruben Dell’Abate

Tracklist:

01. Buleria

02. Prurito

03. Mare

04. Messa A Fuoco

05. Funambulo

06. Mandarino

07. Mandibola

08. Aprire La Mente

09. Albero

LeSigarette!!

2+2=8

Ok, il nome del duo può essere irritante perché richiama altre band e altre storie dell'italietta musicale che meno ci interessa, ma considerando le sigarette come metafora di un mercato musicale in cui tutto si consuma e si brucia velocemente, un mp3 dietro l'altro, esso ci può stare.

Andando oltre, solo belle cose per Jacopo Ruben Dell'Abate e Lorenzo Lemme.

I due romani hanno infatti il grande merito di far riemergere un capitolo importante, un filone spesso poco battuto della storia della musica indipendente che qui da noi non ha mai avuto grande seguito e fortune.

Minutemen e Firehose sono i nomi e qualsiasi tentativo di ingabbiarli in un genere è destinato a fallire.
Qualcuno lo definisce p-funk ma a me personalmente il termine non ha mai convinto poiché associandolo a formazioni più crossover, dai primi RHCP a Psychefunkapus a Limbomaniacs, mi sembrava quasi di fare un torto alla sottile genialità delle formazioni californiane dalla radice comune.

Da lì partono Le Sigarette!! e se avessero avuto qualche accenno in più all'hardcore, perché no, anche i canadesi NoMeansNo avremmo tirato in ballo.

Chitarra e batteria dunque – come tanti ormai - ma per fare qualcosa di diverso dal solito garage/blues/surf vintage e soprattutto – nonostante i ritmi serrati, spigolosi e geometrici - lontani dalla freddezza cerebrale del math rock, il tutto a favore di una divertente e prorompente energia che traspare anche dai testi in italiano scevri dalla demenzialità che ci si potrebbe aspettare e che rivelano tanta ironia, proprio come quella dei loro numi tutelari.

Manuale Per Funamboli

Giulio Magliulo — Tue, 17 Jun 2014 18:49:58 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Jazz Rock

Crossover

Etichetta:

Reddarmy

Anno:

2014

Line-Up:

01. Cinemomowa

02. Mi piaci se taci

03. Il palinsesto

04. Megadrive

05. Infanzia ubriaca

06. Ivana

07. Il cinismo e l’ironia

08. Voi non sapete cos’è l’amore (pt.1)

09. Voi non sapete cos’è l’amore (pt.2)

10 Minimo Comune Multiplo

11 Che vai cercando

12 Megalomanie diffuse

13 Lo Sposaliscio

14 Capodanno a New Orleans

15 Blu Elettrico

Tracklist:

Mole (testi, voce, elettronica, percussioni)

Ruggi “Clifton” Burigo (chitarra)

Giovanni “John” Zanon (piano, piano elettrico, organo, synth)

Andrea Ki (basso elettrico)

Stefano Funes (batteria, batteria elettronica)

Simone Saviane (sax alto e soprano)

Mole Moonwalktet

Manuale Per Funamboli

Nel Manuale Per Funamboli, secondo album per i Mole Moonwalktet, niente è quello che sembra.

Il più languido blues, ad esempio, può trasformarsi in un funkettone all'italiana anni '80, di quelli che hanno fatto 'pariare' più di una generazione per poi finire in trionfo New Orleans.

In certi casi il funky sottolineato da chitarre stoppate in “wah-wah mode” nasconde nervosi fiati jazz che fanno capolino e si arriva perfino a delineare un'ipotesi di crossover tra generi hot.

Perchè il calore generale è uno degli elementi fissi in questo sapiente meltin'pot che non teme di lambire perfino l'esotico da 'club tropicana'.

Ironia ovviamente a iosa che diversamente non si potrebbe suonare o concepire musica così.

Quanto soul, jazz e fusion hanno ascoltato i Mole Moonwalktet. E quanto hanno amato il funky ed il rock eclettico di scuola zappiana, di quello che dietro la sua apparenza benevola e sorniona nasconde e partorisce fior fiori di musicisti, di quelli che poi sanno suonare tutto e benissimo. E poi c'è quella teatralità tutta italiana nella voce di Mole (siamo o no il paese dei Conte, Buscaglione e Capossela..suvvia) che conferisce valore aggiunto a questi discorsi musicali.

Dovrei dire poi che tutti i musicisti sono sopraffini, confermato dai solo di sax di Simone Saviane alla intrigante, curiosa e versatile chitarra di Ruggi 'Clifton' Burigo (che sembra conoscere bene anche gente come Vai e Satriani) e soprattutto i tasti di Giovanni 'John' Zanon dai sapori piacevolmente vintàge.

Non un disco per tutti però. Non lo consiglierei ai giovanissimi che non apprezzano elevate concentrazioni di istrionismo perché più orientati verso suoni à la page, sicuramente sì a coloro che adorano ascoltare piccole storie raccontate con grande perizia strumentale, fantasia e senso dell'invenzione.

U Cirivieddu Che e' Cchinu R'acqua?!

Giulio Magliulo — Thu, 06 Mar 2014 04:31:42 +0000

Voto:

3.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Thrash Metal

Crossover

Grind Core

Etichetta:

Qanat Records/Goodfellas

Anno:

2013

Line-Up:

Carmelo Pipitone
Davide Paolini
Roby Vitari
Giacomo Maria Carpa

Tracklist:

Un Haio Soiddi
Piezz I Cuinnutu
Medjugorje
U Giubbuattu
Bozza TV
U Ciriveddru è' Chino r'acqua
Bomboniera
Rarigghia
Pari Nu Compiuter
Accendino e Portachiavi
U Benjo
L'accollino
Dum Arruse
U Cchiu Foitte

M.C.N.

U Cirivieddu Che e' Cchinu R'acqua?!

M.C.N. è il progetto di Carmelo Pipitone (la chitarra dei Marta Sui Tubi), Davide Paolini (Venua), Roby Vitari (Jester Beast) ed il marsalese Giacomo Maria Carpa e questo disco potrebbe essere soggetto a diverse chiavi di lettura.

Una – l'unica con segno positivo - potrebbe essere quella che vede “U Cirivieddu..” come una dichiarazione d'affetto dei componenti verso certi ascolti degli anni novanta e quindi una buona occasione per ripassare le lezioni delle musiche estreme di quel tempo.

Un'altra potrebbe essere quella di dissacrare suddette musiche privandole del substrato ideologico cui spesso sono associate, sommergendole con l'ironia che l'utilizzo del dialetto palermitano (ma qualsiasi dialetto immagino farebbe lo stesso effetto..) conferisce, oltre alla scelta delle liriche che - per quel che son riuscito a comprendere – si attestano su dialoghi da sit-com di provincia.

Se esiste poi anche una qualità sperimentale in questa operazione (appunto la fusione di tali generi con questo idioma), noi proprio non riusciamo a coglierla (volendo prestarci al gioco, diremmo che anche il bergamasco potrebbe presentare interessanti affinità ed assonanze con il brutal, volendo).

Un mezzo peccato quindi per chi come me apprezzerebbe l'apertura hardcore pestona di Un Haio Soiddi ma si annoia con la parodia del Gioca Jouer di cecchettiana memoria di Piezz I Cuinnutu o del coretto poviano 'ai trapanesi che fanno ooh' della titletrack.

Interessante la prova crossover di Bomboniera se non fosse continuamente interrotta da quello che non è propriamente uno 'stop n' go' e lo stesso vale per Pari Nu Compiuter il cui growl sarebbe veramente efficace e cattivo se almeno per una volta arrivasse fino in fondo.

Anche U Benjo potrebbe essere virulenta e zorniana (o pattoniana se volete) nelle sue variazioni prima dell'entrata di quella voce cadenzata.

Un po' così tutte le tracce, fino alla finale U cchiu foitte dal bel riff punk-hardcore fine a sé stesso.

Il senso dell'operazione in conclusione sembra quello di un 'divertissement' della band più che di un potenziale pubblico che fatico ad immaginarmi al di fuori della bella isola.

Ok, la lingua in questo caso è importante e forse questo disco virato nei dialetti che conosco qualche risata amara in più me l'avrebbe strappata, ma non ne sono sicuro. Mi domina un velo di amarcord piuttosto, che cala dal ricordo di cose tipo i Santarita Sakkascia che venti anni fa univano lo spirito demenziale a certi stilemi sonori, in certi casi perfino geniali (tipo John Zorn Alla Fermata del 23, all'epoca davvero 'sul pezzo') ma dopo un po' mi rompevano il cazzo comunque.

Non si tratta di non saper cogliere l'ironia, ma il thrash o il grind o il noise o quel che sia alla Ficarra e Picone proprio no.

Tutto il Mondo è Palese

Giulio Magliulo — Wed, 19 Sep 2012 15:10:22 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Crossover

Etichetta:

Gaiden Records

Anno:

2012

Line-Up:

Val Monteleone – voce, basso

Dante il Furfante detto Lo Spurgo – chitarre e chitarrini

Valerio Marcangeli detto Sor Maestro – sax e tromba

Fabio Romano Marianelli detto lo Spaventafabio – batteria

Tracklist:

1. Crimini

2. Le Cose Chiare

3. Sputnik feat. Giorgio Lorito (Ushas)

4. La Vena Cionca

5. Tutto Il Mondo è Palese

Nido, Il

Tutto il Mondo è Palese

Intro slappeggiante in stile Primus, espressività intensa alla Mike Patton dei ’90, (Faith No More e Mr. Bungle) ma anche memore in certi eccessi vocali di altezza spropositata di Ian Gillan, l’attitudine teatrale del progressive, una conoscenza tecnica notevole delle dinamiche che correlano il jazz e il rock dei ’70 (certi sassofoni liquidi alla Mel Collins che irrompono anche nei momenti più tirati, leggesi King Crimson) ed il jazz swingante e parodiante l’old America (leggesi Buscaglione): tanta roba insomma che ne bastava la metà, fossero state anche le sole suggestioni crossover, affascinanti per essere così demodè ma non ancora ‘vintage’ essendo il decennio coinvolto ancora troppo vicino per essere storicizzato a dovere.

Non è un piatto leggero e bisogna avere ottime capacità digestive per apprezzare tutti questi gusti forti poiché lo stucchevole è un rischio molto probabile, anche se la perizia strumentale si fa apprezzare non poco e tanta è la voglia di capire cosa partorirebbero scelte meno eterogenee se con il tempo l’ansia creativa si attutisse.

Perché il rischio principale per Il Nido è quello di autoconfinarsi nel recinto dei gruppi le cui capacità vengono penalizzate da un’eccessiva componente di ironia, ma quello che per noi è un peccato non deve esserlo necessariamente anche per loro, poiché l’impressione è che Il Nido si diverta proprio tanto così e l’e.p. risente dell’eclettismo del frontman Val Monteleone che è impegnato anche su molti altri fronti creativi.

Se dal vivo riescono a restituire tutta la verve che hanno su disco, devono essere irresistibili.

Check Your Head

Matthias Stepancich — Sat, 12 May 2012 01:00:30 +0000

Voto:

8.3 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Crossover

Etichetta:

Capitol

Anno:

1992

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Website

Line-Up:

MCA - Vocals, bass
Mike D - Vocals, drums
Ad-Rock - Vocals, guitar

Mario Caldato, Jr. - Producer, Keyboards, Engineer
Marcel Hall - Vocals on "The Biz Vs. The Nuge"
James Bradley, Jr. - Percussion
Drew Lawrence - Percussion
Money Mark - Organ, synthesizer, keyboards, clavinet, wurlitzer
Art Oliva - Percussion
Juanito Vazquez - Percussion, conga, cuica

Tracklist:

1. Jimmy James – 3:14
2. Funky Boss – 1:35
3. Pass the Mic– 4:17
4. Gratitude – 2:45
5. Lighten Up – 2:41
6. Finger Lickin' Good – 3:39
7. So What'cha Want – 3:37
8. The Biz Vs. The Nuge – 0:33
9. Time for Livin' – 1:48
10. Something's Got to Give – 3:28
11. The Blue Nun – 0:32
12. Stand Together – 2:47
13. Pow – 2:13
14. The Maestro – 2:52
15. Groove Holmes – 2:33
16. Live at P.J.'s – 3:18
17. Mark on the Bus – 1:05
18. Professor Booty – 4:13
19. In 3's – 2:23
20. Namasté – 4:01

Beastie Boys

Check Your Head

Con la fine degli 1980s e lo sciame mediatico suscitato dal fenomeno grunge attorno al rock alternativo tutto, i Beastie Boys, reduci da un debut bestseller e innovativo come Licensed to Ill (1986, tra i primissimi dischi ad iniettare elementi rock nell'hip-hop) e dalla maturità artistica conseguita dall'inaspettato e sorprendente Paul's Boutique (1989, l'album dominato da un sampling torrenziale e sperimentalismi bizzarri che trasporta l'hip-hop intero verso una nuova dimensione, gettando le basi per tutto l'hip-hop sperimentale futuro), decidono di dare una svolta più heavy al loro sound, ma tale scelta non viene determinata dal voler abbracciare il successo commerciale, come invece vari loro detrattori continueranno a sostenere per anni.
Se i Beasties avevano abbandonato i facili samples chitarristici su ripetitiva base hip-hop dei loro primi pezzi, come She's On It, e di buona parte del loro debut Licensed to Ill, in favore della ricerca e affinatura delle tecniche di sampling in Paul's Boutique, era infatti perché i primi non costituivano ormai più un'innovazione, a differenza dei secondi; e di conseguenza, con il terzo full-length Check Your Head, registrato tra il 1991 e il 1992, i tre non si lasciano influenzare più di tanto dal rock che affolla le classifiche, quanto più che altro dal proprio stesso passato, implementando nel sound (ormai divenuto radicalmente personale ed esplosivamente creativo) molti degli stilemi rock e hardcore che avevano determinato in primis la loro formazione musicale quand'erano ancora teenager.

I Beastie Boys, nel confezionare Check Your Head, scrivono così un altro album "crossover", stavolta però molto più variegato rispetto al debut, e permeato da un'irresistibile vena anarco-creativa che convince molto di più rispetto a quel lavoro giovanile, in cui la carica ribelle era più che altro quella di Rick Rubin, fatto che in quel disco faceva spesso emergere la sensazione che ai tre ragazzi le canzoni stessero davvero "strette".
Ingiustamente e inspiegabilmente sottovalutato per anni da gran parte della critica (ma non dal pubblico, che lo premierà con un doppio platino) a partire dall'uscita, Check Your Head scodella invece una lunga lista di tracce (una ventina in tutto) infarcita di vere e proprie perle, che non solo vanno a situarsi tra i vertici della beastie-discografia, ma assieme a Paul's Boutique completano anche interamente le fondamenta artistiche sulle quali il trio svolgerà tutta la propria futura carriera. Siamo di fronte, infatti, al disco con cui i Beasties diventano a tutti gli effetti musicisti totali, capaci di concepire una forma stilistica che osserva il rock e l'hip-hop a 360°: animati da una frenesia giocosa irrefrenabile, i Beasties catturano idee da qualsiasi fonte, infilano sample a ruota quando vogliono, imbracciano gli strumenti reali quando pare a loro, passano attraverso i "generi" ignorandone completamente l'esistenza.
Questa forma mentis, la migliore possibile in musica (i generi sono solo linee guida nel dialogo tra critica e pubblico, non si capisce perché gli artisti dovrebbero auto-limitarsi scegliendone uno o l'altro), nasce da quella particolare formazione teenageriale prima hardcore-punk e poi hip-hop felicemente assorbita dalla band, e viene in quegli anni alimentata dal crescere in qualità e popolarità del filone crossover-rock di Red Hot Chili Peppers, Faith No More e Living Colour, da cui i tre vengono positivamente influenzati ma che probabilmente sentono anch'esso ancora troppo stretto e codificato (si tratta in fondo sempre di band, di partenza strettamente rock o funk: i Beastie Boys vanno oltre non solo al funk-rock, ma perfino al concetto stesso di band).

Se al primo ascolto il disco nel suo complesso può sembrare confuso e incoerente, c'è in realtà una divisione precisa al suo interno: in un gruppo di pezzi, la band si concentra in una micidiale mitragliata di fusioni tra rock e hip-hop ognuna con differenti influenze musicali, in un secondo gruppo di pezzi prende il sopravvento una voglia di ricollegarsi alle radici afroamericane delle loro passioni, che i tre individuano nel funk-soul.
Su quali segnalare tra le singole tracce del primo "gruppo", che come base di partenza evolve le intuizioni della loro Looking Down the Barrel of a Gun, c'è solo l'imbarazzo della scelta: si tratta di una sequenza incredibile, che occupa quasi interamente tutta la prima metà dell'album, assalendo l'ascoltatore concedendogli in mezzo appena un paio di skit per dargli il tempo di riprendersi. L'opener Jimmy James è già programmatica e devastante: propulsa da un ribollente basso e da beat esagitati e sporchi, viene percorsa di continuo da degli scratch fantastici, tra i migliori nell'intera storia dell'hip-hop; la grandiosa Pass the Mic, uno dei loro massimi vertici di sempre, è un capolavoro postmoderno costruito su sample geniali (riff di chitarra elettrica, bassi metafisici, synth elettronici scratchati, beat caotico) e mostra i tre rapper alternarsi al microfono in maniera funambolica (specie nell'ultima strofa); la rockettara Gratitude (con un messaggio come "When you've got so much to say / It's called gratitude, and that's right", completamente opposto al trend contemporanei del rock), suonata interamente su strumentazione rock, è costruita su di un giro di basso tanto ruvido e noise quanto catchy, avvolto da distorsioni e tastiere d'organo analogico di memoria blues; So What'cha Want è retta da strofe rap in voce distorta su di una indimenticabile e devastante batteria marziale e sincopata, e il sample chitarristico che viene usato come chorus resta uno dei momenti più memorabili; la brutale Time for Livin' è un brevissimo pezzo hardcore-punk tirato a mille, e resta il migliore e più travolgente tra tutte le loro escursioni passate e future nei territori heavy rock e punk; Something's Got to Give , su di un tappeto sonoro calmo e riflessivo, viene avvolta da voci effettate che ogni tanto fanno capolino con brevi frasi (le liriche contengono un messaggio pacifista) o nenie orientaleggianti che ricordano lo stile di Mike Patton; Finger Lickin' Good getta un tappeto di beat percussivi come base a un ricorrente motivo di flauto, stacchi di tanpura, comparsata di Bob Dylan campionato; Stand Together mixa un rap effettato condotto quasi del tutto dalla rabbiosa voce di MCA, fiati dissonanti da free jazz, distorsioni elettroniche futuristiche.
I Beasties tornano al tipico stile di Paul's Boutique solamente in Professor Booty, un ottimo pezzo dal classico stampo hip-hop, dominato da una grooveggiante linea di basso.
Anche in questo album sono praticamente assenti i chorus, rimpiazzati da parti musicali, spesso campionate o scratchate, atte a spezzare il flow delle strofe. Il lavoro è poi, per la prima volta, incentrato non su voci e samples, ma sulla composizione musicale; tale elemento è tra l'altro fortemente ribadito nei pezzi appartenenti al secondo "gruppo", come POW, Lighten Up, Groove Holmes, In 3's, e la conclusiva pacata meditazione Namasté, tutti strumentali di matrice funk, che partono dalle soluzioni sonore groovy tipicamente Motown per iniettarvi influenze ora soul, ora jazz, ora reggae.

Anche se con un paio di skit/filler (forse) di troppo, e senza una suite più lunga e cerebrale come quella che chiudeva Paul's Boutique, Check Your Head è uno dei capolavori dei Beastie Boys, forse in assoluto il disco più rappresentativo del loro eclettismo, e resta un traguardo storico ed influente per tutta la storia della musica: con quest'album, il trio ha definitivamente abbattuto, spazzato via, polverizzato tutte le barriere tra il mondo del rock e quello dell'hip-hop. Per chi viene dopo, non c'è più alcuna scusa.

Before...and After

Corrado Penasso — Sun, 02 Oct 2011 17:23:49 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Crossover

Hardcore

Etichetta:

Earache Records

Anno:

1988

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Tape Head" Tito Matos - Vocals

Marco "Sharko" Zorich - Guitar

"Booger Bass" Dave Merrick - Bass

"Burger King" Eric French – Drums

Tracklist:

1. Blurr Hogs 02:11

2. Images 02:32

3. ABC's 02:31

4. Spazztic Puke 01:28

5. Fuck Yeah 01:43

6. Bouge Jonzin 02:46

7. Call In Sick 01:36

8. Bedrock Blurr 01:26

9. He-Not-A-Home 03:21

10. Unless.... 00:01

11. Let There Be Blurr 01:14

12. Ace 02:11

13. Def Metal 02:29

14. Mexicalli 06:55

Spazztic Blurr

Before...and After

Portland, Oregon. L’anno è il 1985 ed il personaggio intorno al quale ruota tutto è Mez Matos. Questo pazzo vocalist ha avuto il coraggio di formare in quell’anno ben due tra le più valide (e purtroppo sconosciute) realtà della scena hardcore/crossover thrash: i Wehrmacht e questi Spazztic Blurr, i quali con l’album Before… And After del 1988 diedero un deciso scossone alla scena grazie anche a pesanti infiltrazione grindcore nel loro sound.

La Earache Records decise di produrre l’album, giusto per capirci quanto fosse elevata la qualità del prodotto in un periodo in cui sia l’hardcore che il grind stavano evolvendo perché ormai a corto di idee. D.R.I., Cryptic Slaughter, Suicidal Tendencies e gli stessi Wehrmacht ormai avevano imboccato la direzione del thrash più puro grazie anche ad una tecnica strumentale maggiormente sviluppata. La ruvidezza e l’impulsività degli esordi dei gruppi succiatati non era più fine a sé stessa, tuttavia in soccorso dei fan sfegatati dell’hardcore più diretto arrivarono proprio gli Spazztic Blurr con il loro motto if 'yer serious, you lose!Da queste parole si può evincere la volontà del gruppo di suonare musica esclusivamente per divertimento, invitando l’ascoltatore a rivolgersi altrove se non predisposto a giovare di tale prodotto.

Entrando più approfonditamente nell’analisi dell’album possiamo innanzitutto notare che Before… And After consta di quattordici canzoni per una durata complessiva di trentuno minuti circa. I suoni sono leggermente low-budget, con una chitarra gracchiante e generalmente l’album non possiede volumi alti e raffinatezze varie. Scelta volontaria o no, anche questo particolare conferisce un fascino underground tutto particolare ad una proposta musicale veramente istrionica, innovativa (per il periodo) e schizofrenica. Si parte con la stilisticamente inclassificabile Blurr Hogs, tra voci infantili, fischi, arpeggi portanti melodia stile giostre e veloci sferzate hardcore. Images annovera persino alcuni blast beats durante la sua marcia forsennata tra rallentamenti arpeggiati e velocizzazioni immediate in una proposta sempre più destabilizzante. Le fasi vocali sono tipiche del genere con toni infantili e scherzosi.

Grindcore e hardcore confluiscono nuovamente nella sboccata Spazztic Puke e nella successiva Fuck Yeah, tra veri intermezzi “particolari” per un risultato sempre da ridere ma anche incredibilmente veloce e al limite del caotico. Arrivati a questo punto dell’album sicuramente l’ascoltatore avrà capito di che proposta si tratta anche se continuerà a rimanere spiazzato per i continui cambi di stile di questo prodotto camaleontico. I blast beats su parti arpeggiate di chitarra non sono esattamente quello che ti aspetteresti eppure succede anche questo in una tiratissima Call in Sick, tra miscugli di influenze punk, hardcore, funk, grindcore e thrash metal. Il gruppo nel suo picco massimo di degenerazione mentale trova persino lo spazio per una ballata dal nome He-Not-A-Home prima che il tutto si trasformi in una scheggia impazzita di grindcore con influenze thrash metal.

A conclusione di questo viaggio nella follia umana più pura troviamo Mexicalli, lunga traccia che mostra alcune inflessioni più marcatamente thrash o death metal senza dimenticare alcuni sfuriate proto-grind ed intermezzi classici del genere, tra arpeggi che apparentemente non andrebbero a braccetto con uno stile così ruvido ma che invece ben si amalgamo in questo prodotto totalmente fuori dal comune. A contorno della musica, aggiungeteci tematiche che vanno dal Burger King allo stile di vestire a seconda della musica che si ascoltava al periodo per un risultato (solo sotto questo punto di vista) comune alle tante realtà del genere in quel periodo magico.

Gli Spazztic Blurr nella loro più totale scelleratezza crearono un album che può essere tranquillamente etichettato come il più originale, folle e strambo in un genere di per sé già suonato da persone col cervello montato al contrario. Before… And After non è sicuramente un album da ascolto quotidiano, tuttavia è vivamente raccomandato per farsi venire un bel mal di testa gustando un piccolo pezzo di storia.

Green Naugahyde

Emanuele Pavia — Mon, 19 Sep 2011 20:37:06 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Psychedelic Rock

Crossover

Alternative Rock

Etichetta:

ATO Records / Prawn Song Records

Anno:

2011

Link correlati:

Primus Official Site

Line-Up:

- Les Claypool - Basso, Voce
- Larry LaLonde - Chitarra
- Jay Lane - Batteria

Tracklist:

1. Prelude to a Crawl
2. Hennepin Crawler
3. Last Salmon Man
4. Eternal Consumption Engine
5. Tragedy's A'Comin'
6. Eyes of the Squirrel
7. Jilly's on Smack
8. Lee Van Cleef
9. Moron TV
10. Green Ranger
11. HOINFODAMAN
12. Extinction Burst
13. Salmon Men

Primus

Green Naugahyde

Era da circa dieci anni che non si avevano testimonianze discografiche dei Primus, la storica band capitanata da Les Claypool che nel corso degli anni '90 è ascesa all'Olimpo del panorama alternativo e cross-over rilasciando alcuni dei capolavori del genere nella prima metà del decennio: il complesso si era infatti sciolto nel 2000 dopo la pubblicazione di un ultimo (e poco esaltante) Antipop, per ritornare solo tre anni dopo con un EP di inediti (Animals Should Not Try To Act Like People) e infine abbandonarsi a un'intensa attività live che ha occupato il gruppo fino al 2009 (intervallata dalla realizzazione di dvd e greatest hits). Per questo motivo, quando nell'aprile 2011 Les Claypool aveva annunciato un imminente ritorno dei Primus (inizialmente programmato per maggio, poi rinviato a luglio, agosto e infine a settembre), la nuova fatica Green Naugahyde è subito diventata una delle uscite più attese dell'anno da parte dei numerosi estimatori del gruppo.

La pubblicazione del disco è stata preceduta da numerose interviste, in cui Claypool ha dichiarato più volte la vicinanza dello spirito di Green Naugahyde a quello degli esordi della band («If I were to look at all of our records, it seems like this is reminiscent of the early stuff. Obviously, with Jay there’s a newness to it, but because he left the band right before we recorded our first record, his approach has an eerie harkening to the old Frizzle Fry days»), ed effettivamente il nuovo album si presenta come un aggiornamento più adulto delle sonorità di Frizzle Fry e Sailing the Seas of Cheese, filtrate però dall'esperienza di Pork Soda (di cui vengono recuperate certe atmosfere più cupe e oscure). Lo stile straripante, eclettico e psicotico che ha sempre caratterizzato i Primus è sempre presente nel disco (anche se in maniera più fiacca e meno spontanea, soprattutto nelle tracce caratterizzate specialmente da quest'attitudine), ma ciò che rende Green Naugahyde un interessante ritorno è una certa maturità inedita che trapela nei pezzi più moderni dell'album, giustificata sia dai 20 anni che separano questo lavoro dai primi album del gruppo, sia dalla partecipazione dei vari membri dei Primus in diversi side-project (e in particolare il lavoro più psychedelic-oriented della Les Claypool's Frog Brigade, con i suoi celebri tributi ai Pink Floyd settantiani, ha un ruolo predominante nel tessuto sonoro di Green Naugahyde).

Come il classico Sailing the Seas of Cheese, anche Green Naugahyde è aperto da una breve introduzione (Prelude to a Crawl), seppur non si tratti più di uno skit demenziale ma di un'overture in salsa psichedelica, acida e distorta, che prepara l'ascoltatore all'impetuoso groove di Hennepin Crawler, un pezzo esplosivo a cavallo tra funk e cross-over nella tradizione dei migliori Primus, costruito ora su ritmi e melodie giocose, ora su stimolanti jam strumentali (dominate dal basso prorompente di Claypool); segue dunque la lunga cavalcata di Last Salmon Man, il primo pezzo pubblicato dai Primus per il nuovo album (entrato a far parte delle scalette live già verso la fine del 2010) e quarto episodio della saga delle Fisherman Chronicles, che riesce a conciliare lo spirito ironico degli episodi precedenti (tutti risalenti alla stagione d'oro della band tra il 1990 e il 1993) con l'acquisito gusto psichedelico del gruppo (particolarmente vistoso nella seconda parte della jam, dominata dalle alienanti distorsioni di LaLonde). Nonostante l'evoluzione stilistica mostrata nel trittico d'apertura, il disco prosegue su coordinate molto più vicine alle prime opere dei Primus: Eternal Consumption Engine è infatti un orecchiabile vaudeville teatrale (visibilmente erede dei Residents e di Zappa), che riprende in dosi più massicce l'umorismo dei primi album (seppur applicato a un contesto musicale molto diverso), mentre Tragedy's A'Comin' è un cross-over schizoide dal gusto funky che prosegue sulla scia più leggera inaugurata dal prezzo precedente (con un approccio musicale che ricorda da vicino i Red Hot Chili Peppers dei tempi d'oro, se non fosse per la jam a chiusura del pezzo visibilmente figlia dei capolavori di Frizzle Fry e Sailing the Seas of Cheese), per poi cedere il passo a Eyes of the Squirrel, un'altra accattivante miscela di cross-over e funky con un occhio rivolto al passato della band (anche se, in questo caso, rivolto agli episodi più sconnessi di Pork Soda).
Al contrario, il brano che segue risulta uno dei più particolari del platter, nonché uno dei più lontani da ciò che i Primus avevano suonato precedentemente: Jilly's on Smack lascia perdere le componenti funky più accentuate tipiche del gruppo per approfondire invece il discorso psichedelico, in una jam acida più vicina alle improvvisazioni anni '60 (la cui chiusura riporta alla mente perfino i Pink Floyd di Ummagumma) piuttosto che agli stravaganti sfoghi cross-over del passato, immersa in un'atmosfera cupa nuovamente vicina a quella riscontrabile in Pork Soda (con cui condivide anche un concept molto meno ironico e surreale, riguardante la morte di un amico di Claypool per assuefazione da eroina). Dopo la digressione più freak di Lee Van Cleef e Moron TV (quest'ultima venata da divagazioni psichedeliche e aperture chitarristiche al limite dello ska), i Primus ritornano quindi sui binari collaudati con la precedente Jilly's on Smack nella brevissima Green Ranger, nuovamente lontana dal funky e dal tipico demente eclettismo, in favore di sonorità più cupe nuovamente ereditate da Pork Soda, ma con la successiva HOINFODAMAN si ritorna al classico funk camaleontico, lontano dalle velleità più psichedeliche dell'album e molto più vicino al sound degli esordi. Il disco si avvia verso la fine con Extinction Burst, un pezzo fortemente dinamico e schizofrenico continuamente in bilico tra le divagazioni strumentali dei Rush più sofisticati e il funk di Frizzle Fry, per poi chiudersi definitivamente con l'outro di Salmon Men (che riprende Last Salmon Man in modo analogo a quello della chiusura di To Defy in Frizzle Fry).

In definitiva, Green Naugahyde può dirsi a tutti gli effetti un ritorno molto gradito da parte dei Primus. Ridimensionate le componenti più pazze del loro sound (ma non del tutto cancellate dal loro stile) in favore di atmosfere psichedeliche molto più acide e mature, questo album ha dimostrato chiaramente la presa di coscienza da parte di Claypool e soci sulla loro crescita (innanzitutto anagrafica), che rifiutano di scrivere un disco secondo la solita formula collaudata, rischiando di apparire fiacco e anacronistico (fatto evidente soprattutto nelle tracce più orientate al passato, che risultano più scialbe e meno accattivanti) e puntando molto felicemente sull'approfondimento delle sonorità collaudate dai membri della band durante questo decennio di silenzio. Inevitabilmente il ridimensionamento dello humor di Frizzle Fry e Sailing the Seas of Cheese riduce l'appeal di Green Naugahyde (in quanto nei primi anni '90 la loro musica fu grande anche grazie a un certo spirito iconoclasta, qui ridotto all'osso), ma premia il gruppo per il coraggio di rinnovarsi, rendendo Green Naugahyde un disco apprezzabile sia da coloro che vogliono godersi nuovi pezzi in linea con i grandi lavori del passato, sia da coloro che sono curiosi di ascoltare i Primus in uno stile fresco e aggiornato.

Gold Cobra

Matthias Stepancich — Wed, 06 Jul 2011 06:52:59 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Crossover

Etichetta:

Interscope/Polydor

Anno:

2011

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Fred Durst – vocals, producer, management, art direction
Wes Borland – guitars, cover art design, art direction, illustration
DJ Lethal – turntables, keyboards, samples, programming
John Otto – drums
Sam Rivers – bass

Tracklist:

1. Introbra - 1:20
2. Bring It Back - 2:17
3. Gold Cobra - 3:53
4. Shark Attack - 3:26
5. Get a Life - 4:54
6. Shotgun - 4:33
7. Douche Bag - 3:42
8. Walking Away - 4:45
9. Loser - 4:53
10. Autotunage - 5:00
11. 90.2.10 - 4:18
12. Why Try - 2:51
13. Killer in You - 3:46

Limp Bizkit

Gold Cobra

Negli anni successivi alla pubblicazione del bestseller Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water, l'astio del grande pubblico verso gli atteggiamenti di Fred Durst è gradualmente cresciuto: non solo da parte dei fan della prim'ora, che non gli perdoneranno mai né l'aver svenduto i Limp Bizkit al mainstream (sia nel sound che, soprattutto, nello spirito) e l'essere diventato per anni un prezzemolino di MTV, né l'aver spezzato i rapporti interni della band a causa del proprio egocentrismo facendo fuggire Wes Borland, ma anche da parte del grande pubblico, come storicamente si sa rapidissimo a salire sul vagone dei trend tanto quanto a ripudiarli e insultarli non appena cambia la tendenza. Un completo fallimento come Results May Vary aveva reso chiaro che la band, priva di Borland e comandata dal solo Durst, è perduta; il rientro di Borland era poi avvenuto per il successivo The Unquestionable Truth (Part 1), ma tra tensioni interne ancora elevate, e in assenza del drummer John Otto causa riabilitazione dalle droghe; Borland se ne va poi immediatamente per seguire il suo progetto Black Light Burns, mentre gli altri tentano un accordo con il chitarrista Terry Balsamo (ex Cold) che non giunge a conclusione. Con anche un sito web ufficiale chiuso, la band sembrava defunta.
Eppure la formazione originaria dei Limp Bizkit si riunisce nel 2008, e stupendo un po' tutti annuncia un nuovo disco in cantiere. I seguenti concerti live (a dire la verità non entusiasmanti) e il continuo rimandare la data di uscita del fantomatico nuovo lavoro, però, finiscono per deludere nuovamente, e far temere un nuovo Chinese Democracy.

L'album Gold Cobra invece esce davvero, nel giugno 2011, e supera incredibilmente ogni pessima aspettativa.
Anzitutto, la preoccupazione principale era l'età anagrafica dei membri, ormai apparentemente poco compatibile con l'energico crossover degli esordi: le esibizioni dal vivo decisamente più stanche che in passato, così come la concreta possibilità di un percorso sonoro più soft e mainstream (già avvenuto d'altronde con Results May Vary), sembravano indicare tale situazione; eppure, la potenza giovanilistica dell'album fa sembrare che, almeno in studio, la band sia ringiovanita di un decennio.
L'album è poi superiore ai risultati precedenti. Superiore a Results May Vary, perché non si concede a sbandamenti pop radiofonici e non diluisce in maniera innocua il proprio stile; superiore anche a The Unquestionable Truth (Part 1), perché qui la band non tenta più di percorrere una strada "impegnata" e anticommerciale in maniera forzata, ripudiando le proprie radici e perdendo gran parte della propria unicità; superiore, probabilmente, anche a Chocolate Starfish, disco assolutamente disomogeneo in cui convivevano idee buone e idee disastrose, e in cui la personalità ingombrante di Durst aveva finito per appiattire ogni potenzialità.
Gold Cobra torna incredibilmente all'epoca di Significant Other, tutt'oggi l'album più variegato, innovativo e ispirato del quintetto; non presenta la stessa quantità strabordante di idee, non possiede la stessa carica innovatrice, non raggiunge il livello di pathos ed epicità dei suoi episodi migliori (pezzi grandiosi come Re-Arranged e Don't Go Off Wandering sono ormai miraggi), ma gli è vicino nel sound e nello spirito più di quanto sia vicino a qualsiasi altro loro disco. Gli equilibri interni sembrano difatti tornati a funzionare come funzionavano nel 1999, le ambizioni commerciali ed egomaniache di Durst sembrano essersi fatte una possente doccia fredda, e la band sembra aver ritrovato quel feeling "libero" e giocoso assolutamente necessario e vitale per poter scrivere del buon crossover.
Uno dei problemi storici degli album della band, ovvero la disomogeneità qualitativa dei pezzi, è stato oltretutto corretto: da una parte sono andate così perdute le velleità più sperimentali e anti-genere tipiche di Significant Other e di parte di Three Dollar Bill, Yall$ (e non è un caso che purtroppo i contributi di DJ Lethal siano in Gold Cobra abbastanza limitati, non essendoci nemmeno un pezzo tendente al puro hip-hop), dall'altra parte si ha di fronte un disco assolutamente compatto e omogeneo sia nel sound che nello stile, che, seppure non presenti vertici degni di finire tra i capolavori della band, non presenta neppure cadute rovinose, mantenendo la qualità e il coinvolgimento su di un livello accettabile dall'inizio alla fine.
Dopo la consueta introduzione, stavolta intitolata Introbra, la successione a raffica di mitra delle varie Bring It Back, Gold Cobra, Shark Attack, Get a Life, Shotgun e Douche Bag fa semplicemente terra bruciata: si tratta del rap-rock/rap-metal più groovy, coinvolgente e infettivo che si sia sentito da anni a questa parte. Non mancano i difetti, ad esempio le urla straziate di Durst in Get a Life non possono più competere con quelle ben più violente di Three Dollar Bill, Yall$ (ma il pezzo è il più in linea di tutti con quel disco: non solo lo screaming, ma anche la base frusciante delle strofe e l'impasto sonoro del chorus, che tocca il vertice di dissonanza rumoristica dell'intero album), il riff portante della title-track sembra una copia di quello dei Godsmack nel loro pezzo I Fucking Hate You, e la successione armonica dei riff in Shotgun ricorda da vicino quella di Counting dei Korn (complice anche il sound korniano del basso di Sam Rivers), ma il groove che riescono a sprigionare non deriva da nessun altro artista, è una capacità innata dell'alchimia limpbizkitiana, qui finalmente ritrovata.
Si nota anche il fatto che Durst limiti leggermente il proferire di volgarità nei testi rispetto agli eccessi di Chocolate Starfish (con l'eccezione di Douche Bag, il cui chorus recita "Douche bag, I'm a fuck you up, fuck you fuck you fuck you up"), dando ad essi un senso più compiuto, ma allo stesso tempo senza impegnarsi quasi mai in tematiche adulte: è la conferma che la band voglia ritrovare le proprie radici, senza voltare le spalle a quel disimpegno divertito che era proprio di molti loro vecchi pezzi. Bring It Back sfodera anche una sarcastica osservazione sui tempi passati e presenti ("Gimmie the fuckin' riff we gonna use to break your back" ... "Remember all them 90's things, them 90's hits we laced like this. Commin' to you live 2012 and hell there's still not shit like this" ... "I'm gonna say what I want you can look it up. Wikipedia probley gonna fuck it up. I don't give a damn, cuz its on. Most people never last this long"), perfetto per introdurre il "back to the past" rappresentato dal sound dell'album, ma segna anche come Durst non abbia perso il difetto di scrivere versi che rimino con la medesima parola.
Il momento di pausa e riflessione arriva appena con le due power-ballad Walking Away e Loser; la prima, costruita su di un arpeggio non proprio originale (ad esempio A Song for Milly Michaelson dei Thrice è completamente sostenuta da uno quasi identico) e con un chorus vocale che riecheggia vagamente Scarborough Fair, resta comunque una delle migliori ballate composte dalla band, superiore a My Way e quasi al livello di No Sex, grazie soprattutto alla cura nel costruire un continuo crescendo drammatico e sonoro, fino al climax distorto e urlato del finale. Loser, che suona simile alle power-ballad più deboli dei Taproot, è invece il punto più basso dell'intero disco, che però si risolleva leggermente con la successiva party-song (in stile Chocolate Starfish) Autotunage, ironico e dichiaratamente quasi demenziale pezzo in cui Durst canta utilizzando appunto l'autotune tipico del Pop e R&B mainstream, che tuttavia riesce a sfoderare un chorus pericolosamente catchy, perfetto per un party notturno estivo.
Chiude il disco l'ottima successione di 90.2.10 (un altro trascinante pezzo crossover in perfetto stile Significant Other, nel cui testo Durst sigilla anche la sua riappacificazione con Corey Taylor degli Slipknot), Why Try (più breve e heavy) e la conclusiva Killer in You (con beat spigoloso e chitarre metalliche ed angolari, in una sorta di incrocio tra Three Dollar Bill, Yall$ e i pezzi più seri di Chocolate Starfish, come Boiler), costruita con un altro riuscito crescendo in cui a dominare è la chitarra di Borland.

L'eccezione alla solida qualità mantenuta lungo tutto il disco è quindi rappresentata sostanzialmente solo dal pezzo Loser, una power-ballad eccessivamente svenevole che sembra uscita da Results May Vary: è un neo che avrebbe potuto essere corretto facilmente, sostituendola con un pezzo più sperimentale dominato da DJ Lethal, in modo da coprire due difetti in uno. O si sarebbe potuto sostituirla con Back Porch, una buona traccia scartata, caratterizzata da un tappeto sonoro in tensione ribollente e psicotica (ricordante per questo alcune soluzioni di Three Dollar Bill, Yall$), presente però nella versione Deluxe dell'album, versione che per il resto è invece assolutamente trascurabile (le altre tracce scartate, ovvero My Own Cobain, Angels e Middle Finger, suonano come b-side di Results May Vary). L'altro pezzo evitabile sarebbe potuto essere Autotunage, ma il disco nel complesso ne avrebbe forse sofferto in varietà stilistica.
Le migliori performance di Borland sono probabilmente individuabili in Get a Life, Shotgun (entrambe decorate con degli insoliti assoli), Douche Bag, Walking Away e Killer in You, mentre la sezione ritmica di Rivers e Otto porta ad un groove irresistibile pezzi come 90.2.10 e Shark Attack.

Alla fine dei conti, questo comeback dei Limp Bizkit è abbastanza riuscito da disinnescare la montagna di pregiudizi aprioristici che sembravano dover essere confermati: la band aveva ancora qualcosa da dire, al contrario di tante altre, e l'ha detto. Si sposta così il centro dell'attenzione verso altre questioni: questa è musica che non appartiene al 2011? Al contrario di quanto fosse nel 2001, ora questa musica risulta impossibile da valutare per la mancanza di agganci col panorama trendy attuale, ed è quindi del tutto anti-modaiola in proporzione inversa al 2001? Il coraggio di tornare ad una formula apparentemente sorpassata di una generazione, con però la capacità di ritrovarvi freschezza che altri (vedi Korn III: Remember Who You Are dei Korn) non hanno avuto, rappresenta una bella bastonata ai trend giovanili dell'ultimo decennio, che sembrano essersi depurati magicamente della voglia di mixare generi diversi e sperimentare, ma allo stesso tempo anche della teen angst più autentica, precipitando nell'apatia ripetitiva e chiusa in se stessa di generi ottusi come il deathcore?

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water

admin — Mon, 08 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Nu Metal

Crossover

Etichetta:

Interscope

Anno:

2000

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Fred Durst - Voce
Sam Rivers - Basso
John Otto - Batteria
Wes Borland - Chitarre
DJ Lethal - Turntables

Guests:
Redman - Voce
DMX - Voce
Xzibit - Voce
Rich Keller - Basso, mixing
Scott Weiland - Voce, produzione
Mark Wahlberg - Voce
Stephan Jenkins - Voce
Ben Stiller - Voce
Rob Dyrdek - Voce
Scott Borland - Tastiere

Tracklist:

1. Intro – 1:18
2. Hot Dog – 3:50
3. My Generation – 3:41
4. Full Nelson – 4:07
5. My Way – 4:32
6. Rollin' (Air Raid Vehicle) – 3:33
7. Livin' It Up – 4:24
8. The One – 5:43
9. Getcha Groove On – 4:29
10. Take a Look Around – 5:21
11. It'll Be OK – 5:06
12. Boiler – 7:00
13. Hold On – 5:47
14. Rollin' (Urban Assault Vehicle) – 6:22
15. Outro – 9:49

Limp Bizkit

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water

Il terzo full-length dei Limp Bizkit è uno di quei casi esemplari, da studiare in ambito musicale e sociale, di come un artista dotato di una verve creativa e un proprio stile originale possa riutilizzare i "segni" di quello stesso stile, cambiandone però completamente il significato. Sostanzialmente le ritmiche, l'alternanza di cantato e rap, i riff brucianti e i turntable ci sono tutti come c'erano prima, ma non possiedono più energia e creatività: immensamente meno ricco, variegato e frizzante, il sound di tali elementi sembra un'imitazione semplificata, elementare, stereotipata, mainstream e becera dei corrispettivi presenti nei precedenti due album.

Se l'album Significant Other era difatti un intelligente e riuscito esempio di come riuscire a coniugare un furioso e innovativo crossover, ricco di idee e sinceramente personale, alle esigenze commerciali che vogliono pezzi più melodici e catchy, il suo successore è al contrario un fulgido esempio di come riuscire a mutilare e svendere quella formula al mainstream (parte della colpa è imputabile anche a Josh Abraham, Terry Date e Swizz Beatz, i producer del disco assieme a DJ Lethal e Durst), pagando il prezzo di diventare un gruppo insulso.
I Limp Bizkit dell'anno 2000 non sembrano più una band, semmai un teatrino di marionette che annuiscono ciecamente agli eccessi del frontman Fred Durst, nel frattempo diventato uno dei capoccia della Flip e della Interscope, oltre che promotore e supporter di un revival del post-grunge (producendo i successi commerciali di Staind e Puddle of Mudd), nonché impegnato più a dirigere videoclip e a finire sui rotocalchi di gossip (che sbandiereranno per mesi le sue presunte love-story con le popstar Britney Spears e Christina Aguilera) che a scrivere buona musica.
Il titolo assurdo ma indimenticabile Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water (ispirato dal Sgt. Pepper's beatlesiano), perfetto riflesso della megalomania maturata nell'animo di Durst, suona altisonante ma non mantiene le premesse, fondando invece il timore di trovare una band ormai diventata schiava del proprio leader, il quale a sua volta è diventato schiavo del proprio ego strabordante, del music-biz, dello star-system, e delle comparsate a prezzemolo nel palinsesto di MTV.

La solita breve Intro distorta, stavolta più elettronica del solito, lascia spazio a Hot Dog, pezzo imperdonabile e inascoltabile: Durst pronuncia la bellezza di 48 volte il termine "fuck", rendendo il testo un joke inutile e insensato, una sorta di presa per i fondelli dei suoi stessi testi colmi di teen-angst presenti nei due album precedenti; come se non bastasse, si permette di citare (offendendolo) Trent Reznor ("A nine inch nail get knocked the fuck out", "You wanna fuck me like an animal, you'd like to burn me from the inside, you like to think that I'm the perfect drug, just know that nothing you do will bring you closer to me"), che però si dimostrerà più furbo di lui (ottenendo di essere accreditato nel pezzo, quindi guadagnando parte dei profitti dell'album), e non ultimo riesce a rovinare proprio alcune delle soluzioni più interessanti sfoderate da Borland alla chitarra (non solo il macellato e cavernoso riff portante, ma soprattutto i giochi effettistici degli arpeggi, che rendono l'atmosfera del brano futuristica).
Non si migliora di molto nella seguente My Generation, più che evidentemente ispirata dall'omonima storica hit dei The Who; si tratta di un pezzo rap-metal energico e travolgente, ma le idee fondamentali provengono più che altro dalle trascinanti parti di chitarra di Wes Borland, così come nella precedente Hot Dog. E, come nella precedente Hot Dog, ci pensa Fred Durst a rovinarle con un altro testo infarcito di "fuck" e "shit" assolutamente gratuiti, cantato con tono esaltato e auto-compiaciuto, più che sarcastico e divertito; la breve comparsata di DJ Lethal, che lungo il corso del disco si sente non a caso raramente, dà la misura di quanto le intuizioni più anarchiche e spontanee siano state ora ingabbiate e rese innocue.
Pezzo decisamente migliore è la seguente Full Nelson (che suona come una versione commerciabile dei pezzi di Three Dollar Bill, Yall$), in cui la band torna per un attimo a darsi un tono impegnato, mentre My Way (che contiene un sample da My Melody dello storico duo hip-hop Eric B. & Rakim) inaugura anche per loro la tradizione della power-ballad melodica e radiofonica (distante anni luce dalle più creative e drammatiche Re-Arranged e No Sex), con tanto di pianoforte (campionato), fatta poi naturalmente singolo.
Il punto di non ritorno si tocca con le successive Rollin' (Air Raid Vehicle) e Livin' It Up (che campiona e cita Life in the Fast Lane degli Eagles), banali pezzi rap-metal a tratti perfino imbarazzanti, nonostante Borland tenti disperatamente di dare al primo un tocco di originalità ricorrendo a bizzarri utilizzi degli effetti (su tutti lo stop-and-go con annesso "fade-out" simulato nel riff portante) e al secondo una spinta groove-metal nella parte precedente e successiva al terzo chorus, spinta che però suona solo una versione minore delle esplosioni di Counterfeit e 9 Teen 90 Nine.
Più apprezzabile il discreto pop-rock The One, con interessanti giochi di arpeggi chitarristici su di una ritmica frizzante, mentre al contrario Getcha Groove On è un electro-rap, cantato assieme al rapper Xzibit, che sembra uscito da uno a caso tra i peggiori e più svenduti album hip-hop in circolazione.
Take a Look Around, cover rap-metal del tema musicale di Mission Impossible, è stata inserita nella tracklist più per ruffianeria che altro (era già uscita come singolo per l'OST del film M.I.-2), ma è un sollievo ritrovarla e riascoltarla in mezzo a tracce simili: il lavoro di riarrangiamento in chiave crossover/nu-metal è magistrale, la sua furia è convincente, le sue esplosioni fanno terra bruciata, il suo testo è una luce in mezzo alle tenebre (in confronto alle liriche che la circondano), e si tratta probabilmente di uno dei più celebri e riusciti rap-metal mai scritti, degno di entrare tra i classici del genere.
It'll Be OK è un'altra power-ballad, senza infamia e senza lode, e lascia spazio ad uno degli episodi più convincenti, ovvero Boiler (poi fatto singolo), che almeno contiene una minima profondità psicologica, e si evolve in una struttura più ricercata rispetto le altre.
La non particolarmente originale Hold On è una ballata atmosferica ricalcata sulle idee di A Lesson Learned (traccia di Significant Other), che può risultare piacevole più che altro per la presenza al canto di Scott Weiland (ex Stone Temple Pilots).
L'equilibrio raggiunto da questi ultimi quattro accettabili pezzi viene rovinato dalla successiva Rollin' (Urban Assault Vehicle), orribile versione hip-hop della già scadente Rollin' (Air Raid Vehicle). Al microfono si alternano anche gli affermati rapper Method Man, DMX e Redman, ma ciò non basta a cavare qualcosa di buono dalla pessima base elettronica, specie dal momento che le liriche lasciano a desiderare e vengono declamate in una selva di latrati vocali.
La lunga Outro confeziona un monologo dell'attore-regista Ben Stiller e qualche altra inutilità.

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water è, per la maggior parte delle tracce, un disco di rap-metal stereotipato e insulso, semplicistico nelle musiche, triviale e idiota nei testi.
Di questo lavoro si salvano diverse delle parti di chitarra del sempre convincente Borland, il drumming preciso e scatenato di Otto, e poco altro: alcuni pezzi, nel loro complesso, precipitano in una beceraggine degna del peggior pubblico delle discoteche (le due Rollin', Getcha Groove On), altri momenti risultano insipidi e banali (Livin' It Up, It'll Be OK, Intro e Outro), mentre altri ancora avrebbero potuto essere episodi esplosivi ed anthemici, ma vengono schiacciati dall'ego e dai testi di Durst (Hot Dog, My Generation) o dalla semplice mainstreamizzazione selvaggia (My Way).
I pezzi convincenti rimangono dunque Full Nelson, The One, Boiler, Hold On, ma soprattutto Take a Look Around, unico momento che riesce davvero ad elevarsi sul resto.
Spesso sembra che i Limp Bizkit abbiano voluto confezionare, con quest'album, una loro versione populista, infantile e sboccata di Follow the Leader, il disco più metallico e hip-hop dei loro ormai ex-padrini Korn; tutte le caratteristiche musicali del lavoro concorrono alla separazione della band dalla tradizione crossover, rendendoli ora catalogabili davvero come nu-metal.

Ovviamente, dato il livello intellettivo che richiede l'ascolto di quest'album, esso riesce a vendere più di 12 milioni di copie, (ri)lanciando oltretutto anche una sorta di "trend" tra i musicisti rock e addirittura pop (riempire i testi di volgarità gratuite solo per risultare accattivanti presso i teenager), e la stupidissima Rollin' (Air Raid Vehicle) diventa il singolo di maggior successo di sempre della band.
Giustamente il chitarrista Wes Borland lascerà il gruppo nel giro di meno di un anno, visti i continui attriti con un leader divenuto oramai egomaniaco e ingestibile, mentre gli altri tre componenti preferiranno restare a godersi fama e soldi, che tuttavia non si dimostreranno affatto semplici da mantenere: come quasi sempre accade, più violentemente scoppia un trend, più rapido ed effimero si rivela.

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water resterà nel bene e nel male una delle principali testimonianze del suo periodo, quei 2-3 anni in cui il nu-metal ha fatto impazzire il mondo, in una seconda ondata che ha trovato la sua strada commerciale attraverso una mainstreamizzazione operata dalla "nuova" formula dei Limp Bizkit e, parallelamente, dalla formula dei Linkin Park, il cui debutto esce esattamente una settimana più tardi; è difatti con questi due album (e i loro successivi cloni) che l'intero genere diviene prepotentemente una moda globale, perde gran parte della propria dignità artistica, e tramite un intenso sfruttamento e riassorbimento finisce per esaurire entro circa il 2003 tutto il proprio potenziale, passando il testimone di nuovo trend metal giovanile al filone metalcore.
Durst forse nemmeno ci avrebbe scommesso, ma la sua My Generation è diventata davvero l'anthem, se non di una generazione, almeno di un peculiare, breve e irripetibile periodo storico; e il music video di Rollin', girato in parte sui tetti del World Trade Center un anno esatto prima del 9/11, resterà anch'esso simbolico di un indissolubile e non decontestualizzabile legame con la sua epoca.

Kuadra

admin — Tue, 02 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Crossover

Etichetta:

SG Records

Anno:

2010

Link correlati:

Kuadra @ MySpace.com

Line-Up:

- Van - batteria
- Kim - basso
- Zavo - chitarra
- Mimmo - seconda chitarra
- Krab - turntables-sinth
- Yuri - voce, testi

Tracklist:

1. Il Maiale (03:45)
2. Alieno Debole (04:03)
3. Vieni Fuori Di Qui
4. Ti Difenderò (04:59)
5. Promemoria (03:31)
6. Urla (03:27)
7. Il Ritratto Del Mostro (04:05)
8. La Terra Su Cui Vivo (04:14)
9. Fili (04:20)
10. La Storia Si Ripete (02:46)

Kuadra

Giunti al loro quinto anno di attività, i vigevanesi Kuadra pubblicano il primo album di studio, dal titolo omonimo, che rappresenta la naturale continuazione di ciò che la band aveva realizzato con il precedente demo autoprodotto. Il substrato musicale dei Kuadra è ancora da ricercare nella tradizione del Nu Metal d’oltreoceano, da cui emergono le sfaccettature e i tratti tipici dello stile Rap di Rage Against The Machine e Faith No More.
Notevole rilievo viene conferito quindi nei testi proposti, taglienti e realisti, incentrati sui temi centrali della società contemporanea, in pieno stile Rage Against The Machine: ciò non costituisce certamente un punto di forza per la formazione italiana, poiché alcune sezione si rivelano eccessivamente derivative e svuotate della personalità che aveva caratterizzato il primo demo.

Basti ascoltare l’opener Il Maiale per comprendere come il suo apice sia concettualmente analogo alla fin troppo celebre e abusata Killing In The Name Of; nonostante i Kuadra riescano a tessere un'architettura timbrica sì canonica ma efficace, sono troppo frequenti i riferimenti al genere americano che non consentono al full-length di elevarsi ai livelli auspicati.
Sono infatti solo le tracce sulla scia di Alieno Debole e Il Ritratto Del Mostro che risollevano la qualità dell’opera attraverso la loro inattesa evoluzione o il loro feeling più ricercato e sperimentale.
Inusuali sono anche gli interventi di voce femminile, così come i dialoghi di chitarra clean che risultano estranei al classico panorama Rap Metal main-stream: talvolta tali intermezzi appaiono in modo caotico e senza un filo conduttore ben definito, ma nel complesso l’esecuzione appare ben curata.
Non si discute infatti l’ambito tecnico in possesso dei Kuadra (patterns di batteria e ritmiche di chitarra), poiché brani come Promemoria e Urla sono ottimamente interpretate e intrise di un groove travolgente e particolare.

In definitiva, l’esordio discografico del sestetto lombardo risente ancora di una certa immaturità compositiva perché, considerato globalmente, appare acerbo nella sua attitudine lontana dalla scena europea e aderente al filone statunitense. La band deve però ripartire da questo lavoro per la stesura del prossimo capitolo di studio, in modo da valorizzare gli elementi già consolidati ed affinare le zone d’ombra dalla struttura scontata o poco innovativa.

10

admin — Wed, 28 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Crossover

Etichetta:

Universal

Anno:

2010

Link correlati:

Linea 77 Official Website

Line-Up:

:
- Emo – voce
- Nitto – voce
- Chinaski – chitarra
- Dade – basso
- Tozzo – batteria

Tracklist:

:
01. Muezzin
02. Vertigine
03. Il senso
04. A noi
05. Aspettando meteoriti
06. La notte
07. Come vipere
08. Au revoir
09. Tank!
10. L’ultima volta

Linea 77

10

Devo ammettere, in tutta trasparenza, che ho sempre i ritenuto i Linea 77 una delle band maggiormente sopravvalutate, per quanto rappresentative, del panorama alternativo italiano: ho sempre pensato che il loro enorme successo sia stato legato in primo luogo dall’esplosione micidiale del movimento nu metal, all’interno del quale la coniugazione del metal col rap ne era praticamente sinonimo, ed in seconda battuta a quel loro particolare modo di esprimersi che non è rap, non è hardcore, non è metal, non è nulla di definibile in maniera rigorosa eppure riesce ad assumere quel carattere istintivo e ribelle e, in fondo, piuttosto caotico in grado di smuovere la masse più eterogenee, attraversando come burro luoghi e, negli ultimi tempi, persino generazioni. Dopo i miracolosi esordi britannici ed il trionfale approdo in terra italica, merito di quel Numb che ancora oggi resta probabilmente il loro lavoro migliore (soprattutto 66 Diabolus In Musica, con la geniale collaborazione dei loro concittadini Subsonica), i Linea 77 hanno però manifestato un certo indebolimento, alleggerendo ulteriormente un sound già significativamente adeguato ai canoni dominanti nel nostro vecchio stivale: i risultati di questa operazione, cui l’aggettivo commerciale lo state aggiungendo voi ora, sono stati il mediocre Available For Propaganda ed il semi-disastroso Horror Vacui, appena 2 anni or sono. Non può dirsi solamente un caso se la maggior parte dei loro stessi sostenitori abbia storto un po’ il naso di fronte a scelte quantomeno azzardate (su tutte, la collaborazione con Tiziano Ferro, non per la scelta del partner in sé e per sé quanto per il prodotto finale) o più semplicemente rinunciatarie e temporeggiatrici, come quella di pubblicare ben 2 album, appunto, metà in lingua autoctona e metà in lingua d’oltremanica.

E’ evidente, quindi, che ai Linea 77 si chiedeva un passo decisivo, insomma, la decisione finale: radicarsi definitivamente al suolo della patria natia oppure ritornare alle bianche sponde d’Albione, magari tentando un coraggioso assalto al mercato d’oltreoceano. La scelta, giusta o sbagliata che sia, pare essere ricaduta sulla prima opzione, tant’è vero che tutte le tracce di 10, questo l’emblematico titolo del nuovo album, sono scritte nella sacra lingua madre tricolore e proprio la situazione drammatica dell’ex Bel paese cercano di fotografare col consueto realismo, di rado posato, più spesso brutale. A discapito degli scetticismi iniziali e nonostante le evidenti pecche che intaccano la sua riuscita complessiva, il decimo capitolo discografico dei Linea 77 si rivela album di tutto rispetto, estremamente efficace nelle sue linee melodiche essenziali ma trascinanti, forti del contributo di testi difficilmente banali e tanto più spesso esplosivi, la cui presa emotiva e mnemonica è certamente amplificata proprio dal fatto di essere scritti in italiano. Assoluto capolavoro, del disco in questione così come dell’intera produzione musicale firmata dalla formazione torinese, è Il senso, una canzone umilmente sofferta che, fra immagini accecanti di umana dignità ed inviolabili dichiarazioni di libertà individuale (“Voglio rispetto per una scelta presa da me, per me!”), offre uno spaccato sanguinante eppure delicato della condizione vegetativa in cui oggi tanti essere umani, troppi, versano per costrizioni naturali e, si sa, altrui. Non mancano ugualmente le consuete tracce da mosh sfrenato nella più gloriosa tradizione della band torinese, soprattutto l’irresistibile Aspettando meteoriti, ironico (“Traffico: rilassati e buona vacanza in tangenziale! […] Dormire, e sperare che domani ci colpisca un meteorite!”) e crudo (“La giustizia è una vana speranza se la legge è di chi se la compra; […] Alcool: tanto quanto basta per sentirti meno scemo!”) tratteggio della quotidianità italiana nell’anno del Signore 2010, ma anche Come Vipere, il cui chorus è introdotto da uno stuzzicante sibilo onomatopeico, e la stessa Vertigine, primo singolo estratto e protagonista di una preview assolutamente originale (clicca qui ). Allo stesso modo, anche i momenti più strazianti (La notte, e fate molta attenzione alle liriche) o drammatici (Au Revoir) acquisiscono decisamente spessore, rivelandosi piacevoli e mai troppo prevedibili, segnando, anche in questa specifica circostanza, un riuscito punto di svolta nella carriera discografica dei Linea 77, in grado ormai di spaziare con buona padronanza fra registri estremamente lontani e mostrando una varietà di idee compositiva non ancora pienamente espressa ma sicuramente interessante, come dimostrano la deftonesiana opener Muezzin, la (pop) punk attitude di A noi (probabilmente l’episodio meno entusiasmante dell’album) e l’hardcore style, con tanto di bruciante up tempo, della conclusiva L’Ultima Volta.

E’ chiaro che anche 10 presenta alcuni aspetti negativi che, se maggiormente curati, ne avrebbero potuto fare disco di ben altro rilievo, ma si tratta pur sempre di aspetti parziali e mai dominanti sulle qualità positive già rilevate: in primo luogo, al di là del fatto che siano relativamente impegnati e che certamente sono un pregio non indifferente, i testi presentano numerose ripetizioni che certamente, con un uso più appropriato di certe sfumature linguistiche, avrebbero potuto essere eliminate senza troppa difficoltà; allo stesso tempo, dal punto di vista strutturale troviamo una scelta non di per sé deleteria ma certamente mal sfruttata, vale a dire quei finali che, posti a chiusura in più d’un occasione, dovrebbero esaltare il contenuto lirico del brano ed invece non fanno che affossarne o limitarne considerevolmente la continuità emotiva e, di conseguenza, l’effettiva riuscita complessiva.

Ad ogni modo, 10 rimane un lavoro pregevole, non eccezionale ma certamente giudicabile in maniera positiva, sia di per sé stesso che alla luce dei recenti passi falsi della formazione piemontese. Ad un titolo così simbolico, ad un momento storico così importante per la loro carriera artistica, Emo, Nitto, Dade, Tozzo e Chinaski avrebbero dovuto offrire un album nuovo, diverso, altrettanto significativo, che chiudesse il primo atto della loro vita musicale e ne aprisse un secondo, nel bene o nel male rinnovando e non rinnegando la loro storia musicale: ebbene, 10 conferma assolutamente che, nel bene e nel male appunto, ma più nel bene che nel male, i Linea 77 ci sono riusciti.

N.B. Credo sia doveroso fare un plauso alla band anche per la scelta intelligente di distribuire il disco attraverso un canale non convenzionale come la rivista XL, inserto di Repubblica, ad un prezzo addirittura minorato rispetto alla normale distribuzione nei negozi di dischi; una scelta innovativa, in parte, e del tutto proficua, anche a vantaggio di chi, come nel mio caso personale, abitando in provincia e in periferia, faticherebbe, per ragioni di tempo più che altro, a recarsi in città presso un negozio di dischi specializzato. Sono aspetti forse collaterali e che, come si dice solitamente in questi casi, "ci vuol poco a farlo": c'è chi lo fa, c'è chi non lo fa, e i Linea 77 l'hanno fatto, per cui, a maggior ragione, grazie.

LINK PER L'APPROFONDIMENTO: Tracklist completa con i commenti della band nelle parole di Emo e Nitto (clicca qui ).

Sacrifist

admin — Sun, 18 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Avantgarde

Crossover

Grind Core

Etichetta:

Subharmonic

Anno:

1994

Line-Up:

- Bootsy Collins - bass and vocals
- Buckethead - guitar
- Brain - drums
- Bernie Worrell - keyboards
- Mick Harris - drums
- Yamatsuka Eye - vocals
- John Zorn - saxophone
- Bill Laswell - bass

Tracklist:

1. Stronghold
2. Cold Rolled/Iron Dub
3. Suspension
4. Rivet
5. Deathstar
6. The Hook
7. Nine Secrets
8. Crossing

Praxis

Sacrifist

Nel loro secondo album i Praxis di Bill Laswell vedono la collaborazione di John Zorn dei Napalm Death, assieme al suo compagno Mick Harris e a Yamatsuka Eye dei Boredoms. Inizialmente Sacrifist sarebbe dovuto essere un album del progetto Rammellzee, ma lo stesso Zorn suggerì di farlo divenire il secondo album targato Praxis.
L'apporto in particolare di Zorn è determinante nel rendere il sound del gruppo più aggressivo e rumoroso, contaminandolo più che mai con elementi del metal estremo e del grindcore, ma ciò non comporta la dissoluzione totale degli stilemi che già si erano incontrati sul predecessore, come il funk, l'hip hop o i virtuosismi del chitarrista Buckethead, ma più che altro vengono ridimensionati come ruolo e in alcuni casi relegati ad un background d'accompagnamento dissonante per sonorità più ruvide e granitiche. Il problema è che questa matrice estremizzata soffoca gran parte dell'eclettismo e della vena schizzata (ma creativamente fresca e vitale) dimostrata in Transmutation. Troppo spesso infatti veloci attacchi di riff death/grind, martellamenti thrashy o refrain speed metal vengono messi in primo piano e prolungati senza però trarne vigore: l'intento è di far suonare tutto claustrofobicamente caustico, di elevare a dismisura la freneticità dei pezzi, ma in realtà tolgono spessore ai brani che mostrano molta meno caratterizzazione e minor eterogeneità. Il songwriting si fa ben più piatto e prevedibile che nell'esordio, a complicare le cose ulteriormente è la monotonia di molte composizioni che finiscono per risultare soporifere anche quando ci sono spunti interessanti sotto.

L'iniziale Stronghold è un breve e caotico speed-death (che di base non dice molto più di quanto già detto da gruppi come Slayer o Sepultura), macchiato però dell'essenzialità del grindcore, da frammenti elettronici, da urla campionate e dai virtuosismi di Buckethead.
La successiva Cold Rolled mescola gli stessi elementi del precedente brano con elementi funk rock e free jazz, per poi sfociare nell'hip hop/dub di Iron Dub.
Ancora una volta Suspension indugia con sfuriate estreme formalmente banali ma inserite appositamente in un contesto dissonante e multisfaccettato per generare qualcosa di alienante, acido, caotico.
Rivet è un'ossessiva ripetizione di riff marcati e brucianti, le solite urla ed effetti campionati sempre più stranianti, come a fare da sottofondo ad un vortice in cui si precipita circondati solo da folli esplosioni soniche.
Di ben diverso approccio è la lunga Deathstar, dove funk distorto, droni rumoristici, elettronica minimale e tappeti tastieristici costituiscono un brano atmosferico e orecchiabile, progressivamente sfociante in una volata dai toni spaziali condotta da un'attitudine da jam session.
The Hook è una traccia electro-hop stilisticamente scontata ma molto catchy. La bizzarra telefonata senza dialogo in giapponese in conclusione introduce Nine Secrets, che non aggiunge nulla a quanto già sperimentato nelle prime traccie, suonando così solo forzatamente rumoristica, martellante e pesante.
La conclusiva Crossing è una suite concettualmente prog incentrata sull'organo di Worrell, impegnato in un assolo più giocoso che finalizzato ad esibire tecnicismi ed accompagnato da inquietanti sfondi atmosferici di sottofondo.

Nonostante gli intenti, Sacrifist si rivela molto deludente in confronto al più ispirato Transmutation. Il matrimonio fra Laswell & soci e l'eclettico John Zorn non si è concretizzato in questo album, nonostante l'altissimo potenziale.

Transmutation (Mutatis Mutandis)

admin — Sat, 29 Aug 2009 22:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Jazz Rock

Crossover

Avantgarde

Etichetta:

Axiom

Anno:

1992

Line-Up:

- Bootsy Collins - space bass, vocals
- Buckethead - guitar, toys
- Brain - drums
- Bernie Worrell - synthesizer, clavinet & vital organ
- AF Next Man Flip (Lord of the Paradox) - turntable, mixer

Tracklist:

1. Blast/War Machine Dub
2. Interface/Stimulation Loop
3. Crash Victim/Black Science Simulator
4. Animal Behavior
5. Dead Men Walking
6. Seven Laws of Woo
7. The Interworld and the Innocence
8. Giant Robot/Machines in the Modern City/Godzilla
9. After Shock (Chaos Never End)

Praxis

Transmutation (Mutatis Mutandis)

"Chaos is not entropy... chaos is continual creation."

Nel super-gruppo Praxis, ambizioso progetto ideato e costruito dal produttore Bill Laswell (già noto per i numerosi progetti da lui avviati e per le sue sperimentazioni), si riuniscono il misterioso quanto eccezionale chitarrista Buckethead, il batterista Brain dei Limbomaniacs, Bootsy Collins al basso e Bernie Worrell alle tastiere, entrambi provenienti dai P Funk All-Stars di George Clinton, e il missatore Afrika Baby Bam dei Jungle Brothers sotto lo pseudonimo di Af Next Man Flip.
Questa formazione esplode di creatività, eclettismo e anche spavalderia con l'album di debutto Transmutation (Mutation Mutandis). Si tratta di un collage frenetico e giocoso di più stili, come funk, jazz rock, metal e hip hop, tenuto insieme da un'attitudine da jam mascherata con un certosino e pulito collegare fra loro refrain, stacchi, motivi e assoli come in un brano regolare - ad eccezione di quando improvvisamente cambia il tema musicale seguendo un gusto per l'improvvisazione cristallino, soluzione che apparentemente rende i brani disomogenei e privi di organicità ma che in realtà rivela la natura poliedrica, appariscente e priva di redini del gruppo.
Il tutto è contemporaneamente un divertissement spensierato ma eclettico, come un gioco sostenuto però con guizzi estrosi e sapienti, ed una messa in mostra ai limiti dell'esibizionismo di doti compositive minata forse da un'eccessiva auto-indulgenza.
I pezzi sono quasi tutti strumentali, a volte sfiorando la suite, altre sembrando quasi in realtà più canzoni senza la parte vocale, il che tende ad un certo punto a far sembrare alcuni particolari passaggi come se ad essi mancasse qualcosa; ma un successivo cambio di sonorità spesso rimedia a ciò lasciando spiazzati ed un po' incuriositi.
La ventata d'originalità del disco inoltre non fa altro che ridefinire il concetto di crossover, portandolo ad una delle sue forme più avanguardistiche e sperimentali.

Il primo brano è Blast/War Machine Dub, folle strumentale dalle venature progressive fra struttura e arrangiamento che incrocia virtuosismi di chitarra, dissonanze industriali, tecnicismi fusion e aperture quasi thrash/death metal seguite da una distensione elettronica ed in parte rumoristica, con occasionalmente spunti funky. Ma anche in questa parte più "calma" si avverte un'atmosfera tesa e pronta ad esplodere di sottofondo.
La successiva breve Interface/Stimulation Loop è meno "schizzata" e più marcatamente funk rock, se si eccettuano assoli virtuosi che sbucano all'improvviso fra i bassi incalzanti e l'hammond che riprende il blues rock degli anni '60 in una versione più spensierata, briosa e sciolta.
Crash Victim/Black Science Simulator inizia anch'essa come un funk rock più consueto ed ordinario, ma occasionalmente esplodono climax di tecnicismo prog che in conclusione cedono il passo ad un hip hop campionato ed in lo-fi.
La lunga Animal Behavior parte da questo trampolino di lancio mostrandosi come un hip hop suadente ed esotico, in cui le tenui percussioni tribali e l'hammond fanno da sfondo per la scherzosa voce (unico pezzo in cui compare) e accompagnano la decisa sezione ritmica fino a più o meno metà traccia, in cui tutto si tramuta senza preavviso in una melodica e commovente ballad di chitarra.
Dead Men Walking continua a mostrare un gruppo che si diverte ad alternare, sovrapporre, smontare e rimontare schitarrate metal virtuose, bassi funk e dub, samples di varia natura, scratching e tappeti d'hammond di sottofondo; ma il tutto inizia a sembrare un po' monotonamente prevedibile, nonostante questa sorta di funk sperimentale suoni comunque accattivante e divertente.
Con la successiva Seven Laws of Woo (riff hard & heavy su base funk/jazz) si ha un pezzo in sè trascinante, grintoso e carismatico, trascinato dal piglio bruciante di Buckethead, ma senza troppe sorprese stilistiche. Fortunatamente, contro quest'ultimo punto di vista, The Interworld and the Innocence è una parentesi atmosferica impreziosita da sfaccettature psichedeliche ed un corposo crescendo finale fra rock, elettronica e fusion.
Viene ora Giant Robot/Machines in the Modern City/Godzilla, libero gioco citazionistico (il tema iniziale è quello di Giant Robot) a cui si aggiungono aperture fusion coadiuvate da spruzzi di elettronica nevrotica, i consueti spunti funky e da droni rumoristici posti nel finale irrequieto.
Infine a conclusione del disco c'è la lunga suite After Shock (Chaos Never End), inizialmente una summa stilistica dell'album in cui confluiscono le maggiori influenze jazz/fusion e prog del disco, oltre che il punto di maggior contrasto fra lo spirito da jam session e l'incastro di motivi sonori, che comunque viene meno ad un certo punto quando tutta la scena viene occupata dall'hammond che si impegna in un revival dilatato, schizoide e giocoso (ma accompagnato da rumori e chitarre cacofoniche) degli Emerson, Lake & Palmer.

Sotto l'egida di Bill Laswell viene realizzato così un disco particolare e caratterizzato, una sorta di bruciante crossover d'avanguardia che gioca a combinare fra loro stili differenti seguendo una certa logica che viene poi messa al servizio dell'improvvisazione con cui assemblare una jam session esuberante e quasi continua, al punto che non suonerebbe innaturale un unico mega-brano costituito dalle esecuzioni legate fra loro in maniera ininterrotta.

Year of the Black Rainbow

admin — Mon, 13 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Crossover

Etichetta:

Roadrunner Records

Anno:

2010

Link correlati:

Coheed and Cambria @ MySpace.com

Line-Up:

- Claudio Sanchez – lead vocals, lead and rhythm guitar, keyboards, synthesizer, lyrics
- Travis Stever – lead and rhythm guitar, backing vocals, synthesizer
- Micheal Todd – backing vocals
- Chris Pennie – drums, percussion

Tracklist:

01. One (1:54)
02. The Broken (3:53)
03. Guns of Summer (4:47)
04. Here We Are Juggernaut (3:44)
05. Far (4:54)
06. This Shattered Symphony (4:26)
07. World of Lines (3:18)
08. Made Out of Nothing (All That I Am) (4:38)
09. Pearl of the Stars (5:05)
10. In the Flame of Error (5:29)
11. When Skeletons Live (4:18)
12. The Black Rainbow (7:33)

Coheed and Cambria

Year of the Black Rainbow

Quanti di voi abbiano seguito finora la mia carriera recensoria, certamente avranno intuito come alcuni generi più sperimentali o sofisticati non appartengano ai miei canoni di gusto, più votati a forme musicali travolgenti, esplosive, decisamente meno cerebrali: tra questi, in primis, il progressive. Chi di voi conosca dunque la carriera discografica dei Coheed And Cambria non esiterà certamente a meravigliarsi del fatto di trovare il mio nome in calce alla loro ultima opera discografica, giacché proprio la formazione statunitense costituisce uno degli esempi più intensi e particolari del prog anni Zero. Questa apparente discrasia non deve ingannare: se è vero, dal un lato, che le mie preferenze musicali hanno subito una parziale evoluzione, dall’altro quest’ultima non giustificherebbe comunque un tentativo maldestro di raccontarvi un lavoro così lungamente atteso e al quale potrei persino faticare ad avvicinarmi con orecchio attento e cosciente.

La realtà è un’altra: Year Of The Black Rainbow, prequel della saga sci-fi The Amory Wars su cui si fonda l’intera opera discografica dei Co&Ca, non è un album prog propriamente inteso, ossia nella sua accezione più complessa e criptica, bensì uno scintillante manifesto di alternative rock crossover meravigliosamente intricato eppure genuino, acuto eppure travolgente, accurato eppure abrasivo. Per chi osserva dall’esterno, senza penetrare nella giungla sonora del disco in questione ma limitandosi ai dati più informativi, non potrà non accorgersi di un elemento assolutamente significativo, tanto più se confrontato alle precedenti produzioni della formazione nordamericana e, più in generale, a tutti i dischi classificabili come prog: nessuna delle 13 tracce che compongono Year Of The Black Rainbow supera i 6 minuti di durata, con la sola eccezione, peraltro ampiamente diffusa anche in album notevolmente distanti da questo genere, della titletrack conclusiva. E’ un dettaglio nient’affatto insignificante, è la spia di una tendenza precisa che per la prima volta si affaccia su un album firmato Coheed And Cambria e che dello stesso costituisce uno degli aspetti meglio concepiti: mai come in questa occasione, infatti, la formazione nordamericana capitanata da Carlos Sanchez è riuscita a sublimare la propria peculiare inclinazione prog all’interno di un formato canzone più tradizionale, più essenziale, fors’anche più elementare, senza per questo abbassare i propri elevati standard compositivi ma, anzi, facendoli rilucere di uno splendore nuovo, forse meno cerebrale ma di sicuro molto più istintivo ed emozionale.

Quanto appena sostenuto probabilmente scandalizzerà i fans della prima ora, che potranno forse intravedervi un pericoloso segnale di deriva commerciale, ma la realtà è nuovamente un’altra: Years Of The Black Rainbow è un album variopinto, coriaceo, travolgente, persino indigeno nelle sue contorsioni tecniciste e allo stesso tempo primitive, ben lungi insomma dai palati più grezzi o dalle menti meno aperte. Punti deboli, a tutti gli effetti, questo meraviglioso platter non ne presenta, per lo meno non in maniera eclatante: si può ritenere un poco retorica Guns Of Summer, la cui struttura canora risulta forse eccessivamente prolungata e al contempo irrisolta, o la saettante World Of Lines, dagli insoliti risvolti anni ’80 abbastanza fuori fuoco. Tutto il resto è un sapiente alternarsi di puro e irresistibile alternative rock intriso dei più esaltanti virtuosismi prog, soprattutto per quanto concerne la straripante sezione ritmica (letteralmente mostruosa, in questa circostanza soprattutto, la produzione), contaminato da febbrili inclinazioni heavy (Here We Are Juggernaut), sorprendenti echi wave (la malinconica mid-tempo Far), deliziosi romanticismi space (la tenera e suggestiva Pearl Of The Stars), trascinanti parentesi emo-core direttamente estratte dalle loro insondabili radici (la roboante The Shattered Symphony al pari della più docile Made Out Of Nothing). Proprio quest’ultimo aspetto si rivela una delle ragioni alla base della straripante presa emotiva che Year Of The Black Rainbow esercita sui suoi fruitori e non è certo una fattore secondario nello spiegare l’innata capacità, che i Coheed And Cambria ivi rivelano finalmente nella sua pienezza, di produrre melodie dalla semplicità tanto disarmante quanto apparente (The Broken, primo singolo estratto, su tutte), soprattutto per quanti ne subissero il fascino spudorato (e non dubitiamo che saranno un numero tutt’altro che trascurabile) al punto tale da scoprirne, ascolto dopo ascolto, tutti i rivolti più timidi e sottili.

Infine, come non celebrare l’assoluto talento di un crooner formidabile come Carlos Sanchez? La sua performance vocale è pressoché inattaccabile per l’intera durata del disco, alternando con rara maestria le più furenti esplosioni ai più delicati ricami, interpretando con personale convincimento e mirabile presenza scenica tutte le situazioni narrative contenute all’interno del platter; non soltanto, atto dopo atto traspare con sempre maggiore fervore il fascino latino delle proprie radici centroamericane, che offre a ciascuna delle 12 tracce di Year Of The Black Rainbow un influsso etnico, una vena tribale sempre e continuamente in procinto di erompere eppure magistrale controllata, dominata, non trattenuta bensì incanalata in linee vocali dal groove semplicemente, fisicamente irrefrenabile (In The Flame Of Error). Soltanto una personalità così scolpita e carismatica avrebbe potuto concepire e concretizzare un’opera così ambiziosa eppure nient’affatto artificiale, soltanto una voce così imprevedibile e multiforme avrebbe potuto esal(t)are la modernità raffinata di Year Of The Black Rainbow, un po’ Benji Webbe (Skindred), un po’ Zach De La Rocha (Rage Against The Machine), un po’ Brandon Boyd (Incubus), ed è proprio a quest’ultimi che potremmo fare riferimento nell’estremo tentativo di classificarla: impresa ardua, eretica per i più, priva di senso per altrettanti, del tutto inutile per quasi tutti, sta di fatto che i Coheed And Cambria, già annoverati fra le realtà più innovative del panorama alternativo internazionale, hanno fatto di Year Of The Black Rainbow, loro quinto capitolo discografico, l’album della conferma e della svolta contemporaneamente, un gioiello di innegabile pregevolezza, un coloratissimo raggio di luce in questo grigio 2010.

LINK PER L'ASCOLTO (streaming integrale): Coheed And Cambria @ MySpace.com